第八课妙趣横生的动画世界教学设计（共7篇）（共7篇）
1.第八课妙趣横生的动画世界教学设计 篇一
第八课《走进歇后语世界》活动设计
活动目的： ．引导学生理解和运用歇后语，激发学生学习语文的兴趣。
．培养学生竞争意识和与同学协作的精神。
活动准备
．准备一盘电视剪辑片：相声《趣说歇后语》。
．布置学生搜集歇后语。
．要求各小组根据一条歇后语排练一个小品。
活动过程
一、揭题导入，激趣生情
l ．导入：今天，老师带大家走进“歇后语王国”。
．看电视剪辑片：相声《起说歇后语》。
二、开展竞赛，活跃思维
．看谁说得多
每组推荐一名同学说歇后语，看一分钟内谁说得多。
．看谁找得准 做一个“找朋友”的游戏：每个同学分别拿到一张写有歇后语前半部分或后半部分的纸条。拿到前半部分纸条的同学上来读一读纸上的内容，问：“我的朋友在哪里？”手拿和它对应歇后语的同学就跑上来告诉他：“你的朋友在这里。”然后两人完整地将歇后语说一遍。看哪个小组同学反应最快，找得最准。如：
泥菩萨过河→ ←自身难保
六月间的扇子→ ←借不得
猪八戒照镜子→ ←里外不是人
七窍通了六窍→ ←一窍不通
九毛加一毛→ ←时髦
猪鼻子插根葱→ ←装象
3． 看谁演得好
每个小组围绕一个歇后语的意思，发挥想象，表演一个小品。如：
老鼠过街——人人喊打
贪吃的鱼儿——易上钩
杀鸡用牛刀——大材小用
王婆卖瓜——自卖自夸
三、迁移运用，训练表达
l ．根据以下提供的情况，说出最恰当的歇后语。（1）小明的妈妈在街上摆了个水果摊，桔子放在那儿已经好多天了，可她还在那儿吆喝：“新鲜的桔子，快来买呀！”小明对他妈妈说：“你真是 ______________________。”
（2）晚上，李平在家里做作业，遇到不会做的就问爸爸。可爸爸教了老半天，他还是不会做。爸爸急了，批评他：“ __________________。”
（3）警察在街上当场抓住了个小偷。可那小偷还一直狡辩，说自己根本没偷，这真是“ _____________________。”
（4）妈妈要求小林每天早上吃过早饭后，读一会儿书再去学校。小林哪有心思读书，就随便乱读一气，真是“ _________。”
参考答案：
（1）王婆卖瓜——自卖自夸
（2）榆木脑袋——不开窍
（3）死了的鸭子——嘴硬
（4）小和尚念经——有口无心 ．结合生活实际，用上一个歇后语说一段话。
四、小结活动，鼓励积累
活动中，同学们八仙过海各显神通，发扬了团结协作精神，走进了“歇后语王国”。
2.第八课《类似色的风景》教学设计 篇二
课时：1课时 课型：绘画
年级：四年级第一学期 教材：上教版 教材分析：
类似色是指色相环上90度以内的颜色，也叫邻近色。由于色相对比不强烈,给人平静和谐的感觉。
本课主要是在学生原有的感性认识基础上的深化，试图通过教学，强化学生对色彩倾向的认知和理解，提高学生的绘画表现力。学情分析：
学生已经上过一段时间水粉课，对水粉颜料及基本的画法已经有了初步的了解，掌握了调颜色的基本方法，哪种颜色加哪种颜色可以得到怎样的颜色心里已经有底，有学习类似色的知识基础。
四季的变化是大自然的规律,学生对于这个规律非常熟悉，因而对于不同季节的色彩特点也有初步的、感性的认识。但把季节的色彩特点和倾向在画面中理性地表现出来则是需要教师的进一步指导。教学目标：
知识与技能：观察自然界景物在不同季节中的色彩变化，了解类似色知识，初步运用类似色表现四季风景。
过程与方法：在欣赏与尝试中，学习用类似色表现某种色彩倾向的方法。情感态度与价值观：感受类似色色调统一的整体，体会自然界色彩的和谐之美。
教学重点和难点：
重点：用类似色表现某一季节景物的色彩倾向。难点：运用类似色彩表现景物时，体现色彩之间的差异。教学设计思路： 通过色环的拼色游戏，引导学生发现类似色特点。在“猜一猜”练习中让学生带着问题去回忆，总结四季的色彩倾向和特点。并在进一步的欣赏名家作品过程中，深入认识和理解类似色在画面中的运用。通过讨论、思考、演示等方法，让学生感受水粉干湿结合画法的表现方法，并大胆尝试，表现某一季的风景画面。
教学过程：
一、游戏与导入：
（一）游戏：给三原色找好朋友
1．游戏规则：分若干组，每组一个只有三原色固定色环，同时开始比比哪组最快拼完整色环。
2．说一说自己组拼色的理由？ 3．评一评哪种拼法最合适？
4．师小结，导入“类似色”概念:类似色是指色相环上90度以内的颜色，也叫邻近色。
5．欣赏部分类似色图案。
（二）揭示课题：《类似色的风景》 1．观察小练习：猜猜我是谁？
分别先出示四季景物的局部图片，学生猜猜是什么？然后出示全图，说说是什么季节的景物，主要是些什么颜色？ 2．揭示课题《类似色的风景》
【说明：通过游戏不仅激发了学生的学习热情，导入了课题，也使学生直观领略到合理运用类似色可以表现出不同季节的特点，发现类似色的神奇之处，为后面的学习做好铺垫。】
二、欣赏与探究：
（一）欣赏大师作品，说说类似色带给你的感受：
1.介绍大师：（1）东山魁夷：日本著名画家，代表作《山湖远望》。
（2）尤金：俄罗斯画家，代表作《金秋》。2.类似色画特点：由于色相对比不强烈给人平静和谐的感觉。
（二）探究类似色画： 1．尝试涂色：
（1）找一找：从颜料盒中找出一组类似色。
（2）试一试：尝试在不同形状表现类似色间的差异？（如树形、波浪形、火焰形等）
（3）比一比：出示两张造型作品，比较颜色运用的差别，画面效果的差别。（3）说一说：学生依据上述的比较发现，对照自己的作品或同学作品提出改进 意见、建议。
小结：类似色画面中，虽然主色调统一但也要有用深浅、明暗表现主次之分。
2.涂色方法：出示多幅作品，分析回忆使用的涂色方法，如平涂法、厚涂法、点涂法、湿画法等。
小结：可以选择自己比较喜欢的方法表现画面。4．教师示范“干湿结合”画法：（1）勾勒外形（2）铺大色块（3）强化对比（4）刻画细节
【说明：通过欣赏大师作品，聆听老师介绍大师，进一步了解类似色画及类似色画的著名画家。通过分析大师的作品，知道类似色作品的特点，以及各季节的色彩倾向。要注意类似色运用中色彩的纯度、明度的对比对画面的作用，为后面作画打好基础。】
三、操作与练习
（一）欣赏优秀作品：
（二）作业要求：1.能以一组类似色为主色调，完成表现某种季节特点的一幅
画作。
2.能表现出画面中这组类似色的明度、纯度变化。
（三）学生作业，教师巡视。
【说明：通过练习一张类似色季节风景画来更加感性地认识类似色，了解类似色画的魅力所在，运用好类似色的色彩特点，掌握独特的类似色技法。】
四、展示与评价：
（一）展示：把画贴到展板上的小镜框里。
（二）互评： 1．评价要求：
（1）这幅画用了哪一组类似色，表现了哪个季节？
（2）这幅画中的类似色有用深浅、明暗的变化表现画面景物主次吗？ 【说明：通过全班展示能让每一位学生都体验到作品完成的成功感，并且欣赏到其他同学的作品。交流自己的作品则能够使学生用美术的语言让别人了解更加了解自己的创作想法，同时，受到激励的学生也会对以后的美术学习充满信心。】
五、教学拓展：
3.第八课妙趣横生的动画世界教学设计 篇三
一、教学内容分析
本课教材选用的是湘版高中美术鉴赏下篇第三单元灿烂的美术世界第8课《不同的歌声》；教学主要围绕“民族文化与美术”这一主题而展开，通过对这一主题的讲述与思考、体验与探究，使学生认识到不同民族的人民都创造出了优秀的文化与艺术，我们要学会尊重并认识这些文化与艺术。同时结合本地区的文化艺术的探究展示，加强学生对本民族文化的认同感和归属感，才能够为本民族的艺术寻求新的发展道路与发展空间。在此基础上，促使学生们思考如何在当代文化背景之下发展本民族的美术。
教材主要包括四个方面的内容：
1．美术创作与民族文化之间有着密切的联系。
2．俄国的“巡回展览画派”以及产生的社会背景。
3．中华民族文化的多样性；藏族美术的代表作：布达拉宫。补充进本土文化---惠安女服饰。
4．墨西哥壁画运动及其产生的社会背景
本课 用1课时来完成
二、学生学习情况分析
我校现升格为“一级达标学校”，新高一年的学生在学习积极因素方面是明显的，整体素质较高，思辨能力强，有很好的学习自觉性，而且高中生的身心发展水平已接近于成熟状态，具有一定的分析问题解决问题的能力，勇于探究，敢于否定；但消极因素也同样存在，由于初中美术的模糊化与平时文化课的学习压力大，导致了绝大部分的学生根本无暇了解美术，所以就针对本课的学习内容教师有意识地引导学生对民族文化与美术作品间的联系进行鉴赏，领会民族文化的性质、特征和美术作品艺术表现手法，了解美术作品的社会历史、文化背景和科学技术发展状况等，来促进学生美术作品鉴赏能力的自动生成与艺术修养的提高、丰富与充实的学生精神世界
用心
爱心
专心 1
三、教学策略
本课旨在通过让学生体会与理解美术与民族文化之间的重要关系，学会理解和尊重世界多元化的民族文化艺术。充分利用当地的文化资源和自然资源引导学生深入地了解我国优秀的地方文化，增强对祖国优秀文化的理解。引导学生通过包括网络在内的多种途径收集与本课内容相关的文字、图像等资料，进行自主学习、研究性学习与合作学习，强调学生自主学习，自我能力和综合素质的提高。
四、教学目标
1）、知识与技能：理解美术与民族文化之间的关系； 了解俄罗斯“巡回展览画派”产生的历史背景以及所反映的时代形象与民族形象；认识中华民族文化传统与艺术的多样性，了解藏族美术的代表作品；了解惠安女服饰产生的历史背景、文化内涵以及所体现的民族精神。墨西哥壁画运动及其产生的社会背景。
2）、过程和方法：通过自主学习、小组合作学习、探究学习等方法，使学生积极参与到课堂活动中来，充分体验学习的乐趣；通过模仿体验、探究成果展示等方式以提高学生对文化艺术相联系的理解。
3）、情感、态度和价值观：让学生体会与理解美术与民族文化之间的重要关系，学会尊重世界多元化的民族文化艺术，形成健康的审美情趣和审美观念；学会挖掘、利用和保护地方的文化资源，增强对民族优秀文化艺术的自豪感。
五、教学重点和难点
1）．重点：民族文化是如何影响美术创作的？
2）．难点：美术创作是如何反映民族文化的？
六、教学具准备：
教具：投影仪、多媒体课件、视频影片。
学具：作业纸、探究搜集的资料与图片
用心
爱心
专心
七、教学过程设计
（一）体验与感悟
（设计意图：通过“听、观、吟、验”等形式去调动学生的不同感官，去感悟同一主题的不同表现形式。）
聆听乐曲《伏尔加船夫曲》；（音乐家）。说说你的听觉感受；
观赏作品《伏尔加纤夫》，（画家）。说说你的视觉感受；
吟诵诗句《伏尔加河上》（节选）（涅克拉索夫诗人）说说你的心灵感想
……低低的身子像一张弯弓，身上背着长长的纤绳，穿着草鞋，蹬着河岸——这是成群的纤夫在爬行。这呼声粗野得没法儿忍受，清晰得怕人——在寂静中怒吼。听到这悠长的挽歌般的哀呼——心儿啊，又在我胸中颤抖！…
模仿作品《伏尔加纤夫》中的人物动作动态，积极体悟人物的内心世界的活动。说说你的肢体感受
生：观察、讨论、回答：
（参阅教材《伏尔加纤夫》的介绍，并深入思考下面问题，鼓励不同意见的存在。）
[设问一] 为什么有这么多不同的艺术家都在表现同一内容的作品呢？
生：……
师小结：当时的艺术家都有着很深的民族情感，他们以一种民主的态度，关注俄罗斯的发展和人们生活的疾苦。
[设问二] 在你们体验后能就当时纤夫们的形象、内心世界所想进行阐述吗？
提示：从他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质上各不相同。生：……
用心
爱心
专心 师小结：伏尔加河畔阳光酷烈，沙滩荒芜，一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫在拉着货船，步子是那样的沉重，似乎可以听到压抑低沉的《伏尔加船夫曲》的回声。
[设问三] 你认为这件作品体现了艺术家什么样的情感与作品的艺术特征？
提示：从作品的艺术特征主题、材料、形象、色彩、技巧、情感等去归纳。生：……
（引导学生运用感悟、形式以及社会学鉴赏法，分别从作品的表现主题、人物形象以及自己对这件作品的感受方面来进行观察分析。）
师小结：点明“民族文化”与“美术”之间有着密切的关系。
阅读教材中关于“巡回展览画派”的论述。
[提示]从它的诞生、发展、当时社会环境、艺术品风格、代表画家等方面简要描述。
师小结：“巡回展览画派”扎根于俄罗斯的社会现实和民族文化，表达出了自己的真挚情感，所以才能产生如此动人的效果。世界上，不同民族、不同文化背景下的人们创造出了丰富多彩的美术作品。我们应当理解并且尊重这些美术作品。
知识拓展：介绍巡回展览画派代表画家有别洛夫、克拉姆斯科依、萨甫拉索夫、施什金等。
畅谈与交流
（设计意图：学生通过讨论交流，展现探究与研究性学习的本土资源《惠女服饰》的文化，即体现学习探究的成果，又有利于学生关注自己身边的民族文化、艺术资源，并懂得传承与保护的良好意识。是理解民族文化与美术的重点之一）
聆听歌曲《56个民族》并说一说中国各民族的名称：汉、藏、苗、客、布依、维吾尔、侗、…
媒体展示（我国少数民族的部分服饰图片与惠安发女服饰）
用心
爱心
专心 4 生：思考他们的生活习俗与汉族的是否相同，他们的美术形态与我们前面所讲的汉族美术形态是否是完全相同的？
（结合同学们课外研究性学习课题——惠女服饰的成果，分小组归纳小结并作重点发言）
[提示]从他们的起源、发展、生活习俗、艺术品风格等方面简要描述。生：……
师小结：指出中国地大物博，民族众多。这些民族有着独特的习俗以及美术形态，我们要理解并且尊重这些美术形态，同时要关注我们身边的艺术文化遗产的传承与保护。
观看《西藏风情》电影片断和展示收集到的一些关于藏族生活中的图片；（投影仪）
[提示]可结合教材中关于藏族美术的论述和自己探究到的一些关于藏族文化与美术作品的知识来讲述藏族美术作品。生：……（允许其他同学也发表不同的见解）
比较与思考
（设计意图：利用比较式鉴赏方法有助于学生更好更清晰地理解不同作品的特征，也是要让学生进一步的理解美术作品是如何反映民族文化，同时对我国美术发展的方向能更深入的思考）
请同学们按表格的内容比较俄罗斯巡回展览画派与墨西哥壁画运动，并思考他们为什么会取得举世瞩目的成就！
师小结：指出墨西哥壁画运动成功的原因在于，扎根民族文化，关心民众疾苦，在表现形式上有着鲜明的民族特点。
