中国美术鉴赏毕业论文

中国美术鉴赏毕业论文（共12篇）（共12篇）

1.中国美术鉴赏毕业论文 篇一

中国古代美术鉴赏论文

——评魏晋大家顾恺之

学号：09104086

学院：管理学院

姓名：宋齐佳

顾恺之（348— 409）字长康，小字虎头，汉族，晋陵无锡（今江苏无锡）人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得”“以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。

一．个人概述

东晋画家，绘画理论家，诗人。字长康，小字虎头。顾恺之（约345-406）东晋画家。顾恺之头像

[1]字长康，小字虎头，晋陵无锡（今江苏无锡）人。曾为醒温及殷仲堪参军，义熙（405-418）初任通直散骑常侍。刘裕北伐南燕，恺之为作《祭牙（旗）文》。多才艺，工诗赋、书法，尤精绘画，尝有才绝、画绝、痴绝之称。多作人物肖像及神仙、佛像、禽兽、山水等。画人注重点睛，自云传神写照，尽在阿堵（即这个，指眼珠）中。尝为裴楷画像，颊上添三毛，而益觉有神。在建康瓦棺寺绘《维摩诘像》壁画，光彩耀目，轰动一时。后人论述他作画，意存笔先，画尽意在；笔迹周密，紧劲连绵如春蚕吐丝。把他和师法他的地朝宋际探微并称顾陆，号为密体，以区别于南朝梁张僧繇、唐吴道子的疏体。著有《论画》、《魏晋胜流画赞》、《画云台山记》，其中迁想妙得、以形写神等论点，对中国画的发展，有很大影响。存世的《女史箴图》传是早期的摹本，内容绘写西晋张华所撰约束宫廷嫔妃的教诫。1900年八国联军侵入北京，被英军从清宫劫去，现藏英国伦敦不列颠博物馆。所传顾的另一作品《女史箴图》，乃宋人所作。

他曾被当时人称为“才绝、画绝、痴绝”。顾恺之的绘画在当时享有极高的声誉。谢安曾惊叹他的艺术是“苍生以来未之有也！”他封了一橱自己的作品存在桓玄处，竟被桓玄从橱后全部窃去，以致引起他的惊喜：“妙画通灵，变化而去，亦犹人之登仙。”他曾为南京瓦棺寺绘壁画募得巨款的故事，可见他的绘画之吸引力，修建瓦棺寺时他认捐了百万钱，就在庙里用一个月的时间闭户画了一幅维摩诘，画完之后，要点眸子，乃提出要求：第一天来看的人要施舍十万，第二天来看的人施舍五万，第三天的随意。据说开门的一刻，那维摩诘像竟“光照一寺”，施者填咽，俄而得百万钱。顾恺之的作品，据唐宋人的记载，除了一些政治上的名人肖像以外，也画有一些佛教的图像，这是当时流行的一部分题材。另外还有飞禽走兽，这种题材和汉代的绘画有联系。他也画了一些神仙的图像，因为那也是当时流行的信仰。而最值得注意的是他画了不少名士们的肖像。这就改变了汉代以宣扬礼教为主的风气，而反映了观察人物的新的方法和艺术表现的新的目的，即：离开礼教和政治而重视人物的言论丰采和才华。这表示绘画艺术视野的扩大；从而为人物画提出了新的要求——表现人的性格和精神特点。在顾恺之的著作言论中，我们见到他反复强调描写人的神情和精神状态。顾恺之和陆探微、张僧繇是南北朝时期三个最重要的画家，代表了汉代美术得到迅速发展和成熟的人物画艺术。

二.职业生涯

晋陵无锡(今属江苏省)人。曾任参军、散骑常侍等职。出身士族，多才艺，工诗词文赋，尤精绘画。擅肖像、历史人物、道释、禽兽、山水等题材。画人物主张传神，重视点睛，认为“传神写照，顾恺之相

正在阿堵(指眼睛)中”。注意描绘生理细节，表现人物神情，画裴楷像，颊上添三毫，顿觉神采焕发。善于利用环境描绘来表现人物的志趣风度。画谢鲲像于岩壑中，突出了人物的性格志趣。其画人物衣纹用高古游丝描，线条紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空，流水行地，自然流畅。顾恺之的作品无真迹传世。流传至今的《女史箴图》、《洛神赋图》、《列女仁智图》等均为唐宋摹本。顾恺之在绘画理论上也有突出成就，今存有《魏晋胜流画赞》、《论画》、《画云台山记》3篇画论。提出了传神论、以形守神、迁想妙得等观点，主张绘画要表现人物的精神状态和性格特征，重视对所绘对象的体验、观察，通过形象思维即迁想妙得，来把握对象的内在本质，在形似的基础上进而表现人物的情态神思，即以形写神。顾恺之的绘画及其理论上的成就，在中国美术史上占有极其重要的地位。顾恺之著有《启蒙记》3卷，另有文集20卷，均已佚。但仍有一些诗句流传下来，如“千岩竞秀，万壑争流，草木蒙茏，若云兴霞蔚”等，细致生动地描写了江南的秀丽景色，充满诗情画意。

