设计色彩与绘画色彩

2025-03-09

设计色彩与绘画色彩（共10篇）

1.设计色彩与绘画色彩篇一

美术教案

课题：《场景色彩绘画》课时：1小时课型：新授课

教学目标

知识与技能：了解场景绘画的基础知识，掌握场景色彩的构图、造型、色调的表现方法。过程与方法：1熟知场景色彩写生的步奏、运用色彩造型的基本知识进行场

景色彩写生。

2临摹写生结合把临摹的知识运用到写生中，把写生中的问题在临摹中得到解决。

情感态度价值观：培养学生色感，体验丰富的色彩画面，把写生中的色彩感情表现在画面中，提高分析和作画能力。

教学重点：1对物体的明度、冷暖以及整张画的色彩倾向有明确的方向

2把握写生色彩的一般规律，单个物体的明暗、冷暖色彩的表现方

法，场景画中的色调。

教学难点：1场景构图，空间感

2色彩写生中环境色、光源色、固有色的认识及其形体的认识与塑造

教学过程

课前准备：教师提前习作讲授新课

导入新课：冷军老师油画场景色彩欣赏（素描是基础造型）

一、讲述色彩基本知识（4项）

1、色彩的三原色和三间色以及他们之间的关系

三原色：其只有三个，红、黄、蓝这三色用任何颜色都调不出来，用它们可以混合出许许多多的色彩，故称为三原色。

间色：用两个原色相混合而成。红+黄=橙，蓝+黄=绿，红+蓝=紫，等量相加产生的橙、绿、紫为标准三间色。不等量的想家会呈现无数种间色，数值不同色相各异。

复色：那么在升级一下就是用不等量的三原色相混合而成．数值不同可混合出许许多多的复色。（或两间色相混合如：橙+绿=黄灰，橙+紫=红灰，绿+紫=蓝灰，等量相加得出标准复色；两个间色混合比例不同可产生许多纯度不同的复色。

2、色彩的三要素：色相、纯度、明度（这是色彩非常重要的三个属性！）

色相——就是色彩的模样、相貌。一般情况下分红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七个基本色相。

如：红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等色相命名的方式有多种

1）固有色色名法：颜色与某物体色接近而命名。如：玫瑰红、桔红、桃红、砖红、柠檬黄、金黄、草绿、橄榄绿、天蓝、湖蓝等。

2）文学性色名法：使用文学色彩浓郁的字眼命名。如星际璀璨色、地中海红色、热带雨林绿色、沙滩色、敦煌沙漠色、太空色等。

3）简化色名法：根据色彩所呈现的不同色倾向度予以概括性的称谓。如红色可分别称呼鲜红、深红、暗红、粉红等。

纯度——色彩的明暗程度。表示色所具有的亮度和暗度被称为明度。

，又叫饱和度。即色彩的鲜艳与灰浊，黑、白、灰没有色相倾向的无彩色的纯度为“0”其中红色纯度最高、绿色纯度最低，其余居中。

1）如红颜色，当它红到不能再红时，它的纯净度就很高。

2）当它混进其它颜色时，鲜艳度降低，不再纯净了。

3）纯度有高纯度、中纯度、低纯度之区别。

明度——指色彩的明暗深浅程度。也叫色彩的亮度。

色彩学上以明度标尺来衡量色彩的明暗深浅。称低明度色彩、中明度色彩、高彩明度色色环

2.设计色彩与绘画色彩篇二

当你欣赏到北宋画家范宽的《溪山行旅图》这部代表着他的精华作品之一,图中画面单从构图方面说,属于一种和谐的氛围,但它却产生了强大的气场。如此第一点是造型的峻巍,第二是笔墨的酣畅厚重。所以说,只有在作者情感激放时期所展现出来的自己的娴熟的绘画技巧,以浓墨竖点为睛,横写为脑,落寞成金,利用色彩绘画的技巧表现出作品的情感,从而达到了出神入化的境界,画家大气的概括简化,使得画作妙笔生花。所以我们不难看出作者的情感和谐的体现在画作中的一种利用色彩的技巧所呈现出的结果。由发而生的环境中,才能妙笔生花,展现出画家高妙的技艺。那雄伟、冷峻的笔锋勾画出山的轮廓和石头的纹路,浓墨点出秦陇山的雄伟、壮丽的气派。山下是小路,一对对旅徒缓缓地走入了我们的视野,给我们一种动态的音乐的感觉。整幅画面动中有静静中有动,十分诗情画意,来自生活,却超越生活,融入了作者自己的精神和情感之中,散发出无法抗拒的激情,进而之将自己熟练的绘画技艺体现于作品之中,这样才能将自然景色画出生动,才能使画作具有真正的艺术价值。

成功的画作不仅归功于画家高深的技艺,还有利用色彩表现的技巧,才能突出画家对于作品的情感的作用,作品表现出的丰富情感,无疑是作者在观察生活的画面时,充满了对于生活的热情,通过手中的画笔将这种情感渗透到画面之中,这种绘画情感,是取决于作者的艺术修养和娴熟的绘画艺术水平。所以虽然决定于作者的艺术技巧,但与作者自身的艺术情感和艺术情感有着不可分离的情感,与其同时作者的情感又是油然而生,跟随者,但也有可能难以利用色彩绘画技巧来突出作品的情感结果,让你无法取得应有的效果。

运用色彩技巧展现绘画的情感,决不是可以无缘无故产生,它是由作者的情感的熏陶,通过自己的学习,经历了各种的心理路程接受了各种的启发中萌发出来。这可以是一种必然的规律,现实与情感是可以建立在自然色彩的基础上的辨证与统一的关系。当我们听到一些歌颂长江的诗词时,我们便会想到长江是我们祖国上下五千年文明的支流,是祖国雄伟的象征,长江承载着大中华儿女的梦想与渴望,通过长江激放出来,世代子孙对之崇敬。

运用色彩表现作品时是脱离不了绘画时的情感因素的,想要让自己作品达到出神入化的级别,得让自己所要运用的色彩技巧与自己的情感相融合,提升自己的情感素养,使自己的内心与万物合二为一达到一种和谐,,这样自己的情感与色彩才会与自己所要创作的作品融为一体,所以说每个创作者面对同样的事物会描绘出不一样的作品,因为他们有着不同的情感历练,他们能够体现出独特的色彩创作风格,所以能够运用各自的色彩技巧展现出各自的作品情感。

二、情感表现的色彩运用

在我们平时的绘画创作过程中,各自在画面上的色彩表现情感的手法都是不一样的,不过一起归纳起来都是有大致的框架的。

从这基础的方面来阐述。平衡的和谐的色彩关系是我们最常见的表达自己情感的方式,通常我们在运用色彩创作时,画面中跳眼的色彩要尽量的减小范围,而那些微小的色彩要尽量的提上来,这样才能使画面的色彩达到平衡,同时也不失去画面上色彩的对比性,这样的画面才会自然不别扭,这就是对画面的协调而成的一种色彩平衡。

当然我们创作时所构成的平衡是来自于我们自己的一种唯心化的观念,情感一样的东西,每个人对画面的色彩平衡都会有不同的看法,所以每个人的画面的协调性也是不一样的,这才能早就多种多样的作品。

上面讲到了色彩平衡每个人不同看法,然后要造就协调的色彩画面还离不开补色,我们在追求平衡时的补色运用就像是条件反射般的存在,运用好补色关系可以使画面更加明亮,画面更加生动,它可以将一个死气成成的作品完全带活起来,补色就好比画面的救世主般的存在。

所以说补色对于画面来说是有巨大的影响的,我们知道莫奈的《撑阳伞的女人》一共画了三幅但是最著名的就是他以妻子为模特创作的第一幅,这幅画采用了原色并列、重叠和补色手法,运用小笔触和色调并列方法来表现物体的动态美和光色的斑斓绚丽,黄蓝并列与重叠,运用黄和绿,蓝和橙这几个颜色进行互补,使色彩在画面中产生强大的视觉冲击力。这些补色构成了和谐的关系,体现出作者的绘画独特风格,从而表露出作者对色彩表现的感觉和内心丰富的情感。

在梵高的作品《星夜》中他大胆的运用了互补色,黄色和紫色这一对补色,整幅画给人的感觉十分明亮那是因为梵高在画面的天空部分加入了大量的亮色进行补充,画面的房屋部分也加入了亮色进行点缀给人一种星空照亮大地的感觉,整幅画的互补色运用完完全全体现出梵高强大的内心情感世界对于星空的向往之情。

每个人对于色彩的感觉和理解不同的画,他们色彩运用的方式也会出现差异,所以各自画面呈现出的情感也会各不一样。这也告诉我们在平时的创作中,我们要依据自己的色彩感觉下手不要受其他和环境干扰,只有按照自己的真实想法才能表达出画面的真实情感。