师问：了解了上述流派的特点之后，你觉得中国的美术要发展应当选择什么样的途径？
学生思考，并且完成教材P81“活动建议”。
（四）课堂总结：
本课教学主要围绕“民族文化与美术”这一主题而展开，通过对这一主题的讲述与思考、体验与探究等多种形式，让同学认识到不同民族的人民都创造出了优秀的文化与艺术，着重理
用心
爱心
专心 解了民族文化是如何影响美术创作的与美术创作是如何反映民族文化的这要点，同时结合本地区的文化艺术的探究展示，加强学生对本民族文化的认同感和归属感，并能够为本民族的艺术寻求新的发展道路与发展空间。
八、教学反思
通过这节的《不同的歌声》的教学活动，我运用了体验感悟式鉴赏、形式鉴赏、探究社会学鉴赏、比较式鉴赏对本课进行较深入的研究，寻找比较直观的加深了学生对民族文化与美术的理解和感受。同时运用了一些新课程的理念，关注和体现了学生的情感、态度和价值观。在自主学习、合作学习、探究性学习和师生互动的美术课堂教学方面等做了一些的尝试。本课教学设计特色与优点主要体现在以下几方面：
一、与影视、戏剧表演的整合提高课堂的生动趣味性，将传统的静态教学转向动态的、灵活的教学方式，大大地改变了学生被动的听课局面，也使学生的个性能力得到张扬和发挥，达到良好的效果。
二、与学生探究或研究性学习的地方课程资源《惠女服饰》的整合，即体现学习探究的成果，又有利于学生关注自己身边的民族文化、艺术资源，并懂得传承与保护。
三、课堂学习中教师的角色转换比较到位，教师充当了一名组织、引导者、交流的伙伴，让学生以学术演讲者的角色为其探究到的成果加于阐述、表达，其他同学可以就他的论述中提出不同的观点要求他回答，教师也参与提问。师生互动得到充分的体现，学生对自己的探究成果有了更进一步的认识，也有了新的探索方向和思路。这环节使学生充满自豪感和成就感。
整堂课的教学设计中有动有静，有思考的布白，有演练的空间，有交流互动的平台，有探究成果的展现，能够充分体现高中新课程的理念精神，同时注重与学生学业能力水平相适合的教学要求，也充分展现多媒体教学在高中美术鉴赏课中的重要性与必要性。
（二）《不同的歌声》教学设计
一、说教材
1、教材的地位和作用
用心
爱心
专心 6 本课教材选用的是湘版高中美术鉴赏下篇第三单元灿烂的美术世界第8课《不同的歌声》；教学主要围绕“民族文化与美术”这一主题而展开，通过对这一主题的讲述与思考、体验与探究，使学生认识到不同民族的人民都创造出了优秀的文化与艺术，我们要学会尊重并认识这些文化与艺术，.同时结合本地区的文化艺术的探究展示，加强学生对本民族文化的认同感和归属感，才能够为本民族的艺术寻求新的发展道路与发展空间。
2.教材的处理
我以课标和教材为依据，但不局限于书本教材，对教材做了适当的调整，根据学生的实际和一课时的教学容量从教材中删去墨西哥壁画运动及其产生的社会背景，补充进地域文化--惠女文化，使学生更能理解民族文化与美术的关系。
3、教学目标
1）知识与技能：
理解美术与民族文化之间的关系；了解俄罗斯“巡回展览画派”产生的历史背景以及所反映的时代形象与民族形象；认识中华民族文化传统与艺术的多样性，了解藏族美术惠女文化产生的历史背景、文化内涵。
2）、过程和方法：
通过自主学习、小组合作学习、探究学习等方法，使学生积极参与到课堂活动中来，充分体验学习的乐趣；通过模仿体验、探究成果展示等方式以提高学生对艺术与文化关系的理解。
3）情感、态度和价值观：
让学生体会与理解美术与民族文化之间的重要关系，学会尊重世界多元化的民族文化艺术，形成健康的审美情趣和审美观念；学会挖掘、利用和保护地方的文化资源，增强对民族优秀文化艺术的自豪感。
4、教学重点、难点和关键
1）重点：民族文化是如何影响美术创作的？（通过分析作品产生的特定时代背景突出重点）
用心
爱心
专心 2）难点：美术创作是如何反映民族文化的？（通过体验与感悟理解作品中民族形象突破难点）
3)关键：民族文化的丰富性.通过课前学习探究来体现本民族文化的丰富底蕴
5、资源分析
学生资源：充分挖掘学生原有的知识结构，紧密联系生活实际，结合亲身体验参与课堂教学。
课程资源：以课程标准为依据，充分利用教材内容和拓展内容组织教学。
学校资源：利用学校的多媒体设备、图书馆等资源。
教师资源：教师通过网上和课外图书收集大量的图片与文字资料，扩大教学容量。
二、说教法
本课旨在通过让学生体会与理解美术与民族文化之间的重要关系。充分利用本地的文化资源和自然资源引导学生深入地了解我国优秀的地方文化。引导学生通过包括网络在内的多种途径收集与本课内容相关的文字、图像等资料，进行探究性学习与合作学习，强调学生自主学习，自我能力和综合素质的提高。
1）乐曲渲染法：利用相关民族乐曲做渲染是使学生的心情得以放松，既能克服欣赏过程中的视觉疲劳，又能扩充整合学科间的知识。
2）讲述启发法：通过教师对美术作品的介绍启发同学对作品的分析和鉴别，从而达到鉴赏能力的提升。
3）角色主持法：引导学生体验、描述、感悟作品的形象及展示探究学习成果的活动能力。
三、说学情学法
(1)说学情
用心
爱心
专心 8 我校高一年的学生在学习积极方面是明显的，整体素质较高，思辨能力强，有很好的学习自觉性，而且高中生的身心发展水平已接近于成熟状态，具有一定的分析问题解决问题的能力，勇于探究，敢于否定；但消极也存在，由于初中学习方法的单一性，忽略了学科特征,所以我就针对本课的学习内容有意识地引导学生对民族文化与美术作品间的联系进行鉴赏，领会民族文化的性质、特征和美术作品艺术表现手法，了解美术作品的社会历史、文化背景状况等，来促进学生美术作品鉴赏能力的生成与提高。
(2)说学法
《新课标》中指出“要重视学生的实践活动，让学生在教学过程中主动学习、探究”。
1、筛选学习法：引导学生学会筛选有用的资料信息的学习方法，把收集到的资料进行归类。
2、小组合作学习法：学生之间互相交流彼此的见解，共享彼此的材料，培养学生合作意识、整体协调能力，既提升学生的集体荣誉感，又在团队合作中突显个体创造能力。
3、体验学习法：学生在鉴赏作品过程中体验、感悟大师对民族形象的表现。体验艺术创作的多样性。
四、说程序
导入：聆听乐曲《伏尔加船夫曲》（音乐家）。说说你的听觉感受；
(一)体验与感悟
内容：鉴赏俄罗斯现实主义画家列宾作品《伏尔加纤夫》与“巡回展览画派”
1．观赏作品《伏尔加纤夫》（画家）说说你的视觉感受；
2．吟诵诗句《伏尔加河上》（诗人）说说你的心灵感想；
3．模仿作品《伏尔加纤夫》中的人物动作动态，积极体悟人物的内心世界的活动。
说说你的肢体感受.用心
爱心
专心 9 [设问一]为什么有这么多不同的艺术家都在表现同一内容的作品呢？
[设问二]在你们体验后能就当时纤夫们的形象、内心世界所想进行阐述吗？
[设问三]你认为这件作品体现了艺术家什么样的情感与作品的艺术特征？
阅读教材中关于“巡回展览画派”的论述。从它的诞生、发展、当时社会环境、艺术品风格、代表画家等方面简要描述.知识拓展：介绍巡回展览画派代表画家有别洛夫、克拉姆斯科依、萨甫拉索夫、施什金等。
学生活动:静听细观畅吟体验并谈感受；
教师活动:提示启发学生大胆表达和描述并要参与体验讨论,并引导学生阅读教材中关于“巡回展览画派”的论述,并做知识延伸。
设计意图：通过“听、观、吟、验”等形式去调动学生的不同感官，去感悟同一主题的不同表现形式。从中引导学生运用感悟、形式以及社会学鉴赏法，分别从作品的表现主题、人物形象以及自己对这件作品的感受方面来进行观察分析。并理解“民族文化”与“美术”之间有着密切的关系。
(二)畅谈与交流
内容：藏族文化与美术-----建筑与藏族服饰
学生活动:对收集到资料进行小组筛选,归纳后交流
教师活动: 鼓励学生大胆交流外;鼓动其他小组的同学发表不同的见解；教师也要参与讨论,进行师生互动
设计意图：让学生通过小组讨论交流，展现探究归纳后藏族民族文化，即体现学习探究的成果，又有利于学生关注中华民族文化、艺术资源，并懂得传承与保护的良好意识。同时也是师生共同实现本课教学目标，即是理解民族文化与美术的重点之一
(三)理解与探究
用心
爱心
专心 内容：探究惠女服饰文化从他们的起源、发展、生活习俗、艺术品风格等方面简要描述
学生活动:对收集图片进行小组筛选, 登台展示并说明其相关特征；
教师活动:鼓励学生大胆交流外,协助学生操作多媒体,进行实物展示;教师也要参与讨论,并引导学生把藏饰与惠女服饰相比较
设计意图：利用比较式鉴赏方法有助于学生更好更清晰地理解不同作品的特征，也是要让学生进一步的理解美术作品是如何反映一个民族文化，同时对我国仍至世界美术发展的方向有更深入的思考，以突破本课的难点
(四)归纳与总结：
本课教学主要围绕“民族文化与美术”这一主题而展开，通过对这一主题的讲述与思考、体验与探究等多种形式，体会与理解美术与民族文化之间的重要关系，学会尊重世界多元化的民族文化艺术，形成健康的审美情趣和审美观念；学会挖掘、利用和保护地方的文化资源，增强对民族优秀文化艺术的自豪感。
五、反思教学设计
本教学设计依据是新课标“要确立学生的主体地位要运用各种生动有趣的教学手段”来培养学生集体协作的精神和提高学生的综合能力。整个程序都围绕着学生自主探究来展开, 教学设计中有动有静，有思考的布白，有演练的空间，有交流互动的平台，能够充分体现高中新课程的理念精神。
用心
爱心
4.第八课妙趣横生的动画世界教学设计 篇四
一、教案背景
1、面向学生：小学
2、学科：音乐
2、课时：3课时
二、教学课题
本节课是学习人音版小学三年级音乐上册第八单元《丰收歌舞》第一课时中的歌曲《桔梗谣》与欣赏歌曲《丰收》。
三、教材分析
歌曲《桔梗谣》是一首曲调优美、带有舞蹈性节奏的朝鲜族民歌。“桔梗”是朝鲜族人民爱吃的一种野菜，因此取名《桔梗谣》。歌曲采用3/4节拍，音乐轻快明朗，富有韵律感。歌曲是由七个乐句组成，生动地塑造了朝鲜族姑娘在桔梗丰收的季节里勤劳活泼的形象。歌曲是G调对于小学生来说音比较高，所以在本教学中改为F调。
1、设计意图：
《丰收》这节课主要体现了劳动人民在丰收季节的喜悦之情。我国是一个多民族的国家，每个民族都有各自欢庆丰收的特点，其中本课中的《桔梗谣》就是朝鲜民族表现丰收情景最具代表性的歌曲。引导学生从聆听、演唱、表现中感受朝鲜族音乐的美感，在律动中了解三拍子音乐颇具起伏感的内在韵律感，学会用歌舞表达这份丰收喜悦之情，边歌边唱，在歌舞中体味《桔梗谣》的轻快明朗，及朝鲜人民的乐观、向上。
2、教学目标：
1、通过歌舞的形式表达劳动人民的喜悦心情。
2、边歌边舞表演《桔梗谣》。
3、聆听民歌《丰收》以即兴舞蹈表现丰收的喜悦之情
3、教学重难点
重点：①通过歌曲学习、欣赏了解劳动人民庆丰收的喜悦之情。
②边歌边舞演唱《桔梗谣》。
难点：了解丰收的喜悦之情
4、教具准备：在百度中找合适的图片、动画制作出PPT多媒体课件
5、学情分析
本节课授课的对象是小学三年级的学生，他们对各种民族风俗和歌舞不是很了解，但是三年级学生天真活泼，好奇心强，对新鲜的事物有着求知欲望。在这学生通过各种形式了解《丰收》的含义。
四、教学方法
为了突破这节课的重难点，让学生在现实生活中感受到丰收的喜悦，我利用图片的形式进行教学，简单、生动地方式渗透教学。通过歌曲的学习和各种音乐视频的欣赏，学生们感受到丰收歌舞的含义。
五、教学流程：
（一）听音乐进教室
感受：学生坐下后有意识地带动学生拍打歌曲的重拍。课件播放桔梗谣的伴奏。（设计意图：让学生感受歌曲的强拍，为后面学习歌曲做铺垫。）
（二）体现丰收的喜悦之情
1、观看农民丰收的图片。
师：“同学们，今天我们就一起去看看在这个丰收的季节里，我们劳动人民脸上有什么表情、手上有什么动作？”——课件播放（通过百度图片搜索：农民丰收。找到多个农民丰收时开心的图片。
（多么美丽哟，多么可爱哟，这也是我们的劳动生产）
2、引出“劳动人民的喜悦之情”的歌词——“多么美丽哟，多么可爱哟，这也是我们的劳动生产”（生唱并感受抱着大鱼的心情）
师：“农民们非常的高兴，手捧着他们的劳动成果。看到这么多的劳动成果，我也忍不住想表达一下自己的喜悦之情——多么美丽哟„„”（请一位同学来表现一下）
学生表现喜悦之情。（设计意图：通过图片感受农民的喜悦，学生自己边唱边体会这一喜悦的心情。）
（三）引出歌曲
1、“多么美丽哟，多么可爱哟，这也是我们的劳动生产”引出歌曲。师：“刚才老师唱的那句歌词可是出自我国的一个民族歌曲哦，你们看看这幅图，能不能判断是哪个民族的歌曲啊？”（通过百度搜索图片如图：朝鲜族）
2、朝鲜族丰收的代表歌曲《桔梗谣》。听歌曲《桔梗谣》——课件播放（通过百度图片搜索及制作：与桔梗有关的图片。学生边看边听的过程中了解桔梗的花、叶茎。最后成推的桔梗丰收景象结束。如图）
（设计意图：通过听《桔梗谣》和图片的观看，学生了解了桔梗的同时，感受农民丰收到喜欢的菜桔梗时喜悦。）
3、学生看着图片上的桔梗丰收，把农民的喜悦之情唱出来。“多么美丽哟，多么可爱哟，这也是我们的劳动生产”
（四）学习歌曲
1、完整的听歌曲——课件播放音乐（把原本G调的音乐用Cool Edit软件制边唱边作成学生合适的音高F调）
师：“现在我们看着歌词，把歌曲听一遍。”
2、对唱 师：“同学们，我们来个对唱，老师唱前面部分，你们把丰收的喜悦之情唱出来。”
3、理解歌词——课件出示图片（把歌曲分成7句的歌谱，如图）
师：“这首歌曲总共有七句，我们都知道6、7表
现了劳动人民的喜悦之情。现在老师把这首歌曲唱一下，你们看看那几句告诉你们桔梗丰收了？”
生：“2、3、4句”（白白的桔梗哟长满山野，只要挖出一两棵，就可以满满地装上一大筐。）
4、对唱（先师唱丰收景象、生唱其它；熟练后交换唱。）
5、生唱全曲——课件播放音乐（把原速的歌曲用Cool Edit软件制，调慢速度适合学生刚学习）
6、欣赏歌舞，朝鲜人民欢庆丰收场景 师：“同学们，老师这里有个用朝鲜语演唱的《桔梗谣》，你们欣赏一下，学习朝鲜人民怎么边歌边舞欢庆丰收的。”师：“哪个同学来示范一下她刚刚从视频中学到了哪个舞蹈动作？”（引导学生用这些动作给桔梗要伴舞）
7、生边歌边舞唱全曲 师：“同学们，让我们也一起来为朝鲜人民的丰收而欢歌热舞吧！来我们大家一起一边舞蹈一边唱着我们的《桔梗谣》”
8、熟悉歌曲后加速 师：“同学们，你们做的真好。我们把速度加快，让我们再激烈一点，欢腾起来吧!高歌跳起舞来吧!”
