论车尔尼钢琴练习曲在钢琴学习中的作用

论车尔尼钢琴练习曲在钢琴学习中的作用（精选4篇）

1.论车尔尼钢琴练习曲在钢琴学习中的作用 篇一

音乐听觉在钢琴学习中的作用论文

音乐艺术创作的目的是要获得它的艺术审美价值和社会意义，这种目的的获得是以人类听觉为基础的。钢琴艺术是表现人类情感的听觉艺术。对于钢琴演奏者来说，运用广博的文艺修养，深入研究并理解作品，使用科学合理的练琴方法，弹奏出美妙音色、感人的旋律，使欣赏者和演奏者本身从中感受到愉悦，并引发有关生活经验产生音乐想象，从而感悟到作曲家在音乐中蕴含的世界观和人生哲理，达到净化心灵、陶：台情操、启迪智慧的目的。

音乐的创作实践过程由三个阶段组成，即：一度创作，作曲家把对现实生活的情感转化为内心歌唱的旋律并通过音符形式记录下来;二度创作，演奏家通过倾听谱面把音符变为个人的内心听觉，然后又把个人内心听觉转化为实际音响;三度创作，欣赏者对演奏家演奏的实际音响的体验感受。在这些过程中，都依赖于人的听觉和声音。因此笔者认为，人类听觉既是作曲家创作的基础，又是钢琴演奏的基础，更是音乐审美的基础。

一、听觉的概念与钢琴发音的原理、特性

所谓听觉是声波物理特征的反映。发音体的振动产生声波称为声音。发音体振动发出的能量通过物质媒介的逐层传递以纵波的形式传到人耳而产生听觉。声波的物理特性有频率、振幅、波形和持续时间。这种特性与人类听觉感受声音的特性音高、音强、音色和时值相对应。

钢琴的发音体是琴弦，它是利用键盘的杠杆，作用于击弦机通过毛毡裹制的小槌敲击琴弦，使之振动而发音的。弦的振动通过音板的谐振产生共鸣来扩大音量。钢琴琴弦振动的频率决定音的高低，由弦的长度、直径、张力三方面决定，弦的长度和直径与振动频率、音的高低成反比，即弦越长，直径越大，振动频率越小，音越低。钢琴是乐器之王，是音域最宽的乐器。它的音域从大至二组A到小至五组C，共88个音。钢琴的音量取决于琴弦的质量、击弦力的大小和音板的质量与性能。在钢琴上音乐要求音量可以从最弱PPP或PPPP到最强FFF或FFFF。钢琴的音色取决于击弦的方式和击弦点的选择。钢琴发音的持续性取决于弦的质量、弦的张力、音板的共振的好坏等因素。值得注意的是，钢琴的音量音色是可以由钢琴演奏者的指触来发生变化的。

二、音乐听觉概念

音高、音强、音色和时值，在音乐作品中表现为横向的旋律、节奏，纵向的和声、织体，音强和音色是增强音乐表现力的重要手段。例如在钢琴作品中，音色的丰富多彩如德彪西《月光》中“朦胧如纱”，中国曲目《百鸟朝凤》中用钢琴模仿“光棍好苦”、鸡叫、八哥、布谷鸟、群乌争斗等音色，丰富了钢琴表现力，再现了人与大自然的和谐统一，可谓是天籁之音。

所谓音乐外部听觉，外部是指音响对人耳的听觉器官的刺激。这种外界的音响刺激作用于人的听觉器官，经人脑信息加工而产生对音乐作品的个别属性的反映，称为音乐感觉。在钢琴学习过程中，初次倾听某乐曲，对其音乐节奏缓急、音乐旋律线曲折、音色明暗等产生感动、伤心、高兴、抑郁等生理上的反映，这种感觉就是音乐感觉。就像玛克恩・德索在《美学与艺术理论》一书第三章“审美经验”中曾恰当地把这种生理感受称之为“审美反射”，他说：“当倾听某种歌声时，我们还没有听清其歌词与旋律，便觉得已深受感动了。有些音色会使人立即兴奋或松弛，有时会使人狂怒，有时会像微风一样轻拂我们，它们作为通向生动性情感的美感的激发，只在几秒钟对我们起作用。”①音乐外部听觉是产生音乐感觉的基础。音乐外部听觉灵敏、持久，对于钢琴学习者来说，是一种基本的能力。

