艺术实践教学的意义

艺术实践教学的意义（共12篇）

1.艺术实践教学的意义 篇一

1、有助于提高教学质量

在语文教学中，学生获取知识的多少，语文能力水平的高低，一方面受学生个体主观努力的影响，另一方面取决于教师的教学，而其中教师的语言又是一个重要的因素，教师教学语言艺术水平的不用，教学效果和教学质量也大相径庭。艺术性的语言能激发学生学习兴趣，唤起他们对知识的探究欲望，开拓他们知识的.视野，有利与学生对知识的理解和掌握，从而提高教学效率和教学质量。

2、有助于促进学生思维能力的发展。

艺术性的教学语言常常闪现智慧的火花，显示出乐趣，能拨动学生的心弦，拓展学生的思维，推动学生去品味、咀嚼、深思，这对于提高学生的思维品质，发展学生的智力，无疑具有重要的作用。

3、有助于陶冶学生情操，形成和谐愉悦的教学氛围。

艺术性的教学语言具有情感的指向性。

4、有助于学生语言的积累和表达

教师的语言具有艺术性，发音标准，遣词准确，句式规范，语句精炼，感情充沛，节奏明快，会给学生以潜移默化的影响，使他们从模仿中积累语言，提高语言表达能力。可见教师的语言是学生获取语言的重要途径。

2.艺术实践教学的意义 篇二

一、围绕艺术设计学科竞赛改革实践教学模式的内涵和作用

(一) 围绕学科竞赛设计实践教学内容能与时俱进

成熟的艺术设计竞赛要求往往反映出了社会对学科的期望, 优秀的学科竞赛背后都有一个强大的策划团队, 成员多是行业内一线专家, 其对参赛作品的具体要求反映当代艺术设计的发展方向。如“2014年全国大学生工业设计大赛”, 是在教育部高等教育司指导下, 由教育部高等学校工业设计专业教学指导委员会、广东省教育厅等主办, 大赛评审委员是教育部高等学校工业设计专业教学指导委员会主任何人可, 副主任鲁晓波和童慧明。高校围绕学科竞赛设计实践教学内容可以使学生开阔专业视野, 加强对每年行业、专业发展态势的关注;高校围绕学科竞赛设计实践教学内容能在已有课程框架内增加更多的企业实际项目, 竞赛的要求可以直接或间接转换成课程作业的要求, 让学生把参加艺术设计竞赛作为完成一次具体设计项目的“实弹演习”过程。

(二) 围绕学科竞赛组织实践活动能更充分地利用实验设备

在艺术设计教育中, 培养学生主动探索、主动学习的能力尤为重要。通过参加专业竞赛给学生提供更明确的学习目标, 易于调动学生学习的主观能动性, 培养他们的创造性思维能力和实践操作能力。但是实践活动需要场地, 艺术设计类高校或多或少都建立了若干实验室或工作室, 但这类实验室和工作室除了上课时使用外, 课余使用率并不高。学生参加学科竞赛需要作品制作场地, 围绕学科竞赛完成比赛作品会加强对实验室的交叉使用, 使得艺术设计类高校实验室发挥更积极的作用。

(三) 围绕学科竞赛展开实践教学是探索培养创新人才的新路径

国内由高校组织, 政府部门推广, 企业赞助的各种艺术设计竞赛每年定期举办, 已成规模。教育部副部长杜玉波表示, 要把加强高校实践教学作为提高高等教育质量的一个切入点、突破口, 作为创新人才培养的一条重要路径。实践教学是目前高校人才培养过程中最薄弱的环节之一。艺术设计专业在许多高校都有, 但不是所有高校都在一线城市, 这类高校自身组织高规格的学科竞赛活动条件不足, 但在当前时代, 信息交流非常方便, 各高校可以利用快捷的网络围绕这些专业学科竞赛展开实践教学, 抓住时代所赋予的新机会探索一条培养创新人才的新路径。

(四) 参加学科竞赛是许多高校现有条件下与社会对接的有效渠道

毕业季一到, 高校毕业生就要面对就业难, 而则是国内大量企业却存在“用工荒”。如何建立以就业为导向的现代教育体系, 如何通过实践教学改革, 使得学生在进入社会前, 就更多地接触企业实际项目, 是高校亟待解决的难题。如今, 随着网络的发展, 地域间的距离不断缩小, 各高校参加学科竞赛可以直接在网上提交参赛作品。许多艺术设计类学科竞赛的命题由企业直接赞助。通过艺术设计类学科竞赛, 我们可以让各地高校学生、教师、管理部门和企业在同一个平台上“舞蹈”, 如“全国大学生广告艺术大赛”共设27个分赛区, 覆盖31个省市自治区近2200所校院, 是中国最大的高校竞赛平台。参加艺术设计类学科竞赛打通了企业与学校对接的有效渠道, 让学生得到了展现自己的机会, 也使企业让自己的产品、品牌在大学生群体提高了知名度, 使产品得到了深度传播;在竞赛环节中发现人才, 助力企业的发展。

二、围绕学科竞赛改革实践教学模式的具体内容

(一) 学校制度建设要配合学科竞赛的需求

首先, 对艺术设计类学科竞赛归类, 明确不同类别的学科竞赛学校如何认定。其次, 成立艺术设计竞赛指导小组, 根据不同的艺术设计竞赛调整小组成员, 定期组织针对艺术设计竞赛的讨论会。再次, 根据学科竞赛的级别和制作难度为艺术设计竞赛提供相应经费, 使得教师的指导工作能够顺利展开。最后, 要建立相应的激励机制, 从奖金、学分、年终教学考核到绩效工资进档多方面对获奖的师生和教研室进行奖励。

(二) 实践课程内容设计配合学科竞赛的要求

围绕学科竞赛学校可以借助行业专家的视野, 积极主动地调整艺术设计专业的培养方案, 增加社会所需求的学科内容。学科竞赛对参赛作品的具体要求可以直接或间接转换成学科课程作业的要求, 教师可以用竞赛中实际的企业项目进行案例教学。围绕学科竞赛与教学实践相结合, 服务于教学改革, 突破实践教学难寻真实课题的瓶颈, 使学生在大学学习期间参与真实题目的创意成为现实。

(三) 通过参加艺术设计竞赛加快教学理念的转变和升级

一潭水, 没有活水的注入, 注定是要变浊, 变质, 变臭的, 最后变成一堆肮脏的烂泥。我们要及时引进活水, 把死水排挤掉, 这潭水才能保持“活”, 才能孕育新的思想, 孕育新的生命。任何一个专业的教学理念都不是恒久不变的, 艺术设计专业作为应用型学科更是如此。学校应该根据社会经济文化的发展变化加快教学理念的转变和升级, 学校组织学生参加艺术设计竞赛就是一个引入活水的契机, 在更大的平台上与其他院校进行专业“PK”, 和行业要求有机互动, 在过程中发现自己实践教学中的特色, 也找到自己实践教学中的不足。

三、艺术设计专业学生参加学科竞赛的三种模式

艺术设计专业学生参加此类学科竞赛有较强的自主性和灵活性。总体来说, 参与学科竞赛大致可以归为以下三种模式:实践课程结合学科竞赛模式、第二课堂结合学科竞赛模式和学生自发参加学科竞赛模式。这三种模式都需要师生有效互动, 需要学生团队协作。

(一) 实践课程结合学科竞赛模式

这种模式一般由任课老师根据学科竞赛的要求设定实践教学内容, 针对性较强, 时间较为集中, 所选定的课程要有较多的实践课时被用来辅导学生, 有足够的讨论环节。学生不宜太多, 将学生分成若干组, 教师主要与每组队长讨论, 分阶段集体讲解。参赛学生应具备各个方面的基础知识与技能。

(二) 第二课堂结合学科竞赛模式

第二课堂是课内学习和实践的拓展延伸, 一般由教师自行组织, 形式更灵活, 更能调动学生参加竞赛的积极性。这种模式时间较分散, 强度更高, 能在短期内获得优秀的设计作品, 但对于老师的占用时间更长, 更多的由师生对于专业的热情推动, 需要建立长效机制保障。

(三) 学生自发参加学科竞赛模式

这种模式更多由学生自发组队参赛, 这些学生对学科竞赛有所关注, 队员往往来自不同班级, 不同专业。参赛队员学科的交叉性更强, 学生更有主见。他们会主动联系相关专业老师讨论自己的参赛作品。指导老师需要注意与其他指导老师配合和讨论, 避免指导意见的矛盾。

四、围绕学科竞赛改革实践教学模式的工作难点

(一) 围绕学科竞赛的经费问题

据笔者调查, 参赛经费主要有两种模式:一种是学院统一支付, 如湖南省工业设计大赛, 全国大学生广告艺术大赛由我校教务处全额支付参赛报名费, 获奖作品由指导老师和获奖学生再申报相关作品制作费用, 教务处和系部酌情报销部分制作费用。另一种模式由参赛学生和指导老师承担所有参赛费用, 这导致学科竞赛中学生和老师经济压力过重, 很大程度上影响师生的参赛热情。

(二) 围绕学科竞赛的场地问题

目前大多数学院没有提供专门的学科竞赛场地。一部分学科竞赛的指导工作在专业教室里完成, 但要满足两个条件:一是指导老师的实践课程内容和参加的学科竞赛内容相关;二是指导老师的实践课程跨时刚好与参加的学科竞赛跨时重合。另一部分的学科竞赛指导场所就显得很随意, 有些是在相关专业教研室, 有些是在咖啡厅, 师生仅仅能在学校找到一个临时的讨论场地, 遇到同时进行几项学科赛事时, 师生的交流场所就成了很大的问题。