师生共舞
（五）拓展——欣赏《丰收》
（六）小结
1、学到了什么？ 师：“同学们，时间非常快，我们的课就要结束了。在结束前我想请同学们告诉我，今天你学到了什么？”
生：“„„” 师：“劳动人民非常热爱自己的劳动成果，我们也要学会珍惜热爱自己的劳动成果。”
2、边歌边舞离开教师 师：“同学们让我们大家边歌边舞的把《桔梗谣》表演给各位老师看，然后我们再排队出去。”
六、反思：
我讲的是小学音乐三年级上册第八课《丰收歌舞》，本节课重点是通过学唱歌曲《桔梗谣》及聆听歌曲《丰收》了解农民丰收的喜悦之情。这是一节充满动感与活力的课，对于小学三年级这个年龄段的孩子来说，说不如去看，简单的几组图片，就能把他们的感观调动起来。通过对图片的感知，能非常快地体会到了图片中农民们的喜悦心情，由心地去歌唱。
学生在好活动、爱表现、善模仿等特点下。我与学生进行了师生合作的学习方式，学生一句我一句，很快地学生学会了歌曲《桔梗谣》。一段金美儿演出的歌曲《桔梗谣》，学生很快地从中学到了一些简单的舞步，并能边歌边舞地表现对丰收的喜悦之情。
5.第八课妙趣横生的动画世界教学设计 篇五
西方现代主义美术 或称“西方现代派美术”。目前国内外学术界对“西方现代主义美术”，并无公认的确切的定义。因为它内容庞杂，情况复杂，大家的认识很不一致。但是，有一点应当明确：西方现代主义美术并非西方现代美术的同义语。西方现代美术的含义更广，它包括现代主义美术在内的各个流派、各种风格的美术。西方现代主义美术则是西方现代美术的一部分，尽管这一部分在整个西方现代美术中占有重要的地位。至于什么是西方现代主义美术？一般来说，它是指二十世纪初至六七十年代，以强调表现作者主观感受和艺术形式探索为主要特征的各种美术流派的总称。它的基本的创作倾向，是反对西方传统美术的如实描绘，强调表现作者的主观感受，在造型和色彩等艺术表现手法方面，主观成分很浓；对作品的题材内容不大注意以至完全忽视，只是强调艺术形式本身的价值，所以，千方百计地在艺术形式（造型、线条、色彩以至物质材料等）上探索，以至标新立异。对于西方现代主义美术的这种创作倾向，我们应当采取分析的态度。西方现代主义美术在克服传统美术的一些局限性，如过分强调如实描绘，忽视表现作者对客观对象的主观感受，忽视对艺术形式的探索等，丰富西方美术的艺术语言和艺术风格等方面，是有贡献的。然而，由于西方现代主义美术过分强调主观表现和艺术形式的探索，很容易把美术变成一种脱离生活，完全成为作者自我表现的手段，使艺术走上脱离生活、脱离广大群众的歧路。总之，西方现代主义美术是个很复杂的社会现象，产生这种现象的原因是多方面的，不论是对每一个流派，还是每一位美术家的作品，都要作具体分析，切不可以一概肯定，也不要不分青红皂白地全盘否定。
2.美术作品
马蒂斯《马蒂斯夫人像》（油画，41×32厘米，1905年作，哥本哈根国立美术馆藏）马蒂斯（1869年—1954年）是法国现代著名画家和版画家，野兽派绘画重要的代表人物之一。生于法国诺尔省卡德市的粮商家庭。早年学习法律，后因病开始学习绘画，走上艺术的道路。1895年到巴黎，进入国立美术学校著名画家莫罗的画室，当时同一画室的有些画家后来成为野兽派画家的重要成员。他的作品除具有野兽派的风格特征外，追求形体的单纯化、色调的平面化，强调艺术要满足人们的精神享受。其中虽然含有唯美主义的倾向，但总的基调是健康明朗的，给人以愉悦感。《马蒂斯夫人像》根据画家的主观感受，自由地运用色彩，并在人物形象的造型上进行了大胆的简化，是典型的野兽派风格的作品。蒙克《呐喊》（油画，73.5×92厘米，1893年作，奥斯陆国立美术馆藏）爱德华·蒙克（1863年—1944年）是挪威现代著名画家，表现主义美术的先驱者。父亲是平民医师，蒙克很早就目睹和经历了许多人间的不幸，特别是死神对人的折磨。他5岁丧母，不久姐姐又被死神夺去了生命。这些经历对蒙克以后的美术创作有很大影响。1889年他来到了新美术思潮最为活跃的巴黎，见到了后印象派画家塞尚、凡·高等人的作品，并深受其影响，成为擅长表现人类内心世界的著名画家。这幅《呐喊》就是以他自己对现实的切身体验为基础而创作出来的。他自己在谈到这幅作品时曾说过：“我和两位友人一起走在路上，太阳将要落山了。这时天空被染成了鲜血般的红色。我感到风刮得很厉害。忽然我像死了一样的疲倦不堪，一动不动地停了下来。蓝色的海湾和小镇上空的血的炎舌在蔓延。友人们先走了，就留下我一个人。这时我突然感到了不可名状的恐惧，我听到了自然的喧嚣声。” 蒙克所谈到的由于客观环境所引起的内心的极度恐惧，突出地表现在《呐喊》一画中。在蒙克以前，很多画家表现过自然给予人的感受，但欧洲还没有一个画家像他那样表现自然给予人的强烈不安和恐怖感。这是蒙克内心世界的反映。但说到底，则是当时世纪末的不安在画家心灵中的反映。
达利《记忆的永恒》（油画，26×37厘米，1931年作，纽约现代艺术博物馆藏）萨尔瓦多·达利（1904年—1988年）是当代西班牙最著名的超现实主义画家。超现实主义美术受弗洛依德关于潜意识的学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻，提倡描写“事物的巧合”。以达利为代表的一部分超现实主义美术家的作品，就是以写实的手法创造荒诞的情景为其主要特点。《记忆的永恒》一画就是超现实主义的代表作。画面上的各种景物都是以极其写实的手法描绘出来的，但是，整个画面给人的感觉则是荒诞而又充满神秘感。它不是现实的世界，而是奇异的梦境。正如达利自己所说的：“我毫无选择地，尽可能准确地记录下我们的潜意识，……表达弗洛伊德所打开的这一黑暗世界。” 劳申伯格《组字画》（多种材料，121.9×182.9×182.9厘米，1959年作）
这是20世纪50年代末至70年代中期流行于英、美等国的“波普艺术”的代表作之一。波普艺术是英语“Pop Art”的音译，意为“流行艺术”或“大众艺术”。这是由于盛极一时的抽象艺术与现实生活的距离越来越远，一些美术家受杜尚的“现成取材法”的影响，从抽象转向以现实生活各种常见的实物为题材，或直接以这些实物构成艺术品。美国画家劳申伯格（1925年—？）是其中的代表人物之一。他的这件著名的《组字画》，是用一些从垃圾堆里捡来的破山羊标本与破轮胎等拼凑而成的。乍一看，似觉荒唐。但在画家本人来讲，则另有含义。因为他记得童年时曾对父亲杀死一只山羊表示惋惜。理由是动物是来自人堕落之前的伊甸园的幸存者。所以，这幅作品实际上也表示画家的一种观念和回忆。尽管波普艺术在抽象艺术流行之时，重新肯定了具象与写实艺术的价值，但它本身也包含着对艺术的否定，应当深入研究其得失与功过。
波洛克《薰衣草之雾》（油画，221×300厘米，1950年作，纽约现代艺术博物馆藏）杰克逊·波洛克（1912年—1956年）是美国抽象表现主义的重要代表人物，以在画布上滴溅颜料的方式作画而著名。他的作品以及这种作画方式，对当时及以后的美国抽象派绘画影响极大。波洛克的这种抽象派绘画的主要特征是：抽象性和主观随意性相结合。正如他自己所说的：“当我开始作画时并不知道要画什么，待我画完后才知道我是画了什么。”课本中所选的他的作品，就是这种“创作方法”的产物。如同其他许多抽象表现主义绘画一样，《薰衣草之雾》这个题目是画完后随便起的。它与作品本身并无必然的联系。正如比利时当代抽象表现主义画家德拉奥在回答中国记者时所说的：“画的名字是给看的人取的，使他们知道看的是哪一幅画，而不是为我或为画本身取的。所以，所有的画名都是在作品完成后才加上去的。” 扎特金《被破坏的鹿特丹市纪念碑》（青铜，高600厘米，1951年—1953年作，荷兰鹿特丹市）奥西普·扎特金（1890年—1967年）是俄国血统的法国雕塑家。他出生在俄国斯摩棱斯克市，16岁时渡海到英国，在伦敦等地学习并利用业余时间学习绘画与雕塑。1909年进入巴黎美术学校，先是崇拜罗丹的雕塑艺术，后被非洲的黑人雕刻所吸引，继而结识了法国正流行的立体主义的美术家，开始尝试把立体主义画家分解、组合形体的新手法引进雕塑创作中去，终于成为立体主义雕塑家中以结构和抒情性相结合为特色的著名雕塑家。《被破坏的鹿特丹市纪念碑》又译作《无心脏的城市》。这是第二次世界大战结束后，荷兰最大港口城市鹿特丹市重建被德国法西斯彻底破坏的城市，提醒人们永远不要忘记曾经发生过的这场战争灾难，而兴建的一座城市纪念碑。扎特金从构思到完成，花了3年的时间。作者出于对德国法西斯的强烈控诉，运用了夸张而概括的艺术手法，加大加长了人物的双臂，在保持人体的基本形态与结构的前提下，使人体大幅度地变形，许多地方摆脱了人体解剖与细节的真实，运用立体主义的创作方法，对形体做了重新的组合，其目的，正如作者自己所指出的，“此乃针对非人性的禽兽行为所作的、充满憎恨的呼喊”，即对德国法西斯的最强烈的控诉。由此可见，作者对这一作品的艺术形式和艺术手法的特殊处理，达到了对形式感的追求与深刻的思想、真挚的情感和谐地统一在一起的艺术效果，不愧是西方现代派雕刻中的杰作。
国外学者谈西方现代主义学术 这里提供了一份完整的材料。这是法国华裔学者、曾任巴黎大学东方语言学院中文系主任的熊秉明先生1984年9月来华访问时，应中国美术家协会和中央美术学院邀请所作的《泛论西方现代派艺术》的报告。《世界美术》杂志1985年第1期曾全文刊载该报告的记录。由于熊秉明先生1947年赴法留学后，一直居住和工作在法国，对西方现代美术的情况十分熟悉，加上他自己先后学过雕刻和哲学，对中西美术都有很深的研究，所以他的这一报告对我们认识和理解西方现代主义美术有一定的帮助。特全文转载如下。泛论西方现代派艺术
⊙ 熊秉明
吴冠中先生建议我来和大家谈西方现代艺术的时候，我立刻有两个不同的反应：一是不能接受。西方现代艺术千头万绪，要作清楚的分析和介绍，实在太不容易。一是必须接受。我在国外将近四十年，怎能不把所见、所闻、所感给国内朋友报告一次呢？我终于接受了，我也知道这报告是不可能做好的。我希望大家能原谅这困难的工作的缺陷。我将尽能力去做，我的分析方法当然不是唯一的，也不是最好的，能够供大家参考，就达到我的愿望了。
面对西方现代派艺术，国内一般观众的反应大概是：“不懂”。接触另一个民族的艺术，可能有三种反应：第一是懂，或者不懂；第二是对作品欣赏、玩味，从中获得乐趣；第三是激发起自己的创作欲望。
第一步当然是“懂”。不懂也就谈不到欣赏，也就更谈不到受创作上的启发。“不懂”是因为不知道那些艺术家在干什么，他们的意图、目的是什么。我要做的就是试着从这方面作一些解释。
什么是西方的现代艺术呢？“它是资本主义社会的意识形态的产物”，这定义并没有错，但这是社会历史观的分析。对于艺术家来说这是不够的，也没有直接的用处，我们试着从艺术观点上来理解它。现代艺术的性质有很多特点，我只举出其中的一个，用它作为线索来介绍、归类、分析现代艺术的各种流派。这特点就是现代艺术的“分析性”。正如现代科学是分析的，现代工业是分工的。一件艺术品是由许多因素所构成的，线条、色彩、光影、轮廓、构图等等，现代艺术家把其中某一种因素抽出来加以孤立、突出，甚至绝对化，这是现代派艺术的特点。
每一件艺术作品必然包含着艺术加工。文艺复兴以来西方古典绘画艺术是综合性的，对于绘画性的各种因素是平均考虑的。把绘画技法中的一项问题孤立起来看待的，应始于印象派。印象派把光和色彩问题特别提出来，如莫奈的《卢昂教堂》，在画面上我们看到的是缤纷的色彩，教堂的形体和质地都放在次要地位。莫奈晚年生活在吉维尼（Giverny），他画了很多巨幅池塘睡莲，画面上主要表现的是柳阴天光在水中的倒影，更是色彩的交响乐，可以说已经接近色彩的抽象画。