所谓音乐知觉是在音乐感觉的基础上对音乐作品的综合的、整体性的把握。音乐知觉是更为积极的音乐审美心理活动。感觉和知觉合称为感知，在音乐审美活动中二者共同发挥作用。例如，听肖邦降E大调夜曲作品9之2，肖邦采用如歌的曲调并加以装饰的手法，单一的伴奏织体贯穿全曲，和声色彩丰富，曲速较慢，让人感受到肖邦凝神的沉思和略带悲歌色彩，好象是明朗、幽静的田园风;肖邦降D大调前奏曲，作品25之15，全曲运用均匀的八分音符，始终重复着降A(在中间部分以等音形式转为升G)，让人感到就像阴沉天空中，从房檐下滴答滴答落下的雨点声，这首曲子因此被称为有节奏的雨滴声的.描绘练习;再如里姆斯基・科萨科夫《野蜂飞舞》，运用十六分音符半音阶快速上行、下行、重复，使人感到好似野蜂飞舞时扇动翅膀发出的嗡嗡声响，类似这样的例子很多。

音乐内心听觉是指在内心听到音乐节奏、力度、旋律，联想到音乐形象，并通过认真研究作品的背景材料，体会到音乐的主题思想，也就是在无声的状态下，人的内心对音乐作品的感知、想象、理解和形成音乐思维，并以此为目的来指导演奏。对于钢琴学习者来说，钢琴学习的过程是音乐外部听觉与内心听觉同时作用的过程。音乐外部听觉是视奏研究谱面，并将谱面熟练的过程，利用音乐外部听觉来判定演奏者弹奏的音符是否正确，曲调是否流畅，速度是否合理，表现手法是否得当，它是钢琴演奏和音乐感知的基础。音乐内心听觉是对钢琴作品的理解、是演奏者对音乐作品的内化。通过查阅各种资料，对作品深入分析，走进和感受作曲家的生活，用心与作曲家的作品交流，理解感悟作品的意义，然后用心来演奏作品的过程。

三、音乐听觉与钢琴学习

钢琴较之其他乐器特点，它有88个键，因此有88个固定音高。在弹奏的过程中，手指落下就能有固定的音高发音。它不像小提琴必须靠演奏者手的把位、内心敏锐的听觉来奏出准确音高。可能正是这个原因，有些钢琴学习者虽然很用功，很刻苦，但是他们不善于主动用听觉分辨自己弹出的音色、乐句，导致音色、力度没有对比，音乐层次性差，乐句不清晰，踏板不干净，使音乐失去了音乐情趣，削减了应有的表现力，影响表现效果。如果连续练琴数小时，而不集中注意力去聆听和思考，这无异于浪费时间!只有经过训练的耳朵才能察觉到细微的不准确性，以及不纯净的音色。要避免这些问题只有真正地提高演奏技巧，同样，只有通过自我检验(聆听)，才能培养出良好的听觉能力。通过听觉琢磨优美的音色以及细微的声音层次。”②

在钢琴练习以及演出的过程中，音乐外部听觉相当于观测器，不时地把练习或演奏输出的音乐反馈给大脑并和音乐内心听觉进行比较，并以指令的形式指挥大脑调整演奏。当音乐内心听觉指令正确无误时，练习将会提高效率，对于演出，一定会成功。所以在练琴一开始，要用心去倾听，一方面可以提高练琴效率，另一方面可以培养良好的音乐听觉习惯，提高音乐听觉的能力。