(三) 围绕学科竞赛的政策问题

学校对于学科竞赛的重视逐年提高, 但相应的政策没有跟上, 如全国大学生广告艺术大赛和全国大学工业设计比赛属于同一级别, 但是对于获奖师生的奖励不统一。对于学科竞赛的认定需要与时俱进, 部分知名学科竞赛获奖证书由于没有加盖教育部公章, 其获奖荣誉不被学校认可。像“靳埭强设计奖全球华人设计比赛”, 自1999年起, 这一学科竞赛已成功举办了十四届。如今, 它已成为中国大学生艺术设计比赛的知名品牌。国内设计机构和设计师都视之为很高的荣誉, 获奖难度极大, 而学生获奖后不被学校认可, 让学生利益受损。

五、围绕艺术设计学科竞赛改革实践教学模式的意义

在实践教学中鼓励学生参加学科竞赛, 这不仅是教师“教”和学生“学”的实践环节, 而且是充分发挥学生主观能动性与教师有效指导相结合的实践教学环节。这个环节的实施直接或间接地给学生、教师和学校三方面带来诸多益处, 为开展实践教学工作带来与社会有机联系的结合点。

在信息化社会, 我们可以利用社会上搭建的学科竞赛平台, 以社会的力量对学生进行奖励和历练, 以行业专家的视野对参赛学生的作品进行点评。围绕艺术设计学科竞赛带动了学生朝着社会需要的指定目标展开练习, 带动了老师紧密结合社会认可的设计方向自我学习和展开教学。围绕艺术设计学科竞赛的要求, 我们可以不断更新当前实践教学课程的内容, 把实践课程设计成以实际项目驱动的形式。我们将学生参加学科竞赛的过程作为完成一次具体实践项目的过程, 在整个过程中将学校作为学生的“模拟实习场所”, 对学生进行学习成果的检验。对于学生和指导老师来说是一次展示自我的好机会, 对于企业来说是一个挖掘设计人才的好平台, 对于学校来说是一条和其他学校加强交流的好渠道。

参考文献

3.艺术实践教学的意义 篇三

关键词：基础素描教学；绘画艺术；具体措施

J214-4

在新的经济形势下，随着课程的改革，在新的教学模式下打破了传统的教学模式，并取得了良好的效果。在新的时代背景下，教育者在关注一些主要的科目之外，越来越注重学生的全面发展，在学生的教育体系当中，基础素描教学在整个教育体系当中发挥了重要的作用，本文就基础素描教学的现状提出一系列的改进措施以及重点讨论基础素描教学在绘画艺术教学当中的意义。

一、现阶段，基础素描教学面临的现状

（一）老师在教学方法上仍然遵循着老路

随着经济的不断进步，人们的思想观念也在随着经济的发展日益的更新。在教育体制上大多数的老师也做到了摒弃传统的弊端，在一定程度上做到了推陈出新，革故鼎新。但在大多数的课堂之中仍然存在着很多的问题，以基础素描教学为例，所谓基础素描依字面上的理解为简单的绘画，素描教学在整个美术教学当中占有重要的成分，素描在某种意义上是画者通过一种简单的形式表达出自己内心在直观的感受，是一种较为独立的艺术形式。在基础素描的教学当中，大多数的老师还是在走传统的老路，学生的学习方式仍然很被动，老师的教学模式较为单一，长时间下来，学生的学习成绩不仅没有提高在某个层次上还会使学生产生厌烦的心理，进而导致学生学习效率的下滑。

（二）不能对所学内容了解其真实的内容

在素描基础教学当中，大多数的学生对所学的内容不能了解真正的内涵，只是对表面上的一种理解，对所学知识掌握的不够深刻。在大多数的基础素描教学当中，学生都是以书本为主，大多数所作的作品在整体上看缺乏新意，没有独特的创新性思维，在一定层次上，严重阻碍了学生的发展，在当今的社会，只有深刻的了解所学的内容并且拥有创新型的思维才能有利于自己综合素质的提高，进而促进全面发展。

（三）信息技术带来的冲击

当今的时代是个信息化的时代，我们的生产、生活都被信息化的网络所包围，在网络的时代，网络给我们带来了极大的便利，网络以其高效、便捷的特点迅速占领了广大的市场，网络不仅应用在社会的领域当中，在我们的实际学习当中也是广泛的被利用，在课堂之中，网络集图像、声音、文字为一体将画面呈现在我们的眼前，给广大的师生带来了视觉和感观上的享受。在当今的教学体系当中，我们的生活学习无不与网络相关联，在高校的基础素描教学当中，老师也会经常性的利用多媒体进行教学，在传统的概念里绘画应该就是以画笔为主，不应添加过多的成分，但在当今的教学系统当中，多媒体的运用为广大的师生带来了极大的便利。但在带来便利的同时还产生了一定的弊端，多媒体在向学生传播新思想、新知识的时候没有太多的文化思潮对绘画的影响，在一定程度上会导致学生的学习只是在技术上看到了多媒体带给我们的效果而没有得到在教学内容实质性的效果。所以，在素描基础教学当中，要注重的不仅是技术上的方法更多的还是要注重内容上的教育。

二、面对这样的现状应该提出的相关措施

（一）创造良好的教学环境和学生的学习环境

良好的教学环境不仅有助于老师的教学还有助于学生的学习。良好的氛围可以促使学生在愉快的氛围下学习，还能提高学生的学习积极性。对于教学的环境主要分为两个方面：一是课堂的教学环境，另外一个是课外的环境。在实际的教学当中老师要完成书本上的理论教学，培养学生强大的创新能力与思维能力。在课外的教学当中，课外的教学是对课堂教学的有利的延伸，不仅能够开拓学生的视野还能丰富学生的知识内涵。在教学方法上，老师的教学方式应该打破传统，尝试一些新的教学模式，让学生在学习方式上变被动为主动，提高学生的学习效率。

（二）将教学理论与实际相结合

在基础素描的教学当中，在老师的教学体系当中，大多数老师偏重过多的理论教学，而在实践相对较少。在高校的美术教学当中，对于刚刚接触美术的人来说，学到的理论知识较多而对于实践应用能力相对较少，所以在能力上相对较弱。真正意义上的教学应是将理论与实践相结合，在基础素描的教学当中，只有将理论与实践相结合，才能更好的提高学生的学习效率，才能更有利于老师在教学上的顺利开展，才能进一步促进师生的共同发展。在教学方式上也要改进学生的学习方式，让学生在真正意义上对所学内容了解的通透，对所学的内容有真正的领悟。

（三）将理论与现代科技相结合

在现代的教学当中，老师的教学模式有的只停留在技术当中，而没有将真正的理论知识融入进去。现如今，在教学当中，老师在利用信息技术的同时要将书本中的理论知识融入进去，将理论与现代科技相结合。在课外之中的学习，老师要多举办一些类似画展的活动，丰富学生的知识内涵，提高学生的文化底蕴，促进学生提升个人的文化修养。在基础素描教学当中，素描主要是考验学生在面对自然形态时所展现出的绘画的功底，在高校的美术当中，老师只有全面促进学生的发展，才能为祖国、为社会培养新一代的人才。

三、结束语

综上所述，在绘画艺术当中基础素描教学占了很大的比重，在教学方面不仅要求老师要有良好的素描基础同时还要求学生能在生活与学习当中领悟到绘画的真谛。在新时代，作为教师要在继承传统优秀的基础之上还要增加自己独特的教学理念。作为学生，我们在学好基础的理论知识还要将理论知识运用到实际当中，只有这样才能在基础素描的教学当中使自己学有所长，才能提高自己的综合素质，才能促进自身的全面发展。

参考文献：

[1]冯菡子.论基础素描教学在绘画艺术教学中的意义[J].美术教育研究，2016，14：100-101.

[2]沈桂林.论素描教学在绘画艺术中的意义[J].美术教育研究，2013，06：54.

4.艺术教育的意义 篇四

艺术，生活不可缺少的部分，它始终以典雅的面孔来面对那丰富多彩的生活。从法国的拉斐尔铁塔至埃及的金字塔，从意大利的水城威尼斯到印度的泰姬陵，都展示着艺术的魅力，更让我们艺术生骄傲的是现代旅游，艺术更是他发展的瓶颈。

罗丹的冷漠，让大家知道什么叫个性的发展，因为艺术；莫奈的狂野让大家知道什么叫做个性的张扬，因为艺术；凡高的随意，让大家知道什么叫做个性爆发的致极，也因为艺术，所以艺术更能引导21世纪走在世界的前沿，艺术为时代的先行者。

因此，艺术教育在社会上也是显得致关的重要。从大的方面说：建筑让大家倾叹：比如北京网状立交桥，南京长江大桥，现代日本给我们留下的废墟圆明园，北京广场的纪念碑，从小的方面来说，我们穿的衣服，我们用的铅笔，我们弹的钢琴，都无不渗透着艺术的气息。

若没有计师，那飞机不可能起飞，那火车不可能奔跑；如果没有设计师那么我们会少掉旅游景点，洛阳的大佛，敦煌的壁画，都让我们艺术生活得更自信。同学之间也要这种值得骄傲的专业，用我们学到的知识，在以后的日子里，来培养更多的学生，培养更多的人才，有可能在我们的将来的学子中就有达芬奇，在班上的同学中就有莫奈，在亲近的社会中就有凡高，所以，艺术教育的意义对社会对全人类的贡献都致关的重要。

5.艺术实践教学的意义 篇五

【摘要】音乐赏析是把音乐和人生享受联系起来的。它对于赏析者的意义主要表现在：有益于陶冶情操，提升审美能力，培育创造性思维。让音乐使自己的生活更绚烂，一个很好的途径就是学会欣赏与分析。音乐语言往往带有一定的模糊性、求异性和不确定性，所以要多听佳曲，感受其美;音乐作品驰骋着丰富的想象，所以赏析时必须启动联想，捕捉音乐形象;音乐最显著的特点在于蕴涵着丰富而强烈的情感，所以赏析时应体验情感，挖掘内涵;丰富多彩、有声有像的客观人类社会是音乐创作的源泉，而音乐家的世界观、人生观在创作中又起着至关重要的作用，所以音乐赏析要尽可能深入乐理，知人论世。