印象派之后，凡·高和高更认为印象派对光和色的追求限于视觉的愉悦是不够的，色彩应该强烈地表现情感，例如，凡·高的《教堂》，天空的深蓝浓郁、神秘，给人以压迫和蛊惑。这与凡·高的内心情绪是紧密相连的。后起的野兽派、表现派都是用强烈的色彩作为表现手段的，在他们画里画的是什么已不重要，色彩本身传达了画家的思想感情。色彩既有如此的表现力，那么，再发展一步，纯粹使用色彩，不凭借客观事物作题材的抽象艺术也就出现了。法国画家马内西（Manecie）的《耶稣的荆冠》可以说是抽象画，在画面上隐约有一个椭圆形和许多小三角暗示荆冠，整幅画的红色调暗示悲剧感和戏剧情节，所以在某些抽象画家看来，还不能算真正的抽象画。方·德斯堡的画就只是许多颜色块的拼合，完全取消了任何文学性的联想，只剩下色彩之间的对比、和谐、呼应的问题。美国画家马克·罗思科（Mark Rothko）走得更极端，他的作品只有两三块颜色，叫人来欣赏两三种色的微妙和它们之间的关系。更极端的就在画面上只涂一种颜色，叫做“单色画”。法国的伊夫·克莱因（Yves Klein）开过一次展览，全部画都只涂一片绝无变化的蓝色。画单色画的人并不只是他一个。这样的画能不能算画呢？即使算画，也似乎是不能有大发展的死胡同，但是把色彩问题抽出来，绝对化，在他们看来非走到这一地步不可。第二谈谈构图：西班牙立体派画家尤安·格里斯（Juan Gris）的一幅作品，画的是一把椅子，上面摆着一只水壶，物体的边缘线特别清晰，与莫奈的《卢昂教堂》截然不同，画家的兴趣在曲线和直线的交替变化和各种几何形体的不同拼合上。色彩简化到只有三、四种色，而且是平涂的。我们看得出看不出椅子、水壶已不重要，从这里再跨一步，就变成几何抽象主义。荷兰画家蒙德里安的作品走到了极端的几何抽象主义，画上只有几条互相垂直的纵线和横线，颜色简化到只有白底黑线和右角上一点红，我们拿它与伦勃朗的《夜巡》相比，就十分明显地看出蒙德里安把绘画问题简化、绝对化到怎样的地步。我不想为他辩护，我引用蒙德里安自己的话来解释，他说：我们要求一个新的美学，建筑在纯粹的线之间和色之间的关系上，因为只有纯粹的构成元素之间的纯粹关系，才能达到纯粹的美。他认为这样的美是超世俗的，具神性的。
第三，笔触问题：中国传统艺术是讲究笔触的，讲究笔和墨，而西洋古典绘画是要隐藏笔触的，笔触更不是一种表现手段，到十七世纪在哈尔斯和伦勃朗的画上开始可以看到笔触的绘画效果。印象派则把鲜明色彩和活泼的笔触结合起来，所以中国人到了西方最先能欣赏印象派绘画。中国人爱山水，印象派描绘大自然引起我们共鸣；另外一个原因就是笔触活泼。后印象派中凡·高的笔触就更为重要了，笔触不仅透露挥扫的乐趣，也是表现情感的手段，他的稻田、柏树像火焰，笔触起了很大作用。法国近代画家卢奥（Georges Rouault）是以宗教题材为主，他善用斑斓粗犷的笔触表现悲剧情调。美国的弗朗兹·克莱因（Franz kline）作品受日本书法启示，抛弃其他因素只留下单纯的大笔触了；法国苏拉日什（Pierre Soulagej）的画也如此，就像中国水墨画中某个细部放大一千倍的效果。又如法国籍德国画家阿赫东的作品就像一两种笔触的示范样本。
第四是质地感：传统的西洋绘画很讲究表现对象的质地感，如钢盔、丝绸、玻璃杯、羽毛、面包、肉体等等。把质地感孤立起来作为绘画主题，法国现代画家杜比费（Jean Dubuffet）是代表，他在五十年代画了不少以土地、沙石为主题的作品，就像切一块地面悬起来，挂在墙上，画面上完全没有布局、透视、光影等问题。最杰出的要算是西班牙画家塔皮埃斯（Antonio Tapies），他用特殊的胶混在沙里，然后涂在画布上，很厚，像墙一样，再用刀或刮、或刻、或戳，做出一些效果，形成像乡间土房子墙上的自然的蚀毁或人为的破坏的痕迹，充满戏剧感。在这里我们可以特别提到雕刻与质地感的密切关系。大理石给人细腻柔和感，铜给人坚实沉着感，木质又因不同的木材给人不同的感觉……质地本身有表现力，有的雕刻家就突出表现质地，搬来一块花岗石，只刻上几条深痕，使人感到花岗石的坚硬，也联想到雕刻家凿打的艰巨。巴黎雕刻家塞盖利，他的一件雕刻作品似乎是一匹马，实际上是不是马也无所谓，由观众去体会，他堆垒起几块大石头，用不同的石质给人一种触觉上的感受。颜料感：这里并不是指色彩问题，是指颜料本身的质地，如油画的浓厚黏着，水彩画流畅透明，水粉、蜡笔……各有特色。画家要善于利用各种颜料的特点，例如，水墨画在宣纸上洇开来，不会利用，就是一种障碍，但利用得好，就会出现特殊效果，透明感或毛绒感觉。有些现代画家专门表现颜料效果，例如他们运用水墨和宣纸，他们并不要晕散的效果变成虾的透明，或者小鸡的绒毛，他们只要求观者欣赏水墨洇开来的趣味本身。他们要用油料的时候，把颜料堆得很厚，颜料中又混入各种物质，如石头、沙子、石膏等等，表现出各种不同的效果。在法国艺术家中术语称为“Cuisine”（烹调术）。日本画家萨多（Sato）的画很厚，制作时间也很长，是逐步堆积起来的，时间长了颜料产生裂纹或皱褶，他就有意识地利用这些自然产生的效果，仿佛地壳的地质变化，或者像陶釉在窑里的变化。另一个代表是美国的波洛克（Jackson Pollock），大家熟悉的，他作画时在油漆罐底面打一、二个小洞，然后提了油罐让油漆自然而又迅速滴到画布上，形成颜料流滴洒溅效果，在这方面他也走到极端。透视：绘画是在二度空间上表现三度空间的形体。文艺复兴以来，西方画家把科学透视方法用到绘画上。到印象派，特别是后印象派开始抛弃这些严格规律，他们发现艺术的真正目的是表现，科学透视方法对艺术的表现往往是束缚。这幅毕加索1922年画的《海滩上奔跑的妇女》，人物头、躯体、四肢忽大忽小，忽远忽近，不符合透视规律，主要突出海洋的宽广和妇女飞奔动态，这是对透视法的自由运用。有的画家把透视孤立起来，绝对化，把透视作为绘画中的唯一主题，这就是“Optic Art”（视觉艺术）。在法国以瓦萨雷利（Vasarely）为代表，他的作品由很多几何形状和鲜明色彩组合起来，在观者视觉上制造幻觉，好像看到凹形、凸形、球体或立方体等等，画面的色、线、形、结构……都是透视幻觉的产生。这种艺术在舞台设计、工艺设计、橱窗布置、广告宣传方面都有一定影响。近年还有艺术家利用激光干涉现象造成的立体幻觉，也就是“全息摄影”来创造作品。
光和影：光和影也是绘画性之一。在西方传统绘画中有三种气质的画家。一种敏感于色彩；一种敏感于形体；另一种敏感于光和影。威尼斯画家对色彩特别敏感；米开朗基罗是敏感于形体的，所以也是大雕塑家；而伦勃朗是注重于光和影的。在近代，立体派是追求光和影的，把光和影孤立起来，绝对化。德国摩荷力·那吉（MoholyNagy）和美国维德弗莱（Thomas Wiltied）把灯直接引入绘画，他们利用透镜、三棱镜、金属片的反光，甚至利用电动机械作一些光和影的游戏。二次大战后最引人注目的是法国休弗，这类作品很难说是绘画，由于占有第三度空间的可以说是雕刻，并和建筑有密切关系。有人利用很多巧妙的镜子的反射，放在一个箱子里，看来像个水晶宫那样光彩夺目，产生一种内在的无限空间，近似于万花筒的游戏。这些画家并不要求表现什么人生内容，只是追求视觉的新感受。
动和静：绘画和雕刻都是静止的，以静止形体和静止色彩暗示运动的生命。正如谢赫的六法第一条所要求的“气韵生动”。西方画家有两种类型：一种倾向于静止结构；一种企图表现动态。例如，文艺复兴时代彼埃罗·弗兰切斯卡（Piero della Francesca）是代表静止结构一类。丁托莱托是代表动态的一类。在近代，塞尚和立体派是代表静止的；凡·高和表现主义是代表动态的。从艺术史发展来看一个学派总是从“静”向“动”的方向发展，艺术本身要表现动的生命。把“动”孤立起来，现代艺术中大致有三种方法。一种是在建筑物上或墙上制造很多棱面，每一面是一种色彩，随着观众的移动，色彩也变化。艺术家阿甘姆（Agam）在巴黎附近创作的建筑装饰就属这一类型。另一种是利用风力的，如法国伊夫·克莱因，他的一幅画是用许多金箔剪贴成的，金箔片随风飘扬颤动，产生巧妙效果。美国雕刻家卡德尔做的“Mobile”即“活动雕塑”，由悬在空中的铁丝和各种形状的铁片组成，风吹过，铁片飘动。第三类型是电动，瑞士雕刻家廷格利，用废铁焊接成离奇的破机器，通过电发动，便产生各种笨拙的抖动和转动，并且发出叽叽咯咯的摩擦声。美籍华人艺术家蔡文颖，他利用电动使许多平行的钢丝摇曳振颤，产生十分优美的效果。这两位雕刻家，可以说一个嘲笑机械的愚蠢，一个赞美机械的美妙。
“象形”：大概人类有艺术活动以来，绘画雕刻的一个重要目的在“应物象形”。抽象主义是到20世纪初才产生的。而20世纪50年代是全盛时期。那时大家感到抽象主义是绘画发展的最高形式。岂料到20世纪60年代和20世纪70年代产生了波普艺术和超级现实主义，即照相写实主义。那时的风气不但是写实，而且走向极端的写实。照相当然不足为充分写实的，因为黑白照片与现实生活尚有距离，彩色照片与立体现实也还有距离。要达到极端写实，只有做雕像，涂上色，穿上衣服，与真人一模一样。最著名的是美国汉森（AI Hansen）和约翰·德·安德烈亚斯（Johu de Andreas），他们作的塑料人像，大小与真人完全一样，毛发、衣服都是用真的，比巴黎蜡人馆雕像要高明得多，巧妙得多。同时也隐喻着对现代人、现代消费世界和肉体庸俗化的嘲讽。形态的写实发展到这一步可以说走到极端了，可是毕竟还不是真的，更进而有借实主义、移实主义干脆把真的东西搬来。立体主义时期毕加索、勃拉克（Georges Braque）就已采用过，把香烟盒、旧报纸贴在画上。马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）不作雕塑，他就搬来瓶的座架和小便池来展览，这时象形逼真问题完全变质了，因为艺术家就拿真的东西给人看。第二次世界大战以后有一批人专门收集一些东西装在箱里来陈列，如钮扣、洋娃娃、小石头诸如此类东西；也有把鸡尾酒会后剩在烟灰缸里的东西收集在透明塑料箱子里。艺术家要人观赏，反映真实生活的真实历史资料。这时画家不是“画”实给人看，而是“拿”实给人看，让观众从中体会意义和产生联想，这是观念问题，例如，烟灰缸里的烟头移到塑料箱里以后，东西本身没变，而是人们看法改变了，观念改变了，把狭义理解的所谓“作品”彻底否定了。
以上我们所讲的都是关于艺术作品的问题。但是现代的艺术家可以认为艺术作品不是最重要的，或唯一的问题。其他如工具、创作过程、艺术家自己……都是重要的，或者更重要的事项。下面我们就看现代艺术家如何把这些问题孤立起来，突出，甚至绝对化，来进行艺术活动，造成新的学派。
工具：现代艺术家在工具上突破主要有两方面，首先是工具的广泛性，综合地利用各种颜料，采用喷色气枪，颜料里加入各种成分，引入照相复制，以及其它复制方法。雕刻和绘画之间已没有什么明确分界线。霓虹灯、磁铁、火力、水力、电影、电视、电焊、电脑、激光都可以作为创作工具。法国伊夫·克莱因曾举办一个展览会，请来模特儿和乐队，在音乐声中把颜料涂在裸体模特儿身上，让模特儿在画布上印出躯体印子，他称这是“活的笔”。也有画家在自己身上涂上颜色在地上打滚，地上铺着大幅面布料，留下痕印，同时拍成电影，留下“创作”过程。其次是工具本身的暴露与陈列。从印象派开始表现笔触，突出工具的痕迹。第二次大战以后发展成专门拿痕迹来给人看，取名为“Tachism”点抹派和“Action Art”行动派。这在中国人看来并不奇怪，因为中国传统艺术向来是讲笔墨，并且讲当场挥毫表演的。把画布当主题来展览的画家有彼利（Burri），用几块麻布缝缀起来，然后绷在架上陈列，给人一种朴实美感。日本画家苏盖（Sugai）把很多挤扁的颜料铅罐钉在木板上组成图案，给人以画家和颜料罐的亲切感。
行动艺术：把创作过程作为绘画一个主要成分，把它加以突出，这就有了表演艺术。中国古代张旭、吴道子都是当场表演的。西方艺术家一向是在工作室里制作的，只是到这个世纪才有当场表演的事。法国马蒂尔在1956年当众作一张大画宽12米、高4米2，用20分钟画完，当时是作为一件惊人新闻报道的。再进一步，就把表演变成唯一的重点，把表演之后完成的作品也取消了，这就有了“事件艺术”，艺术家在室内或室外做短剧式的表演，如屠羊，把羊血涂在身上，令人惊骇。首先尝试者是美国爱伦·卡普罗（Allan Kaprow）他认为生活和艺术界限越含混越好，没有必要有作品，艺术就是生活。美术家和歌唱家、舞蹈家一样，表演完毕，作品也就消失了。更进一步连表演也取消了，只要有艺术家在那里便行。艺术家开始陈列自己。英国的纪勃特和乔治，他们作品就是《纪勃特和乔治》，展览会上他们两人站着，为了有别于观众，脸上涂了颜色。更为极端的是艺术家陈列自己的同时在身上用刀划出伤痕。法国女艺术家琪娜帕纳，用刀片在脸上或身上划破口子，流出鲜血，给人以颤栗的奇妙之感。这是所谓“Body Art”（躯体艺术），多少是自虐狂或暴露狂的发泄，有的较含蓄，有的显得粗暴残忍。奥地利艺术家史瓦什考克勒就是由于自残过甚，表演后而死去的。也有画家用铁钩子把自己吊在空中，进行可怕的表演，这与吞刀吐火杂技已差不多了。但他们从哲学观点上解释道：肉体作为存在基础，隔离出来，孤立起来，用肉体的痛苦给存在作横道，划圈点，让人看摇摇欲坠的脆弱生命。