四、在钢琴学习过程中如何培养良好的音乐听觉

(1)由基本练习入手提高练习者的音乐外部听觉的敏锐性。基本练习是钢琴学习者每日必备的功课。有些钢琴学习者，没有任何自我要求、约束，认为只要顺着下来弹两遍就行。这样的练习，无目的、无方法，只是为了练琴而练琴，日积月累，就会使钢琴基本练习成为枯燥的技术练习，让练习者生厌。针对上述问题，通过明确基本练习的目的，例如变换音色、力度和层次，来练习触键、触键方式和下键速度等;还可根据练习者的手指能力情况，通过变换节奏、速度，提高其弱指的弹奏能力等。例如，练习降E大调音阶。目的：练习手指力度由P至F的表现能力。基本原理：手指下键速度决定着弹出的音力度。手指下键速度快，触键面积小，音自然就强;反之，手指下键速度慢，触键面积大，音就弱。练习遍数：共五遍。速度：由慢逐渐快。具体方法：在第一遍时，让练琴者用P力度，慢速弹两个八度，在弹的过程中，注意细心倾听每个音的音量是否统一在一条线上，并及时调整手指的指触。在第二遍时，让练琴者用比前一遍稍强的力度MP，慢速弹三个八度，要求同上。依次在第四遍时，用F力度，较快速度，要在变换速度时，锻炼手指下键的感觉，以及耳朵听辨的能力，每个音要像大小一样的珍珠依次洒落在玉盘发出清脆悦耳的声音。当学生掌握了四个层次(P MP MFF)的力度，第五遍，上行由P-F，下行由F-P，快速，四个八度。当然，进度可根据学生能力来适度调整。内心有了对基本练习的要求，利用音乐外部听觉监督，获取好的声音。这样练习，使钢琴演奏者练习有了兴趣，既提高了音乐表现的技巧，又锻炼了音乐的外部听觉，更进一步培养了良好的音乐内心听觉的习惯。

(2)认真研读谱面，通过分析作品创作手法并利用唱旋律、听和声和打节奏等方法熟悉乐谱，加强对音乐作品的感知，来破译作曲家内心的音乐密码，提高练习者的音乐表现技能，提高音乐外部听觉判断性，逐渐养成音乐内心听觉习惯。谱面是作曲家通过对现实生活的感悟以音符的形式记录他的思想。弹奏者在摸谱之前，应先读谱，不放过作曲家标示在谱面的任何记号，并掌握清晰乐曲的曲式结构、旋律和声、调式调性、速度力度、句法奏法等。在练习的过程中，可用唱旋律方法体会旋律线条的曲折，感知旋律的变化。要注意倾听旋律线条的起落，旋律与伴奏之间的声部是否平衡，和声色彩明暗紧张度，节奏表现的是否准确到位等等。在熟练时，也要读谱，更要注重音乐的感知，抓住音乐的基本情绪。例如，练习中国曲目《绣金匾》，王建中老师在改编此曲时，保持了原民歌朴素而优美的旋律，加以钢琴的织体，并运用古筝拨奏手法，使音色明亮，流畅，轻快。全曲共分三部分，其为再现的两段体，A+B+A、。第一部分，是亲切、流畅的奏出旋律。第二部分，旋律移高五度，并且情绪欢快，跳跃。第三部分，是前一段的变化再现。全曲旋律运用加花的创作手法，在弹奏时，要抓住旋律的主要音，要有层次变化，手指要控制，耳朵要辨别。在速度方面，A段亲切的歌唱，不易太快，中段是热情的、跳跃的，速度有所变化，A’段是颂扬的段落，可拉宽。只有通过具体的分析，内心明确曲目要表达的意境，有目的去练琴，这样才能收到既锻炼音乐外部听觉的判断能力，又提高了钢琴演奏的表现能力。

(3)通过对作曲家音乐背景材料的分析，使演奏者心态接近作曲家的心态，领悟到音乐作品的真谛，并用恰当的方式表达其音乐思想，丰富音乐内心听觉，增强演奏者表现作品的欲望。钢琴教育家赵晓生在《钢琴演奏之道》一书中，强调：“演奏者必须研究作曲家与社会的联系;作曲家的总的音乐风格及风格演变――作品在音乐史、钢琴史、作曲家本人作品、同类作品中的地位”，只有通过这一系列的问题才能深刻体会音乐蕴含的内容。从这些文史资料中汲取表现音乐的能力，使演奏者更具感染力、震撼力。在了解作曲家的同时，增强了科学、历史、文学等知识，使钢琴学习变为一种文化的学习。