【关键词】音乐音乐作品赏析

音乐赏析是指对音乐作品的欣赏与分析，就是经过感悟、体验和再造想象，把听到的音响在脑中整合成音乐语言要素，从中感觉到活生生的形象，进而把握音乐作品所蕴涵的思想内容。音乐赏析无论对于赏析者还是对于音乐教育、对于社会的意义都是多方面的。

它对于赏析者的意义主要表现在：有益于陶冶情操，提升审美能力，形成创造性思维;对于音乐教育的意义主要表现在：它是音乐教育的重要支柱，是进行素质教育不可或缺的一个环节，是进行审美教育的必要手段;对于社会的意义主要表现在：是实现音乐作品社会作用的必要条件，在造就社会所需的时代新人方面有着重要作用，并能够促进人类社会审美理想的形成。限于篇幅，本文重点阐述音乐赏析对于赏析者的意义，在此基础上探索音乐赏析的方法。

一音乐赏析对于赏析者的意义

1.有益于陶冶情操

优秀的音乐作品，无论是声乐作品还是器乐作品，都是内容与形式、思想性与艺术性的完美统一，有着强大的艺术感染力和深刻的教育力量，能够带给赏析者艺术造诣的升华，使其道德情操得到进一步的提升。赏析者在审美的氛围中会不知不觉受到音乐形象的感染，自然而然地受到教育和启迪，产生乐观向上的思想情感，剔除思想意识中不健康、不正确的成分，逐渐变得高尚起来，进而形成较高的音乐文化修养及完美的人格。

2.有益于提高审美能力

优秀音乐作品是人类的艺术财富、人文精髓，能够使审美活动带有鲜明的倾向性，引导赏析者建立正确的审美观，消除错误的审美观，从而使其受到教育和启迪。美的观念是同人们的道德观念紧密相连的，它反映着人们的世界观，所以赏析者进行音乐赏析时，实际上是在接受一种道德观、价值观，其影响极为深远。赏析者通过对音乐作品体裁、题材、形式、风格、内容思想性，作曲家创作意图，具体的表现手法等诸多方面进行深入细致地分析，逐渐准确地把握住作品的音乐形象，领会作品中的人文情怀，汲取音乐艺术的精髓，养成审美鉴赏与辨别能力，从而提高审美能力。

3.有益于培育创造性思维

由于音乐语言往往带有一定的模糊性、求异性和不确定性，总是有意无意地留下了许多空白，因而音乐赏析需要艺术想象力，让赏析者去延伸拓展，去捉摸思考，否则便难以转化为具体可感的形象世界，更不能从赏析中得其境界。音乐赏析不仅需要艺术想象力，而且也发展艺术想象力，它是一种积极主动的艺术再创造活动，而不是被动、消极的感知。音乐赏析的过程是一个不断探索、创造的过程，其间所形成的思维方式主要是为了达到对音乐作品内涵的深刻感受、体验和创造，要借助储存的知识和经验，也要运用联想、想象等思维手段，这就使赏析者的智力得到开发，思维更加灵活和敏捷，从而培育创造性思维。

二音乐赏析的一般方法

1.多听佳曲，感受其美

“观千剑而后识器，听百曲方能知音。”要学会赏析音乐作品，首先必须多听，且要选择古今中外生命力强、感人肺腑的`佳曲，感受其富有魅力的音调、恰到好处的表现手法、确切的表达内容与音乐语言、鲜明生动的音乐形象等等。我认为，身为中国人，对我们的民族音乐、民间音乐要有深厚的感情和广泛的了解，所以更应该多听。多听民族音乐，会深刻感受到祖国壮丽山河的美，从中受到爱国主义教育。

另外，优秀音乐作品本身都是美的，可博闻广听，就是要扩大听的范围，主动接触不同题材、体裁、形式、风格的音乐作品，让脑海里既有中华民族各类音乐，又有古典派、浪漫派、印象派、现代派、各时期民族乐派的印象。赏析之前可查阅相关的知识性资料作参考，对作品内容、形式及表现手法有一个大致的了解，然后再结合音响带来的美感，便于更好地把握作品真挚的感情、严谨的结构和鲜明的主题。

2.启动联想，捕捉形象

音乐作品驰骋着丰富的想象，赏析时必须启动联想，捕捉音乐形象，才能充分体味音乐之美，感悟其情致和韵味。对于音乐形象，音乐界有许多不同的解释。简言之，音乐形象就是因为音响的启发，使人在脑海中产生想象中的事物形态或生活图景。如赏析歌曲《橄榄树》的音乐，从六弦琴奏出的大段缠绵不断的分解和弦，到长笛奏出的主题旋律，其音调多是下行的，和弦也是沉郁而柔软的，音型却热情而带祈求，又因每一乐句的句尾拖着长音，更增加了哀而不伤的问句气氛，使人产生无限的伤感惆怅，同时伴有向往之情。

这种音乐效果，使人联想到月夜下游吟歌手身背六弦琴、独自漫步弹唱的画面。如能进一步展开联想，就会想到台湾同胞由于多年来不能回到祖国怀抱，以至于“叶落求归根，梦境叹依稀”。人们听到此曲，便会激起浓重的乡愁，或由草原想到大陆，或由橄榄树想到和平，仿佛看到自己变成和平鸽，翱翔于烈烈长空，飞到和平之神的塑像前发出撕心裂肺的祈求，热盼回到祖国怀抱。可见，以丰富的联想捕捉到的音乐形象，可谓胜景无限。

3.体验情感，挖掘内涵

音乐作品不仅驰骋着丰富的想象，并且蕴涵着丰富而又强烈的情感，这是音乐最显著的特点。音乐的内在特点就是抒发感情，音乐作品无不是为了抒情而存在的。换句话说，情感是音乐的生命、灵魂，没有情感就没有音乐。所以在赏析音乐作品时，要以深刻的思想体验，感受音乐作品的情感，然后循着对音响的感知，用灵动的大脑去体悟作品的思想内容或题材范围，进而挖掘其情感内涵。

对于有歌词的声乐曲，因语言本身的含义、节律、韵味等都会在一定程度上揭示出作品的思想内容，这对赏析者具有启示作用，要体验其感情内涵并非难事。但是对于没有歌词、纯器乐演奏的器乐曲，要挖掘其情感内涵相对困难一些。乐曲的标题有时是内容的集中体现，帮助我们了解乐曲的大致内容，同时也可从中揣摩其情感内涵。如圣?桑的《动物狂欢节》，在传统狂欢节中对各种动物进行描绘，它是由14首独立短小乐曲组成的管弦乐套曲，14个小标题使人们在听乐时，能够按照乐曲标题的提示，在思想内容的引导下受到作品情感的熏染，从而情不自禁地陶醉于作品中，或受到感召，产生强烈的情感共鸣。

4.深入乐理，知人论世

前文已经提到，赏析者进行音乐赏析时，实际上是在接受一种道德观、价值观。因为多数音乐作品所表现的内容、感情及创作意图，总离不开作者的世界观，所以赏析者要深入乐理，从作者思想感情的实际出发，由表及里、由此及彼地探求作品的哲理性。如唐代古琴乐谱《碣石调幽兰》，有如下记载：孔子周游列国，终不见用，他在途中看到幽谷中沁人心脾的兰花，于是感慨道：“兰花是香花之王，如今却与野草丛生，正如‘贤德之士，怀才不遇，生不逢辰。’”于是弹奏了《幽兰》这首琴曲，它启发人们自觉抵御现实中的种种诱惑，不畏强权，勇敢地伸张正义、维护真理。

对于那些无标题的音乐作品，应该怎样赏析呢?那就要“知人论世”。“知人”就是要了解作曲家各方面的情况，一是将其作为个体的人来看待，了解其创作才情、个性气质、艺术修养、审美志趣，甚至师承和流派;二是将其作为社会的人来看待，了解其生活经历、政治遭遇、思想崇尚，乃至籍贯、家世和交友。“论世”就是要了解作品的时代背景，如政治上的治乱、经济上的兴衰、社会生活面貌、文艺思潮、社会风气和风俗习惯等。如贝多芬的《命运交响曲》，是一部哲理性很深的音乐诗篇，其哲理性是贝多芬所有九部交响曲中较为杰出的一部。它反映出当时全人类共同遭遇的命运和人民要起来、要解放，社会要革新、要前进，急需寻找自由、平等、博爱的资产阶级革命道路的理想。但因种种逆历史潮流而动的恶势力的无情阻挠，在此社会背景下，作者创作了这首作品，认为只有与恶势力做不屈的斗争，才能取得最后胜利。结合贝多芬当时的个人遭遇，乐曲中有着抑郁的成分，更有希望、有斗争、有必胜的信念，充分揭示了作者感情深处隐藏很深的心声，却得到了人们广泛的共鸣，激励着我们以顽强的意志去争取斗争的胜利。对于大多数无标题音乐作品的赏析，因其寄寓着很深的哲理，只有善于“知人论世”，才能充分领悟乐曲的情致和韵味，从而不断提高音乐赏析的能力和水平。

参考文献

[1]弗兰德?劳厄.开启音乐之门[M].北京：人民音乐出版社，

[2]张前、王次.音乐美学基础[M].北京：人民音乐出版社，1992

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[4]理查德?贝克.音乐的魅力[M].北京：人民音乐出版社，1986

[5]沈旋、夏楠.古典音乐欣赏50讲[M].上海：上海音乐出版社，

6.艺术实践教学的意义 篇六

[摘要]西方现代主义艺术在西方人与生俱来的极端主义思维方式的引导下，经过近一百年的连续不断的推陈出新，终于陷入山穷水尽的绝境，至于人们惊呼：“艺术死了！”然而，置身于中国传统文化和西方现代艺术思潮双重包围的中国当代艺术，其在形式语言和文化意义上的不断突围和实验摸索中，却在不知觉间兼具了中国当代文化艺术的急先锋。