三． 艺术特色

顾恺之的《论画》一文，象他另外两篇关于绘画艺术的文字一样，都因相传错脱，《洛神赋图》

不易通读，只能揣其大意。其中谈到前人所画的：小列女、周本记、伏羲神农、汉本记、孙武、醉客、穰苴、壮士、列士、三马、东王公、七佛、夏殷与大列女、北风诗、清游池、竹林七贤、嵇轻车诗、陈太丘二方、嵇兴、临深履薄等作品，都是评论这些画中人物形象和神情表现的优劣。而全篇最前段，特别谈到：“凡画，人最难，次山水，次狗马，台榭一定器耳，难成而易好，不待迁想妙得也。”这里他指出理解对象的深入的程度以人物画要求最高，对于山水画也很重要。东晋兴宁年间（公元三六三—三六五年）顾恺之在金陵（今南京）瓦棺寺所画的维摩诘像，有“清羸示病之容，凭几忘言之状”，画出了维摩诘的病容及病中与人对谈时的特殊神色。这一幅维摩诘像，虽没有流传下来，但受到称颂。同时，这一记载也说明中国流传的佛教图像，不是完全模仿外来的艺术。另外，顾恺之曾在画裴楷的肖像时，颊上加了三毫，据说他就是这样简单地借助于细节，加强肖像的神态。也有记载，他故意把谢鲲画在岩石中间，可见他曾企图用环境来烘托人物的性格。而且我们知道他在揣摩如何表现嵇康的诗句的时候，他体会到：画“手挥五弦”弹琴时的外形姿态，虽然是手的细小动作，也还是比较容易的；但是要画“目送飞鸿”，想凭目光的微妙表现传达出对于天边云际有所眷恋的、捉模不定的迷惘的心绪，则是比较难的。这些就都是顾恺之作为一个人物画家，企图细致地描绘微妙的心理变化时，真正认识到了自己工作的界限。

另外，他也曾明白地谈到“传神写照，正在阿堵中”，提出了描绘眼睛是人物画艺术中的最重要的技巧。以上都说明顾恺之代表了这一时期人物画艺术的新发展。顾恺之的作品真迹，今已无传。只有若干流传已久的摹本。其中最精美的是《女史箴图》（隋代摹本，现藏英国伦敦不列颠博物馆）和《洛神赋图》（宋代摹本，故宫博物院藏），都很能说明顾恺之时代的画风和艺术水平。《女史箴图》可以算作一篇文章的几段插图。《女史箴》一文是西晋张华所作，他撰写这篇文章的目的，据说是用以讽刺放荡而堕落的皇后贾氏。其内容是教育封建宫廷妇女们如何为人，如何自保的一些人生经验和道德箴条。顾恺之这一《女史箴图》画卷，描绘一系列的动人形象，从她们的身姿仪态中透露出了这些古代宫廷妇女的身份和丰采。画家的笔墨是“简澹”的。

古人称其勾勒轮廓和衣褶所用的线条“如春蚕吐丝”，也形容为“春云浮空，流水行地”。在《女史箴图》中保留了这些线条的联绵不断、悠缓自然、非常匀和的节奏感。《洛神赋图》，古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神（传说伏羲的女儿，在洛水溺死后为神）的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹叡将它改名为《洛神赋》。《洛神赋图》在古代曾被很多画家画过，而且有很多宋代摹本，都被认为是顾恺之原作的摹本。故宫博物院所藏的两卷，人物形象基本上类似，只在构图上有景物繁简的不同。那一景物较简的，在风格上具有更多的六朝时代的特点。画卷的开始便是曹植和他的侍从在洛水之滨遥望，那寄寓着他的苦恋的、美丽的洛水女神，出现在平静的水上。画面上远水泛流，洛神含情脉脉，似来又去。洛神的身影传达出一种可望而不可及的无限惆怅的情意。这样的景象正是诗人多情的眼睛之所见。曹植在原来的诗篇中曾用“凌波微步，罗袜生尘”来形容洛神在水上的飘忽往来。这两句充满柔情密意和微妙的感受的诗句，成为长期传颂的名句，也有助于我们理解画中的诗意。这一富有文学性的《洛神赋图》，描写了人的感情活动，所以在古代绘画发展上有重要的地位。

《列女图》（故宫博物院藏，宋人摹本）从图卷的人物形象，动作，服装构图及风格上看，似是以魏晋之际的手笔为根据的。宋代版画插图本的《列女传》曾经清代阮元翻刻，其每页上端的插图人物动态都与此图卷相似，但增加了背景。也标为顾恺之图，这一插图与这一画卷相印证，至少可以看出，魏晋之际（或汉魏之间）的绘画艺术的一部分面貌，而助有于了解南北朝绘画的历史渊源。

顾恺之的著作：《魏晋胜流画赞》一向被标作为顾恺之的文章，此篇讲临摹的方法，以及选绢、着色、布局、画山、画人应该注意的事项，其中保存了一些作画的经验。他又一著作《画云台山记》，是一篇有历史价值的文章。但文字中有很多错乱，但大致可以看出是描述一幅分为三段的云台山图。云台山是道教的祖师张道陵修道成仙的名山。这幅图描绘天师张道陵以跳到深谷中取桃子来考察其弟子们，其中唯赵升、王长二人信心最坚。文章中又描述了画中的山石涧流的险峭之势，山峰上有孤松，山中穿插着凤鸟“婆娑体仪，羽秀而详轩尾翼”，白虎“匍石饮水”等。这篇文字有助于我们了解早期山水画的内容和风格。早期山水画是包含了神仙怪异的因素的。

南北朝的道教徒宗炳、王微的论述山水画的文章也保留了下来，可以看出也是从求仙访道的思想出发的。早期山水画的古拙的风格，我们从南北朝一些石刻以及敦煌壁画中都可以得到相似的，进一步的认识顾恺之之所作人物画，善于用淡墨晕染增强质感，运用“铁线描”勾勒出劲挺有力的细线，人物五官描写细致入微，动态处理自然大方。并以人物面部的复杂表情，来隐现其内心的丰富情感；衣服线条流畅而飘逸，优美生动，充满艺术魅力。晚年笔法如春蚕吐丝，似拙胜巧，傅以浓色，微加点缀，而神采飘然，饶有浪漫主义的色彩。南朝陆探微、唐代吴道子等皆临摹过他的画迹。现今传世的顾恺之作品摹本有歌颂曹植与甄氏爱情的《洛神赋图》，和劝诫妇女德行的《女史箴图》、《列女仁智图》。