艺术创作的思想活动：即构思和意图，古典作品讲究完美、完整。单有好意图还不够，作品必须完整。到近代却不再求作品的完美和完整，在残缺和粗糙中作者的企图往往更强烈。罗丹的很多作品是断躯，表面也还留着制作的刀斧痕，当时是使观众惊讶的，仿佛还是草稿尚未完成，而今天我们在其不完整中更能看出作者的意图。后来构思变得更为重要，如毕加索《牛头》，这是由自行车的座垫和自行车的把手组合而成，全无作者的制作经营。移实派丢香·维隆（Villon）把现成东西搬来陈列，所谓“成品艺术”（ready made），这时思想活动已经完全代替了创作活动。如果有人觉得这种“移实”派太无创作意义了，那么我们可以拿中国古代文学中的“集句”来比较，“集句”，就是把前人“ready made”（已经做好的成品）的诗句引来加以拼合作为自己的作品。虽然都是古人句子，一经拼合又给人以新鲜的感觉。俄国一位革命诗人说过诗歌到处存在，一张菜单，一张酒单，沙皇的衣冠清单，火车时刻表都可以成为诗，说明作品本身不重要，关键是欣赏者的观念。发展到后来有人就连“成品”也不要了，只在挂图位置上写着“This is Art”（这是艺术），或者艺术家自己站在展厅里挂上牌子写道“I am a real Artist”（我是个真正艺术家）。他是在嘲笑自己？嘲笑别人？嘲笑现代艺术的没落？还是嘲笑社会？总之这与其说是作品的陈列，不如说是观念的陈列。
观念艺术（Conception Art）：常常是一组照片，例如，有组照片拍的是手拿锯子锯水，从岸边开始连续拍摄，从一岸锯到另一岸，我看后联想到李白诗句“抽刀断水水更流，举杯浇愁愁更愁”，觉得引起会心的微笑，至于西方人看了反应是什么，我就不知道了。另一组照片是个艺术家躺在草地上，两边各摊铺着一块三角形的布，仿佛是两只翅膀，使我联想到艺术家正在做飞行的美梦。法国艺术家伊夫·克莱因曾举办一个“空无”展览，画廊里一无所有，观众所见只是三堵白墙和靠街一面空橱窗。显然这样的活动，主要在有一个出奇的观念，做起来是不难的。但观念艺术也不都如此容易办到。有一位旅美台湾艺术家把自己关在木笼里一年；又一次他在工厂上工计时机上每小时打一次卡片，连续打一年；又有一年他宣布无论是白天黑夜，风霜雨雪，他将流浪在纽约街上不进任何房子。当然要请来律师做保证，招来新闻记者的采访。这样的作品显然要付出相当的代价才做得出来。最典型的观念艺术是用文字来代替艺术，其他图解、表格都成了艺术品。这种倾向一直可追溯到1969年，在德国利孚柯森城（LeverKusen）举办的观念艺术展览会，整个展厅就像一个文件资料室。
观念是艺术创作中一个成分，但是创作的心理活动是非常复杂的，有自意识的，有非自意识的。观念艺术是属于自意识的，作者怎样想就怎样去设计和创作。而真正创作中也有很大一部分是非自意识的，是潜意识的。弗洛依德精神分析学的发展，对现代文艺的影响非常之大，潜意识成为丰富的创作源泉，甚至有的艺术家认为只有潜意识才是真正的内心世界。我们脑子清醒时忍受各种约束，不断对自己进行自我审查，理智克制自己的言行，真正的自我无法出现。发掘潜意识的秘密作为艺术家的工作是超现实主义的原则。超现实主义有广义的和狭义的。狭义理解是指法国诗人昂德里·布列顿领导的一群画家和诗人，在1924年发表一篇《超现实主义》宣言。广义理解，凡是以潜意识作为创作主要源泉的画家、雕刻家和文学家都可以称为超现实主义者。在这群画家中最著名的是西班牙画家达利（Salvador Dali）,他在技巧上是传统的、古典的、写实的。但主题却是怪诞的，如维纳斯女神身上有很多抽屉，长颈鹿的鬣毛变成火焰，大象在飞翔等等，都是他的梦境和潜意识遐想的描写。超现实主义贡献就是歌颂非理性，把非理性合理化。从此人们过去认为无意义和被忽视的东西都获具意义，发出光彩，以往不认为是艺术的作品都成了艺术作品。例如，疯人的画也有他的逻辑。瑞士一位妇女阿洛伊斯（Aloise），死于疯人院，她的画就很有意思。还有“素人”艺术，指没有经过任何艺术修养的人的艺术。法国一个邮递员什瓦尔（Cheval），用了33年的时间凭自己的双手建造自己想象中的宫殿，风格是稚拙的，后来被文化部划为国家重点保护文物。还有原始艺术、黑人艺术、印地安人艺术、澳洲艺术，都可以当作第一等的艺术品来欣赏。毕加索的《亚威农少女》就是受黑人面具的影响是大家所熟悉的。儿童艺术中也有可贵的杰作。稚拙派是某些画家有意识创造的笨拙感的作品，如卢梭。最近有一派画家专画“坏画”；还有“信手画”，就是在半催眠状态下无意识留下的信手乱涂。既然原始艺术、儿童艺术……都能被欣赏，那么学院派的画为什么不能被欣赏呢？以前被现代派排斥唾弃的学院派，现在又开始抬头，例如，19世纪末学院派代表布格罗，作为法兰西学院院士、美术学院教授，他是印象派的死敌，随着印象派、现代派的兴起，他逐渐被人遗忘，他的作品价格是他生前的十五分之一。最近法国政府在小宫殿举办了他的个人展览会，价格又在回升。这样看来，几乎任何人都可以是艺术家，任何东西都可以成为艺术品，如果我们客观地、谦逊地、科学地对待事物，大概没有什么东西不值得研究的，也无不值得我们惊诧和赞美的。
艺术的商品性：专业艺术家必然把他的作品商品化，艺术受到经济基础的支配。在西方，买艺术品常常作为一种投资。1974年美国铁道工人退休金储蓄管理委员会，以5000万英镑高价作为投资购买艺术品。当然这种投资是有风险的，因为艺术品的价格不断上升下降。如以上提到学院派画家布格罗的例子。伦勃朗的画在100年间上涨10万倍，但是买了伦勃朗的画也并不可靠，因为有真伪之别，例如，艺术批评鉴赏家布雷丢斯（Bredius）曾制订一份伦勃朗作品真伪表，数年后盖尔逊（Gerson）又拟订一份真伪表格，二人的意见颇有出入，收藏者也是提心吊胆的。另外艺术品的本身价值也在不断变化。第二次大战以后，艺术风格和流派三四年一变，这使艺术馆的收藏大伤脑筋，艺术馆收藏收购委员会用国家的巨款购买一些破布、破钮扣来收藏，难免招来人们非难与反对。由于艺术品的商品性加强，有的艺术家干脆把作品作为商品，如波普艺术就是这个特点，美国画家安戴·韦尔霍尔（Andy Warhol），他的作品像商品陈列，像商品广告，他的艺术活动包括“Manager”（经纪人）活动。另外一类画家与其相反，是针对艺术品的商品化做抗议的，受到1968年左右的青年运动的影响，一些艺术家不愿被画商所操纵，不愿被艺术馆、艺术批评家所左右，创作地摊艺术、地景艺术，有时直接在墙上作画，就是不让别人购买，美术馆也无法收藏，这种倾向至今还有余波。最后，一个艺术作品有它的哲学意义，有人在这个层次上下功夫。传统哲学讨论艺术时，就讨论美，也就是美学。但仅仅用“美”来概括艺术是不够的。例如，传统艺术中就有悲剧、喜剧、嘲讽等等，很难以美的范畴来概括。现代艺术尤其如此，许多艺术家要表现丑、脏、乱、怪诞、恐怖、残酷、绝望……这倾向在西方艺术里本来就有，像十九世纪席里柯画的《梅杜萨之筏》，前景筏上横陈变色的尸体和垂死人物，一片阴暗悲惨景象。后期这种倾向越来越严重。法兰西斯·培根是当代著名英国画家，最后在蓬皮杜中心举行个人画展，他画的人物就是病态的，形象扭曲，看后叫人十分不舒服。既然艺术扬弃了“美”，那么每一派，每个画家都有他特殊追求的东西，不得不有艺术理论家来作解释，给理论根据。把艺术理论孤立起来，独立出来，认为艺术理论是艺术的主要成分，也认为艺术理论家就是艺术家。批评家米歇尔·阿贡说艺术批评就是艺术创造，他的工具就是美术家、雕刻家。另一位法国著名批评家叫彼埃尔·雷斯塔尼，在二十世纪五十年代和二十世纪六十年代间与一批艺术家推行“新写实主义”。他创立理论，引导画家们去实践，并为他们的作品做解释，如同一个乐队的指挥。“事件艺术”领导者爱伦·卡普罗说：“所有的前卫艺术，与其说是艺术活动，不如说是一个哲学的探讨追求。”艺术活动就是哲学问题，很多艺术品本身很简单，但评论家可以借以写出大文章，这些文章或有哲学性，或有文学性，总之可以独立成为作品。也可以说，在他们看来，真正艺术品不在作品，也不在艺术家，而在那一套理论，作品不过是理论的应用或者实现，艺术家不过是执行者。
艺术是创造，必须是新的，必须是反对因袭的，反对保守的，现代艺术特别注重这一点，似乎很吓唬人。实际上中国画家向来懂得这一点，至于惊世骇俗的行径，魏晋时代的“竹林七贤”之流，在《世说新语》中记载得很多。千奇百怪的西方现代艺术，我们完全可以清醒地观察、了解，去“懂”。在千头万绪的西方艺术启发下，我们应认识到艺术创造的可能性是极广阔的，艺术品的每一种成分，艺术活动的每一种成分，都可以是我们研究、翻新的对象，我们可以大胆去寻求探索，上升到哲学层次。但是这探索是不是漫无标准呢？却又不然，我们要追求的还是真实地挖掘自己，往往有时我们以为找到新路，其实是在模仿别人而不自知。挖掘自己，并不是容易的事，不落实到这一点上，艺术就失去意义。但是有时却又要大胆地失去自己，才又会回到自己。（文焕 整理）外国现代工业设计发展概述
工业设计是一种大工业生产方式下，利用一定的物质材料、工艺技术与艺术手段，遵循一定的美的规律，来创造能够满足人类物质与精神生活需求的物质形式的计划、构想与创造活动。其宗旨在于从技术的、经济的、社会的、文化的多重角度，通过对工业产品功能、材料、结构、工艺、形态、色彩、表面处理及装饰等各方面的综合设计，来实现人、物、环境三者之间的和谐统一，从而为人们提供更方便、舒适、合理、美丽而宜人的生活环境与生活方式。工业设计具有功能性、技术性、审美性、象征性等基本属性。首先，它必须有助于产品实现更安全、合理、便利、经济的使用功能；其次，它必须反映出现代科学技术的新成果，并使新技术真正转变为有益于人类生产实践与日常生活的物质产品；再次，它必须通过产品造型、结构、材质、色彩、纹饰方面的艺术处理，使产品更好地适应人们审美的需求；最后，它必须能反映和象征社会大众多样化的价值观、精神需求与生活方式。
工业设计是工业革命和现代化工业大生产方式的产物，一方面它与传统手工艺设计有着深厚的渊源关系，它是传统手工艺设计在现代社会条件下的新发展；另一方面它又与传统手工艺设计存在很大区别，这主要体现在它建立在现代化工业大生产基础之上，采用批量化、标准化的生产方式，在设计者与制作者之间出现了明确的专业分工，设计更多关注科技性、标准化、社会性与商业性。
工业设计作为工业文明的产物，其出现至今不过一百余年，但在这短暂的一百余年中其发展极为迅速，已经走过了一个萌生、发展、成熟与繁荣的历程，正日益走向多元化的发展格局。
一、工业设计萌生（18世纪至20世纪初）
1760年前后首先爆发于英国的工业革命在全面改造人类生产方式、生活方式以及社会结构的同时，对工业艺术设计也起到了催生作用。机器大生产对传统手工艺产生了巨大冲击，工业日用品的设计被提上了日程，同时，工业化带来的社会分工的进一步发展也使得设计与制作产生了分离，导致了设计专业的出现。此外，由于艺术与技艺间的差距越来越大，艺术家不再屑于从事设计工作，而工业体系中的设计者、制作者又缺乏必要的艺术素养与技能，这种艺术与技术间的隔阂导致了工业革命后设计领域危机的到来。1851年伦敦博览会在展现工业技术巨大威力的同时，也暴露出工业产品设计领域存在的严重问题。博览会展出的工业产品其设计大多粗劣低俗，毫无美感可言，其主要弊端一是风格混杂，复古成风，一是趣味庸俗，滥用装饰，甚至连蒸汽机、纺织机表面都被覆盖上繁复的哥特式、洛可可式纹饰。以上现象引起了一些富于洞察力和责任感的艺术家、理论家的关注，他们对一味摹古、矫揉造作的设计现状极为不满，对传统产品设计美学的衰亡深表惋惜，为此他们抱着社会改革的理想纷纷投身于设计改革运动，试图从理论与实践两方面多角度地探寻适应新时代需求的设计方法与风格，这一探索直接促成了现代工业艺术设计的萌芽。
盛行于19世纪下半叶的“英国艺术与手工艺运动”是现代设计史上第一次重要的改革运动。该运动的理论指导是著名艺术评论家约翰·拉斯金，其主要实践者与领导者是艺术家、设计师、诗人与社会政治活动家威廉·莫里斯。拉斯金从社会改革的高度来探讨设计问题，他一方面抨击设计中的复古思潮、繁琐装饰与虚荣心态，强调设计回归真实与真诚，主张设计忠实于物品的功能性和材料的真实性；另方面谴责机械化大生产剥夺人的创造性，强调设计者关注传统手工艺，呼吁艺术家重新参与工艺设计活动。他的进步思想为莫里斯所继承与发展，莫里斯于1861年组建了著名的莫里斯商行，亲自主持室内装饰、家具、玻璃、金工、染织品等的设计与制造。他主张造型艺术与产品设计紧密结合，通过艺术家与工艺匠人的合作以及艺术与手工艺的结合来达到改良工业艺术设计的目的；他反对设计为少数特权阶层服务，而主张以大众为服务对象，高度重视产品设计的审美特性与真诚的设计态度。在具体设计原则上他崇尚中古哥特式风格，主张复兴传统手工艺，主张设计源自对自然与社会的深入研究，注重设计风格的统一性与整体性。莫里斯公司出品的染织品、家具、室内陈设品以清新质朴、古雅精致的特色而蜚声海内外。