(4)运用灵活多变的练琴方法，如有琴出声、看谱想声和无琴无声，充分利用音乐记忆想象能力，提高音乐内心听觉，使音乐融入演奏者的潜意识中，形成音乐思维和音乐语言，并运用这些语言打动人心。所谓有琴出声练习是指在钢琴上视奏、背奏的练习。这种练习在大脑注意力不集中的状态下，会偏重手指肌肉的动作记忆。当练习者遇到紧张、心情不佳时，只凭手指动作记忆，会使演奏者记忆中断，大脑一片空白。钢琴大师阿牢曾说：“有分析的记忆才是最可贵的”。所谓看谱想声与无琴无声，是在没有任何音响刺激的状态下，利用音乐内心听觉锻炼大脑对手指的控制支配能力，对音乐作品的记忆想象能力，增强谱面理解与识记。特别是无琴无声练习，不受时间、地点的限制，可在睡觉前，闭上双眼，眼前回忆谱面，想象左右手每个音在琴键上的位置，明确左右手的指法和指触，想象左右手弹奏的节奏、速度和表情，想象音乐内容和音乐形象。经过一段时间的练习，乐曲将融入到练习者的潜意识中，形成音乐思维。当练习者再次坐到钢琴前演奏此曲时，弹奏就像说话一样流畅自如，富有表情与感染力。运用多种练习方法结合，把乐谱上死板的音符通过音乐内心听觉内化为自身的音乐思维，使具有个性化的音乐语言在钢琴上表现出来。

音乐教育在本质上是审美教育，学习钢琴是接受审美教育的一种手段。钢琴学习的过程也是不断地重复提高的过程，只有学生形成良好的音乐听觉习惯，才能培养、保持其学习钢琴的兴趣与热情，并增强其在学习钢琴中不断克服种种困难的毅力，激发学生表现美、创造美的欲望，使钢琴学习的过程成为追求美的过程，使钢琴弹奏者成为音乐美的创造者。

注释：

①《音乐学习与教学心理》曹理，何工著，上海音乐出版社，第47页

②《现代钢琴演奏技巧》卡尔・莱默尔、瓦尔特・吉泽全著，姜丹译，上海音乐出版社，第3页

参考书目：

[1]《音乐学习与教学心理》曹理、何工著，上海音乐出版社，20

[2]《音乐教育心理学概论》赵宋光主编，上海音乐出版社，

[3]《心理学》王淑兰、欧阳仑主编，西安出版社，1994年

[4]《音乐表演笑学，杨易禾著，江苏文艺出版社，

[5]《笑学简论》韩玉珠著，陕西师范大学出版社，1994年

[6]《钢琴学习指南》魏廷格著，人民音乐出版社，19

[7]《钢琴演奏之道》赵晓生著，湖南教育出版社，年7月5次印刷

[8]钢琴的调律与维修入张昆著，人民音乐出版社，1986年

[9]《现代钢琴演奏技巧》卡尔・莱默尔、瓦尔特・吉泽金著，姜丹译，上海音乐出版社，20

2.论车尔尼钢琴练习曲在钢琴学习中的作用 篇二

关键词：五指练习；音阶；琶音；装饰音

《车尔尼钢琴流畅练习曲》（作品849）是一本钢琴学习的初级教材，一般来说，学完了车尔尼（作品599）和巴赫的《初级钢琴曲集》等教材后，就可以使用这本练习曲了。这本教材有一个很重要的特点，即每一首练习曲都有一个明确的技术课题，所以教材的系统性比较强。学生如果能在练习中理解每一首练习曲的技术特点和难点，并耐心认真体会要领，那么就会为学习中、高级钢琴作品做好充分的准备。下面我就从固定五指练习、音阶及半音阶技术练习、琶音及分解和弦练习、轮指练习、装饰音练习等五个方面来进行分析。

一、固定五指练习

这类练习曲包括No.1、2、3、5、7、10、16、20。固定五指练习，就是在五个手指位置内，去练习一些音的组合。这是任何弹奏技术的基础，目的在于解放手指，训练他们能够稳定、清晰地演奏。五指练习要求从一个音移至下一个音的时候，手的各部分动作协调，肌肉不紧张，手腕不要跳动，都用“走”的办法，体会手指力量的移动。在练习时，要特别注意拇指的主动能力的训练，这将为学习弹奏音阶、琶音打下良好的基础。两个手相同的练习，要有分手练习，因为一般人左手都比较弱，不要让左手被动地跟着右手，而应相反，要在两手一起弹奏时，感到左手的主导地位，这种习惯和感觉很重要。