[关键词]现代艺术 先锋艺术 文化突围

西方现代主义艺术在西方人与生俱来的极端主义思维方式的引导下，经过近一百年的连续不断的推陈出新，终于陷入山穷水尽的绝境，至于人们惊呼：“艺术死了！”现代主义艺术不仅在美学上构成了与传统的对立，在内在精神上体现出人的灵魂与肉体、人与自然的分离，而且在艺术的接受上也产生了与大众的隔膜。正如有人指出的，现代艺术将大众分成懂它的和不懂它的两部分人，而懂它的人总是少数。然而，置身中国传统文化和西方现代艺术思潮双重包围的中国当代艺术，其在形式语言和文化意义上的不断突围和实验摸索中，在不知觉间兼具了中国当代文化艺术的急先锋。此时，以实验探索艺术语言和对当下现实做积极批判的中国现代艺术在对现实的表述和批判时表现出了应有的锐度和积极性。艺术家不仅用人性化的艺术语言表达着对大自然的亲近，对社会生活的关心，而且竭力想要消除艺术与大众的距离。他们全心全意地想与社会合作，千方百计地迎合大众审美趣味。

中国当代艺术就此又进入了一个新的文化语境，即中国的这个交织着现时与以往传统、东方和西方交织错位的文化语境。如果单纯从艺术的当下性来说，中国现时代的艺术家几乎无不处于时代的错位之中，但如果从艺术家中国性的生存处境来看，原先的错位则是正常和必然的，因为唯有从这种“错位”才从一个更深的层次提示了中国当代艺术的独特本质和意义，那些错位的艺术家们所进行的艺术创作以及形式的追求，无不是特定的当代中国社会文化语境和民族特质所能成就的最大极限之所在。应该看到，并不是这一批批当代艺术家甘愿精神迷失和徘徊途中，而是我们的文脉传统和时代境况并没有从源流洞开永恒之泉，而每一个艺术家的艺术实验探索也并没有从一开始就能抵达到艺术和社会的实质性问题。所以，现时代的中国当代艺术不是在徘徊或迷失，而是艺术家们在与繁杂交错的文化和商业环境地碰撞中，在不懈地实验和探索着！

这样一来，中国当代艺术便在另一个背景下获得了新的意义，从80年代的狂飙突进到今日的波普艺术，从写实主义到形式抽象，从表现主义到观念艺术再到行为艺术，从群体活动到个体行为，从初期现代艺术的全盘西化模仿到犯规传统的文化寻根，从反映文化和社会创痛到后来的嬉皮和玩世主义…，可以说，中国现代艺术的每一个足迹都在中国式标识中具有了探索和实验的价值，它们展示了中国现代艺术在一个当下中国这个特定的语境下所能穷尽的一切可能可为。必须指出，中国现代艺术的发展几乎是从空白开始，中国艺术家缺少西方艺术家那种对西方现代艺术传统的那种熟唸，因此，对于中国的现代艺术家来说，创造和批判地继承吸收是同等重要的，并且几乎是同时在发生的！基于此，中国当代艺术的每一次实验和探索都显得格外意义珍贵！

由此来看，中国现代艺术的先锋性恰恰是由于它这种独特的处境使然，他展示出的任何一个汉语世界所缺乏的当代因素都可以被视为革命性的先锋因素，特别是这种因素对中国旧有文化模式和生活法则构成批判性时，这种先锋性地位便更加巩固，不过，随着中国当代文化对诸如此类的先锋艺术汲取融合，他便需要一种更新的观念和形式来不断突破自己，以应对所处文化环境对它先锋性地位地消融。如此，新的艺术先锋便又应运而生，这样一种需求、创生（往往发胎于移植）和融纳的过程，便构成了当代中国的.先锋艺术景观。中国近代现代艺术的严重缺位和对新艺术形式及观念的迫切需求，使得中国当代艺术在短短十余年间，便走过了西方现代艺术之路近百年的历程，这样的全方位多维度的文化覆盖不能不说是当代中国现代艺术的最大意义，它在每个方位和维度上都达到了当代中国文化需要与吸收所能达到的最高限度，促生了一批批卓有成就的艺术家与作品，并从整个文化语境、观念系统和艺术图式方面对业已成就的传统艺术发起了挑战，从而使中西文化、古今文化在当代才真正开始了实质性碰撞、冲突交接和相互融合，这可谓中国当代艺术的又一大重要意义。此外，也应该看到，在形式和数量上庞大而又广阔的中国现代艺术在突进之时，也在积极探索关注着艺术形式语言之外的社会及艺术的精神等本质性问题，逐渐往深度挖掘。

中国的现代艺术正在继续，混合这中国传统文化血脉和西方先锋艺术观念的本土先锋性艺术活动仍在轮番登场，混乱而又充满活力，不断冲突和拓展着艺术的各种边界，同时也在不断否定和完善着自身。不过，当横向的拓展实验游弋到它的尽头之时，更具心灵震撼力和深度的现代艺术语言开始更多地涌现出来，中国现代艺术也更加贴近人的精神需求，与现实社会相互鉴照，愈发展现出迷人的魅力！

参考文献：

[1]贺万里．永远的前卫—中国现代艺术的反思与批判．郑州大学出版社．

[2]中国现代艺术．江苏美术出版社．

7.艺术实践教学的意义 篇七

我国现代设计教学基础课程包括平面构成、色彩构成和立体构成, 教学体系也是从包毫斯开创的基础课程上发展而来的。平面构成作为构成设计的基础课程, 打破了传统的教学方法, 强调视觉元素的形态美, 培养学生对形象的敏感性与创造性, 加强设计思维的开发与创新。

随着社会、科技的进步, 人们的审美观也在更新、变化、发展, 这就要求现代设计与进步相适应。产生于本世纪初的构成理论 (平面构成、色彩构成与立体构成) , 与传统的素描、色彩、图案为基础的旧教学体制相比, 在观念和技巧上都大大地前进了一步。这种设计侧重于人的创造意识, 它那富于哲理的高度概括和推理性的构思方式和有秩序的组织结构, 都体现了一种时代的精神, 一种时代的美。在美术教学中就安排了平面构成设计, 这是一个比较有意义、也是一个较难的教学内容, 它主要让学生了解平面构成设计是现代设计方法, 以及如何运用点、线、面这些基本的造型元素进行设计, 创作出各种具有一定美感和特殊视觉效果的作品来, 从而来提高学生的抽象思维能力和学习抽象设计的兴趣、以及培养学生良好的审美思维。

平面构成, 是一种视觉形象的构成, 是将点、线、面这些基本元素按照一定的规律, 进行排列、组合, 产生出无穷变化的图形, 从而给人一种特殊的视觉效果。它不同于绘画, 也不同于其它一些图案, 它实际上是一种带有某种规律性、抽象性的图案的设计。抽象图案依据从具象形态中提取的视觉元素如点、线、面等, 运用点的分布, 线的节奏变化, 面的组合, 以及黑白、色彩的对比, 形成不同的空间变化、组合关系, 表现情感、韵律和力量。

平面构成设计的训练可极大地丰富学生的设计艺术语言, 使学生的设计作品更富有创造性, 再加它本身是设计的基础学科。因此, 平面构成设计课在设计教学中已显示出它的重要性与意义。

平面构成设计训练有利于培养学生对抽象设计的学习兴趣性。在教学中, 通过展示优秀的平面构成作品, 以及平面构成设计演示, 让学生从直观上对平面构成设计中的美感产生吸引力, 从而在思维上产生一种对它的兴趣性, 使学生更会有一种强烈的表现欲望。在积极开拓学生对平面构成设计的学习兴趣性的同时, 要让学生了解平面构成设计在日常生活中诸如广告设计、包装设计、封面设计、染织设计、标志设计等都是平面构成设计的应用, 从而进一步激发学生对平面构成设计的学习兴趣性。

平面构成设计训练有利于培养学生的创造力。我们说, 平面构成设计实际上是一种抽象图案的设计, 其画面是由点线面等基本元素和抽象图形所构成, 它与具象图案那种以再现物体真实形态为目的的训练是完全不同的, 这种画面给人的印象是独特的, 学生可将那些并非按照事物本身固有的规律, 在视觉美逻辑的前提下, 充分发挥想象, 构成一个完美的整体。培养学生的创造力, 要有一个由浅入深、循序渐进的过程, 这就先要通过图片、文字及对现实生活的观察, 认识到在造型艺术中, 有着一些最基本的因素, 它们构成形体变化的基础, 这就是形态方面的色彩、肌理、大小、形状等。通过对它们的分析, 抓住它们不同的视觉特征所形成的美感以及形成这些美感的规律来培养学生的创造性思维。“创造性”并不需要熟练的技巧, 但须具有某种程度的感性自由, 自由是创造性成长的前提, 而抽象图案设计训练, 给予学生的自由性胜过其它任何一种绘画训练形式。从几年的教学工作来看, 发现学生的这种抽象图案的设计思维非常活跃、想象丰富, 在创作中, 学生掌握一定的造型规律、构成的形式美之后, 就能获得一种轻松感和自由感, 然后用自己的思维、情感创造出新颖、独特、千变万化、千人千面的抽象图案来。

平面构成设计作品是审美力和创造力的综合体现美术设计作品讲究形式美, 同样, 形式美也是构成图案美的重要条件, 平面构成中的形式 (即组织形式——重复、近似、渐变、发射、肌理、密集等) 美诸如黑白构成的美、明暗形成的美、方向对比的美、节奏变化的美、韵律展现的美、线面组合的美、动静产生的美等, 是根据生活中符合形式美规律的, 美的排列组合提炼而成的, 它通过高度的概括、提炼、夸张和变形等手法, 使表现形式达到完美, 设计作品中富有美妙的节奏与韵律, 鲜明的艺术形象, 给人视觉是一种丰富的不同寻常的美。

在抽象图案设计教学中, 学生的感觉始终是愉悦的, 从前面的学生作品中就能体现他们的那种感觉, 他们充分利用造型的基本元素, 使一张白的纸, 产生无数奇妙的图形, 增强了画面的空间感和动感, 增强了视觉的冲击, 使作品具有强烈的吸引力, 充分体现出学生们的审美力和创造性力。

平面构成作为基础训练, 主要是培养审美能力、训练构成能力、丰富造型设计的想象与创造能力。通过学习平面构成, 能培养创造力和基础造型能力, 掌握理性和感性想结合的设计方法, 拓展设计思维, 为专业设计提供方法和途径, 同时也为各艺术设计领域提供技法支持, 为今后的专业设计奠定坚实的基础!