当然我们也需要知道在作画时运用不同的色彩会产生不同的情感表现。所以选择不同的色彩能够体现不同的情感内容,这都得看作者对于作品有着怎样的需求。我们每个人自身的一些因素会决定我们对于色彩的选取,最主要的就是人与人之间的个性差异,这是个很大的范围,这关系到各自的性别,成长经历,年龄,所了解的知识等方面,所以说不同的个性对于色彩会有不同的理解,比较有活力阳光的人会喜欢选红色,喜欢安静内向的人往往喜欢运用蓝色,悲伤的人往往喜欢黑色。除去这些自己主观的因素外,自己所存在的社会环境与制度,宗教信仰等都会对之产生潜移默化的影响,导致个人对于色彩看法的变化,特别是一些宗教和一些种族部落他们都会有特定的色彩信仰,然而这严重遏制了他们对于更多色彩的追求,这会使他们色彩表达情感时变的单调。正常的社会环境影响是有益的它会让不同的创作者带来不同的色彩理念。

色彩能够展现画者的情感,亦能感染观赏者的情感,因为真正的创造者是能够通过色彩与观赏者产生共鸣,一种情感的交流与碰撞,所以这种作者是能够走进观赏者的心里去,独特的色彩感染力深深吸引着观赏者。所以说没有情感就没有色彩,没有色彩就没有情感。

三、个人对于情感与色彩表现和谐的看法

自己在色彩运用中最爱的就是紫色、土黄、白色和天蓝色,最开始自己就偏向于这几个颜色,也许是由自己性格所致,我喜爱用这几种颜色调出新的灰色,所以对我来说我的绘画之路是十分情绪化的。在作画过程中会慢慢发现自己并不是十分注重事物形体的构造,而更加注重于色彩的表现而运用的色彩则能够体现自己创作时的情感。

自己喜欢前卫的事物,每个具有时代感的事物都会吸引到我,由西方传到国内的即兴街头艺术涂鸦艺术深深吸引了我,那种毫不收敛的大胆的创作风格完全符合自己的意志,用色鲜明,外形夸张,而且这种街头形式会随处可见,让众人都能感受到你的色彩表现于绘画情感。

进入高校后渐渐发现色彩的运用表现应该要回归原本,所以自己喜欢步入森林中感受大自然的原本与真实,每一处的细节,这不是人为决定的,这是自然本身的色彩,慢慢的自己会萌生出对自然与生命的感悟,这是令人欣喜的,仿佛自己已经融入大自然的生命中,无数灵感,色彩汇入脑中,这是一种自己需要亲身经历的过程。

所以说自己认为,色彩和绘画情感是需要同步成长的,情感需要自己在人生成长中不断的积累,而色彩也源自于情感,情感丰富的话,色彩表现的方式也会呈现出多样化,这样的话情感与色彩的培养是需要一个过程的如同培养一个婴儿般的过程,需要你自己的感同生受。不过我们的最终目的是要让欣赏我们画的人能够感受到我们的作品中色彩所要表达的东西,能够形成作者和观赏者之间的共鸣。毕加索说过,色彩和形式一样,与我们的情感形影不离。色彩最丰富的艺术语言能够满足人们物质生活和精神生活的要求,它有沟通人与物关系、传递信息、影响人们心理、表达感情、享受生活等功能,它能引起不同的心理感觉和情感联想,产生不同的情感体验。但是色彩的情感体验不是绝对的,它会受到很多客观条件影响,特别是个体对于色彩的视觉和知觉经验造成了情感体验活动的不同性质。所以自己还得努力培养自己的情感,使之能够更好的与色彩汇合创造更好的作品。

四、结论

通过该课题的研究,我们可以得出摆脱一切障碍,放入自己绘画时的真情实感到画面中才能够造就强大的色彩表现,自己认为一个合格的艺术创作者就应该靠情绪去作画,艺术本该就和情绪相辅相成,有了情感才会造就艺术,有了情感波动才会出现多种多样的色彩变化才会有多种多种多样的的画作,这样才能算是一种对艺术本源的追求,用生命情感去铺垫真实的本质的艺术,这才是自己想要的艺术人生,这样的去创作才能够与将要观赏你作品的欣赏者产生共鸣,这样才能构成一种和谐,让艺术的历史长河绵绵不绝的

摘要：在艺术历史发展的长河中,发展到印象派时,色彩成为一种绘画要素的个体在画面中起决定性作用,色彩大多是表达作者内心的情感和自己所看到的东西,到了后印象派则是一种感性化的色彩,用更多形式的艺术形式色彩来表达自己的情感与独有的性格,这样将自己的情感和想法作为一种表现形式,让画作更有表现性。绘画情感和色彩其实是互通的和谐的存在,色彩可以表达情感,情感中却又能感受到色彩,所以情感和色彩对于一个画家来说在创作过程中起着十分重要的作用。本文核心在于将情感与色表现的和谐进行深入研究。

关键词：绘画情感,色彩表现,和谐

参考文献

[1]无锡南洋学院学报2008年第一期姜金泽浅议色彩的情感体验

[2]辽宁教育行政学院学报2006第一期崔丕鑫论色彩的情感与和谐因素

3.设计色彩与绘画色彩篇三

关键词：民间绘画色彩；现代艺术设计；色彩運用0引言

民间绘画的色彩在语言表现上很多样而且富有特色，其表现主要有：强烈的对比但也追求调和；色调鲜艳、明快但寓意丰富；色彩夸张、简约但讲究视觉的冲击力。总的来说，民间绘画色彩在使用上，既要包含丰富的人文底蕴，讲究色彩的象征意义及其表现的内涵，而且强调其带给人的视觉效果。对民间绘画色彩的大胆、创造性地运用，能够对现代艺术设计产生启发作用，达到更好的装饰效果。民间绘画色彩价值重大，有待设计者们观察、挖掘。从一些成功的设计中可以发现，民间绘画色彩中包含着众多的设计元素，因此，我们必须引起高度重视，对其进行谨慎细致的研究，把握民间绘画色彩特点、精髓，在现代艺术设计中创造性地继承和发展，通过对其艺术表现手法的借鉴和运用，设计出既融合了民族特色，也体现了时代审美特点的作品。

1民间绘画色彩所表现的主要特点

色彩运用的方法是多种多样的，但一般都遵循对比与调和这一规律，即便如此，这种规律在不同的艺术形态表现出不同的特点，具有特殊性。大体看来，民间绘画是以宫廷绘画为参照物的，也就是相对于院体绘画而言的。不过，民间绘画色彩与宫廷院体绘画之间存在很多差别。民间绘画尤其讲究彩色的对比性，能够给人一种鲜艳、明快、热烈的审美体验和感受。从民间画工的长期经验中可以发现配色的共同规律，比如“软靠硬，色不楞”等。在他们看来，正红、颜色深的绿色和蓝色等是“硬色”，浅灰色、浅黄色等是“软色”。通过对二者的灵活运用，表现出其特有的装饰趣味。民间美术作品一般采用鲜艳的色彩，而且色彩对比很强烈，通过对自然形象的色彩的合理选择，结合夸张、自由的搭配手法，呈现出别具一格的艺术风格。此外，互补色的对比的采用，如红与绿等纯色的搭配，能够很好地表达出质朴、真挚、热烈的情怀。民间绘画通常采用饱和度强、鲜亮的色彩，一般选择原色，而且颜色较纯。在选择色彩的搭配上，经常采纳强烈的对比法，这些色彩运用的手法使装饰呈现一种特有的风格。

2民间绘画色彩对现代艺术设计的作用

民间绘画色彩对我国现代艺术设计的影响作用可以归为：色彩的情感表达、色彩的联想作用以及色彩的视觉美感。具体来说，首先，色彩可以说是一种视觉语言，是表情达意的有效方式。色彩是现代艺术设计中极为重要的元素之一，在现代艺术设计的多种构成要素中，色彩能够使设计产品呈现出强烈的视觉冲击力和艺术感染力，从而对人们的感知、联想、情感等方面产生影响。色彩甚至可以使人们产生不同的情绪，色彩在鼓舞精神、丰富生活、传递信息等方面也有重要作用。其次，即使人们的文化层次、文化背景有所不同，色彩也能使人们产生一种共鸣，使人们能够快速辨识色彩所传递的信息。色彩暗示信息的现象在生活中处处可见，比如道路上的红色、绿色、黄色信号灯，这种色彩很简单常见，却能让我们产生共同的直接的反映。最后，创作者们可以合理恰当地运用各种色彩，从而使其作品变得更加富有吸引力，欣赏者由此能够产生丰富的联想和灵感，或者深刻的感慨，甚至能够勾起人们的强烈购买欲望，这种现象在品牌标识中有明显体现。就拿可口可乐公司来说，该公司采用纯正的红色来使自己的产品别具特色。红色能够使可口可乐公司的产品在市场上更加醒目，更容易辨识，红色也由此成为该公司的象征色。所以，设计者们应充分重视色彩的巧妙、灵活运用，挖掘色彩对人们心理和情感等方面的影响，从而增强自己艺术创作的吸引力和感染力。