No.1、2、3、5、10在弹奏的时候，要注意三连音音型的声音要非常均匀连贯，并带有旋律线条。

No.7左手部分由阿尔贝蒂低音写成。双手有不同的任务，一只手是旋律，另一只手弹带保留音的分解和弦的伴奏部分，要求两手旋律清晰而有韵律。

No.16为五指练习，两手几乎都是同步进行，要求双手弹得非常整齐，五音练习必须是均匀、有力、具有倾向性。和弦的功能性很强，一定要弹奏出来。

二、音阶及半音阶练习

这类练习曲有No.6、8、9、10、14、18、21、23、29、30。音阶练习是各种演奏技术的基础，对手指训练是必不可少的。在钢琴作品中，经常会遇到各种音阶式片段，如果我们能非常熟练地弹奏音阶，那么，在演奏乐曲时，就可以得心应手了。在音阶的训练中一指，也就是拇指，起着非常重要的作用。弹奏时拇指必须注意手型，拇指微向内弯曲，不要躺在键上；拇指要能独立活动，不要总依靠手臂或手腕的力量去按键，也不要敲击；当拇指要从另一个手指下面转过去弹奏时，那个手指先不要离键，将手腕轻轻抬起，拇指早一点放到手指下面，再将拇指弹下去，要求和其他手指发出的声音保持统一、均匀。

No.6、8、11都属于上行进行或下行进行的直线型音阶练习。在练习中要特别注意3、4、5指连续进行时音的清晰，右手上行时最后一个音的时值要弹足，手臂的重量一定要送到最后一个音。

No.9、14、18、23、30这几首的基本模式是音阶的上、下行为动机形成的波浪型音阶。音阶要弹奏的轻快、均匀、流畅、圆润，由于音域比较宽，手臂必须很好地带动手指活动，同时也要注意指法的正确运用。

No.29 op.849中较难的一首，快速音阶弹奏中两手的连接和协调配合。从音阶来看是很简单的，但两手交替弹奏，声音要求平均、统一这就会给演奏带来一定的难度了。

No.21是一首半音阶的练习，半音阶的训练对学生是非常有益的，可以较早的训练他们的拇指独立活动，平稳的弹奏，演奏出轻盈、均匀的声音。在练习的过程中要注意半音阶的指法。

三、琶音和分解和弦练习

这类练习有No.4、15、19、25。弹好琶音的要求和音阶基本是一样的，要求声音干净有颗粒性，所不同的是琶音是音程跳进，手的伸展和大拇指的转弯幅度都比音阶大的多，要多练习穿指跨指的动作，注意手腕随手指移动。练习时必须严格按照谱子上的指法要求来弹，琶音的指法是根据手的生理形态、乐曲的结构等设计的，这样弹起来也会方便、省力，同时手腕也会得到放松。

No.4分解和弦的练习，右手一只手要弹奏两个声部的音乐，强调手指的独立功能，带有复调性的训练。

No.15、25是两条长短琶音的练习，训练手指的独立性，并顺畅的转换位置，要求手指平均，要弹得旋律化。

No.19分解和弦及琶音和多变节奏的练习，训练手指的灵活性和轻巧的触键。

四、轮指练习

这样的练习有No12、26。做轮指练习，需要掌握好正确科学的演奏方法。错误的方法会导致错音、吃音的现象；声音也会不均匀。指尖要结实，触键要敏锐，手腕要放松灵活。

No.12右手跳音的轮指练习。右手三连音的跳音，不论是重复音与否，都要轻巧、均匀，尤其是换指的时候。

No.26右手的音乐非常灵巧，音色清脆。左手是和声伴奏，有时还带有旋律线条。手指的伸缩变换，移动位置要准确。

五、装饰音练习

这样的练习有No.17、22。有很多钢琴学习者对装饰音的练习不够重视，这种想法是错误的，装饰音的作用很大，例如海顿、肖邦的一些作品中都是靠完美的装饰音来增强音乐表现力的，所以我们应该重视装饰音的练习。

No.17这首练习曲中一共有三种装饰音：双倚音、波音和短倚音。演奏时不能把重音放在装饰音上，而要注意旋律音。手指应该放松，指尖主动触键，而不是靠掌关节调动手指来弹奏，这样就会让装饰音失去作用。

No.22是颤音练习，要在手型平稳，腕部放松，指根松弛，手

（下转第3页）

指完全独立的基础上弹奏，要弹得轻巧干净。

以上的介绍只是针对演奏者要侧重注意的一些课题。同时我们也必须意识到车尔尼的练习曲绝不只是枯燥的技术训练，而是有很丰富的音乐内容，我们在注重技术的同时也要体会音乐所表达的情感。在整个练习的过程中必须自始至终认真细心，有耐心，有思考的去练习，长此以往才能取得优异的成绩。

参考文献

[1]周广仁.钢琴演奏基础训练[M].高等教育出版社，1998.