当众点晴妙捐百万我国古代东晋，在南京建造了一座佛教寺庙叫瓦棺寺，寺庙落成后，和尚请众人捐施。一天，有位年轻人来到寺庙，在捐款薄上写了个“百万”的数字，人们都有很惊讶，因为数日来，在众多捐施者当中，还没有一个人捐款超过十万的，大家以为这个小名叫“虎头”的穷年轻人吹牛乱写，所以和尚当即让他把写的数目涂掉，但是这位年轻人却十分有把握地说：“别忙！你们先给我找一面空白墙壁。”于是，他就关起门来，在指定的空白墙壁上画了一幅像唯独眼珠没有画。这时，年轻人对和尚说：“第一天来看画的人，每人要捐十万钱给寺庙；第二天捐五万钱，以后，捐助数目由你们规定。”等这位青年人当众点画维摩诘眼珠时，寺门大开，如同神光显耀，满城哄动，人们争相来寺观画。纷纷称赞这幅画画得生动传神。看画的人络绎不绝。没有多久，百万数目就凑足了。这位挥笔作画者，就是东晋大画家顾恺之。

2.中国美术鉴赏毕业论文 篇二

中国画有着悠久的历史,我国古代人民用来记录传统民族风俗文化的绘画艺术。它在世界美术文化长河中有着不同凡响的艺术成就。我国传统的国画作品可以与西方任何时代的美术作品相媲美,越来越受到当今世界各国的瞩目。常言道:民族的就是世界的。国画作为我国独特民族特点的传统绘画,在世界文化相互融合渗透的今天,正以其独特的文化意境和艺术融合能力发展变化着, 为人们展示着它的独特魅力。

处在小学阶段的学生,在艺术鉴赏方面像一张白纸,是吸取知识最快、主动性最强的阶段。同时,在这阶段教导学生如何养成正确的审美观念和对传统文化内容的正确理解显得更为重要。尤其在新课改的背景下,各学科间的联系更加紧密,好的审美修养和艺术理解能力对学生在其他学科的学习也具有积极意义。

为此,中国画教学在小学美术教育体系中占有重要地位,有效地开展中国画教学对于小学生认识我国传统绘画艺术,继承和传播我国传统文化具有重要意义。

二、小学美术课堂中国画教学现状

在现在的小学美术课堂中,尤其是关于中国画内容的教学时遇到了一些比较棘手的问题:

首先,随着电子信息技术的发展,各种电子设备越来越容易被人们掌握。电子产品的使用越来越普及化并且趋向低龄化,外来文化的作品因为其有明确的受众年龄划分,传播更具针对性,所以更加受到学生的喜爱。另外,现在的孩子们,从小接触绘画,所使用的油画棒、水彩笔,到以后用的水彩、水粉颜料等绘画工具基本都是西洋画的工具。在教学过程中,国画教学只有很少的课时。传统中国画的绘画技巧和色彩调配等方面有着不同于外来文化的独特魅力,但也是它的独特让学生在接受方面遇到阻碍。

其次,由于中国画是一门传统的民族艺术,在历史文化的影响和传统教学模式长期作用下,小学中国画教学还是以临摹范画或教师教画学生练习为主,讲完后所有学生完成的都是一样的作品。 教学方法过于程式化和成人化,约束了学生表现的主动性、自由性和创造性,不能引起学生学习的兴趣,也限制了学生艺术表现性的拓展和艺术风格的多样化。新课程标准下更注重的是创新型教育, 鼓励学生发展自己的个性,表达自己的想法。所以这就需要老师转换教学思维,更多地采取开放教学的模式。

最后,家长和学生对美术课程的重要性认识不够。美术课程作为义务教育阶段的计划课程之一,对学生的思想品质提升、道德情操的陶冶、创造力的培养以及促进青少年的身心健康的发展都有积极作用,在学生各学科的学习过程中也能起到一定的指导作用。 课堂活动的有效开展需要家长、学生和老师三方面配合。

三、怎样激发学生对中国画的兴趣

兴趣是最好的老师,对于处在小学学习阶段的孩子更是如此。 让孩子在游戏中感受到中国画学习的无穷乐趣,就会让学生对中国画学习充满期待,并能在每一次学习中保持兴趣。利用小学生旺盛的求知欲和强烈的好奇心,是激发学生对中国画产生兴趣的关键。

中国画的鉴赏数学中,要注重中国画知识的基础教学。可以先让学生由欣赏画作入手,感受传统中国画艺术的魅力和绘画特点, 掌握中国画的基本表现方法与手段,从中吸取丰富的营养。然后启发学生以丰富、多样的艺术理念来进行开放式的中国画学习和创作活动,充分地吸收来自不同文化的绘画风格。在进行创作时,不能让学生受传统中国画理念的约束,要放手让学生在作品中加入自己的大胆想象,创作出有自己独特风格的中国画作品。要帮助学生树立课堂主人翁的意识,更多地鼓励学生自己去实践、归纳、总结自己在制作时的步骤和方法,互相交流在实践中的困惑和心得。 然后,再由教师对学生没有提到的问题进行补充讲解,对学生互相不能解答的难点问题给予引导、点拨。

例如,在《我爱大熊猫》一课中,老师可以在课前先让学生搜集不同绘画风格中的熊猫形象图片。让学生在不同风格的作品中得到创作灵感。之后,欣赏传统中国画风格中的熊猫绘画过程或绘画作品,学生可以分组讨论绘画步骤和自己的独特绘画构思。这些引导步骤完成后,鼓励学生进行实践操作,然后在实践中发现总结笔和墨的用法规则,与同学和老师进行交流。之后,老师进行正确的教学示范,并对学生遇到问题的部分进行讲解。这样既能充分调动学生参与课堂的积极性,又能让学生更牢固地掌握绘画知识。