莫里斯以复兴手工艺的方式来为工业社会提供新型的、优良的产品设计模式的尝试，在当时的知识界、艺术界激起了强烈反响，一批年轻艺术家、设计师响应莫里斯的号召，组织了一批旨在改良产品设计美学的新型行会组织，“英国艺术与手工艺运动”由此形成。虽然该运动主要局限于手工艺设计领域，反对机械化批量大生产，而且它推崇哥特式风格的复兴，具有一种乌托邦式的社会理想，但它毕竟是现代设计史上第一次大规模的设计改良运动，它首先提出“艺术与技术相结合”的原则，号召艺术家从事产品设计，同时，它所开创的真实、自然的设计风格也有助于工艺设计摆脱玩弄技巧和雕琢堆砌的弊病，从这一意义上说，它是现代设计史的开端，莫里斯也被尊为“现代设计之父”。
在“英国艺术与手工艺运动”的影响之下，19世纪末在欧洲兴起了“新艺术运动”。它是1890年—1910年间流行于欧洲和美国的一次影响面相当广的装饰风格运动，它反对形形色色的复古风潮，主张创造一种工业时代所特有的新颖、简洁的装饰风格。该运动中最流行的装饰是一种师法自然而又大胆概括、抽象的鞭索形曲线纹饰，它令人联想起植物的花丝、藤蔓以及流动的波浪、跳跃的火焰。这种流转有致、生机蓬勃的抽象图案与自然主义的花草纹饰相结合遍布于建筑装饰、家具、玻璃、陶瓷、首饰、纺织品等产品设计之上。
欧洲各国的“新艺术运动”发展概况不尽相同。法国是它的发祥地，该派的名称就源于巴黎一家名为“新艺术之家”的艺术画廊与设计事务所。法国的“新艺术运动”比较重视昂贵的材料、精美的工艺、华丽的装饰与高雅的意趣，这一特点可以从盖拉德、马若雷尔等人设计的家具以及加莱、拉利克等人设计的玻璃器皿与首饰中看出；比利时的“新艺术运动”近似法国，但较为严谨、理性、质朴而克制，更多注重设计的功能性与科技性；该运动在德国、奥地利分别名为“青年风格派”与“维也纳分离派”，它们和苏格兰以麦金托什为代表的“格拉斯哥学派”一样，代表着“新艺术”的另一类型，倡导一种清新明快、简洁抽象的几何装饰风格，这种样式更有利于机械化大生产，更合乎工业时代的审美要求。
“新艺术运动”在现代设计史上起了一个承前启后的作用，一方面它进一步完善、发展了“英国艺术与手工艺运动”，另一方面也为现代工业艺术设计摆脱传统程式、走向现代风格起了很大的促进作用。
二、工业设计的成长（20世纪10年代至40年代）
现代工业设计的基本原则、方法、体系、风格以及它在社会经济发展中的作用方式都是在此时期正式形成。当时的欧洲涌现出一大批思想敏锐、勇于创新的设计师，开始探寻一种与日新月异的工业、科技相匹配的现代的设计思想与形式风格。无论是德国的“德意志制造联盟”、“包豪斯”，还是荷兰的“风格派”、俄国的“构成派”，这些设计学派都竭力使设计与新的生活方式、科学技术相合拍，提倡强调功能、注重实效的功能主义设计，主张形式追随功能要求、技术特征与生产方式，注重新材料的运用，努力创造一种与大工业生产方式、工业社会生活方式以及新技术、新材料相适应的设计美学与产品艺术形式。这股浪潮被称为“现代主义运动”，它标志着现代工业艺术设计正在走向成熟。
1907年“德意志制造联盟”的成立标志了“现代主义运动”的开端。该联盟由艺术家、设计师与工业家这样三股力量组成，其宗旨在于：强调艺术、工业、手工艺的结合；提倡功能主义的设计，反对任何形式的装饰；主张设计应体现工业化、批量化、标准化的特点与要求。联盟的成立结束了工业革命以来艺术与设计、艺术与技术、艺术与工业间长期存在的隔阂，从而标志着工业设计全面发展的新时代的到来，同时也为现代设计思想的确立从理论上扫清了障碍。
在“德意志制造联盟”的基础上，一战后德国的工业设计取得了长足的进步，“包豪斯”设计学校的成立就是这一成果的集中体现。这是一所由建筑师、设计师与艺术家组成的、为机械化时代探索现代工业设计道路的教学机构，被后人誉为“现代工业设计的摇篮”。“包豪斯”1919年成立于德国魏玛，其创办人是著名建筑师、设计师格罗皮乌斯，学院的目标在于团结建筑师、设计师与艺术家等各方面的力量，努力实现艺术与技术的新统一。该校1925年迁址工业城市德绍，1933年被纳粹关闭。“包豪斯”的历史虽然是短暂的，但它却为设计史写下了辉煌的一页。“包豪斯”的历史贡献首先在于它建立了一套完整而科学的设计教育体系，对促进工业设计学科的健康成长以及工业设计教育的科学化、规范化、系统化起到了决定性的作用。该校实行艺术教育与工艺培训并重、艺术教师与工艺教师并用的双轨制教学方法，以培养既熟悉传统工艺要领和艺术创作方法，同时又了解现代工业生产规律和技术条件的新型设计人才，从而达到填平艺术家、设计师、工艺技师之间传统鸿沟的目的。其次，“包豪斯”在设计理论与实践的探索中形成了以理性主义、功能主义为特色的设计原则与方法，强调对各组成部分最佳功能关系以及最合理的技术结构所作的深入分析，从而形成了一种理性、严谨、简洁、客观的设计风格。最后，“包豪斯”培养了一大批成绩优异、极具潜能的新型设计人才，这其中对当时以及后代的设计发展影响最大的有家具设计师布鲁尔、平面设计师拜耶以及金属工艺设计师华根菲尔德、布兰特等。当然，“包豪斯”也存在一定的历史局限性，这主要表现在这过于注重从一种形式与功能的逻辑关系出发寻找普遍适用的设计原则，由于过分强调功能性、合理性与几何性，从而造成了过于冷漠、单调、生硬的缺陷，一定程度上忽视了产品设计中更为复杂的人文因素与人性要求。
与“包豪斯”在德国进行设计改良探索的同时，二十世纪二三十年代的美国则首先出现了工业设计职业化的趋势，涌现出第一代的职业设计师。这首先是经济大萧条中企业激烈竞争的产物，各企业为了生存、为了出奇制胜地击败竞争对手，纷纷将目光投向产品设计领域，职业设计师由此应运而生。此类设计师有两种类型，一类隶属某一企业，专职从事某类产品设计，称为“驻厂设计师”；另一类独立开业，广泛从事各类产品的设计，称为“自由设计师”。美国30年代崛起的一批杰出设计师多数属于第二种类型。由于他们都曾在商业环境中从事设计工作，因而他们对商业目标、市场需求、流行时尚有着较欧洲设计师更深刻的认识。此类设计师中，出生于法国的雷蒙德·洛威堪称佼佼者。他对众多新技术产品所作的极为出色的改进设计使他常被誉为本世纪最伟大的工业设计师之一。
三、工业设计的成熟与繁荣（20世纪40年代至60年代）
二战之后直到20世纪60年代是西方资本主义国家发展的黄金时代，经济上普遍由复苏走向繁荣，技术方面由于合成化工、航天科技、电子技术的相继投入应用而取得突飞猛进的发展，社会文化方面大批现代化机器与各类大众传媒的广泛运用导致了社会习俗、消费结构、价值观念以及生活方式上的变革。在这样的社会背景下，工业设计从设计思想、设计方法、设计风格、设计组织以及设计教育等各个方面全面地走向成熟。在设计思想与设计风格方面，在战前以“包豪斯”为代表的现代主义设计运动中形成的功能主义思想在此时期得到了广泛的传播，一种具有高度理性化、功能化、简洁化与系统化特征的设计风格在各国蔚为流行。这种风格被称作“国际现代主义设计”，它成为从20世纪50年代到20世纪70年代初全世界范围内的一种主导性设计风格。在设计组织与设计教育方面，继1942年英国成立工业设计师协会之后，美、德、日、意及北欧各国相继仿效，1957年更在此基础上组织了“世界工业设计协会联合会”，这些组织对推动设计的发展起了广泛而卓有成效的促进作用。与此同时，工业设计人才培养的重要性也开始为各国普遍关注，“包豪斯”所建立的整套设计教育体系随该校师生流散至世界各地而开始对全世界的现代设计教育产生巨大的影响。在工业设计体系方面。战后的工业设计与产品制造业的联系日益紧密，一种集设计、生产和市场销售为一体的工业艺术设计体系普遍确立。美国IBM公司、德国布劳恩公司、意大利奥列维蒂公司、荷兰菲利浦公司、日本索尼公司的产品之所以能以其卓越完善的设计而蜚声世界，其主要原因即在于高度理性化、组织化、系统化的设计体系的确立。
战后德国的设计在继承“包豪斯”优秀传统的基础之上，进一步发展了功能主义思想，建立起高度理性的系统设计理论，这一设计流派被称作“新功能主义”或“理性主义”。乌尔姆设计学院与布劳恩公司是这一设计流派的杰出代表与领导核心。乌尔姆设计学院的教师、著名设计大师古格洛特、拉姆斯等人在坚持功能主义的同时，首先创立了系统设计理论，其原则在于将纷乱的客观物体置于相互影响、相互制约的关系中，通过单元的聚合来使产品在技术上、功能上、形态上以及表现形式上建立起一种联系性、统一性与秩序性，从而实现产品使用功能上的综合性、互换性、灵活性和无限的补充性。这些设计师将其理论运用于为布劳恩公司设计的音响产品、电动剃须刀和厨房小电器之上，从而使之成为德国“新功能主义”设计的经典之作。
战后美国的设计在借鉴来自欧洲的现代主义理论与风格的同时，积极探索着运用新技术来改善人类生活质量的各种可能性。战后美国设计尤以“有机家具设计”最具代表性。以著名设计师依姆斯、小沙里宁为代表的一批美国家具设计师们致力于新材料、新技术的探索，深入研究设计中的人体工学因素，大胆尝试着高雅、简洁、多样的有机造型。他们的研究与探索对现代家具设计产生了巨大而持久的影响。
战后意大利的设计一方面重视设计与现代化大工业的结合，善于利用各种新型材料与最新技术；另一方面深入研究悠久深厚的民族工业设计传统，重视当代社会生活与文化时尚的把握与展示，强调设计中鲜明而独特的人文精神与美学品质。由于采取这样一种方针，意大利设计后来居上，不仅涌现出一大批驰名世界的设计大师，而且一跃成为世界上最重要的设计强国之一。
除以上三国外，战后日本以及北欧诸国的设计也具有极高的水准，尤以卓越的功能性、技术性与深厚的人文精神、浓郁的民族特色和谐统一而享誉世界。
四、设计的多元化（20世纪70年代至今）
20世纪70年代以来，西方国家陆续进入后工业社会，在一个商品经济高度发达的高消费时代，大众文化的繁荣使得社会文化向着更多元的方向发展，生活方式也越来越呈现多样化的趋势。在这样的社会背景下，体现正统精英文化的“现代主义”设计遭到了有力的挑战，其设计观念、设计美学遭到了质疑，设计逐步从注重理性化工业过程、技术逻辑的机器文明时代跨入注重社会多元化特质、多样化需求的消费文明阶段。现代工业艺术设计日益摆脱严肃、冷漠、生硬、单一的“国际现代主义”风格，呈现出更开放、更多样化、更具丰富个性的发展态势。
当代后工业社会的工业设计主要有以下几种潮流：
（一）后现代主义设计，它由20世纪60年代兴起于英美的“波普设计”与兴起于意大利的“反主流设计运动”发展而来。它反对现代主义设计那种过于理性、严肃、冷漠、单调、缺乏人情味与人文气息的功能主义风格，主张产品不仅须具备良好的功能，运用先进的技术，而且应具备个性化的特征与形态以满足不同消费群体的物质与精神需求，以适应后工业社会文化环境与生活方式的新变革。它较多关注产品设计的人文内涵，强调产品所处的社会文化环境对设计的影响，坚持设计的传统文化特征，主张从历史中寻找设计灵感。不同于复古设计的是，它反对照搬历史风格，而提倡对历史风格作抽取、分解、混合、拼接与折衷；它注重产品形态设计的情感表达与象征意义，偏爱使用象征、隐喻性的设计手法；它重视设计中装饰性的运用，强调设计的娱乐性、通俗性与细节处理的含糊性，主张精英文化与大众文化、古典文化与现代文化、高雅文化与通俗文化的兼容并蓄。该风格中比较重要的流派有以意大利设计师绍特萨斯为首的“孟斐斯集团”，建筑师文图里、霍莱恩、罗西、格雷夫斯为代表的“微建筑风格”等等。
（二）“新现代主义”设计，它在继承现代主义设计思想、方法与风格的基础上，大量吸收新兴的微电子技术，试图以高科技的技术手段来进一步提高产品的质量与性能，以简练、理性、光洁、轻薄的风格来展现高科技时代的特色，此类设计中最具代表性的是“高技风格”、“软高技与高情感风格”、“微电子风格”与“极少主义风格”。
（三）“健康设计”，它又称作“为需要而设计”，其特点在于更多考虑消费者多样化的需求，坚持以人为本的工作目标，更多重视为人提供更宜人的生活环境以及更舒适高效的工作环境，特别是大力发展专门化、系统化的设计，提倡为残障者、病人、老人以及儿童等特殊群体进行设计。
（四）“绿色设计”，该流派提倡节约能源、抑制消耗、再生利用、保护生态环境的设计方法与设计风格，其目的在于实现可持续发展的社会发展整体目标。