[2]应诗真.车尔尼钢琴流畅练习作品849教学与弹奏指导[M].人民音乐出版社，2008.

[3]张建国.钢琴基础教学导读[M].上海音乐出版社，2004.

3.钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用 篇三

关键词：钢琴伴奏  舞蹈教学  作用

钢琴伴奏作为重要的一种表演形式，随着时代的发展，已经被作为一个独立的学科，并且很多艺术高校将钢琴伴奏归为专业必修课的一门。作为演奏艺术的组成部分，钢琴伴奏相关的学问甚多，它本身不仅具备钢琴演奏的基本特征，同时也有区别于钢琴演奏的独特理论体系。通过钢琴伴奏可以让教师更好的对学生的音乐感进行培养，使得学生的舞蹈动作更加凸显节奏感，让学生能够在理解音乐的基础上规范舞蹈动作，把握音乐要传达的内涵和情感，更好地进行舞蹈创作。本文主要围绕舞蹈教学过程中引入钢琴伴奏的主要作用展开论述，以期对相关领域的研究人员提供借鉴。

一、使学生的音乐感得到培养

舞蹈创作在很大程度上会受到音乐的影响，音乐能为舞蹈创作提供灵感，而舞者在跳舞的过程中同样会受到音乐的影响。因此，在舞蹈教学过程中，乐感的培养是非常重要的教学环节。任何类型的舞蹈均离不开节奏与节拍，舞蹈动作必须同音乐节奏与节拍想契合在能够让观众感受到和谐之美。钢琴在乐器中拥有乐器之王的称号，在各个领域中钢琴的应用都是十分广泛的。在舞蹈教学过程中，钢琴是芭蕾、古典舞以及民间舞的重要伴奏乐器，具有旋律多样、音色优美、速度可控以及节奏平稳等优势，使用钢琴为舞蹈伴奏能够让学生更加轻松的把握音乐的节奏、呼吸以及乐句，让学生更加深刻地理解音乐、体验美，使学生能够在把握音乐的基础上提升表演水平和创作能力，把舞蹈和音乐更和谐的展现给观众。

二、使学生的舞蹈动作更加规范

对于舞蹈来说，其本身的动作以及情节等都无法脱离音乐独自存在。音乐作为能够直接打动人心的艺术形式，能够使舞蹈的整体吸引力大大提升。优美的音乐能够让舞者创作出更加优美的舞蹈，让舞者的情绪被激发出来，充分调动舞者的创作灵感。钢琴伴奏能够指导学生的舞蹈动作，学生可以跟随着钢琴伴奏的节拍和旋律进行节奏的控制，调整自身的动作姿态，使得动作同音乐效果基本一致。钢琴教师在伴奏时应注重调整音乐气息、节奏、速度以及节奏等，要能够根据不同舞蹈动作的特征进行调试，追求节拍与节奏的相互融合来表现作品主题，让学生的舞蹈动作更加规范，激发学生创作的热情。

三、使学生的韵律感与节奏感有所增强

在舞蹈训练中，学生的韵律感与节奏感的训练是非常重要的课程。舞蹈是通过人的肢体动作来表现人物内心的情感，舞蹈动作的幅度大小、力度轻重等都能通过音乐伴奏展现出来传达丰富的情感。在教学过程中，把握韵律感与节奏感对于学生来说是非常困难的一件事，钢琴伴奏则能够让学生对优美的韵律有所领悟，使学生可以在舞蹈时跟随钢琴伴奏的节拍，释放出内心的情感，更加富有韵律感的展现舞蹈动作。

四、使学生的情感被激发出来

钢琴的声音本身就富有丰富的感情色彩，学生在钢琴伴奏的带领下很容易受到感染，快速进入意境，使得肢体语言以及创作灵感被调动起来。教师在使用钢琴伴奏的时候，应该注重音乐情感的渗透和表达，根据不同舞蹈动作具有的不同特征，演奏出相适合的钢琴伴奏乐，引导学生更好地领悟音乐中包含的情感。