四、如何在课堂中提升学生中国画的鉴赏能力

我们前面已经谈过了如何激发学生学习中国画的兴趣。但是我们进行中国画教学更重要的目的是要提升学生对于中国画的鉴赏能力。在课堂中如何有效引导学生呢?我们依然以《我爱大熊猫》 一课为例。

(一)精心导入激发学生的欣赏兴趣

良好的开端是成功的一半。一堂好的美术课程的导入也是这节课成功与否的关键所在。课程的导入部分在吸引学生兴趣的同时,如何以深入浅出的方式将课程能容易为学生所接受才是其更为关键的任务。在小学阶段,游戏导入、故事导入、生活导入等方法都比较实用,而且更容易被学生接受。这节课可以熊猫为主人公的水墨画题材的动画导入,课程开始就抓住学生的注意力。

(二)善于运用现代教学设备为学生营造鉴赏氛围

在没有条件的时候,学生欣赏作品只能是通过课本上单调的二维图片,内容既有限也不够全面。现代教学设备在义务教育阶段广泛应用的时候,老师可以利用多媒体设备将不同画家的代表作及其生平都带到学生眼前,不但让学生欣赏到作品的全貌,还可以单独放大局部进行观察。让学生不受时间、空间、地域的限制,在课堂中驰骋中外、跨越古今,在绘画艺术的长河中畅游,使审美教育寓于潜移默化之中。老师可以在多媒体课件中展示不同风格的画作中的熊猫,与中国画的熊猫加以对比。然后具体通过视频展示中国画熊猫的绘制过程,让学生能更全面地了解到自己学习的内容。

(三)养成学生鉴赏的习惯,在实践中深化审美感受

不能只把对美术作品的鉴赏局限在短短的课堂内,要把这个作为一种习惯渗透到学生的日常生活中去。让学生善于发现生活中传统的中国画元素,品鉴中国画的风采。并且鼓励学生在对名家名画的观摩学习之后,将自己的想法融入其中,大胆创作,在实践之后重新加以鉴赏总结,深化自己对经典作品的理解和感受。在课程结束的时候可以让学生展示自己的画作,或者说一说自己在日常生活中那里能见到中国画风格的大熊猫,表现优秀的学生可以奖励熊猫玩偶,给学生留下更深刻的印象。

将更多的开放元素引入的传统的模式教学课堂中来,相信中国画的学习和鉴赏会越来越受到学生的喜爱。

摘要：中国画作为国粹之一,以线条、水墨作为绘画基础表现形式,体现了中国的传统美学思想。古代中国的画家们运用美学原理,在中国画艺术表现中充分地展示出他们对美的认识,并以此为基础形成了以中国画家的审美情趣为中心的中国画艺术表现形式及表现技法,形成了独特的艺术风格和艺术魅力。中国画博大精深,可以让学生更深入地了解中国的传统文化,同时在艺术鉴赏、创造、审美等各方面能力得到提升。

3.中国美术鉴赏毕业论文 篇三

关键词：2+1填充模式；中国美术史；教学应用

《中国美术史及作品鉴赏》作为高校美术、绘画专业的必修课，一直以来，在各高校中都得到高度重视。在《中国美术史及作品鉴赏》现阶段的教学中，都是以历史发展的脉络来讲授，主要是对各流派、画家、作品进行平铺式的分析讲解，教学内容过于平淡，教学手段也过于单一。在学生已有统一教材、能够提前预习、并对相关内容基本都能读懂的情况下，对教学内容进行改革，作必要的內容填充，以丰富学生美术理论知识和增强学生艺术修养，显得十分必要。由于各流派、画家在历史上已有定论，所以不可能在这方面有所改动。但是，对流派的成因、画家的艺术特征及艺术观念的生成等问题，还是很有探讨的必要。目前，教学中使用的教材是由高等教育出版社出版的《中国美术史及作品鉴赏》，该教材的内容从原始社会至上世纪改革开放以前，而对改革开放三十年的中国当代美术还没有涉及，这对当代大学生来说，对于当下的美术发展还不能纳入到教学之中，无疑是一种缺憾。另外，在针对古代美术的讲解方面，是否在历史发展进程以外，还能形成某些线索，来使学生更好地理解中国美术的发展历程。为此，笔者在教学中提出了“2+1填充模式”，以其对中国美术史内容的改革与实践进行尝试与探索。

“2+1填充模式”即“两条线索，一项内容”。“两条线索”即以古典哲学促进美术的发展为一条线索，以朝代更替中的战乱对社会及美术发展的影响为另一条线索。“一项内容”即在中国美术史的教学中，加上改革开放三十年以来中国当代美术发展的历史。这样，以线索推引，以当代中国美术史内容的添加，形成了对中国美术史教学内容改革的研究与实施步骤。