以上多种风格与潮流组成了当代社会工业设计多元化的发展格局，它是一百多年来一代又一代设计师不懈努力、大胆探索的成果。虽然他们各自的主张不尽相同，但在探索、创造人类更合理、更美好的生活环境与生活方式这一设计最终目标上却是一致的。未来的生活将由于工业设计师们的创造性工作而变得更加舒适宜人、更加多彩多姿。
（德国）威廉·华根菲尔德设计《WG24台灯》（1924年作）威廉·华根菲尔德是德国现代著名设计师，“包豪斯”学派的重要成员，尤以设计金工产品、玻璃制品与瓷器见长。他1900年生于德国不来梅，早年曾于当地一银器工厂当学徒，后进入不来梅工艺美术学校学习，1923年进入“包豪斯”深造，师从著名设计家与设计教育家莫霍利·纳吉，主攻金工产品设计。WG24台灯设计于1924年，由华根菲尔德与同学容克合作，它是华根菲尔德前期设计中最著名、最具代表性的作品，同时又代表着“包豪斯”在灯具设计领域取得的最重要成果，此外，它还是“包豪斯”设计中少数几件投入生产的优秀作品之一。该台灯由不锈钢管与乳白色玻璃组成，造型简洁明快、结构单纯明晰，一扫此前灯具设计中纤巧繁琐之风，具有鲜明的时代美感。不仅如此，该设计充分发挥了各种新型材料的性能，各部分设计结构逻辑明确，非常重视产品的实用性与功能性。从他早年的设计开始，华根菲尔德就坚持与工业大生产合作，通过与一些大公司的合作来了解、参与生产的整个流程，从而在设计中加强工业化、标准化的特征。他以自己的设计实践为“包豪斯”校训“艺术与技术的新统一”作了生动的说明，他由此成为设计与批量大生产方式紧密结合的先驱之一。正由于以上原因，他的设计作品不仅在当时广受欢迎，而且具有较为长久的生命力，很多设计在完成后的几十年中仍为各厂家大量生产，例如，该灯具就在1980年由不来梅的泰克诺鲁门公司重新投入生产。
（德国）马塞尔·布鲁尔设计《瓦西里钢管椅》（1925年作）马塞尔·布鲁尔（公元1902年—1981年）是“包豪斯”学派中著名的设计师。作为钢管家具的首创者，他也是20世纪最重要的家具设计师之一。他生于匈牙利，1920年进入“包豪斯”学习，并很快在家具设计领域显露出过人的天赋，1925年起接任“包豪斯”家具车间的主管。其早期家具设计深受荷兰“风格派”设计师里特维尔德的影响，多采用简单的几何形木结构，辅以帆布坐面与靠背。1925年布鲁尔受自行车把手的启发而发明了钢管家具，从而揭开了现代家具设计的新一页。“瓦西里钢管椅”是他设计的第一把钢管椅，因纪念他与老师、著名画家瓦西里·康定斯基的友谊而命名。布鲁尔擅长以镀镍钢管、皮革、布面与玻璃等新型材料来设计整套家具，其造型轻巧优美，结构单纯紧凑，功能性极为突出，显示出标准化的设计特征。布鲁尔不仅成功地将钢管这种新材料、新形式带入日常家居生活，而且他将新材料的性能与椅子的功能性要求、生产的标准化原则还有新时代的审美风尚完美地结合在一起，特别是在充分发挥钢管材料特性的同时，对结构关系作了大胆的简化，对造型作了迥异于传统家具的崭新探索，他的这些设计思想、设计风格对现代家具设计的发展影响深远，在他的启发下密斯·凡·德·罗、勒·柯布西耶等众多设计师相继完成了他们的钢管家具设计。布鲁尔的钢管家具由柏林标准家具厂和维也纳托纳特家具厂大批量生产，取得了极大的商业成功。（美国）艾罗·沙里宁设计《郁金香椅系列》（1956年作）艾罗·沙里宁（公元1910年—）是美国战后最重要的建筑师与家具设计师之一，是美国有机家具设计的重要代表。他生于芬兰，13岁移民美国，父亲是著名建筑师、纽约克兰布鲁克艺术学院的院长。小沙里宁早年就读于耶鲁大学建筑学院，后在从事建筑设计的同时兼顾家具设计。1941年，他与依姆斯合作的双向曲面胶合板椅荣获纽约现代艺术博物馆举办的有机设计展一等奖，从而奠定了他在现代家具有机设计中的领导地位。小沙里宁的家具设计强调设计思想、材料、结构还有功能之间的高度统一。在强调材料、工艺与使用功能的合理性外，小沙里宁更注重以现代艺术语汇创造与环境协调一致并且自身保持整体统一的新型家具。1946年设计的“胎式椅”，以玻璃纤维板作主要材料，被称为世界上最舒适的椅子之一。此后，他进一步探索椅身、椅腿整合一致的更好的有机形式。1956年设计的郁金香椅（一称花托式椅）就是其意图的完美体现。该组家具包括扶手椅、无扶手椅、凳子与桌子，铸铝基座外包塑料外壳，椅身、桌面采用预应力模压玻璃纤维板，上覆以红色软泡沫坐垫。该家具功能卓越，由于注重人体工学的研究，椅面就坐舒适，圆足的造型也不会压伤地面。不仅如此，整个设计造型优雅流畅、色彩纯净明快，形式上具有浑然一体的整体性与协调感。该系列家具一经推出即大受欢迎，经美国最大的家具生产集团诺尔公司生产后畅销世界。（美国）雷蒙德·洛威设计《可口可乐饮料零售机》（1947年作）雷蒙德·洛威（公元1893年—1986年）是美国第一代职业工业设计师中的佼佼者，是美国工业设计的重要奠基人之一。他一生中完成了数以千计的设计项目，内容涉及工业产品设计、包装设计、平面设计与企业形象设计等诸多方面，对美国人民生活方式的革新作出了重大的贡献。作为本世纪最伟大的工业设计师之一，1949年美国《时代周刊》甚至将他选为封面人物。他生于法国，一战之后来到美国，早年从事广告与插图制作，1929年开设自己的设计事务所，从而开始了其漫长而辉煌的工业设计生涯。虽然洛威的设计活动涉及面非常之广，用他的话说是“从一支口红到一艘轮船”无所不包，但其众多的设计还是有一定的相似之处的，这就是设计追求简洁、流畅、典雅的风格，无论是产品结构还是外观形态都显示出他对新时代、新技术的热忱，显示出对产品实用性、便利性、经济性、耐用性的关注。虽然他是风靡一时的流线型设计的肇始者之一，但他的设计不仅旨在确立具有时代特色的造型风格，而且大力探索技术性、功能性与艺术性的完美统一。他早期的重要设计有吉斯特纳速印机、冷点冰箱、宾夕法尼亚铁路机车、灰狗长途汽车以及为可口可乐公司所作的系列设计。早在30年代，可口可乐公司就委托他重新设计了“可口可乐”的系列产品。他修改、简化了可口可乐的原有标志，确定了以流线型字体、红白二色作为可口可乐的正式形象。洛威除可口可乐标志，玻璃瓶的设计外，1947年还为可口可乐设计了饮料零售机，该设计外形整体、雅洁、流畅、端庄，顶部的把手处外罩向内凹陷，以提高抓握功能，红色的外壳上饰以醒目的白色，视觉效果颇为强烈。
（芬兰）阿尔瓦·阿尔托设计《41型扶手椅》（1928年—1933年作）阿尔瓦·阿尔托（公元1898年—1976年）是20世纪芬兰最杰出的建筑家与设计师，其设计堪称人情化、地方性的功能主义设计的典范。他早年攻读建筑，1921年毕业于赫尔辛基高等技术学校，后在瑞典多个建筑事务所工作。1927年设立自己的设计事务所，开始了独立的建筑与家具设计。在家具设计中，在强调实用性、功能性、标准化的同时，他尤为关注人文传统、民族生活方式的体现和对自然材料、自然环境的尊重。“41型扶手椅”是他最早赢得国际性声誉的设计作品，也是其设计手法、设计风格的完美体现。该款扶手椅由阿尔托与他的夫人艾诺联合设计，最初是为装点他们设计的位于芬兰西南部帕米奥的结核病疗养院而作。椅子的框架以层压定型、弯曲的桦木制成，椅座面由蒸汽热弯成型的胶合板制成，阿尔托在继承托内特等前人弯木技术的基础取得了更进一步的发展。在椅子的造型上，阿尔托以先进的木材加工工艺使材料形成柔和流畅的曲线形式，这种形式暗示出芬兰湖泊众多的自然地理特征，因而既具有强烈的现代气息，又具有浓郁的民族色彩，节点的处理和材料特性的把握还渗透出传统手工艺的精美与雅致，完美的功能性与轻盈优美的艺术形式被巧妙地融为一体。进入30年代之后，阿尔托又设计了很多工艺更先进、功能更卓越、造型更别致的弯木家具作品，他的这些设计不仅给北欧地区的设计师以巨大的影响，而且对其他国家的设计师也具有一定的启发作用。
（丹麦）保罗·汉宁森设计《PH扎普芬吊灯》（1958年作）保罗·汉宁森（公元1895年—1967年）是本世纪丹麦杰出的建筑师与灯具设计师，PH灯具系列是其设计的代表作，同时也是现代设计史上的经典名作。早在1925年前，汉宁森就从功能主义角度出发，对历史上的台灯设计进行了系统研究，设计出了一款新式吊灯。这款名为PH的吊灯以其卓越功能与优美造型的完美统一，在1925年的巴黎装饰艺术博览会上大放异彩，一举荣获大会金奖，这是第一件赢得国际性声誉的丹麦设计。这种吊灯于1927年由哥本哈根的厂家投入批量生产，很快畅销世界，经久不衰。此后，汉宁森在该款吊灯基础上，推出了一系列风格相近的灯具作品，称作“PH灯具系列”，这其中尤以1958年推出的吊灯“PH5”、“PH扎普芬”最为著名。在这些灯具设计中，汉宁森首先考虑的是人的因素，其优雅、柔美的造型来自于对功能要求的深入研究。多层灯罩的运用旨在避免由于光源直射人眼而产生的眩目效果，所有的光线必须经过一次到多次反射方能到达工作面，以获取更加柔和、均匀的照明效果。同时，乳白色的灯罩既有对白炽灯光谱的补偿使用以调节光色，其复杂、饱满的多层造型又能适当减弱灯罩边缘的亮度，以防止灯具与背景间形成过大的明暗反差。在艺术效果上，此款灯具造型简洁明了而又生机勃勃、温馨亲切，有如开放的乳白色花朵显得妩媚动人，它因而被公众称为“洋蓟”吊灯。作为丹麦那种既注重功能主义与科技含量，同时又珍视民族传统与人文精神的设计的典范，该系列灯具受到了各国用户的热烈欢迎，自问世以来一直跻身于最畅销的灯具产品之列。
（美国）米歇尔·格雷夫斯设计《“鸣唱”水壶》（1985年，美国阿莱西公司制造）“微建筑风格”是后现代主义设计的重要分支，该流派的主要特点在于将后现代主义建筑的风格、结构、造型与细节移用于日用工业产品的设计之中，一方面强调后现代古典主义的建筑造型，主张以全新的方式运用于古典主义建筑的风格与结构；另一方面又提倡后现代的装饰主义，偏爱几何风格的图案造型与艳丽通俗的色彩。大多数的后现代主义建筑师都设计过该风格的产品，如美国的格雷夫斯、文图里，意大利的罗西，德国的公司格斯和日本的矾崎新等。美国的阿莱西公司以生产厨房用具见长，80年代该公司邀请众多驰名世界的后现代主义建筑师为其设计产品，这些产品成为微建筑风格的最佳范例，其中由美国设计师米歇尔·格雷夫斯设计的“鸣唱”水壶就是其最经典、最成功的作品。格雷夫斯是后现代主义建筑风格的奠基人之一，同时也是后现代古典主义设计的杰出代表。他很早就开始试图改革国际现代主义过于沉重、单调、冷漠的建筑风格，而代之以丰富的装饰、华丽的色彩和历史风格的折衷表现，其设计的波特兰公共服务中心是后现代主义最经典的作品。在为阿莱西公司设计的水壶中，他沿用了其建筑设计的理论与风格。水壶不锈钢的壶体采用现代主义风格的圆锥形，壶盖则是罗马式穹顶的简化，壶嘴设计上别出心裁地运用了一只逼真的塑料鸟形汽笛，从而成功地将古典与现代的审美趣味融为一体，创造出亦庄亦谐、亦古亦今的独特形象。该水壶一经推出便颇受市场欢迎，一年中销出了四万余把。
三、教学建议
1.现代艺术是离我们最近的艺术现象，但真正了解与理解现代艺术的人并不多。本课提供了了解现代艺术的最好的机会。教师在教学中，要注意通过生动的讨论，阐述他所知道的现代艺术。在学生的经验基础上，引导学生了解现代艺术，尤其要引导学生了解现代艺术的产生背景、代表作品、艺术主张与艺术实践。
2.现代艺术的一个特点是广泛影响于社会文艺的各个领域。在美术中，它的影响鲜明地体现在建筑、工艺设计中，尤其体现在工业产品设计中。在教学中，可以联系生活现代工业产品的设计与审美特征，来理解现代主义。
6.第八课妙趣横生的动画世界教学设计 篇六
教案设计
[标要求]
通过教学，使学生明白我国社会主义精神文明建设的活动形式、根本任务、积极作用，以及辨别和抵制各种消极文化。
[教学目标]、知识目标：通过教学，使学生知道社会主义精神文明建设的根本任务。
2、能力目标：通过教学，使学生在生活实践中，自觉做“四有”公民，用社会主义荣辱观严格要求自己。
3、情感态度价值观目标：通过教学，使学生以实际行动投身于精神文明创建之中。
[教学重难点]
加强社会主义精神文明建设的根本任务。
[教学安排]
时
[教学准备]
教师搜集所在地区典型的人和事，展现这些资源内在的教育意义，以利于学生感悟、体会；学生搜集同学日常生活之中闪光的语言、感人的事迹，如孝顺父母、友爱邻里、帮助同学、参加学校公益活动等。
[教学过程]
导入新：
老师：《谁说女子不如男》，你们知道是谁唱的吗？属于什么剧种呢？
学生：常香玉，豫剧。