摘要：平面构成作为构成设计的基础课程, 打破了传统的教学方法, 强调视觉元素的形态美, 培养学生对形象的敏感性与创造性, 加强设计思维的开发、创新。平面构成设计的训练可极大地丰富学生的设计艺术语言, 使学生的设计作品更富有创造性。平面构成设计作品是审美力和创造力的综合体现。

关键词：平面构成,设计,审美,创造能力,培养

参考文献

[1]雷波.设计宝典——“构成”的运用艺术[M].中国电力出版社.

[2]周小松.平面构成[M].湖北美术出版社.

8.艺术实践教学的意义 篇八

关键词：中国画笔法墨法意境高中审美教学

2003年4月，国家教育部制订的新《普通高中美术课程标准》目标中重要的一点是鼓励学生在感受、体验、参与、探究、思考和合作等学习活动的基础上，形成有益于个人和社会的情感、态度和价值观。使学生较为全面地了解美术与自我、美术与社会、美术与自然等方面的关系，引导学生热爱祖国、理解美术文化、形成人文素养。在思想道德修养中，审美修养是不可或缺的部分。对人生而言，审美的人生才是理想的人生，理想的人生只有通过美的形式才能实现。虽然每一个人都具有天赐灵性的光辉，但人类仍需通过后天的审美学习，才能把握与领略民族文化的美感，并与时俱进，创造体现时代风貌的审美文化。

中国画，是中华民族历史积淀的智慧结晶，是一支中华民族的精神火炬。中国绘画是世界上思想含量、文化含量、艺术含量最大的画种，潘天寿先生称它为“文中之文”。它的高度不单是艺术技巧的高度，更是修养的高度，人格的高度、民族精神的高度，是“技道合一”的艺术表现达到神化的高度。然而，当今的许多中学生在如此灿烂的艺术面前却产生出强烈的陌生感，他们找不到这种艺术的内涵与自身现实生活、人生观、价值观的契合点。在多年的高中美术教学尤其是关于中国画内容的鉴赏中，我始终引导学生不仅了解什么是皴法、描法，不仅懂得感受工细富丽的工笔重彩、酣畅淋漓的写意画风，更要去探究每一幅经典名作所蕴含的美学思想，于传统绘画的欣赏过程中体悟哲学道理，改造人生观点。

从半坡到秦汉到明清直到当代，中国画审美风格千种风情，万般旖旎。以儒道释三教合一的文化主体，使中国文化形成了内核为“天人合一”的东方哲学精神，这种精神成为东方艺术的指导思想和核心内容，将各个时期的绘画艺术串成一条璀璨的珍珠，绵延流传，生生不息。

绘画离不开造型，中国画的造型观念强调的是所塑造对象的本质特征，所表现的手段是线和墨，这“线”、“墨”也就是通常所讲的“笔墨”，即毛笔表现的形色内容。而使用毛笔是要讲究笔法的，讲究用具有审美个性和审美共性的线条、墨色来表现对象，同时，又把创作者的主观意识、审美追求注入到笔墨里面去。因此，我们在欣赏中国画的点线之美时要联想到它的内涵是主客观的全面展现，是具有中国文化哲理观的深层凸现。这便是中国画艺术性之运笔用墨之“道”。纵观中国画史，技法的发展先是笔法的成熟，正如六法论中所提到的“骨法用笔”，到唐宋逐渐重视墨的运用。画要好，须有灵变。灵气之有无，一半是天生的，即使只看他一笔，也能看出灵气之有无，无灵气的人，一定用笔无变化。自古大家，没有一个是无灵气的，既有灵气，也就达到气韵生动，符合六法的要旨。如可染先生用笔，积点成线，为骨架，为脊梁，凝重而迟缓，全画之神，因线而彰，全画之韵，因墨而足，于是山河淋漓，浩瀚而苍茫。黄宾虹用笔，精干短促，活跃多变，苍郁润泽，一派自然生机。可谓一笔下去，直抒胸臆。杜甫诗句：“元气淋漓章犹湿”和梁楷“泼墨仙人图”的出现说明了宋朝已对墨法重要性的发现和重视，元朝宣纸的出现更加速了对笔墨的探索。运墨之法，当首推气象品格。气有清浊、象有形质。墨之铺陈是其表，展示精神是其里。贤良、愚钝、豪壮、纤秀皆可显露于墨之气象间。如石涛运墨，酣畅沉郁称于世；黄胄运墨，以泼辣取胜；石鲁用墨，以雄豪见长。观名家之墨法，乃各家之眼界各家之心声也。心声各异，笔下演绎自然各入化境，法象自然而别开生面了，墨色之中，大有天地。于此可见，在墨法之间表人生哲理乃中国画艺术性之一大特色。

因此，就中国画笔墨而言，是“技”也是“道”。如用笔之快慢、刚柔、虚实、疏密、起伏，墨色之浓淡、干湿、润枯等，这一切的对立关系，都是互生互动的，是朴素辨证法的对立统一关系，是中国哲学中阴阳相生的观念。中国画在用笔墨造型的同时，加入了作者的情意，加入了文化内涵。通过笔墨的表现，达到抒发作者的性情、表达作者的心意，并进入到得意忘形、物我两忘的天人合一的境界，这便是中国画艺术之美的本质。基于这样的哲学思想，古代画家画山水并非仅表现自然现象，而是趋于“写山水画，得意中之象”，不著一字尽得风流的艺术创作观。

笔法与墨法中的虚实互生法则，亦为意境的一种体现。古人有日：“虚实相生乃得画理”，“虚实相生，无画处皆成妙境”。这便是中国画艺术性中另一大特色：对意境空间的追求，来源于中国画家特有的审美意识，来源于道家的美学理论。集中表现在对“阴”与“阳”的认识，以及“心与物”认识的两个方面。如以中国的哲学观来认识，虚与实是辨证的。虚即实，实即虚，把握虚实，自然画出神与韵俱胜的意境，以“虚”引导人们超越狭隘世界，去领悟宇宙和人生之道的真谛。

引导学生欣赏中国画并感悟其艺术真谛，就必须谈到中国传统美学思想，谈到中国画特有的表现手法。它的美是与人性相通的，动之人情，感之人心，震之魂魄，使人思之回味无穷。我希望借助艺术欣赏的手段，使学生于艺术作品的欣赏回味之间逐步完善个人审美观、人生观，提升人文素养。

古代画家又有“人品即画品，画品即人品”之论，它提倡的是人的思想与灵魂之美，是人文精神在绘画艺术中的体现。如：王冕之梅、板桥之竹都是人的精神灵魂的赞歌。每当我们评价一幅佳作，不仅是一次美的沐浴，更是一次心灵的涤荡，修养的积淀。中国历代绘画佳作中的“美”涵盖了世间最有宽度、深度的美。面对高科技的信息社会和快节奏的现代生活，人们的心理比以往任何时候都更需要艺术的调节。中国传统绘画中的艺术形象在空间上或许离我们是遥远的，然而就其蕴含的美的本质而言，它是每一次时代促进的动力，每个青年人成长过程中一餐丰盛的精神食粮。它架起了语言与非语言之间、形象思维与逻辑思维之间的桥梁。它能使人们对世界的理解更完美，并运用艺术的表达形式传递情感与交流思想，形成一定的审美观、审美能力和美化生活的能力。

我们的美术教学，目的就是让学生通过对美的认识和理解去欣赏美、创造美，让学生通过审美感受、形象思维、创造表现等能力的培养发展个性、修炼品德、启迪智慧，美化人性，提升人生价值水准。对中国画的艺术性的感悟、品味难道不正是一条坦荡的途径么？

参考文献

南齐 谢赫《古画品录》人民美术出版社1995年8月版

何德坤何克峰《中国山水画教育随想》，《美术向导》2003年第5期。

9.艺术实践教学的意义 篇九

导言

城市化进程的加快，令园林绿化苗木的产业及花卉产业发展迅猛。但因当前种植面积巨增，有些品种出现过剩的情况，因此，不可盲目发展。城市园林绿化对于建设现代化城市而言尤为关键，因此，园林艺术在城市绿化中具有十分重要的意义及作用。

1.园林艺术的含义与历史溯源

园林艺术不仅仅是艺术形象的一种，还是一种物质环境。园林艺术是指对城市绿化环境加以艺术手段的处理，是活灵活现的艺术表达形式。通过对花草、景观树、景观石等景物的巧妙搭配，加以合理运用、艺术设计等手法，表现出自然的绿化形象。在改造城市环境的同时，使游赏者触景生情，产生情景交融的一种艺术境界。园林艺术在中国历史文化中源远流长，其完整的理论体系早在明代就在计成所著作的《园冶》中出现。该书后流入日本，被誉为《夺天工》，可见对其评价之高。“造园”这一专用词汇也由此最先被提出。在中国文化土壤上孕育出来的园林艺术，同中国的文学、绘画艺术有着密切关联。园林意境这个概念的思想可以追溯到东晋到唐宋年间。当时的文艺思潮是崇尚自然，出现了山水诗、山水画和山水游记，由此，园林创作也随之发生了重大转变。从以建筑为主体转向以自然山水为主体；以夸富尚奇转向以文化素养的自然流露为设计园林的指导思想，因而产生了园林意境问题。在西方，16世纪的意大利、17世纪的法国和18世纪的英国，园林已被认为是一门非常重要的、融和各种艺术为一体的荟萃艺术。德国著名的古典哲学家黑格尔（1770～1831年）在他的美学著作中提到：“园林艺术为精神创造了一种环境，是第二自然的表现”。当时，西方园林艺术的表达手法大致分为2种：一种是把自然风景中令人心旷神怡的部分截取出来，拼凑成完美的整体，又不失自然之美；另一种则是以建筑方式来安排自然事物，从大自然中取来花草树木，就像一个建筑师为了营造宫殿，从大自然中取来石头、大理石和木材一样，不同的是，花卉树木是有生命的。如今，随着东、西方文化交流的加深，园林艺术的快速发展，艺术风格都在发生惟妙惟肖的变化，使得园林艺术更趋于丰富多彩，日新月异。