3民间绘画色彩在中国现代艺术设计中的实践应用

色彩的使用对现代艺术设计的氛围烘托有重要影响，是氛围烘托的最重要元素，由于色彩对于激发观赏者的强烈共鸣有不可替代的作用，色彩因而成为现代设计中尤为重要的艺术手段。色彩不仅能够有效表达发作者的感情和思想，而且可以引起观赏者的共鸣，所以，色彩在现代设计中的强大功能可见一斑。由于地理环境和社会历史环境的不同、风俗以及文化传承的不同，现代艺术设计作品的各种色彩风格都有其特定的意义，体现出不同的文化和风俗习惯。因此，每种色彩的意蕴呈现出地域差异性，即使社会变迁、时代流转，这种色彩风格的差异性还会持续下去。

3.1色彩的运用应充分拓宽其意境所能够表现的范畴

色彩有充分的表现力，尤其体现在艺术设计上，而且，它可以有效传递设计者的中心思想以及感受。通过色彩的视觉效果，给人们带来不同的感官刺激，进而在思想、意识、情感等方面，使人们产生不同的触动以及感受，由此产生各种不同的意境。通过色彩的灵活运用，创作者不仅能够有效呈现其想要表达的思想和感情，而且能够营造出一种与情感表达相一致的意境，使二者相得益彰。只有当色彩与所要营造的意境达到一致时，观赏者才能产生一种共鸣，进而更好地传达创作者的设计意图。由于色彩的运用对营造意境有其特殊而重要的功能，因而，设计师们应充分重视这一点，在设计时充分拓宽其意境所能够表现的范畴。艺术设计发展到今天，在色彩运用上，设计者们都力图追求色彩、感情、意境完美结合。在探索新的创作技法和技巧的过程中，设计师们都将色彩的恰当运用作为现代设计的一个重要突破口，使色彩的运用能够充分展示并拓宽意境所能表现的范畴，从而使艺术设计作品更趋完美。

3.2色彩的运用应从对质感的强调转向对意蕴的强调

一般而言，在色彩的运用方面，现代艺术设计基本上都强调突出质感。这是一种传统的审美取向，但是，在这种传统的影响下，现代艺术设计创作对色彩的运用也比较传统和保守，导致设计者们更加重视构图，而不是色彩的运用。在运用色彩时，应注意尊重现实以及物质原有的形态。由于受到传统审美的影响，色彩在设计中的运用缺乏创造性和大胆的创新。由于受到各种的文化运动以及思潮的影响，人们的创作思想也逐渐变得开放，对色彩的运用变得更有创新性和创造性。随着先进技术的不断发展以及文化思想的开放，在色彩的运用方面，人们更加重视色彩的精神内涵，它甚至决定了现代艺术设计创作的成功与否。在现代艺术设计观念中，形象清晰以及色彩鲜艳这一色彩运用的原则自然也就得到了普遍的运用。由于设计技术以及设计观念的不断更新和创新，一些设计者们甚至创造性地利用各种先进技术和手法，打造出更趋和谐、完美的艺术作品。这种方式将给现代设计注入新的活力，实现色彩运用上的重大突破，从而成为现代艺术设计创作大发展的强大推动力。

4结束语

色彩的灵活运用能够产生多种效果，不管是在视觉上还是在情感表达以及意境的营造等方面，都发挥着重要的作用。民间绘画色彩有其特有的风格和特征，通过对民间绘画色彩的巧妙借鉴和充分运用，不仅能够增强艺术作品的视觉体验，而且，有利于营造一种悠远的意境，而且能够大大提升作品的艺术感染力。参考文献：

[1] 李罡，赵婷，刘青.节奏是影视艺术语言的生命活力——谈现代艺术设计片中时间节奏的思维方式[J].电影评介，2008（03）.

[2] 王筱竹.现代艺术设计片的细节缺失——从日本现代艺术设计的发展谈起[J].装饰，2007（04）.

4.设计色彩与绘画色彩篇四

力初探

在绘画活动中培养幼儿色彩感知能力初探

新疆福海县幼儿园芮霞

【摘要】色彩是绘画的重要语言和有力手段，幼儿在美术作品中情感的表现主要是运用色彩来实现的。所以我们在向幼儿进行绘画活动教育时，注意培养幼儿的色彩感知能力。从幼儿对颜色感知和发展的顺序看：幼儿对颜色的认识是从辨别颜色开始的，然后才是逐渐地给颜色配对。帮助幼儿指认颜色，掌握各种颜色名称，进行给颜色命名，经过教学实践，我根据幼儿这一心理发展规律，进行室内外优化幼儿学习活动环境，变更区域中的活动材料，采取多

种教学手段，让幼儿大胆参与，使幼儿在绘画活动中色彩感知能力有了明显的提高。

【关键词】幼儿；绘画活动；色彩；感知能力；培养

一、培养幼儿对绘画活动的兴趣

刚入园的幼儿由于手部肌肉及其功能尚未发育完善，大部分幼儿不会画画。这时我们教师不要着急让幼儿画什么东西，而是先让幼儿拿起蜡笔在白纸上任意涂画，在纸上涂鸦在涂鸦中，认识画笔和纸的性质，感受到画画的神奇，然后还可以让他们看老师或其它大中班小朋友的作品画，从此激发幼儿对绘画的愿望，通过这种有效途径培养幼儿对绘画的兴趣。有了绘画的兴趣，幼儿就会主动地投入到作画气氛中，他们会自然而然地积极主动地参与其它美术活动。

二、优化环境，丰富想象提高对颜色的观察认识能力

良好教育环境是幼儿视觉产生色

彩美感的基础。根据这些理论与实践结合的原则，同时幼儿创设良好的环境。如在窗户、墙壁吊挂彩链、灯笼，在教室内布置了“七彩园地”，准备了色彩鲜艳的幼儿熟悉和喜爱的各种水草、嫩芽、动物、交通工具等图片，我发现有不少幼儿在欣赏时，被有趣和色彩醒目的图片所吸引，从它们中选择自己喜欢的图片，按类分别粘贴在各活动玩具柜面。通过这样有趣活动，使幼儿不仅观察到了动物、蔬菜、交通工具、水果等物体形状，而且全部乐于多彩的世界里，同时巩固了对颜色的认识，丰富了想象力。

三、通过颜色培养幼儿的色彩兴趣

注重绘画教育的趣味性，以游戏的形式，激发幼儿的色彩兴趣，在幼儿玩颜色的过程中因势利导。让幼儿自己动手，充分地玩橡皮泥，在玩中辨别颜色，其程序是找色→玩色→认色。如认识红色，我首先先让幼儿在周围环境中和生活中找哪些东西，物品是红色的，太阳、苹果、衣服、帽子、鞋子、玩具等体会

红色带给自己的感觉。当认识黄色时，利用直观实物出于一些水果、香蕉、梨子、小鸡等图片将已经认识的颜色同新认识的颜色一起对比使用，幼儿通过复习巩固加深印象。同时又为了加强幼儿感受色彩的美，我还让每位幼儿将学到的知识加以操作应用，特意制作红、黄、蓝、绿的小彩旗，让幼儿在玩中区分颜色不同。通过观察，把两种不同的彩旗挂在一起，使幼儿一目了然，惊奇发现所产生的不同颜色，更进一步加深对色彩的印象及兴趣。

四、为幼儿创设宽松的物质和心理环境

美术活动是一种视觉艺术活动，幼儿绘画之前，首先通过视觉来观察所表现的对象，因此训练幼儿的观察能力是提高绘画质量创新过程的最终体现。如：有一次，我从家里带来了一只小白兔，幼儿都围了上来，有的摸摸小白兔的毛，有的喂小兔吃青草，还有的只看不动，于是我连忙抓住了这次机会，对孩子说：

你们快看，兔子的眼睛是什么颜色的“红色的”小兔子吃的青草又是什么颜色的“绿色的”而兔子吃草时嘴巴是怎样动的“有的说是上下动的，还有的说兔子是三瓣嘴”这个发现不仅让孩子们有了兴趣，都弯着腰，低着头仔细的观察，而且有丰富了幼儿的色彩辨别能力。同时又为他们创造了宽松的物质和心理环境。

五、幼儿色彩表现能力培养原则

1.适应性

适应性体现在选择的内容适应性、材料适应性。选择内容适应性，是指选择活动的内容要符合幼儿年龄特点和本班幼儿的实际情况。有时教师在选择内容时，只考虑这内容我能操作，我认为效果会不错，这都是错误的。首先要对本班实际情况进行调查，全面了解孩子的共性和特性，才能选择合适孩子的内容。

2.递进性

幼儿的感知色彩有一个较长的过程，我们不能直接向幼儿传授色彩知识

和表现方法，要经过感受—兴趣—认知—模仿—尝试—表现这一系列过程。每一个阶段的内容和材料选择也要注意逐步递进，让幼儿在一个愉快、轻松的环境感受色彩的美，用表现自己愉悦的情绪。