一、以古典哲学促进美术发展为线索展开教学

目前，在《中国美术史及作品鉴赏》教材内容中，古典哲学方面的内容还没有涉及，其对古代美术发展的影响，应该在教学中进行渗透。回顾中国古代美术史，它的发展是伴随着思想史的发展而展开的。中国古代的思想史其实就是古代的哲学史。首先是春秋、战国时期儒家、道家、法家等诸子百家思想的产生，这一哲学思想的起点为中国今后历史中思想领域的拓展奠定了基础。中国古代历史一直贯穿着儒家、道家思想的延续，由于在传统文人画的人生实践过程中，一方面，文人画家秉承着儒家思想，同时又受到道家思想的影响，两种思想一直以来在古代文人入仕与归隐的人生不同境遇中起到互补作用。儒家思想鼓舞着文人发奋苦读，为国家的前途而奋斗。道家思想让文人在挫折中自我主动地寻找慰藉。这一进一退，在古代文人中形成了人生定式，并直接对本人及其绘画思想带来了重要影响。中国古代哲学思想中的第二阶段是魏晋时期出现了玄学，它是道家思想的延续。魏晋时期形成的“魏晋风度”，即是在玄学思想的影响下，文人的行为举止和思想状态，这在当时的文学、艺术中都产生了重大影响。在魏晋玄学思想的影响下，才有谢赫将“气韵生动”列为“六法”之首，气韵本身就包含着玄意，也即意象的本源，这样一来，魏晋文人中自由放达的思想境界便感染到了绘画领域，它从精神层面给予绘画以意象的高度，这为中国画的形成奠基了一个高起点。中国古代哲学思想中的又一阶段是理学，它是宋明时期中国哲学的主要代表形态，又称“宋明理学”。理学是儒学的一种历史形态，是继魏晋把儒学玄学化改造之后，对儒学的佛教、道教化改造；宋明理学是对隋唐以来逐渐走向没落的儒学的一种强有力的复兴。这个复兴儒学的运动，至两宋时期蔚为大观，形成一场声势浩大、波澜壮阔而又影响久远的儒学运动。这场运动对于美术发展的影响来说，使传统绘画思想在画家心中根深蒂固，将古典奉为经典来传承，对于绘画在封建社会中的恒定性起到了推波助澜的作用。

以古典哲学促进美术发展为线索展开教学，有利于学生对绘画流派及画家思想的成因做全面了解，能够更好地把握美术发展的来龙去脉。

二、以古代战乱对美术发展的影响为线索展开教学

在《中国美术史及作品鉴赏》教材中，大多内容都产生于封建社会。中国封建社会长期封闭保守的发展，形成了中国特有的传统文化。尤其是朝代不断更替，社会动荡形成了传统人文思想的跌宕起伏。总览中国封建社会历史，我们发现，几次发生在朝代更替之间的战乱，恰是人文思想最活跃的时期，不仅在中国思想领域形成了重要的文化思潮，而且对美术领域带来了重大影响。也就是说，中国历史上最有成就的画家，都是在这个时期产生的。所以说，以朝代更替中的战乱来谈对美术领域的影响，应该是十分必要。

春秋、战国时期，战事频仍。这个时期，思想领域出现了诸子百家。他们的言说，构成了中国古典哲学的基石，并一直延续到封建社会，对古典人文思想形成、社会的发展产生了巨大的影响。虽然这一时期绘画还处在萌发阶段，但已促成了中国绘画作品的基本面貌。

三国、两晋时期，玄学思想在社会中蔓延，形成了当时以“士人”作为社会主流的魏晋风度。魏晋玄学影响下的绘画艺术把意境的创造与神韵的表现视为最高境界，使艺术家能够按照主观的感受来创造富有东方艺术神韵的绘画艺术，对中国绘画中意象造型的提出，做好了理论准备。

南宋末年的战乱，最终导致蒙古族入主中原，建立元朝。元朝的历史虽然短暂，但对汉人的歧视政策，使得当时的社会矛盾重重。同时，元朝又取消了科举制度，这让以进科取仕为人生目标的文人理想无法得到实现，这也使他们以更加超然物外的心态，寄情于书画之中。隐逸的心境，淡泊的心态，让他们放弃对北宋壮美山水的继承，继而用枯笔淡墨来抒发自我的孤寂之情，形成了中国画历史上由古代文人确立起来的文人画的最高峰。

明清之交，满族入侵，民族矛盾又一次凝聚。明末遗民的抗清之志融于毫内，发于笔端。对满清的悲愤之情已在画家的作品中得到深刻体现。这些作品与宋元之交的绘画有些相似，都是由外族入侵促成民族矛盾，并影响到文人思想而形成绘画的面貌，只是比明清之交的绘画风格已发展的更加多样化，运用笔墨抒发悲情的绘画形式也趋多元化，这在美术史中已有非常明晰的展现。

民国时期是中国美术最为活跃的时期，外族入侵，战乱频繁，但思想上却无禁锢。回顾那段历史，不但是在美术界，就是在科学界、文学界，也出现了一直影响到今天的大师级人物。美术界自不必说，这一时期异常的活跃，不只因为是战乱造成的，同时还有新旧社会的更替、新旧文化的转换，中西文化的冲撞等因素促成的。具体体现在，中国画的创作摒弃了传统文人笔墨而加入了更多个性化色彩的笔墨语言。那些有成就的画家进行大胆的创新，甚至可以用无拘无束来形容。民国时期美术的大发展，是由特定的历史所决定的，动荡的社会，纷扰的思潮，决定当时