2.简析园林绿化在城市建设中的重要作用

2.1改善和提高城市生态环境质量

目前，城市工业发展十分迅猛，产生了很多工业残渣垃圾，再加上人口、车辆的大量涌入，生活垃圾和尾气等对城市环境造成了严重污染，严重威胁着人们的正常工作生活。在城市建设中，园林绿化对于改善和提高城市生态环境质量具有十分积极的作用。首先，可以吸收大量的有毒有害气体，消灭各种细菌，起到净化空气的目的。城市空气中含有工业排出的大量废气和有毒气体，例如，二氧化碳、氯化物、氧化物等，一旦浓度达到一定程度时，便会危害人民的身体安全，而且城市街道尘土和细菌较多，合理种植和选择绿色植物，可以针对性的预防和减少城市大气污染。其次，可以防止水土流失，保护土地资源。据相关资料显示，水土流失是我国城市土地环境所面临的主要灾难之一，水土流失导致大量的可耕地面积缩小，土壤水分和营养缺失，环境破坏严重。在城市建设中开展园林绿化，栽培和种植树木植物，能够涵养水源，改善和保护土壤资源，从而缓解和预防水土流失现象。

2.2预防和减轻城市噪声污染

随着城市工业化进程的不断加快，城市中工厂建筑随处可见，生产时伴随着巨大的震动声、撞击声十分刺耳，再加上各种车辆行驶所产生轰鸣，城市噪声污染正在日益加重。除了影响人们的正常休息之外，噪声过大还会刺激人们的神经系统，导致人们出现神经衰弱、精神欠佳、呼吸不畅甚至血压升高等不良症状。园林绿化建设中，树冠和枝干能够对这些噪音进行吸收和弱化，若在城市街道两侧或居住地附近种植一些树木，形成树林带，还可以起到隔离噪音的作用。

2.3可以调节城市气候环境

由于城市工业较多、人口密集，通常情况下，城市温度远远高于郊区，热岛效应十分普遍。开展园林绿化建设，树木叶面能够对水分进行蒸发，从而降低周围温度，提高空气湿度，冬暖夏凉。因此，园林绿化较好的城市，空氣比较干净清新。在夏季，人们喜欢坐在树下乘凉消暑，而到了冬季，树木可以遮挡大风的`侵入，降低风速，使人们感到温暖。同时，城市空气比较干燥，多种植些园林树木，有助于土地水分蒸发并融入到空气中，调节和提高城市空气的湿度，为人们提供良好的生活环境。

2.4生态的建设

园林绿化生态建设尤为关键，其不仅能够净化空气、降低污染、吸收CO2及有毒气体，还能够吸附粉尘，具有防风固沙、保护水土、降低沙尘暴发生率以及阻碍荒漠化，降低雾霾、风速的能力。园林绿化通过树木的形态、搭配、颜色，为城市进行“上妆”，提高环境的艺术感，提升人们的生活品质，增加了城市居住的幸福感。

3.园林绿化在城市建设中的意义

3.1随时监测城市环境情况

尽管城市环境具有专门的监测机构，植物对城市环境的监测作用却不容忽视。由于植物对于生长环境十分敏感，每当城市环境受到污染时，植物生长情况便会出现变化发出信号，例如，叶子变黄、枯萎等，甚至在环境污染十分严重的情况下，植物还会枯死。而城市环境状况良好时，植物枝叶生长比较茂密，花朵鲜艳，因此，植物是监测城市环境的晴雨表，会随着环境的变化而变化，不可替代。

3.2展示城市文化特色和魅力

在城市建设中，园林往往与人们的日常生活更为贴近，是历史文化的沉淀和延续，能够很好地展示出当地自然景观和人文景观，特别是园林中选择的植被、山石等更加能够明显地反映出当地文化特色，对于展示城市文化特色和魅力扮演着关键的角色。我国园林绿化具有鲜明的当地文化特色和民族风格，在建设过程中，由于逐渐加入了现代流行元素，使得园林绿化更加具有现代感，符合当代人们的审美观念，深受人们的喜爱和欢迎。

3.3加快城市化进程

园林绿化极大地改善和提升了城市的的整体环境和城市魅力，人们工作和生活的舒适度大大提升，吸引更多的人口向城市聚集，使小城市逐渐向大城市转变。园林绿化的发展，使人们的环境保护意识逐渐增强，更加自觉地爱护环境、爱护公物。同时，人口的大量涌入，为城市快速发展带来了大量的劳动力和人才技术，缓解了城市紧张的就业压力，维护了社会稳定，促进城市经济迅速发展，加快了城市化进程，促使城市化程度越来越高。

4.结束语

当今的园林设计中，通常以植物为主体，结合水体、园林建筑小品和地形等不同的元素来营造出更为人性化、富有历史传统、空气清新、安详舒适的城市环境，从而改善了城市人们的居住环境，提高了人们的生活质量，对维持城市环境的生态平衡具有重要作用。

参考文献

[1]吴翼.论城市园林艺术[J].中国园林，2017（3）

[2]刘荣凤.生态园林城市绿地系统建构解析[D].东北林业大学，2016

10.艺术实践教学的意义 篇十

【摘要】“集体无意识”是心理学中的一个重要理论,在艺术创作中也具有重要的意义,它是解读人类审美心理、艺术欣赏心理的钥匙。本文分别从概念、结构组成以及在艺术创作中的重要意义做了详细的论述,并提出了艺术创作应符合受众群的“公共艺术无意识”的创作原则。

“集体无意识”是由瑞士心理学家、哲学家荣格提出来的。荣格是分析心理学的奠基者弗洛伊德的学生,也是分析心理学的创始人之一。荣格发展了佛洛伊德的无意识理论,将无意识具体地区分为:误差无意识、病患无意识、梦幻无意识、本能无意识、习惯无意识及集体无意识。按照荣格的话说,“集体无意识”是指“有史以来沉淀于人类心灵底层的、普遍共同的人类本能和经验遗存”,这遗存既包含了人类先天的生理学意义上的遗存,也包含了人类后天的社会生活意义上的遗存。

在荣格之前,弗洛伊德就已提出了“无意识”这一概念,但这种纯心理学意义的“无意识”只是一种“个性”,或者更准确地说,它只是客观个体的一种意识属性。正因为如此,“无意识”理论仅仅只可能用于研究客观个体的无意识行为,例如“释梦” [弗洛伊德将梦认为是人在无意识状态下(梦中)“愿望的满足”]及对精神病人进行“心理治疗”(医生可以从病人的习惯行为中找到习惯无意识,再按照他或她的习惯无意识就可探索他或她的心理病因,最后可采取相应的心理治疗方法)。

而“集体无意识”的提出在心理学发展史上可以说是一次里程碑式的伟大成就,它第一次将心理学从纯个性化的研究中解放出来,将心理学引入了广阔的人类学领域、社会学领域以及一切意识形态领域(哲学、伦理学、美学、艺术学、宗教……)。

就艺术理论而言,“集体无意识”是解读人类审美心理、艺术欣赏心理的钥匙,完全可以有理由说,如果不理解“集体无意识”就很难将美学和艺术学置于坚实的地基之上。

简单地说,无意识就是一种“没有意识到的意识”,或者说是一种“不自觉的意识”,人们常常也将其称为“潜意识”。我们认为“潜意识”一词也许比“无意识”好,因为“无”字往往易发生误会,“潜意识”可能会更好。

人类的“无意识”是由两部分构成的,一是人的种群无意识,或者说是人的先天本能无意识;二是人的后天社会生活习惯无意识。人的种群无意识是人在漫长的种群发展过程中所积淀下来的无意识,人在历史长河中会出现多种习惯思维方式,但随着岁月默默的无情冲刷,习惯思维方式在意识中被淡化了、隐退了(所谓时间能改变一切)、沉淀了,变成了无意识。此种无意识就历史而言是习惯无意识,就我们今天而言就是先天的本能无意识。由此我们不难看出,所谓先天的本能无意识说到底实际上还是后天的历史的无意识,只不过是因为人只能将自己生命时间段之外遗存的习惯称之为先天的。

在简单的讨论了“无意识”之后,我们再看“集体无意识”。从学理上讲任何意识都只可能是人的一种个体心理活动,或者说任何意识都只能依附于实在的个体,都是个别的、具体的,也就是说,某个具体的意识(心理活动)不可能实在地依附于某个抽象的群体。“集体无意识”实际上是指某一个集体中所有个体无意识的共同的无意识,“集体无意识”不是某种集体的(无)意识,而是(无)意识的某种集体。按此种理解,“集体无意识”实际上是某个集体中所有个体无意识的一种公共无意识。“集体无意识”(公共无意识)同样的应包括两个部分:人类进化所形成的共同的无意识――公共本能无意识,以及人在后天的社会生活中所形成的公共习惯无意识.