3.生动性

小班幼儿的认识活动基本上是在行动过程中进行的，并且易受外部事物及自己情绪的影响，无意性占优势。他们的注意很不稳定，易受外部环境的干扰。由于有意注意水平低下，幼儿观察的目的性较差，缺乏顺序性和细致性，不会有意识地识记某些事物，只有那些形象鲜明、具体生动、能引起强烈情绪的事物才易记住。引导幼儿感知色彩时也应注意生动性。这生动性包括语言生动性和材料生动性。如可以用水果和喜欢的卡通形象帮助幼儿感知颜色和认识颜色，红色的太阳、黄色的香蕉、绿色的青蛙等，还可以有一种颜色让幼儿联想到其他物体，来帮助幼儿加深对色彩

感知。

此外平时我注重有计划地引导幼儿欣赏不同的作品画，让孩子们适量收集一些各种颜色的小食品外包装纸等。使他们清楚观察图案与色彩获得色彩美的感受。通过反复实践和体验，幼儿便对色彩与色彩之间，物体与物体之间的关系，逐渐有了初步的感性认识，对提高幼儿绘画的表现能力有良好的作用。

5.色彩与生活教学设计篇五

一、教学目标

1、知识与技能目标：了解并掌握色彩三要素和色彩冷暖知识。初步学习运用色彩三要素和色彩冷暖知识分析美术作品及生活中简单的色彩现象。

2、过程与方法目标：感受和认识生活中色彩的美好和丰富。尝试运用美术方法表达对色彩的感受和理解。

3、情感、态度、价值观目标：认识色彩对人生的重要作用，亲身体验色彩表达带来的乐趣和美的感受。

二、教学重难点：

3、教学重点：本节课的重点是色彩三要素和色彩冷暖知识的理解和掌握。

4、教学难点：培养学生美的感受和运用色彩的能力，能运用色彩知识进行色彩搭配练习并进一步应用于生活。

三、教学过程

（一）导入：

提问（1）：同学们都喜欢什么颜色？生活中有哪些物品是这些颜色？我们能感觉到生活的多姿多彩，很大程度上是因为我们处在一个丰富的色彩世界里。如果生活中没有色彩将会是多么的单调，今天，就让我们进入色彩的世界去感受生活中的色彩。

板书：色彩与生活（翻开教材p22）

（二）讲授新课

第一部分（色彩三元素）

1、我们刚才说的这些红、黄、蓝、绿其实就像我们的名字一样，每个颜色也都有它自己的名字，我们称它为色相。色相——色彩的相貌

2、看图（草莓）我们发现被光照到的草莓呈现的红色很亮，背光的地方呈现的红色就很暗，这就涉及到一个名词：明度。

明度——色彩的明亮程度（明度越高色彩也亮，明度越低色彩越暗）

3、看图（p23）五个颜色中哪个最鲜艳？（中间）回答：纯度最高纯度——色彩的鲜艳程度

看图p24，两组餐座椅喜欢哪一个？为什么？（色彩纯度不同）第二部分（三原色）

小结：以上称为色彩三要素，我们发现粉色可以调和出紫色，那这么多颜色都是怎么调和出来的呢？引出下一知识点：三原色（美术三原色）

红黄蓝这三种颜色可以调和出任何颜色

（两种相加=间色，三种相加=复色，三种相加=黑色）第三部分（色彩的冷暖）

看图（范画：冷暖两幅画）比较两幅画分别给人什么感受。（冷暖）请学生总结：暖色有哪些：红橙

棕

黄

冷色有哪些：绿蓝紫

黑黄黑白灰属于无色系

四、课堂课下作业：教师在黑板演示范画，让学生画两幅冷暖不同的同一背景的画

五、教师小结

回顾知识点：色彩三要素、三原色。

今天这节课提高了我们对色彩的认识，还学习了如何用美术手段来表现色彩，其实色彩带个我们的不仅仅是视觉上的享受，更是心灵上的升华。

6.茶包装色彩设计与心理探讨论文篇六

2.1色彩心理概述

科学研究表明，人眼对380mm～780mm可见光的感知，除去对亮度的分辨外，还对色彩变化比较敏感。波长不同，人感受到的色彩就不同，从而产生不同主观心理，这就是色彩心理。在长期生活实践中，人们逐步形成对不同色彩的心理反应变化规律。心理学家研究表明：从客观方面上来看，纯净、明亮、饱满的色彩能够使人心情愉悦，混杂、稀疏、呆板或模糊的色彩则易引起不良情绪;从生理方面上，刺激性、温暖性的色彩易引起愉快反应;反之，则使人产生压抑、烦闷的心情。所以在进行茶包装的颜色设计时应避免使用让消费者体验较差的颜色类型及组合。当然，颜色的体验也受观看者自身生理变化的影响。列博瑞奇的研究表明，透纳在1830年之后的绘画面貌有所改变。透纳55岁时,其眼睛的晶状体变得较暗，光线散射较为严重，因此在画作较亮部分总是蒙上一层蓝状薄雾。所以，设计师在进行颜色设计时应在充分分析消费人群的特点，了解他们在颜色体验时可能产生的误差，并有效应对以达到消费者最佳心理感受。

2.2茶包装色彩引起的心理反应

茶包装设计的色彩搭配不同，给消费者带来的情绪和审美感受也不同。通常情况下，茶包装设计首选绿色。绿色是茶叶本色，是人对茶的第一视觉印象，茶树及绿茶冲泡后的颜色便是绿色。心理学家研究表明,绿色代表生存本能，它在一定程度上促进个体身心的健康发展，帮人摆脱烦躁，使其产生舒适的感觉。而黄色类似于地面的颜色，通常为坚固、诚实的代表，让人觉得稳重踏实。虽然它平淡无奇，却如母亲般严肃、值得信赖。在茶包装设计中，绿色和黄色是首选色，设计者应结合消费者的心理反应及视觉感知，综合运用两种颜色，进行相互融合及搭配设计，并在包装设计上形成一定特色，获得消费者的认可。同时还应考虑的一点是茶的颜色，类似的颜色能够让消费者体会到喝茶时的颜色感受，增强其心理认同，从而达成消费行为。

3茶包装色彩心理与各种因素的关系

3.1茶包装色彩心理与年龄

有关试验研究表明，婴儿在出生一个月后就会对颜色产生感知，但人在不同年龄阶段对于色彩的喜好也有所不同，这主要与其对色彩的理解能力和心理成熟度有关。儿童大多偏爱鲜艳的颜色，红色和黄色往往能够吸引婴儿注意力。研究表明，4岁到9岁的儿童对红色更敏感，之后最爱的颜色就会转变成绿色。而青少年对颜色的偏爱则以黄色和白色居首，男生喜欢黄色，女生喜欢白色，黑色则很难得到青少年的青睐。这与青少年旺盛的精力和对大自然无限生机的追求相吻合;成年人对色彩的偏爱主要由其所接受的文化知识及生活阅历所决定，而这可以根据消费群体的收入、所处的社会阶层、地域特点等有针对性地进行颜色设计。所以，设计者在进行包装设计时，要以不同年龄的消费群体对色彩的.不同追求为依据，设计产品卖点。如康师傅绿茶，它所定位的主要消费人群就是年轻人。其产品是由精选绿茶与柠檬酸调和而成，色泽光泽莹绿，口感酸甜爽口，所以在设计时抓住年轻群体这一消费主体的心理色彩特征，与茶的主体特色相呼应。以草绿色作为茶包装的主体色调，借直接实物摄影映衬酸爽特点。此外，设计者还选用活力健康的明星作为形象代言人，衣服颜色又与绿色基调形成视觉冲击，因此广受年轻人推崇。

3.2茶包装色彩与民族区域

茶包装色彩的选用与民族地域特色也有一定关系。不同国家地区乃至不同民族都有自己独特的社会经济、科学文化、艺术风俗、宗教思想和知识结构，这些独具特色的文化传统会产生不同的颜色偏爱趋向，然后反映在茶包装色彩设计上。“四季之汤”是一种日本茶，它以白色作设计底色，画面中线选取春花、夏云、秋叶和冬雪等四时之景作为自然代表，借助淡雅交相辉映的粉红、粉黄与粉绿表现出东方的古典与柔情。同时如彩虹般清新浪漫的色彩，也与日本民族的饮茶风俗、生活节奏互相映衬，体现出日本人对文静雅致色彩的偏爱。再如“景谷茶叶”的包装色彩设计，景谷是云南傣族聚居地出产的名茶。所以，其色彩设计也以傣族的风俗特色、颜色偏爱作为基础。傣族人崇尚自然，喜爱绿色与白色。在设计“景谷茶叶”的色彩时，设计师大胆运用傣锦图案，形成包装色彩与民族文化相结合的特色，以绿色作为整体色调。而由深绿向浅绿的自然过渡，则反映茶叶纯天然绿色产品的特点与人们渴望回归自然的追求，大面积的留白更是直接迎合傣族人喜爱白色的心理，并且显得干净清爽。