的美术作品必将是多元化、自由式的发展。

以中国古代社会中的战乱为线索，重点体察画家艺术思想和创作心态如何转变，应当说，民族矛盾激励着有志之士拿起画笔阐发内心情怀，创作着感动当世、影响后人的作品。

三、在教材中填充中国当代美术发展史的教學举措

在《中国美术史及作品鉴赏》这部教材中，有关中国当代美术部分还没有涉猎，这对处于当代中国背景下成长起来的大学生，如果不了解自己所处时代的美术作品，无疑是一种缺憾。当代中国美术三十年，是伴随着改革开放时代洪流发生发展的。“对中国当代美术的发展状态，可以这样来概括：一是当代中国美术的发展趋势更加开放和多元，广大美术家的文化自觉和文化自信增强；二是美术生态更加丰富多样、生动活泼，创作、展览、研究和各项活动的质与量均有所提高；三是美术各门类、各专业，包括社会服务，人才培养等方面，成果显著。”当代中国美术虽然只有三十年历史，但发展的非常艰辛，也异彩纷呈。包括对文革反思的伤痕美术、乡土绘画、新学院派美术、八五思潮美术、新文人画、中国当代艺术。其间多次发生的美术思潮、美术争鸣。包括八五美术思潮，中国画笔墨的论争，中国当代艺术思潮，中国抽象艺术及美术与资本市场的讨论等。这些论争与研讨，虽说是理论问题，但涉及的却是创作理念与观念的把握，也是学生最应该了解和把握的。所以说，将中国当代美术发展史的内容纳入到教学当中，能极大地拓展学生的美术视野和绘画理念，帮助学生形成新的艺术观念。尤其是非直辖市、非省会城市所在地的美术院校，由于美术展览、美术信息相对闭塞，那么，在教学中填充中国当代美术发展史的教学内容就显得更为必要，因为它不只是理论的讲授，还要求教学内容与当代美术发展接轨，秉承当代艺术的发展规律进行思考，这也是对中国美术史的教学内容进行改革的重要原因。

在具体的教学实施过程中，首先应该由教师完善教学大纲、教学进度表、编写教案和讲稿。在讲义的编写过程中，要运用已总结的线索，将中国当代美术发展贯穿起来，思路要明确，内容要精练，线索要清晰，这样的讲解才能深入透彻。其次，对教师的教学提出更高的要求，教师要熟悉了解中国当代美术发展史，关注当下美术的发展，对其中的诸多问题有自己的思考。同时，教师还要有一定的教学经验，有较丰富的艺术理论知识储备和掌握一定的绘画技巧，这样，在教学中才能有的放矢，使学生的收益最大化。

以上针对《中国美术史及作品鉴赏》教学内容的改革措施，虽说只填充了三项内容，但教师对所填充的内容要有较全面的了解。这就需要教师在备课上多下功夫，将两条线索、一项内容填充到教学中去，以改进传统教学，提升教学效果。当然，针对2+1填充模式的应用还有待完善，它需要教师在中国美术史的教学中不断地去探索、提高。

参考文献

4.中国美术鉴赏毕业论文 篇四

以下作业任选一题

1、请根据本模块主题，提交自己执教过的一节教学设计或课堂教学文字实录，字数1500-3000字左右。注意文责自负，格式和要求请参考本培训平台提供的范例（点击下载范例）。

说明：经辅导教师及专家推荐并最终通过“学员优秀成果”评选的教学设计或课例，由广东省普通高中教师培训协作组统一颁发证书，并推荐自愿发表于《中学生报.教育教学研究》“高中教师培训优秀成果展示”专栏（国内统一刊号：CN44-0088）。

2、请认真观摩本模块提供的视频课例，并简要说说你的收获和建议。字数要求500-800字。发现抄袭，零分处理。

本模块视频课例的收获：

我认为课堂教学环节很流畅，整节课下来很轻松。

我觉得他一开始的时候很用心去备课、备学生，准备很充分，态度很好。在教学情境布置也下了很多功夫，本节课的内容有关山水，他在墙面挂了一些课堂所需要的、重点分析的图片放在那里，制造了一个很好的教学情境。第二的方面，他有很好的一个课堂道具为他讲课分析提供了很好的条件。用“假山”作为道具，可以多角度分析内容、知识点，同时这也更好地引导学生。

他采用分小组的形式进行教学，有利于学生的发展，培养他们的能力。同时，教师本人他可以“走出讲台”与学生一起探讨、分析问题。他的手势与他的言语有很好的联系在一起，使学生的注意力更集中。他用理论与知识、图片相结合，有特写分析，也有局部分析。案例运用妥当，知识点交代清楚，学生具体了解。重点有选择性，选择关键知识点讲授。在活动部分，他利用学生生活与学习的环境作为活动案例。首先能使学生兴趣提高，再者也能够让活动更容易操作。同时在布置任务时，有明确地交待了任务要求；在做任务时，有亲身融到学生中，指导与协助他们完成任务；在完成后，有让学生点评介绍他们的创作感想；在最后有教师自我对学生的总结。

有知识点的延伸，让学生思考问题的同时也是对自己自身的反馈。

本模块视频课例的建议：

1、我觉得师生互动有点少了，可以多加一些互动环节，如：让学生自己分析美术作品给他们自己带来的感受？他们对美术作品的看法，了解程度？他们对山水画的认识？等等问题，让学生分析，虽然学生分析可能不到位，但有体验后会有更深刻了解的！

2、我也觉得作品《清明上河图》作为山水画分析不太妥当，它是偏民间风俗更多的一张作品，所以在选择知识内容要准确。

5.中国美术鉴赏毕业论文 篇五

学了美术鉴赏，在国内，我欣赏的艺术家就是齐白石先生。曾几何时，中国艺术品市场十年来的发生、发展，几乎就是以齐白石的作品为先导的。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交，齐白石的作品像是一架天平，衡量导引着中国近现代画作的市场走势，也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。因为他是齐白石，也只有齐白石才会有着如此大的感召力，而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”至“厚”的，尤其是他的山水画，构图出奇出新，无常法而又合法，貌似平淡的笔调，大气磅礴、纯净明丽。在似与不似之间，把山水灵性的本质，或轻或重、或明或暗地表现出来，大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。

在白石老人的山水画中，每一笔似乎都含着家乡的泥土气息，每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠，清新而华滋、深厚而通俗。白石老人的书法之好，在中国近现代画家中是少有的，好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”，后学“郑文石碑”，五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来，大画家没有一个不是大书家，董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。他的字，气魄雄强而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使长锋，故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点，气贯而神完，一气呵成。由于有好的书法根底，在白石老人的作品中，几乎没有经不住推敲的线条，他的线条质量表现在：绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。润而满。不滞、不滑，骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的，特别是他书法线条的过渡，如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。他的飞白也极有个人气质，特别是他的“撩笔”，峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献，半个世纪以来，无论是美术史学界的专家，还是画家、收藏家，甚至普通的百姓，齐白石的艺术成就是公认的。齐白石就像一座高峰，就像一把标尺，他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现，更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后，更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。莱昂纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。