五、使学生更好地将舞蹈动作同音乐融合起来

在舞蹈教学过程中，因为学生之间本身存在差异性，教师要引导他们根据钢琴的伴奏创作舞蹈动作，让学生通过对钢琴伴奏的领悟把握节奏、旋律以及节拍，更好地激发学生舞蹈创作的情绪，通过钢琴节奏的抑扬顿挫和轻重缓急能够帮助学生把握舞蹈动作的节奏和节拍，使得舞蹈动作更加具有感染力和形象感，更好的进行舞蹈作品的表现和诠释。

六、使课堂氛围更加活跃

作为一门艺术，舞蹈要求演绎着具备活力和激情。而钢琴本身拥有较强的表现力，通过不同旋律的曲调能够调动舞者本身的情绪，通过钢琴伴奏能够使得舞蹈课堂的气氛变得更加活跃，减少传统课堂的乏味感，使学生能够保持学习的热情和积极性，提升舞蹈课堂的教学质量和教学效果。

七、结语

从一定意义上来说，钢琴是一门听觉上的艺术，而舞蹈是一门视觉上的艺术，二者看似不同但是却不能割裂，在舞蹈教学课堂上使用钢琴伴奏不仅能够培养学生的音乐感、使学生的舞蹈动作更加规范、节奏感和韵律感增强、释放舞者的情感同时还能够使得课堂气氛更加活跃。推动钢琴和舞蹈的融合能够使得舞蹈艺术更具时代感和生命力。本文主要对钢琴伴奏在舞蹈教学过程中的作用展开论述，希望对舞蹈教师以及舞蹈学生有所帮助。

参考文献：

[1]姜玲玲，张续.浅析钢琴伴奏在高校舞蹈教学中的作用[J].音乐时空，2014，（23）.

[2]李焱.浅谈舞蹈钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用[J].音乐生活，2015，（08）.

[3]胡毓芳名.浅谈钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用与应具备的专业素养[J].现代营销（学苑版），2012，（12）.

[4]侯可心.钢琴伴奏在舞蹈教学中的重要作用及具体要求[J].音乐时空，2013，（15）.

4.论车尔尼钢琴练习曲在钢琴学习中的作用 篇四

关键词：钢琴伴奏 舞蹈教学 作用

一、简析钢琴伴奏与舞蹈钢琴伴奏

钢琴伴奏，是一门很独特的艺术表演，它不同于独奏，而伴奏也是一种很重要的表演形式。目前，钢琴伴奏这一学科已经被众多高等艺术院校列为重要的专业必修课，要想学好钢琴伴奏，不仅要有丰富的钢琴演奏理论知识，而且要有专业的钢琴演奏技巧。之所以要学好钢琴伴奏这一门必修课，是因为钢琴伴奏不仅能够提高学生音乐感的敏锐度，而且能够通过“键盘上的音乐”使学生更加深入地理解音乐，感受音乐所蕴含的内涵和情感。如今，钢琴伴奏已经走进了众多高校的舞蹈教学的课堂中，被称为舞蹈钢琴伴奏，是一门新兴的学科，主要是为舞蹈表演所进行伴奏的音乐，包括正谱伴奏和即兴伴奏。学生学好舞蹈钢琴伴奏，不仅能够提高其音乐水平，而且能够在音乐中感受舞蹈的独特魅力。

二、当前高校舞蹈教学的现状

随着社会的发展和时代的变迁，人们经济水平的提高，其消费水平也提高，他们开始追求精神生活的消费，其中艺术消费占着很大的比例。为了满足人们的精神需要，当前高校对艺术教育的关注度越来越高，不断提高其艺术教学水平，以此来壮大艺术人才的队伍。现在要分析的是当前高校舞蹈教学存在的一些缺陷与不足。关于如今我国高校的舞蹈教学，其存在着最大的问题就是重技巧，而轻理论。很多教师的确给学生展示并传授了高超的舞蹈技巧，学生也照着葫芦画瓜，也许她们能够在短时间内较好地掌握好每一个舞蹈动作，但是这些动作的缘来，她们是不知晓的，这就导致了学生在舞动的时候缺乏情感，不能够将内心的情感很好地通过动作表达出来。缺乏感情表达的舞蹈动作，并不完美，也不生动，是无法真正感动观众的。她们只是在技巧性地表演，而不是用心去舞动，用心去跟每一位观众交流。