3.3茶包装色彩心理与社会心理

茶包装色彩的选择离不开消费人群的社会心理，不同社会时期的生活方式与思想潮流会产生不同的文化艺术流派，造就不同的色彩审美心理。当色彩被赋予特定时代精神或象征意义时，便产生某些具有特殊影响力的、迎合消费人群兴趣与愿望的流行色。如建国初期，人民物质生活水平相对较低，大众审美意识单一，极少考虑包装在愉悦身心方面的作用，更多地考虑其实用价值，即储存、保护等功能。随着改革开放步伐的前进，人民物质生活水平显著提高，大众有了更高层次的文艺审美需求，所以茶包装设计也随之发生改变，更加注重包装设计的艺术审美功能。而一个时代的符号也会在同一年龄段人群中留下符号烙印，所以根据主体消费人群去设计“怀旧”色彩，也能大大增强消费者的心理认同。设计师借助独特造型、色彩及图案塑造独具一格的包装，满足消费者对茶包装的美学需求。尤其是现代化的今天，礼尚往来成为一种社会风气，而包装精美的茶叶成为人们互赠来往的时尚礼品，这就更加提高商家对茶包装色彩搭配的要求。此外，受大力倡导生态平衡政策的影响，绿色、红色等自然色调也更受大众欢迎。

4结语

综上所述，茶包装的色彩设计影响着包装的视觉体验，也直接影响消费人群的色彩审美体验。同时不同的年龄阶段、生活地区风俗以及社会心理等因素也影响消费者心理，进而影响对茶包装色彩的选择。

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7.设计色彩与绘画色彩篇七

一、梵高绘画中色彩艺术形成的原因

仔细观察不难发现, 梵高的所有作品中, 对于色彩都有着很高的要求, 在欣赏梵高作品的时候, 人的感官感受到强烈的刺激, 这种艺术带给人们的感觉与梵高从小的生活环境息息相关。梵高出生于荷兰信教牧师家庭, 从小家庭贫困, 饱受苦难的折磨, 这使得梵高对于生活和社会有着一种另类的眼光。并且在艰辛的生活中, 梵高没有同龄孩子的幸福生活, 对于生活缺乏追求, 其内心中的孤独、抑郁、悲哀和对事物的敏感都使得梵高对于艺术有着一种独特的看法。也正是因为这种艰苦的生活环境和贫困的家庭而造就了梵高对于艺术的独特追求。除此之外, 梵高对于爱情也非常渴望, 但是可惜的是, 直到梵高生命的最后阶段, 他也没有得到真正的爱情。在创作后期, 梵高的精神处于一种受疾病折磨的状态, 精神时好时坏, 很多时候梵高的精神是处于一种癫痫和错乱当中的。也正是这种非正常的思维令梵高在创作的时候有一种疯狂的感觉, 在使用色彩的时候, 往往是正常人的思维和错乱的精神混合在一起共同个创作出作品。[3]也正是因为这些复杂的因素, 最终令梵高所创作的作品都具有一种非凡的张力和特有的色彩力量。梵高在色彩使用上的与众不同, 并不仅仅是梵高对于艺术的个人追求, 很多因素也是客观的, 梵高受到的外界影响较多, 从小孤僻和内向, 精神错乱以及没有真正的爱情, 这些悲剧因素也是梵高创作中的灵感之一, 正是这些外界环境和个人因素造就了梵高, 使其的作品具有非常重要的艺术价值。[4]

二、梵高绘画作品中的色彩艺术赏读

(一) 色彩呈现出明显的装饰性

在梵高创作的初期, 其创作的作品都是以黑白为主要色调, 色彩暗浊是其最为鲜明的特征, 直到后期梵高受到了印象派画家毕莎罗等人的影响, 才发现了在绘画创作当中色彩力量的重要性。也正是因为受到了印象派画家的影响, 才使得梵高在后期的艺术创作中具有了更加独特的艺术气息。也正是这些色彩为梵高后期所创作的作品添加了更多的装饰性。例如梵高的著名作品《向日葵》, 这部作品受到了世界性的瞩目, 色彩的力度在《向日葵》中表现得淋漓尽致。如果站在更高层次去对《向日葵》进行欣赏, 可以发现, 这部作品对于事物的形态并没有过多的注重, 更多的是对《向日葵》的色彩进行绘画。黄色是向日葵的主色调。梵高在绘画的时候对向日葵的形态没有太细致的刻画, 但是对于黄色的深浅和明暗却有着极高的要求。[5]在整部作品中, 梵高运用了色彩明暗和鲜明等特点, 将向日葵的生命特征彰显得淋漓尽致。梵高认为黄色代表着光和热, 也是植物生命的象征, 所以用黄色作为《向日葵》的主色调非常恰当。梵高运用黄色来填充全部的画面, 令人感觉到了一种直接作用于视觉的冲击力, 与此同时也带给观赏者一种内心上的狂热感觉, 这种感觉不仅仅是来自于视觉上的, 同时也是来自于人们内心中的一种对于自然的追求。这些色彩在实际的绘画当中会起到很好的装饰性作用, 带给人们更多的欣赏角度, 无论是站在艺术的角度, 还是站在一种欣赏者的角度来看, 色彩对于人们的吸引力往往是最为直观的, 也是最具有装饰性的。[6]

(二) 用大色块的对比进行装饰

在梵高的艺术作品中, 很多都运用了大块色的对比进行装饰, 这样的创作手法并不是偶然对于色彩的理解与体会, 而是一种具有独特意义的创作手段和创作方式。运用大块色进行对比可以更清楚的地彰显作品的张力。在梵高那些著名的作品中, 曾经多次运用大块色对比的手法进行艺术装饰。例如《向日葵》《星夜》《夜咖啡馆》《暴风雨天空下的田野》等, 这些作品中都融入了大块色对比的创作手法。一些画家认为这种大块色的对比令人看起来更加的厚重, 具有一种凹凸性和真实感。这样的真实感实际上就是来源于颜料之间的层层涂抹。这种大块色的对比可以更真实展现出艺术的魅力。[7]仔细品味在色彩的涂抹和浓厚的颜料之间有着一层和谐感, 这种创作手段也是梵高善于运用色彩的主要原因之一。无论是从整体的视觉角度, 还是从艺术设计上, 其作品都给人一种大气的感觉, 这种感觉的由来不仅仅是大色块的对比, 更多的也是色彩之间的搭配和色彩自身所具有的独特张力。大块色进行装饰在一般人看来, 似乎有些单调, 但是实际上, 也正是因为这种大块色颜色的存在, 而使得艺术作品能够衬托出自身的魅力和大气。另外, 运用大块色的色彩进行绘画, 还能够表现出作者对于生命的追求和内心的狂热。

(三) 用绝对的黑白进行装饰

黑色和白色在普通人眼中被视为是一种最为普通的自然色调, 而在很多画家的心目中, 黑白色调是具有最为鲜明特征的一种颜色。人堆色彩的关注度是很高的, 如果在艺术作品当中能够较好地融入黑色和白色这两种基本的色调, 就会使得艺术作品变得更生动, 更具有现实意义。梵高在创作艺术作品的时候, 就娴熟运用了黑白对比这一手法。例如梵高的作品《播种者》中, 就运用了白色来提升整幅画面的亮点。在《播种者》这幅画作中, 梵高既运用了大块色对比的创作手法, 也运用了黑白进行装饰的创作手法。整幅作品主要分为两大部分, 分别是上半部分的橘色天空和金色麦田, 下半部分为紫色的大地。这种鲜明的对比令欣赏者在第一眼看到作品的时候就能够清楚地认识到整幅作品的格局。这样的分配方式既不会令整部作品感到空旷和乏味, 也不会令其陷入一种世俗的气息中, 而正是这种大块色的对比令《播种者》这一作品凸显出了自身的大气所在。[8]上半部分的黄色中既有阳光的柔和, 又有麦田的温馨, 两者虽然是不同的事物, 但是在画面中却显得十分恰当, 色调非常协调。《播种者》下半部分主色调是紫色, 看似紫色与黄色之间没有任何的联系, 但是实际上也正是因为这种突然的过渡, 令整部作品具有更强烈的张力。梵高在设计整幅作品的时候, 将画面中人物的裤子设计成白色, 在紫色中突然出现的这一丝白色令整幅作品突然出现了一个亮点。这种色彩的插入并没有使得白色长裤和紫色大地之间出现不协调的感觉, 相反令人有着更清晰的视觉感受。[9]

三、对梵高绘画艺术的色彩与象征意义阐述

(一) 梵高绘画作品中的黄色

梵高一生创作作品无数, 其中有很多被人们熟知的艺术作品, 仔细观察就会发现, 在这些作品中, 黄色画家运用得较多, 黄色可以称为梵高艺术作品的主打色。实际上黄色也是人们日常生活中经常看到的一种自然色彩, 无论是大地、黄土、太阳, 还是树叶等, 都是由不同程度的黄色构成的, 而梵高的主打色正是这些自然界中常见的色彩。黄色通常代表着太阳的光辉和黄土地的踏实。在梵高的众多作品中都可以看到黄色的融入。例如著名艺术作品《向日葵》《克罗菜园》《夜间咖啡馆》等, 这些广为人知的艺术作品在创作中大量地运用了黄色作为主色调。在作品《克罗菜园》中, 梵高融入了大量的黄色, 在黄色中再运用其他颜色来调和, 形成了不同角度的菜园。在这幅作品中只有天空运用了蓝色, 其他都是运用不同浓度的黄色进行调和而成的, 所以给人一种温暖的感觉。温暖是黄色的本质, 也是梵高在作品中融入恰当的原因。但是很多时候颜色的使用不仅仅与颜色本身的色调有关系, 还与颜色所使用的环境和背景有着很大的关系。梵高在《夜色咖啡馆》中带给人们更多的不是温馨和柔和, 而是一种忧郁、寂静和不安的情绪, 与之前的一些作品相比, 《夜色咖啡馆》中所突出的就是梵高对于夜色中街道流露出不安情绪而感到烦躁的感觉。这与之前的一些作品有着很大的反差, 从这部作品中也可以让更多的人感受到实际上色彩的运用并不仅仅取决于色彩本身属于何种颜色系, 而是与周围的环境和背景有着直接的关系。[10]