而另一位我欣赏的艺术家就是达·芬奇。达·芬奇15岁开始在画家A.del韦罗基奥（AndreadelVerrocchio；1435～1488；意大利雕刻家，画家）的作坊学艺。1472年入画家行会。15世纪70年代中期个人绘画风格逐渐成熟。1482～1499年居留法国，除为米兰公爵服务外，还从事其它艺术和科学活动。这期间他的绘画作品不多，但《岩间圣母》、《最后的晚餐》则是他的代表作。1500年出游曼图亚和威尼斯等地。1506年回到佛罗伦萨，创作《圣母子与圣安娜》和《蒙娜丽莎》，还着手为市政厅绘制壁画。1507年再去米兰，并服务于法国宫廷。1513年移居罗马，1516年又到法国，最后定居昂布瓦斯。晚年极少作画，潜心科学

6.中外美术鉴赏 篇六

——美术欣赏课程随想

内容摘要：美术欣赏课将我带到了一个全新的世界，带到了一个我以前从未涉足过的领域，带到了艺术的殿堂，我可以说出那些美丽的作品的故事，它让我发现原来世界是这么美，原来一个人的思想可以这样表达，原来先代们是那么的智慧。

中国有句古话，物以类聚，人以群分。不管我们有多么不同，不管多么的有个性，但我们都有一个共同点——我们都被艺术影响着。

时代变迁，各个时代有它不同的主流艺术。欧洲文艺复兴时期，终于有人意识到人性的意义。以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，艺术家们创造了符合现实人性的崭新艺术。以意大利的达•芬奇、米开朗基罗和拉斐尔为首的14-16世纪的文艺复兴，为了回归人性的自由，他们高举古希腊古罗马艺术精神的旗帜，创造出的人物形象或雄伟健壮，气魄浑宏，或秀美典雅，高于平凡。艺术不再被教条所禁锢，人文的力量再一次被发扬出来。看着那个时代的不朽之作，即使是色彩不再光鲜，甚至不再完整，我依然可以想象出它们当年所能引起的轰动。同样在看到古希腊、古罗马的那些完美绝伦的雕塑时，我也一再惊讶于他们那天神一般让人只能仰视的造型。复兴，这个词的意义就在于告诉我们那一切曾经发生过，也会一直焕发夺目的光彩。在描绘教堂壁画的时候，米开朗基罗可以仰着脖子几天几夜，即使自觉已到极限，依然无法停下手中的创作；为了逼真的描绘人的肢体动作，达芬奇不惜去盗取人的尸体，只为了解人体的构造，在那样一个时代，这样做是难以被世人所认同的。对于达芬奇，似乎有一句很著名的话，说天才和疯子只有一线之隔。我并不十分赞同这句话。艺术创作不是每个人都能做得出来的。所以它们必定要经历某些不寻常的过程，而我们大多看到的只是结果。而且，就算是在做不是普通人会做的事情，他们很清楚他们在干什么。如果我们能够更加理解那些过程，我相信，这些艺术带来的将不仅仅是享受。

尼采说，美术（form art）是日神的造物，而与之相对的酒神则是掌管音乐的祭司。前者有各种各样的限制，如颜色的调配，画布的尺寸，是一种节制的艺术。而在我看来，二者的美虽然在形式上有所不同，但它们都能带给人心灵的震颤。而那种美所带给人的享受，将拯救人于苦难的水火之中，甚至在人太过沉醉时发出警告——它总是在关键时刻告诉人们——这就是人类存在的意义。某一时期所发生的重大事件构成的时代特征，让那个时代的人选择接受什么样的艺术。因而如今你的我们在看美术的历史的时候，经常会看到这样的字眼：“17世纪出现了巴洛克美术”、“18世纪洛可可风格在法国兴起”、“19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期”。被主流大众所接受，才能流传至今的东西，被我们看成当时的艺术，而能够名留青史的却只有屈指可数的几人。因而有时我也会想，如果你发现了某幅因为种种原因而保存到现在的一幅画作，如果它的一切特征都在显示这是一幅印象主义的作品，而最终你被告知它完成于17世纪，而书上没有告诉我们17世纪曾经出现过印象主义。是不是想为那位不知名的画家叹息呢？但时代的作用是巨大的，这种情况我想也不会经常发生，首先就算有，因为当时不被认为是有价值的，因而连流传至今的可能都没有。更何况历史也会出现断层，我们能做的只是在欣赏过去的同时不断前进。

记得曾经看过一个故事，一个男孩想知道什么是文化，于是他经过一番研究学习，最终得出了答案。“文化就在饺子里。”当然，不是字面上的意思。它真正可以引申为，文化不仅仅是一种结果——像已经包好的饺子一样等待人们去品尝。文化是包饺子的过程，饺子的历史，为什么会有饺子这种东西，为什么是中国人发明了它而不是美国人，可人们大多都会认为这种东西很美味，等等这些问题的答案，就是文化。文化就是这样，即使不是自己的，也会得到尊重。它是人类创造属于自己的东西的过程。而美术，作为文化的一个方面，是人类将想象力和模仿力发挥到了极致的结果。

时代造就人才。从一个角度来说，人的一生太过短暂，因而他的成就，他的知识，他的信仰，总会打上时代的印迹，逃脱不了时代的局限。当然这不是我一个人这样说，想要看得更远是哲学家的事情，画家们只用将生活中的美用他们神奇的画笔展现出来。而从另一个角度看，正是因为时代的不同，人类才创造出了如此纷呈缤兰的文化，从早期的古罗马时代完美的雕塑艺术，到后来的印象主义，洛可可艺术，巴洛克，哥特„„不同的人有着不同的信仰，时代将他们筛选出来，形成不同的流派，让他们的创作得以流传至今。