再有，当前很多学习舞蹈的学生的节奏感不强，教师成为了节奏的传送者，教师在教学的过程中，习惯上地给学生喊拍子，而没有让学生自主地伴奏，长时间下来，就导致了学生缺乏节奏感。学生的节奏感一旦无法培养起来，其舞蹈表现力自然也难以提高。

三、钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用

钢琴伴奏是一种强调即兴性和创造性的独特艺术，因此当舞蹈教学融入钢琴伴奏，就可以提高学生的音乐感和节奏感，还可以培养学生的舞蹈表现力和舞蹈编排能力。那么，现在要分析的是钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用，主要有以下几点：

（一）培养学生的音乐感和节奏感

我们知道，舞蹈与音乐有着息息相关的关系，因此舞蹈创作灵感大多来源于音乐，舞蹈编导在编排舞蹈的时候，会受到音乐的节奏和节拍影响，并会根据音乐的特点进行创作。因此，在舞蹈的教学中，教师是很有必要培养学生的音乐感和节奏感。要想培养学生的节奏感，这也是离不开音乐的，而钢琴伴奏教学是一种重要的培养手段。钢琴是乐器之王，在众多领域中被广泛应用。在舞蹈教学中，它不仅可以层位古典舞和民间舞的伴奏乐器，而且能够为芭蕾舞伴奏。除此之外，钢琴伴奏音乐的旋律很优美而且多变，节奏稳定，速度可快可慢，这都是钢琴伴奏的优势，这些优势使得学生能够更好地感受音乐的节奏和节拍，并且提高学生的音乐感。学生的音乐感得到提高，自然而然学生对音乐的理解就更为透彻和深入，便可以促进学生的艺术发展。

（二）规范学生的舞蹈动作，提高其舞蹈表现力

舞蹈和音乐是相统一的，舞蹈的很多动作都离不开音乐的配合，音乐可以引导舞蹈动作的展现。音乐是舞蹈的灵魂，当舞蹈表演者在舞蹈的时候，好的伴奏音乐是可以引导舞蹈表演者更好地表演舞蹈动作，也就是规范舞者的动作，使动作更加规范和标准，使舞者更好地通过肢体语言来表达情感，激发舞者的灵感。因为当舞者的动作变得规范和谐，表演者的内心情感才能更好地表现出来，其舞蹈主题才能更好地折射出来，才能吸引观众和触动观众。钢琴伴奏的音乐气息有强有弱、速度有快有慢、力度有强有弱、节奏有快有慢，这些都对舞蹈动作起着指导和规范作用。学生可以根据钢琴伴奏音乐的节奏和旋律，然后跟随音乐的节奏来调节自己的舞蹈动作，使得舞蹈动作与音乐节奏相统一。那么，在舞蹈教学中，钢琴伴奏教师就应该强调音乐气息、旋律、节奏等知识的讲解，让学生对钢琴伴奏有更深的理解，这样才能发挥钢琴伴奏对舞蹈教学的重要作用。

四、结语

综上所述，音乐与舞蹈是相互融合、相互统一、相互作用的两门艺术。在舞蹈教学中，钢琴伴奏教师可以运用音乐的作用来给学生提供更多的艺术指导，通过优美的伴奏音乐带动学生的学习气氛，活跃课堂气氛的同时也提高学生的学习效率。钢琴伴奏融入到舞蹈教学中，不仅可以提高学生的学习兴趣，激发学生的舞蹈表现力，而且可以提高学生的音乐修养和舞蹈技能，从而全面地提高学生的综合素质。因此，我们可以肯定，舞蹈教学中，钢琴伴奏的确是很重要的。作为钢琴伴奏的教师，就应该不断增加自己的音乐知识，将更多的知识传授给学生，更好地发挥钢琴伴奏在舞蹈教学中的作用。

参考文献：

[1]罗媛元.试论钢琴伴奏能力的培养[D].长春：吉林艺术学院，2010年.

[2]陈芳.关于舞蹈钢琴伴奏的几点认识[J].中国体卫艺教育，2009，（11）.

[3]张晓谦.浅析舞蹈艺术与钢琴伴奏关系[J].大众文艺，2009，（02）.