(二) 梵高绘画作品中的蓝色

蓝色作为一种冷色系在梵高的作品中也被经常使用, 一般情况下在人们的眼中蓝色通常会被运用于对大海、天空、湖泊以及远山等景物的描写, 这些看起来都是一些较为空旷、伤感的景物。并且在艺术作品中, 蓝色通常都会代表着伤感、抑郁和沉闷等情绪。而梵高的作品中, 蓝色的运用也完全占据了冷色系。例如梵高在作品《麦田上的群鸭》中就运用蓝色作为天空的主色系, 通过对于天空的描绘可以发现整幅作品瞬间被覆盖了一种沉闷的气息。在《麦田上的群鸭》这部作品中, 虽然主要也是被分为了两大部门, 上部分由深蓝色的天空组成, 下半部分则是由代表着柔和的黄色组成, 但是实际上这部作品已经被蓝色笼罩上了一层抑郁的情绪。整幅画作从蓝色中不仅透露出了一种不安的情绪, 还令人感受到了孤冷、寂寞、凄凉和恐慌。虽然在这部作品中梵高也融入了大量的黄色作为背景, 但是这种由冷到暖的颜色给予人最终的感受还是抑郁, 也就是说整幅作品带给人的感觉已经完全由蓝色调所控制。除此之外, 梵高的著名作品《加歇医生》中也通过运用蓝色来带给人们一种更多的沉闷情绪。画作中, 梵高将画面的背景和人物的衣服颜色选为了蓝色, 并且人物的表情也是表现出了惆怅和抑郁之情。在这部作品中梵高没有过多地运用其他颜色作为修饰, 而是蓝色占据了主要的色调, 这样的表现手法不仅仅是为了突出人物的忧伤情绪, 也是为了更好地反映出蓝色自身所具有的色彩张力。梵高在绘画中还将蓝色调成了不同的程度, 为的就是能够深层次地将画面的忧伤感呈现出来。

(三) 梵高绘画作品中的绿色

在人们的心目中, 绿色往往是一个充满生机的颜色, 例如在实际的生活中, 小草是绿色的, 树叶是绿色的, 苍茫草原和葱郁的森林是绿色的。这些具有生命力的植物一般都是由绿色构成的。所以绿色大多数的时候都是象征着活力、青春、生机等。但是有些时候绿色带给人们的也可能是恐惧和阴森的感觉。例如一些传说中的怪兽和鬼神等都是以绿色进行描写的。所以看来绿色在不同的环境和背景下, 也会表现出一种不同的象征力。例如在梵高的《夜色咖啡馆》中, 就运用了绿色来描绘屋顶和台球桌等事物, 这种绿色的融入令整幅作品瞬间覆盖了一种恐惧的感觉。在《夜色咖啡馆》中, 梵高甚至将老头的头发也运用了绿色, 这看起来似乎有些吓人, 但是仔细一想实际上也非常符合梵高自身的思维方式。很多时候, 颜色的运用不仅仅与自身的色系有着直接的关系, 还与绘画的环境和背景有着很大的关系。如果运用一种特殊的颜色对画面进行装点, 就会令画面出现一种奇特的感觉, 甚至使整幅作品变得疯狂起来。

通过上文笔者的分析可以发现, 绘画时, 不同的颜色会带给人们不同的感受。对于梵高来说, 可能这些特殊颜色的运用是来自于非正常思维下的一种创作, 而正是因为这种创作, 令人们发现原来很多冷暖颜色参杂在一起可以令整幅画面又具有另外一种独特的气质。众多色彩在绘画中都将流露出不同的魅力, 这些色彩带给人们的魅力也正是梵高在创作中带给人们的象征性意义。[11]

四、结语

综上, 笔者简单地论述了梵高绘画作品中的色彩力量与象征意义, 通过分析可以发现, 梵高在绘画的时候将自身的沉闷、抑郁和生命的悲怆等情绪都融入到了绘画当中, 梵高的一生虽然短暂, 但是却给后人们留下了不朽的艺术作品和艺术创作精神。实际上无论是近代艺术还是现代艺术, 都遵循着一种色彩的意义, 而梵高通过不同的作品在向人们展示着内心中不同的情绪变化, 让人们可以通过艺术作品来重新的认识这个色彩斑斓的世界。

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[10]李丰, 黄苗苗.谈梵高绘画作品中色彩的运用和表现[J].黑河学刊, 2011 (06) :43-43.

8.梵高绘画的色彩情感研究篇八

关键词：梵高；印象派；色彩；生命体验

梵高（1853-1890）是后印象派中最引人注目的一位画家，他在色彩上表现出非凡的创造力，色彩的运用表现是他绘画语言中最有价值的地方。梵高以表现自我感受、主观情感为艺术理想，在对艺术热情执著的追求中树立起了划时代的丰碑。

一、对印象派色彩的反思

在人类艺术发展的历史过程中，最重大的一次改变就是由传统艺术向现代派艺术的发展飞跃。而印象派是从传统艺术向现代派艺术过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派绘画最重要的成就是将光与色的科学观念引入到绘画中，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学，为现代艺术的产生奠定了基础。

从印象派的大量作品中我们都能找到他们的艺术主张：真实表现自然界的光和色。现实主义和自然主义要求真实表现事物的形貌和色彩，但印象主义只要求表现事物的色彩，强调光与影的实验与表现技法。作为代表人物的莫奈擅长探索光色与空气的表现效果，常常在不同的时间和光线下，对同一对象作多幅描绘，如《睡莲》、《干草垛》、《鲁昂大教堂》等。而这仅仅是为了表现同一景物不同天气、光线下的不同色彩变化，其目的是真实再现自然界的光和色。与印象派不同，塞尚、高更、凡高都认为绘画不能像印象派那样刻板片面地模仿自然光中的客观世界，而应更多地表现艺术家对客观事物的自我感受和主观感情，这就是后印象派。梵高是后印象派中最引人注目的一位画家，强调艺术家的情感在艺术作品中的主导地位，对西方20世纪的绘画艺术有着深远的影响。

二、梵高绘画的色彩特点

梵高认为作品的真正价值在于诚实体现个人的感受，他要把情感作为艺术创作的动力和表现对象。他热爱色彩，分析色彩，但他不同于印象派，印象派捕捉对象外表的美，梵高爱的是对象的本质。

1.运动的笔触。梵高通过笔触的运动表现出空间的深度，不仅把色彩意义独立出来赋予象征性，而且让笔触也独立释放出意义。例如《太阳升起的风景》，画面的暗部色彩具有通透感，笔触运动剧烈，表现出强烈的空间效果。画中天空以环状的笔触围绕着太阳运转，体现出太阳强烈的光辉，给人以光芒四射的视觉张力。画面大地部分运用放射性笔触，由小到大，由远至近，如川流倾泻而出，传递出强烈的空间效果。

从梵高作品可以看出，他对笔触蕴含的情感有一种天生的敏感。其早期作品重视用笔触表达主观的物象之形和空间效果，情感融入较少，但其后期作品尤其是《星空》中能够感到他对笔触的依恋，画面完全是由旋转、扭曲、颤抖的笔触组成，笔触似乎已成为他生命的符号。《星空》表现的是星光灿烂的夜空，群星像一个个火轮在漩涡般的夜空飞舞，巨大的杉树像火蛇向上升腾。天上的黄色象征着生命，杉树象征着人间与天堂的交汇。不难看出，地平线与山峦的起伏跟随笔触的运动一起造成了激烈动荡的情绪波动。星星的光芒被有意的放大，蓝色天空的笔触像水流，地面的草木像火焰，它们构成了激烈的情绪碰撞，笔触与色彩结合表达了作者独特的感受，画面呈现出眩目的奇幻景象。

2.激情的色彩。梵高追求用色彩这一独特语言表达狂热的内心感情，因而其作品能打动人的心灵。梵高善于运用色彩并置的技法表达其强烈的情绪。他的笔触充满了速度与力度，画中的补色对比则充满了强度并相互渗透。在著名的《夜间的露天咖啡座》中，他巧妙运用互补色描绘了咖啡馆的室外景，补色对比构成画面的色彩强度。画中露天咖啡座是由桔色、黄色表现，蓝色的夜空深邃无际，繁星点点，显出夜的静谧与安详。蓝色的冷调子与咖啡座的橙黄暖色形成补色对比，使夜晚街道上的露天咖啡厅在冷落中显出一片温馨，并与蓝色星空相映而充满浪漫主义情调。它反映了画家对宁静、安详的追求与渴望。由此可见，补色对比是获取画面强度的有效手段，色彩和谐的观念与情感的感染力则蕴含其中。