下面就来谈一下“集体无意识”(公共无意识)在艺术创作中的意义。

美是能引起我们产生愉悦感(美感)的形式(形象、符号、外观、样式),艺术是用美的形式表现健康的情感意志(表现真与善),因此,我们在进行任何艺术创作时首先要求艺术作品具有高水准的艺术美,因为唯有如此才能令人产生愉悦感(美感),才能感动人,才能让欣赏者愉快地接受你的艺术作品,所以莱辛说“美是艺术的最高法律”。任何艺术作品仅仅是只有美的形式也是不够的,它必须同时具有健康的内容,它必须表现健康的情感意志,只有这样“形情并茂”的艺术才是真正的艺术。所谓形式主义、唯美主义艺术,严格得说它们并不是一种艺术,而只是一种美的创造。欣赏形式主义、唯美主义作品实质上只是欣赏纯形式美,欣赏视听冲击,而不是欣赏艺术。

现在的问题是,既然艺术创作必须同时关注形式美与健康的情感意志,那么在艺术创作中存在什么理论原则?或者说应该遵循什么理论原则?实践告诉我们,某一形式它是否美,不是由形式自己说了算的(不是形式的固有属性),而是由艺术欣赏者按照他自己的审美心理所认定的,所谓“人是美的立法者”。艺术作品所传达的情感意志是否能为欣赏者所接受也是由欣赏者按自己的情感意志所认定的。值得特别关注的是,人的审美心理、情感意志在极大的程度上是人的一种超情感无意识。

原则上,从个人的心理层面上说,每个人的审美观点、情感意志都是个性化的,这下麻烦可就来了!我们怎么可能进行艺术创作呢?难道艺术家可能为每一个人进行艺术创作吗?艺术家可能理解每一个欣赏者吗?幸亏人类存在公共无意识!人类之所以能创作艺术、欣赏艺术,其最终根源就是由于人类存在公共无意识,公共的审美心理、公共的情感意志,公共无意识是上帝(自然)建构于人类心灵之间的一座公共交流之桥。

当我们理解了公共无意识,又了解了美的本质、艺术的本质之后,艺术创作的原则就浮出水面了。艺术创作是艺术家用某种美的形式去表现自己所想表现的情感意志,艺术欣赏是按艺术家创作的形式去理解艺术家所想表现的情感意志。实际上创作心理与欣赏心理是“互逆同构”的,如果是自娱自乐,则两者的心理是完全互逆同构的,或者说是互逆同一的。完全互逆同构的,或在艺术家与艺术欣赏者之间显然是存在差异性的,然而幸运的是,此种差异通常是被两者之间的公共无意识所覆盖的。他们通常都能在差异的条件下找到公共的无意识。尽管人们在欣赏艺术时会出现见仁见智的差异,但人同此心、心同此情的情况总是主流。

从以上的论述中我们应该得出极其重要的创作原则:艺术创作应尽可能地符合受众群的公共艺术无意识。说具体一些就是,艺术作品的形式美应尽可能地接近受众群的审美心理(公共审美无意识),艺术作品表现的情感意志应尽可能地贴近受众群的情感意志(公共情感无意识)。任何艺术都是具体的,它必然也只能面对某一特殊的受众群,因此在艺术创作时艺术家心中必须对受众群有一个明确的指向,同时对形式美和情感意志有一个恰到好处的与受众群协调的定位,唯有这样的艺术创作才可能取得理想的效果。说到底一句话,艺术创作的关键是准确地紧紧地抓住受众群的公共无意识――公共情感无意识。

下面举两个实例对上述原则加以说明。

首先以儿童文学为例,在文学中儿童文学占有一种原始性的地位,它是全人类的启蒙老师。历史上曾出现过许多杰出的儿童文学家和经典的儿童文学作品,如安徒生和格林的童话,《卖火柴的小女孩》、《皇帝的新衣》、“灰姑娘”、“丑小鸭”所传递的情感意志影响着一代又一代人,历史上许多伟人都曾在它们的陪伴下成长。许多童话语言现已经成为人类的共同话语,已经成为人生哲理,已经渗入了人类的公共无意识。

任何成功都不可能是偶然的,我们应思考,为什么他们会取得如此巨大的成功?

首先是这些作品中那种朴素、纯真童趣的形式美打动了儿童幼稚、天真的公共无意识,强烈地感染着每一个小读者。再就是作品以儿童形式美所透露(表现)出来的高尚的情感意志温暖着儿童天真无邪的善良的赤子之心。儿童的心是一颗最鲜活的原始的心,它充分地代表了全人类的本能无意识,儿童的心是人类本能集体无意识的一块精美的活化石。

正因为如此,优秀的儿童歌文学不仅能打动孩子的心,而且能震撼每一颗成人的良心(成人的公共无意识);正因为如此,优秀的儿童文学不仅是孩子的“美味”,也是成人的“佳肴”,同时能让成人在返璞归真中获得启示。优秀的儿童文学作品不仅是儿童的,也是成人的,是“童叟共赏”的,是每一个人的共同财富。遗憾的.是,今天儿童文学的黄金时代似乎是一去不复返了!一切都成人化、市场化了,眼下的一些“儿童文学”,既失去了儿童喜爱的形式美,也找不到儿童的情感意志。社会丧失了童心,作者丧失了童心,人类似乎也丧失了童心!不少有识之士也曾大声疾呼,为儿童呐喊,然而这一切也许都是枉然。作家丧失了童心(儿童公共无意识)怎样可能写出童心!要写好童心,惟有自己有一颗童心。人类离开了童年也许是必然的,成年虽并不是坏事,但我们不希望它很快地就步入老年,至少在心理上不能如此。

再以爱情题材为例,人们常说“爱情是艺术的永恒主题”,这的确是一个事实,但作为一个艺术家,尤其是艺术理论家,绝不应仅仅停留于承认此事实,更重要的是应探索,为什么?其实,此种原因或者更确切地说其根本心理学原因是:性爱是人类最基本的本能公共无意识,而且就时间而言是人类的一种永恒的本能的公共无意识。正因为如此,凡是优秀的以爱情为题材的艺术作品总能激发每一个正常人的情感,使人从中获得精神享受!《罗密欧与朱丽叶》、《牛郎与织女》、《梁山伯与祝英台》已经成为了人类永恒的公共精神财富而我们必须看到的是,爱情题材作品的成功绝对不可能仅仅停留在人类的本能公共无意识――性爱,更为重要的是,任何优秀的爱情题材作品必须尊重历史的社会的习惯无意识。每一个时代有每一个时代的爱情,每一个民族有每一个民族的爱情,每一类人有每一类人的爱情,我们不可能将焦大的爱情与贾宝玉的爱情观相提并论,也不可能将薛宝钗的爱情观与林黛玉的爱情观相比。一切爱情艺术作品惟有能从爱的个性中展现了爱的公共无意识才是好的作品,才可能获得并征服广大的欣赏者,也许可以说,爱情题材只有是个性的才是人类的。

抽象的柏拉图式的“灵超越肉”的爱情当然是不存在的,但柏拉图式的爱的确是对至高无上的爱的一种希望,一种理想的追求。我们认为,现实的爱情虽然不可能(也不应该)用情爱去取代去排斥性爱,但更不能让情爱完全依附于性爱,追求情爱与性爱的同一也许是一种最高的人生境界。

审视现代世界艺术中的爱情,几乎被全盘物质化、肉欲化了,陪伴他或她的除了豪宅、洋车之外就是时装、珠光宝气……。艺术是反映生活的,当然必然会反映现代社会生活,但艺术不仅应“告诉我们正在怎样生活”,艺术更重要的是应“告诉我们应该如何生活”。

参考文献

11.亚明艺术精神的当代意义 篇十一

一、国家兴亡，匹夫有责。亚明先生是从战争年代革命军队中走出来而有卓越成就的中国画家，他出身贫寒，曾任敌后武工队队长，出生入死于抗日峰火和解放战争，从事战时宣传和革命文艺活动。他把个人的一切与民族存亡、国家命运紧密相连，为中国革命的胜利贡献了自己的青春年华。而这段不平凡的革命历史，奠定了他一生的价值取向。和平建设时期的今天，虽然时代不同了，但我们每个人每个岗位都有为国建功立业的机会，“国家兴亡，匹夫有责”、“修身、齐家、治国、平天下”从来就是儒教文化崇尚的人生信条。美术界里常有与时代不协调的现象：崇洋媚外、丧失国格、欺诈造假、走火入魔等等，我们应当旗帜鲜明地予以反对。作为当代的文艺工作者，每个人都应以民族振兴为己任，以“自强不息，厚德载物”的古训为座右铭激励自己，学习亚明作画先做人，树立正确的人生观，朝着“德艺双馨”的目标去努力。

二、精诚团结，老少同心。在负责筹建江苏省美协、江苏省国画院、江苏省美术馆和书法印章研究会过程中，亚明团结了江苏省内吕凤子、陈之佛、傅抱石、钱松嵒、宋文治、魏紫熙等一大批精英。１９５７年反右，顶着巨大的压力保护画家，他管辖的画院、美协、美术馆竟无一人被划为右派。在他的倡导下，六十年代初和七十年代末省画院先后举办了二期国画班，加上北京、东北、安徽的张步、杨延文、王绪阳等进修生近６０人。１９７７年１０月我有幸借调省画院随亚明等老画家们赴湘写生。自此，２４年中不断求教于亚老门下。亚老安排在香港《文汇报》“中国书画”专栏上专版给我作介绍，１９９３年我应邀赴日本半田举办个展，亚老闭门谢客，专为我手书作序题辞。像我这样得到亚老提携的学生还有很多。亚明老师以共产党员博大的胸怀团结同仁，培养后生，组织起一支浩浩荡荡的美术队伍，这是发展一地之美术事业的重要前提。