活动一：（老师举例）
材料：于家寨村的村民不出家门就看了三出戏，张老汉81岁，两个儿子各自已经成家，按理说，张老汉该过舒服的日子了。可是，大儿子闭门不见，二儿子闻声关门，老汉没有办法，只好在村中搭了一间草屋度日，村里人说，老张家这俩儿咋就像《墙头记》里的大怪、二怪呢？10月份，村里开始敲锣打鼓地为评选出来的孝顺媳妇和孝顺儿子披红挂彩，挂匾表扬，张老汉的俩儿媳妇开始心焦了。晚上，大儿子来到了村东头的草屋，向老汉认错，把老人接回了家。第二出戏就是《负荆请罪》，二儿子晚到一步，已是人走屋空，于是就赶到老大家。于是上演了第三出戏《抢爹记》，村里人心里乐开了花，绽放了灿烂的文明之花。
灿烂的文明之花（板书）
（一）神州开遍文明花（板书）
活动二：书中材料：P10小字
问：⑴如果你是明凡，你会有哪些感想？
⑵在你的周围，有哪些精神文明的创建活动？
学生讨论，自由作答。
老师总结：
⑴感想：科学技术是第一生产力；“学习成就人生，知识改变命运”；教育是一个国家创新能力的基础；“人才资源是第一资源”等。
⑵精神文明创新活动有：
农村奔小康；城市“创三优”；同一首歌；中央电视台“心连心”慰问演出等。
⒈精神文明创建活动是加强先进文化建设的有效形式（板书）
①
创建文明城市的活动-------“创三优”活动；创建优养环境、建立优良秩序、搞好优质服务。
②
创建文明村镇的活动------“文明户”的评选、文化科技卫生“三下乡”活动，“万村书库”活动及其他各种移风易俗活动。
活动三：书中材料：P106上
问：结合自己的认识和体会，谈谈下列精神文明建设活动有何作用？
首先由同学们互相讨论回答，老师最后总结：
①
环保见行动：增强人们的环保意识、美化环境，增强社会责任感。
②
文化科技卫生“三下乡”活动：增强人们的科学意识、科学精神、人才意识、健康意识，培养人们的风险精神，增强社会的凝聚力等。
③
保护母亲河志愿者行动：有利于保护环境，增强人们的环境意识，社会责任感、团结协作的精神等。
⒉加强社会主义精神文明建设的根本任务（板书）
P106—1
⒊精神文明创建活动的作用（板书）
P106—2
（二）细微之处见行动（板书）
活动四：书中材料P106
老师提问：灿烂的阳光下总会有阴影，我们的周围就有一些不和谐的现象，你能说出一些吗？
学生回答：打架骂人，考试作弊，践踏草坪，随地吐痰。
老师又问：很好，那我们应该如何解决吗？
学生回答：加强思想道德教育。
老师：请看教材P106下的这则材料，如果你收到“变味贺卡”，你的感觉如何？
学生（1）：我会感到不舒服、难受，甚至恐惧，进而怀疑送卡人的动机，觉得送卡人很无聊。
学生（2）：我会感到很酷，很刺激。
老师：究竟我们应该怎样看待“变味贺卡”？这就涉及到一个问题，即首先我们应当学会辩别各种消极文化，然后才能进行自觉抵制。
⒈辩别各种消极文化并自觉抵制（板书）
老师：在我们的周围，同学们认为有哪些消极文化现象？这些文化有何危害？
学生（1）：用手机发黄色短信，上不良网站，喜欢恐怖片等。这些不健康文化会毒害我们青少年。
学生（2）：在聊天室侮辱、漫骂他人；传播垃圾短信等。这些行为不利于建立健康的网络道德，危害了他人上网的合法权益。
老师归纳：教材P106----107
那么，面地不健康文化，我们应该怎样做？
学生讨论，老师归纳：
很好！对消极文化，同学们已有基本的辩别能力和正确的态度。但是，无论是辩识不健康的文化还是弘扬先进文化，都重在行动。因此，我们每个公民都应该积极参与各种精神文明创建活动。
老师：出了学校，回到家里，我们生活的新区应该是干净、整洁的新区，可是有个新区就一样。
⒉共同参与精神文明创建活动（板书）
活动五：教材P107上
老师：如果你是该新区的居民，你会想到----------------？
学生：存在四个方面的问题：张大爷反映的是新区公共卫生问题；李大妈反映的是新区居民之间缺少交流；吴先生反映的是新区缺少健身娱乐设施；年轻妈妈反映的是新区内小孩子的安全保障。
老师：那你们的对策是什么？
学生：
①
开展“新区是我家，卫生靠大家”的活动；
②多方面筹措资金，办一个“健身娱乐中心”；
③开辟一条“专用车道”，保障儿童安全。
老师：好！你很有办法呀！新区不仅是我们的居住地，而且是进行人际交流的场所，弘扬社会文明的大学校。让我们一起行动起来，参与形式多样的精神文明创建活动，是我们居民不可推卸的责任。
[作业设计]
7.第八课妙趣横生的动画世界教学设计 篇七
世界是永恒发展的
【自主学习】
一、世界是永恒发展的 1．发展的普遍性
（1）发展的普遍性表现：
①自然界是发展的。自然界的发展是由物质世界的 引起的，正是由于物质世界的，才构成了事物的变化和发展。
②人类社会是发展的。表明人类社会是一个不断发展的过程。③人的认识是发展的。每个人的知识积累都会经历一个 的过程，对事物的认识也有一个的过程。（2）发展的普遍性原理和方法论
原理：自然界是发展的，人类社会是发展的，人的认识是发展的，整个世界就是一个无限变化和永恒发展的物质世界。方法论：要用发展的观点看问题。2．发展的实质
发展的实质是。这是唯物辩证法从事物的 和 出发来理解的。
【随堂练习】 ◆课堂练习：
1．‚人事有代谢，往来成古今。‛唐代诗人孟浩然这句诗体现的哲理是 A.自然界是客观的 B.人类社会是客观的 C.事物的联系是普遍的 D.世界是永恒发展的
2、请同学判断以下哪些谚语代表发展观点？
A、小时偷针，大时偷金 B、青出于蓝而胜于蓝 C、浪子回头金不换 D、沧海桑田，海枯石烂 E、树欲静而风不止
3．‚旧时王谢堂前燕，飞入寻常百姓家‛。这体现了
A.社会变化总是循环往复的 B.人类社会是变化发展的 C.社会发展是有规律的 D.人民群众是历史的创造者 4．下列能说明发展普遍性原理的是
① 太阳每天都是新的 ②一着不慎，满盘皆输 ③人类生产工具的演进过程 ④青藏高原的海陆变迁 A.①② B.①②③ C.①③④ D.①②③④
5.‚产生于19世纪40年代的马克思主义哲学，继承了人类思想文化的优秀成果，把哲学这门古老的学问变成了科学，实现了哲学发展中的伟大变革。‛这句话表明 A.科学就是哲学 B.人类社会是不断发展的
C.旧哲学的观点是荒谬的 D.人的认识是一个不断发展的过程 6．‚士别三日，即更刮目相待。‛这句话告诉我们 A.事物是由低级到高级，由简单到复杂的运动变化着 B.要用发展的观点看问题，一成不变的事物是不存在的 C.事物的发展是由量变到质变
D.发展的实质是新事物的产生和旧事物的灭亡
7．凡是企求永远不变的的理论，反而或迟或早会‚寿终正寝‛。这就告诉我们
①必须坚持用发展的观点看问题 ②要积极创造客观条件，使之和变化发展的认识相符合 ③只有坚持与时俱进、开拓创新，认识才能符合实际并推动客观事物的发展 ④只要敢干冲破现象条件的制约，人的认识就会有生命力 A.①②③ B.②③④ C.①③ D.①②
【分析题】
古时，荆人欲夜袭宋国，先派人在白天测量了雍水的水位，而后在夜间徒步过河。结果却溺死千余人，夜袭计划失败。荆人夜袭，本是个好主意，为何失败了呢？给我们什么启示？
第二课时用发展的眼光看问题
【自主学习】
二、用发展的观点看问题
1．前途是光明的，道路是曲折的（1）为什么前途是光明的？
①
②
③
（2）为什么道路是曲折的？
①
② ③
（3）原理和方法论
原理：。方法论：。2．做好量变的准备，促进事物的质变
（1）量变、质变的含义
①
和 事物发展过程中两种不同的状态。
②量变是指的变更，是一种、的变化。
③质变是指的飞跃，是一种、的变化。
（2）量变、质变的辩证关系原理和方法论 A．辩证关系原理：
①事物的发展总是从
开始的，量变是质变的，质变是量变的。②。③。B．方法论：
①积极做好量的积累，为实现事物的质变创造条件
②要果断地抓住时机，促成质变，实现事物的飞跃和发展。
C．形而上学在这问题上的两种表现：一是
。二是。
【随堂练习】
1．‚沉舟侧畔千帆过，病树前头万木春。‛这句诗蕴含的哲理是 A.事物是运动变化的 B.事物运动是有规律的 C.事物之间都是相互联系的 D.新事物必然战胜旧事物
2．1927年中国革命处于低潮时，有人提出‚红旗到底打多久‛的疑问，毛泽东在回答这些悲观论调时指出：‚这里用得着中国的一句古话：‘星星之火，可以燎原’‛。这些悲观论者从哲学上看
A.忽视了前进道路上的曲折
B.看到了新事物的发展趋势
C.不懂得事物的发展前进性与曲折性的统一 D.没有看到质变是量变的积累
3．中日关系、中美关系的发展总是行一步，停一停，不会像高速公路上的汽车全速前进。这说明
A.事物是普遍联系的 B.事物是变化发展的
C.事物发展趋势是前进的，道路是曲折的 D.新事物战胜旧事物有一个过程 4．下列符合量变和质变的辩证关系原理的是
①千里之堤，溃于蚁穴 ②只要有量变，就会有质变
③水滴石穿，绳锯木断 ④勿以善小而不为，勿以恶小而为之 A.①②③ B.①③④ C.①②④ D.②③④
5．老子说：‚合抱之木，生于毫末；九层之台，起于垒土；千里之行，始于足下。‛这句话说明
A.一切事物的变化发展，都是首先从量变开始的 B.质变是量变的必然结果
C.量的积累必然会引起质的变化
D.事物的变化发展都是量变和质变的统一
6.‚泰山不让土壤，故能成其大；河海不择细流，故能成其深。‛其中包含哲理有 ①整个世界是一个普遍联系的统一体子 ②任何事物的变化发展，总是从量变开始的 ③质变是量变的必然结果，量变是质变的前提和必要准备 ④事物的发展是前进性和曲折性的统一
A.①②③ B.①③④ C.①②④ D.②③④ 7．‚轻者重之端，小者大之源‛体现的哲学道理是
A.轻重、大小是对立统一的关系 B.事物的变化是量变和质变的统一 C.轻重、大小是无条件地相互转化的 D.量变和质变存在着根本的区别 8．‚从我做起，从现在做起‛强调我们
A.要坚持适度原则 B.要失时机地促成飞跃
C.要重视量的积累 D.要注意区分量变与质变两种状态 9.(双项选择)下列说法正确反映发展的实质是
A.发展就是事物的运动和变化 B.发展是事物的前进和上升
C.发展具有普遍性 D.发展是新事物的产生和旧事物的灭亡 10.(双项选择)下列关于量变和质变的辩证关系，正确的是 A.二者互为前提和基础 B.质变是量变的必然结果
C.量变是质变的前提和必要准备 D.质变是指事物根本的、显著的变化 11.(双项选择)唯物辩证法的总特征有
A.联系的观点 B.发展的观点 C.实践的观点 D.运动的观点 【分析题】
马克思在撰写《资本论》时，每天上午九点就去伦敦大英博物馆阅览室查找资料，研究文件，一坐就是一整天。由于精力集中，常常情不自禁地在座位上用脚来回蹭地，日久天长，竞把脚下的水泥地面磨去了一层，留下了很深的痕迹，人们称之为‚马克思的足迹‛。马克思孜孜不倦40年才成就了这部鸿篇巨著。
试分析‚马克思的足迹‛中所蕴涵的哲学道理及对青年人成才的启示。答案：(1)‚马克思的足迹‛表明了一切事物都是首先从量变开始的，量变是质的前提和必要准备，质变是量变的必然结果。
(2)没有一定程度的量的积累，就不会有事物性质的变化，就不会实现事物质的飞跃，所以，要重视量的积累。马克思经历40年的潜心刻苦研究，搜集、分析大量材料，才写出名著《资本论》，就说明了这一点。
(3)青少年一代是祖国未来的社会主义建设者和接班人．要使自己的爱国之情、报国之志变成效国之行，为社会主义现代化建设做出贡献，必须向马克思学习，把远大理想、崇高目标与脚踏实地、埋头苦干的精神结合起来，从我做起，从现在做起，在德、智、体各方面日积月累，持之以恒；同时要坚持抵制对社会、对他人、对自己有害的坏思想、坏行为，做到防微杜渐，健康成长。
18、(12分)2008年9月25日21时10分，我国在酒泉卫星发射中心成功发射了第三艘载人宇宙飞船——‚神舟七号‛飞船。阅读材料，回答问题。
实施载人航天工程，是党中央、国务院根据世界科技发展形势，着眼我国科技事业和现代化建设的发展大局作出的重大战略决策。‚神舟七号‛载人航天飞行圆满成功，实现了我国空间技术发展具有里程碑意义的重大跨越，标志着我国成为世界上第三个独立掌握空间出舱关键技术的国家。从‚两弹一星‛到‚神舟七号‛，我国的航天工业从无到有，从弱到强，走过了不平坦的道路。当代中国航天人励精图治，科学务实，克服了巨大的困难，解决了很多技术难题，以自己独特的方式表达着人类对科学的热爱和对太空的执着。
结合材料，分析从‚两弹一星‛到‚神舟七号‛的发展过程体现了哪些哲学道理？(12分)