梵高受鲁本斯和日本浮世绘的影响，追求明亮的色调。他不用纯灰色，其色彩鲜而不艳，是含灰性质的沉着的明亮色彩。从其代表作《向日葵》中可以看到明亮绚丽色彩带来的视觉魅力，以明亮的铬黄为背景，衬托出用中黄和橙黄描绘的向日葵，令画面有一种极致的灿烂效果。这幅堪称梵高化身的《向日葵》，仅由绚丽的黄色色系组合，表明他对明度和色相的掌握十分严谨，尤其是深色和重色的运用可谓惜墨如金。对他而言，黄色是太阳之光，是光和热的象征。一位英国评论家曾说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”梵高笔下的向日葵是他内心火热感情的写照，正如他自己所说：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”

三、生命体验的色彩观

海德格尔在《艺术作品的本源》中对梵高作品《一双鞋》做了充满想像和诗意的描述，引起学界广泛关注，成为当下讨论的热点话题。据此，我们以该画为例，谈谈作品是如何体现画家对生命的感悟。雅克·德里达在北京大学演讲时说过，如果它是一双鞋，它应该是大小一样的，可是为什么他的鞋都是左脚的鞋，为什么这双鞋一大一小呢？对此笔者认为，梵高笔下的世界并不是对现实生活真实的模仿，而是一个更为主观的心灵世界。《一双鞋》似乎向我们倾诉他生活的艰辛和内心的渴望，紧紧地靠在一起这两只鞋，如同兄弟一般，暗示着梵高和弟弟的兄弟情义。作品隐蔽着艺术作品中最本质的东西：人的生存和存在。由此可见，梵高着意于真实情感的再现，他要表现的是对生命的感悟，而不是所看到的視觉形象。

四、结语

印象派画家把光和色彩作为绘画追求的终极目标，尤其着重于忠实地刻画在不同光照条件下景物的真实。梵高不同于印象派，他捕捉的是对象的本质，强调对色彩的主观表达。当代著名画家吴冠中先生曾这样评价梵高：“除了来自其绘画本身的美以外，更多的是由于他火热的心与对象结成了不可分割的整体，他的作品能打动人的心灵。”

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9.设计色彩与绘画色彩篇九

原色：色盘上延伸最长的几段表示出了三种原色----红黄蓝。它们之所以称为原色。是因为其他的颜色都可以通过这三种颜色的组合而成。

第二色（间色）：将任何俩种原色混合起来，你就可以得到间接色：橙（红加黄）紫（红加蓝）绿（蓝加黄）

第三色（混合色）：色盘上另外6种颜色称为混合色。它们是原色和一种临近的间接色混合而成的：桔黄（黄加橙）青（黄加绿）深绿（绿加蓝）绛（红加橙）。

颜色三要素：色相，以区别各种颜色，如红绿蓝等；纯度，以示色彩深浅；明度，以示彩色明暗。

1、色相配色

以色相为基础的配色是以色相环为基础进行思考的，用色相环上类似的颜色进行配色，可以得到稳定而统一的感觉。用距离远的颜色进行配色，可以达到一定的对比效果。

类似色相的配色，能表现共同的配色印象。这种配色在色相上既有共性又有变化，是很容易取得配色平衡的手法。与同一色相的配色一样，类似色相的配色容易产生单调的感觉，所以可使用对比色调的配色手法。

对比色相配色，是指在色相环中，位于色相环圆心直径两端的色彩或较远位置的色彩组合。它包含了中差色相配色、对照色相配色、补色色相配色。对比色相的色彩性质比较青，所以经常在色调上或面积上用以取得色彩的平衡。

2、色调配色

a.同一色调配色

同一色调配色是将相同色调的不同颜色搭配在一起形成的一种配色关系。同一色调的颜色、色彩的纯度和明度具有共同性、明度按照色相略有所变化。不同色调会产生不同的色彩印象，将纯色调全部放在一起，或产生活泼感；而婴儿服饰和玩具都以淡色调为主，

在对比色相和中差色相配色中，一般采用同一色调的配色手法，更容易进行色彩调和。

b、类似色调配色

类似色调配色即将色调图中相邻或接近的两个或两个以上色调搭配在一起的配色。类似色调配色的特征在于色调与色调之间有微妙的差异，较同一色调有变化，不会产生呆滞感。将深色调和暗色调搭配在一起，能产生一种既深又暗的昏暗之感，鲜艳色调和强烈色调再加明亮色调，便能产生鲜艳活泼的色彩印象。

c、对照色配色

对照色调配色是相隔较远的两个或两个以上的色调搭配在一起的配色。对比色调因色彩的特征差异，能造成鲜明的视觉对比，有一种“相映”或“相拒”的力量使之平衡，因而能产生对比调和感。对比色调配色在配色选择时，会因横向或纵向而有明度和纯度上的差异。例如：浅色调与深色调配色，即为深与浅的明暗对比；而鲜艳色调与灰浊色调搭配，会形成纯度上的差异配色。

采用同一色调的配色手法，更容易进行色彩调和。

3.明度配色

明度是配色的重要因素，明度的变化可以表现事物的立体感和远近感。如希腊的雕刻艺术就是通过光影的作用产生了许多黑白灰的相互关系，形成了成就感；中国的国画也经常使用无彩色的明度搭配。有彩色的物体也会收到光影的影响产生明暗效果。像紫色和黄色就有着明显的明度差。

将明度分为高明度、中明度和低明度三类，这样明度就有了高明度配高明度、高明度配中明度、高明度配低明度、中明度配中明度、中明度配低明度、低明度配低明度六种搭配方式。其中高明度配高明度、中明度配中明度、低明度配低明度，属于相同明度配色。一般使用明度相同、色相和纯度变化的配色方式。高明度配中明度、中明度配低明度，属于略微不同的明度配色。高明度配低明度属于对照明度配色。

10.从写生色彩到设计色彩篇十

——艺术设计专业《色彩》课教学体会

顾卫国

《色彩》课是艺术设计专业重要的基础课程之一，教什么，如何教，学什么，如何学，是每个教师和学生必须面对的问题。由于艺术设计专业的《色彩》课是为艺术设计专业课服务的，其目标也必然要从具象的写生色彩训练过渡到到抽象的设计色彩训练。因此，艺术设计专业《色彩》课应分为色彩具象写生训练和色彩抽象表现训练两大部分。

一、色彩的具象写生训练

色彩的具象写生训练主要目的是锻炼学生的观察能力、造型能力、表现能力，提高学生色彩审美的综合能力。而目前我们学生的状况是：一方面，学生有着各自不同的专业教育背景，启蒙教师水平参差不齐，学生的色彩观察能力、造型能力、表现能力差异较大，特别是对色彩的理解能力较弱，有的还存在较大程度的偏差；另一方面，由于应试教育的弊端，学生长期接受的是三小时快速化、程式化、死记硬背式的应试训练，学生写生时缺乏对色彩敏锐的、整体的观察能力和深入刻画的表现能力。

这一部分的教学任务主要是正本清源，强化对色彩理论的讲解，通过欣赏名作、示范表演、点评作业、互动交流等方法来帮助学生直观的、通俗易懂的理解色彩理论，学会整体的观察方法、表现方法，养成良好的作画习惯。

1、学会整体的观察方法。任何物体的色彩都不是孤立存在的，认识色彩的唯一正确方法就是整体观察、互相比较，分析和发现色彩的大关系。整体观察是为了把握和控制画面的基本色调和大的色彩关系而对描绘对象进行整体的、全方位的观察。整体的观察方法要求抓大放小、局部服从整体。比较是整体观察的深化，有比较才有鉴别。只有通过对物体间的色相、明度、纯度、冷暖等进行反复比较，分辨色彩倾向，寻找色彩之间的微妙变化和差异，才能掌握对象诸种因素的正确关系。主要有下列几种方法：

（1）比色调：色调是指不同的各种颜色物体所构成的色彩在明度、冷暖、色相、纯度等方面的总倾向，也指一幅画的主要特征，大的色彩效果，是一幅画的总体面貌。调子之间的比较，目的是为了确定调子的明度、冷暖和色相的倾向，使描绘内容有一定的气氛特征，统一彼此不协调的色彩。调子起着对色彩支配的作用，色调不统一时画面会产生紊乱。因此，首先要看到一个整体的、和谐的大小色块所组成的总的色调特征，其次把对象、光源、环境作为一个统一的整体，全面的观察比较，在整体比较中捕捉色彩。

（2）比明度：色彩的明暗差别包括某种色彩的深浅变化和不同色相间存在的明度差别。在比较明度时一定要把最暗的颜色找出，再把亮的颜色找出，然后由深到浅排列，在画中建立一个次序，把握住大的黑白灰关系，将对象的层次进行概括，进行对比，使画面黑白灰层次丰富。如画面缺乏深色或浅色会造成画面“灰”。