三、坚持“生活”，热爱人民。亚明老师五十年代末曾有《货郎图》、《莳秧行》、《出院》、《钢铁厂组画》等一批反映现实生活的中国人物画佳作问世。１９６０年二万三千里采风后又有《川江夜色》、《春雨》、《白云深处》等山水画诞生。“文革”后不仅遍游大江南北，还领命出访欧、美、亚、澳诸洲多国写生交流。他有一整套由写生提炼成创作的精妙办法，虽尺幅不大，却笔法娴熟、气韵生动，“意念、意象、意趣、意境”超然而至、出神入化。１９７７年在湖南写生时，亚老反复论及生活与创作、题材与主题、技法与技巧、用笔与用墨的关系，提出“游（游历）、受（感受）、勾（速写）、写（以书入画的绘制）”写生四字诀和“看、摹、临、写”学习四字诀。可以说，没有旅行写生，就没有新金陵画派和《山河新貌》画展，没有旅行写生也就没有亚明的中国画艺术。人民的生活，永远是艺术创造的母亲，只有“在人民创造历史的过程中创造艺术”，艺术才充满真情实感，才能打动人，才与时代同步而有留传的价值。亚明的艺术再一次验证了毛泽东同志关于“社会生活”、“人民生活”“是一切文学艺术的取之不尽、用之不竭的唯一源泉”论断的正确性，也证实了中央提出“三贴近”的要求切合实际非常及时。

四、植根本土，继承创新。１９５３年亚明出访苏联，毅然决定“弃西学中”，反“打倒中国画”的潮流，早在五十年代初就大胆陈言：“只要人民喜欢就要保留。国画不能打倒，也打不倒。”认为：“新中国的绘画必须扎根于自己的民族土壤，必须研究东西绘画规律，从根本上去寻求创作道路。” １９７７年湖南写生结束时，亚明老师赠我一幅水墨苗女图并题句：“中国画笔墨首也，用笔写形在于传神。初学应笔墨取之，形不准神不确实不要紧，久久写之自然得，得到中国画法，启鹏同志以为如何？”这番话先生是针对我当时脱不了素描手法直入中国画的弊端而言。时隔２０余年，又有“笔墨等于零”之争，更显现出亚明对民族传统艺术的特色和本质之观点的独到与精辟（见２０００．８《美术》刊拙文“东山放谈”）。亚明老师善于思考，勤于学习，提出“中国画有规律而无定法”、“月无新旧唯园缺，艺有文野非古今”的艺术观。所谓“规律”，是指中国画立身之本的哲学、美学根基，有别于西洋画的笔墨规范和意趣理法。所谓“无定法”则是坚持与时俱进的创新、变法、求异，是对世界文化一切优秀部分的吸收、溶化、再生。我以为齐白石“似与不似之间”，李可染的“可贵者胆”、“所要者魂”，潘天寿的“既贵有所承、亦贵能跋扈”，傅抱石的“笔墨当随时代”与亚明的“中国画有规律而无定法”都是一脉相通的。依据以上观点把握继承与创新的关系，就不会为“穷途末路”、“废纸论”所吓倒，也不会为“前卫”、“后现代”所迷途。

五、潜心读写，彻悟人生。上世纪八十年代后期，因“难了，又不得不了”的种种原因，亚明离开闹市住到苏州东山镇后巷的一处早已残破的明代民居，出资购置修缮，取名“近水山庄”，在这里隐居十多年，“读书、写字、作画；饮茶、听雨、种花”，这是一种大智慧，他抓住了生命的最后一站潜心研究，彻悟人生，并留下十五幅大型山水壁画。一次我专程去东山听先生谈艺，其时他已患肺癌，正在化疗之中。他口诵自作诗临别相赠：“日西沉／月出东山／一天过去了／日复一日／年复一年／不觉满头华发／回望人生路／硝烟弥漫血雨腥风／陷阱处处／举首又见曙光露／白也是天／黑也是天。”此作道出亚老坦荡豁达的人生态度。１９８５年在他的北欧五国写生作品赴京展期间，李可染先生曾对亚老学生李树勤说：“告诉你们的老师，人以画传，其他事不管它。”亚明老师东山十年正是排除干扰做学问的十年，如叶浅予先生８０年代中晚期深居简出，拒绝应酬，著书立说一样。今天的世界真奇妙，五光十色诱惑太多，浮躁，已经成为学术界的一大公害。亚明老师常常对学生们说“待人要诚，手艺要精”，叶浅予老师叮嘱我“艺术上自强不息，生活上知足常乐”，这些忠告可以让学生受用一辈子。

12.艺术实践教学的意义 篇十二

关键词：调研环节,环境艺术设计,专业设计类,课程教学

在环境艺术设计专业设计类课程的传统教学中加强实践教学环节, 提高学生的工程实践能力, 是设计类课程改革的重要方向。在大力培养学生实践能力、创新能力这一指导方针下, 我校环境艺术设计专业在设计类课程的教学中, 注重了调研这一环节的开展, 就如何通过市场调研这一环节促进学生设计能力的全面提升进行了一端时间的探索, 基本形成了设计类课程调研式教学方法。此种与生产建设结合紧密、实践性强的实践环节能够在调动学生学习积极性的同时巩固设计类课程的教学效果, 增强学生的工程实践能力, 为学生的毕业设计及就业打下坚实的基础。

一、市场调研环节的设置方法

在理论授课结束后针对设计课题安排8小时市场调研教学环节, 其中包括4学时的校外市场调研及4学时市场调研总结汇报环节。要求学生结合课上理论教学内容制定合理的调研计划后展开调研。组织学生对实题设计的场地及地区有代表性的相关装饰设计工程场地进行调研活动, 使学生对设计课题产生亲身体验, 并注重理论联系实际, 启发学生的学习能动性, 鼓励学生结合实践的合理创新, 激发学生对设计类课程的学习热忱, 用以培养学生的设计创新能力和工程实践能力。

二、调研环节的实施过程

利用课上的4学时时间及课后闲暇时间, 以3-5人为小组, 采取实地测量、照片拍摄、交流走访等方式, 进行市场调研和资料的搜集工作。在老师推荐的调研目标内进行系列调研。调研结束后以小组讨论的方式进行总结并制作PPT格式调研报告, 安排4学时的课上时间进行调研汇报, 计分后按25%的比例计入期末总成绩考核中去。

根据设计类课程设计内容的不同推荐不同的调研目标, 调研的内容需要围绕工程环境的调研、地域文化的调研、工程实地的调研、企业文化的调研、新兴装饰材料的调研、行业前沿设计的网络调研等方面展开。

三、调研环节设置的教学意义

利用课上的8学时结合课后的业余时间展开的调研环节, 能够引发学生学习的热忱, 加深设计印象, 并增强对理论知识的理解, 训练综合设计能力, 此种融学习、实践、讨论、操作于一体的教学方式, 对调动学生的积极性起到良好的作用。

1、巩固设计类课程理论教学成果

通过市场调研, 学生能过对空间形态、构成、功能设置、人体工学等方面有亲身的强化记忆, 能够加深印象, 巩固课上理论所学。在工程现场的亲自测量、亲眼观摩, 能了解到设计概念与设计实施的差别。了解到设计行业的相关市场信息与反馈, 从而加深学生最设计课的直观认识, 熟悉市场环境与行业环境, 为毕业设计和就业做准备。

2、提高学生对设计类题目的感性认识

学生通过对工程实地、优秀工程实地的现场考察与调研, 可以直接与委托设计方、施工方、设计方、管理人员、消费者进行交流与讨论, 了解来自设计者、实施者和使用者的体会, 记录设计上的优点与缺点, 并能够在总结中得到启发并用于指导设计。

3、激发学生学习设计类课程的热忱

通过系列的调研活动, 学生能够感受到设计行业市场的繁荣与竞争, 亲身体验到设计付诸实施的乐趣, 从而引发学生小组讨论的热忱, 激发学生设计创新的巨大热情, 并针对市场情况转变设计思路, 多角度思考问题, 使学生不知不觉中将被动学习转变为主动学习。无形中强化了教学效果, 为综合设计做了良好的铺垫。

4、拓展学生知识范围

与课上理论教学不同, 调研环节中, 学生将根据设计题目的不同而主动探索与之相关的知识, 主动发现问题, 并能够从兴趣的角度出发主动探索与设计类题目相关的行业知识、人体工学知识、企业的营销理念, 从而无形中, 拓展了学生的知识范围。鉴于学生对设计市场的初步调查与总结, 能过有效地促进学生的横向比较, 尝试新设计语言运用与实施的可操作性, 为学生的设计创新奠定坚实的基础。

5、增强学生的工程实践能力

学生在调研期间, 能够对设计课题的相关知识有较直观的认知, 并且将遇到较多新的问题。同在与社会进行接触的过程中, 可了解其复杂程度, 并能够就解决问题的方法向多方人士进行咨询与交流。通过接触, 将提高学生的社会交往、交流沟通、组织协调等能力, 将逐渐转变学生的被动局面, 提高学生梳理问题、分析问题的能力, 培养学生具备良好的工程实践能力和整合能力, 增强学生的自信心, 为毕业设计的实题设计做准备。

近年来, 我院环境艺术设计专业在设计类课程中将市场调研做为一个重要的教学环节已经引入到课堂中来, 并通过教学实践, 取得了较好的教学效果。在设计课程中加入调研环节后, 学生能够体会到设计类课程的真实性, 并从中体会到设计的乐趣, 学习的热情较高, 对理论联系实践起到了推动作用, 使学生的综合设计能力有所提高, 增强了学生的社会竞争力, 取得了较好的教学效果。

鉴于已经取得的教学成果, 结合我校毕业生工作后在社会上的反馈信息, 我们愈发认识到调研这个环节设置对于学生设计能力提高的重要意义。在设计的早期安排调研环节, 能够对学生的设计产生良好的指导意义, 但, 这些仍略显不足!我们可以在方案设计的定稿阶段再组织学生进行4学时的调研环节, 结合设计课阶段性成果与工程实践, 将其进行整体的、集中的讨论, 这样对于学生设计的完善性与可执行性将起到良好的优化作用, 对于拓展学生的知识宽度、培养实践能力强的设计人才将起到积极的促进作用。

参考文献