（3）比冷暖：冷色与暖色是人们的生理感觉和情感联想。色彩的冷暖是互为条件，互相依存的，两种色彩相比较是决定冷暖的主要依据。没有暖的对比，冷色也不可能单独存在，它们是对立统一的两个方面，色彩的冷暖感觉是通过整体分析比较而得出的。一般情况下，暖色光使物体受光部分色彩变暖而背光部分呈现其补色的冷色倾向；冷色光使物体受光部分色彩变冷而背光部分呈现其补色的暖色倾向。

（4）比色相：色相是颜色的相貌。只有在明度相同、冷暖难分的情况下，才用色相来比较。

口诀是：大色块决定主色调；相同色相比明度、比纯度、比冷暖；相同明度比冷暖、比色相、比纯度；相同纯度比明度、比色相、比冷暖；相同冷暖比色相、比明度、比纯度。

2、学会整体的表现方法。整体的表现方法原则是：整体——局部——整体。无论是步骤的设立，还是塑造过程，都要严格遵守这一原则。作画步骤应是从整体开始到整体结束，局部调整也应是整体、局部、整体不断反复，不断深入。首先控制画面的基本色调，把一组静物的背景与主体、一处风景的天空远景与近景等概括归纳为几大色块，抓住对象的总的感觉，构成色彩调子，由浅到深，用大笔比较迅速地将大的色彩关系画出来。然后是调整修改，深入刻画，通过比较找出较为细微的色彩变化，找出局部在整体中应处的位置，并始终以整体调子和冷暖、明暗关系来检查反光和环境光对色调的影响，又以大的色彩关系去衡量局部细节的准确度，再提炼概括。整体的观察和表现始终贯穿在作画的全过程，任何时候停下作业，画面的整体关系都应是完整的，而不能让局部明显地、孤立地跳出画面，从始至终都要在整体的大关系中表现对象，直至完成。

整体的表现要有“先色后形”的意识，即在理解色光的基础上，确定轮廓后，在短时间内迅速抓住某一物体或某一景物的色彩大关系和调子特点，完全排除细节描绘，将对象复杂的色彩和形态归纳为色块，以不同色块的明度、冷暖、面积对比构成色调。并处理好主要色彩和其它色彩的关系，组成统一的色调。

3、养成良好的色彩写生习惯。

（1）正确的作画姿态：人与画板高低远近关系为人眼平时画面中央，人与画板为一臂以上的距离；人与写生物远近关系一般为写生物体长或高两倍倍以上四倍以内的距离，避免太近观察不完整形成扭曲透视或太远观察不清楚；人与光线的关系最好为侧光、半顺光、半逆光关系，尽量避免全逆光或全顺光；画面与光线的关系最好为侧光或半顺光关系，尽量避免画面背光造成观察色彩不准或画面顺光造成反光；人与调色盘、颜色盒、擦笔布、水桶的关系为从左到右顺时针靠近画面摆放等等。

（2）正确的握笔姿态、用笔姿态：握笔姿态最好为半握（笔根抵在拇指与食指之间的虎丫处，拇指、食指与中指握笔）或全握法，笔身要与手臂平行，成为手臂的延伸。用笔姿态要多姿多彩，摆、刷、涂、勾、点，顺峰、逆峰、正峰、侧峰，快慢有度、舒缓结合，总之要让笔端跳起舞来，用笔灵动画面才能灵动，切忌呆板机械。

（3）正确的用色、用水、用纸习惯。

在了解每种颜色色性的基础上，学会调配各种色彩偏向的灰色系：最直接的方法是补色不等量调配法。调色要达到饱和状才能充分发挥水粉颜料的色性，因此，用水要适量，太薄则脏，太干则枯。水粉画作画最好要求裱纸后再贴透明胶带留白边，一方面保持作画过程中和完成后画面平整，另一方面，白边起规范画面和装饰作用。

（4）养成“眼到、心到、手到”三位一体的“观察——思考——表现”习惯，切忌眼不到、心不到手到的胡编乱造，眼到、手到、心不到的机械临摹。

二、色彩的抽象表现训练

设计色彩教学的第二部分是从色彩的具象写生训练走向色彩的抽象表现训练，这也是教学重点与难点之所在。因为我们的学生从小到大接受的大都是具象绘画艺术教育，绝大部分学生头脑中根本没有抽象绘画的概念，如何转变学生观念，在学生头脑中建立起抽象绘画艺术的框架是教学的关键。

首先要让学生了解，抽象艺术绝不是西方人的专利。中国汉字从象形的甲骨文等大篆到秦李斯创立的小篆，再到隶变后的楷书，从楷书到行书、草书再到狂草的沿革与发展历程便是从具象艺术到抽象艺术最具典型意义的案例。与西方绘画艺术从古典主义到印象主义、后印象主义、象征主义、再到野兽派、表现主义、立体主义、抽象主义等等从具象艺术到抽象艺术演变与发展历程相对照，我们不难看出二者之间有着惊人的相似。

从自然的具象写生色彩转化为具抽象色彩特征的设计色彩，更倾向于在感性认识基础上运用理性思维、逆向思维、发散思维来创造出新的色彩表达理念与效果。设计色彩源于自然色彩，它在自然色彩中获取提炼，强调超越自然色彩的表象模仿，从而达到主动认识与创造的境界。设计色彩的最终目的是从形态构成的角度研究剖析色彩关系，能动地运用色彩规律，培养学生理性多元的设计创新思维，增强学生设计感觉。色彩的抽象表现训练分两步走。

1、抽象色彩写生训练。在抽象色彩写生训练时，将自然色彩的写实性表现转换到自然色彩的意象性、抽象性表现，这是设计色彩造型观念、造型方式的转变。设计色彩摒弃写实性表现因素，利用删繁就简的方法，结合艺术设计形态构成语言的运用，使之成为具有装饰意味的艺术形象，这是设计色彩意象写生的关键。在关注画面构成的基础上，对客观物象进行取舍、挪移，使画面达到主次分明，且具有秩序化和条理化。将自然形象转化成设计形象，夸张是实现这一目标的常用方法，夸张能强化主题，突出形与色的特征，增加画面的形式风格特点。变形、变色是夸张的主要表现方式，是获取画面有意味形式的重要因素，也是摆脱客观的真实感和实现画面装饰效果的主要途径。平面化是色彩归纳写生表现的主要特征和研究目标，装饰性色彩无论从观察方式、思维方式和表现方法上都与写实色彩有着截然不同的造型理念，学习归纳色彩必须首先转换思维方式，从对客观写实的依恋中解脱出来，转入到对平面性色彩的感悟和方法的学习。在改变客观真实性中，归纳色彩导入到对艺术形式和本质深层次的认识和研究，也必然带来艺术形式和风格的个性化和多样化，带给学生以全新的艺术表现视野。抽象绘画大师保罗.克利一向鼓励学生对色彩、形式、想象力进行试验，教学中要要鼓励学生敢于尝试多种绘画材料的综合运用，根据不同诉求做出不同的画面肌理效果，实现创新思维的表达。鼓励学生将原有物象的色相、纯度、明度改变，这种色彩置换形成不同的色调搭配，具有主观创造意识和设计元素。

2、抽象色彩创作训练。在进行抽象色彩创作训练时，要通过对塞尚、高更、梵高，特别是马蒂斯、毕加索以及其他立体主义以及现代、后现代大师作品的赏析、临摹、借鉴，打开学生的视野，提高抽象艺术鉴赏的水平。向学生灌输反透视、反光影、反自然形、反自然色彩规律、打散、切割、重构、平面化、构成化等现代绘画的彻底革命精神；向学生灌输从不动的看到运动着看，从看什么画什么到画什么看什么，从表现固有色、条件色到表现情感与精神色彩。在赏析大师作品时，要结合平面构成、色彩构成中的知识以及现代设计知识去解读大师作品，体会大师们对现代设计理论的贡献。在进行色彩的抽象表现创作训练时，学习、借鉴现代大师的作品，可强化理解作品中的构图、色调处理、笔触、综合材料的运用等规律，是学习设计色彩的重要步骤，是培养学生的多向思维，提高艺术设计水平的一个捷径。如毕加索认为绘画应该从多角度多方面去表现对象，不应该是客观世界的奴隶，绘画应该是色彩、线条和形状在画面上的抽象设计和表现。作为一个由写实绘画向意象创新思维转变的艺术大师，他的作品中包含了许多时尚的设计元素，美妙的色彩组合关系，在现当代设计领域产生了持续而深远的影响。由于学生头脑中毫无抽象绘画概念，作业训练开始阶段可以借鉴大师作品的造型框架、色彩框架、语言风格，切入自己具象写生作品的解构造型、形式语言与色彩语言，这一阶段的训练切记要学大师而不是抄大师，正如齐白石对弟子所言：学我者生，似我者死。学生有一定的积累后，可以让学生展开思维，放飞心灵，大胆创作。

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