当然，那些从事发扬美的画家，无论他们笔下的美是来自美好的事物或丑恶的事物——对于艺术家来说有时候丑恶中也有美存在，那种唤醒生命的，惊人的美。在他们的画中也有思考，哲学的思想，并不为所有人所理解的，而不仅仅是表现美的，当然对于理解它们的人来说那也许是美的。比如说，并不是所有人都会喜欢印象主义的画，人们一开始还因为太抽象而将之视为劣质品。

最后我们欣赏到了中国的美术。外国的绘画或建筑艺术，无论他们有多精致，多写实，总给人一种疏离感。而中国的艺术，那些黑色的墨迹，行云流水一般在白纸上酝开，所表达的意境尽在不言中了。大象无形，至美无华。而中国的建筑艺术，其结构上巧夺天工一般的设计，与其周围的环境融为一体，诉说着更为贴近自然的情感。看着那些亭台楼阁，想象自己走在那雕廊画栋之间，觉得心都可以宁静下来，感受周围一丝的风吹与草动。那是一种真正的回归。

我一直都认为要有一定的文化积淀，才能对艺术品表达自己的鉴赏力，但我想有些人对好的艺术品有着天生的鉴赏力，因为美是共通的。而学习这门课程给我们提供了这样一个渠道，去了解和感受美术背后的故事。如果说科学技术教会我们的是如何生存的话，那么美术和其他艺术形式，则教会我们的是看待生活的方式。有了它们，生活才是完整的。

美术鉴赏课更好的培养我们，提高我们的素质，最根本地是提升了我们的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。美术鉴赏有益于我们灵魂的雕铸和人格的完善 艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用。满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高我们的鉴赏水平问题而是如何发展我们的价值取向问题。提高我们对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。

7.中国美术鉴赏毕业论文 篇七

1 美术鉴赏课的教学类型

1.1 以鉴赏为主的美术教学类型

美术鉴赏是指运用视觉感知对美术作品及美术现象进行感受、分析、诠释和评价, 理解美术作品与美术现象的活动。美术鉴赏的内容包括内容、形式、时代背景与情感等四个方面。首先, 鉴赏者要关注美术作品的内容, 其中包括题材、主题与内涵。题材通常是艺术创作者经过集中、取舍、提炼、创造而融入美术作品的事件。主题则指艺术创作者通过美术作品的全部材料和表现形式所表达出的基本思想。而内涵则是隐含在美术作品深处的, 隐性的意义, 是不同的鉴赏者感觉到、体会到的一种认知感觉。其次, 鉴赏者要关注美术作品的形式, “美术作品的形式即艺术的表现, 是内容的存在方式, 主要包括内部形式、外部形式与形式美。”再则, 鉴赏者要关注美术作品的时代背景。美术创作者生活的时代、社会状况等都决定和影响着美术作品。如荷兰画家维米尔的油画作品《称天平的女子》中女子凸出的腹部并不是怀孕, 而是当时流行的一种将垫子穿在腹部的时尚。最后, 鉴赏者要关注这件美术作品的情感。例如, 当我们在对齐白石的国画作品进行鉴赏时, 能体会到他笔墨之间传达的博大精深的艺术精神, 感受到简约大方、雄健浑厚的笔意传达的生命智慧。

1.2 鉴赏与表现相结合的教学类型

在进行美术鉴赏时, 面对不同的美术作品, 其鉴赏方法也应有所不同。在对一些形式相对简单的绘画作品和雕塑作品进行鉴赏时, 可以边鉴赏边利用美术工具与材料进行表现。例如, 在鉴赏俄罗斯画家康定斯基的作品《蓝山, 第84号》时, 就可以使用油画棒进行临摹, 体会艺术家是如何将色点融入山形和树形的轮廓中的, 感受这幅浪漫的点彩派作品的色彩特征。

1.3 美术鉴赏与其他学科相结合的教学类型

美术鉴赏可以与历史、文学、戏剧等学科相结合。美术作品的诞生与艺术家所处的时代是分不开的, 一些学者可以将美术作品作为珍贵的资料来研究历史。因此, 将历史与美术作品结合起来进行鉴赏, 有益于我们考察美术风格的形成、发展与衰落。例如, 中国十大传世名画的《清明上河图》以长卷的形式, 生动地记录了北宋的城市风貌。这幅巨作为学者研究北宋的政治、经济提供了依据。同时, 鉴赏者结合北宋的历史鉴赏画作, 会更加深切的感受到当时的绘画水平及其历史价值。

2 美术鉴赏的方法

培养大学生从审美的角度对美术作品作出反应, 并运用美术术语进行描述、诠释与品评是美术鉴赏的重要目的。因此, 教会学生选用适合的方法是美术鉴赏的关键所在, 下面就介绍几种美术鉴赏方法。

2.1 运用发散思维图的方法进行美术鉴赏

发散思维是大脑在思维时呈现的一种扩散状态的思维模式, 它表现为思维视野广阔, 思维呈现出多维发散状。因此, 在进行美术鉴赏时利用发散思维的方式进行, 有利于培养大学生的创造力与想象力。具体做法是选择一件美术作品, 将作品中包含的信息 (历史、艺术家、风格、创作手法等) 作为发散点, 并从此发散点出发, 找到相关的关键词, 最后形成一个网状的发散思维图。例如, 在鉴赏法国19世纪印象派画家莫奈的作品《睡莲》时, 我们就可以将“年代”、“色彩”、“国家”、“艺术家”、“思想”等关键词作为发散点。例如, 艺术家—克劳德·莫奈—法国—印象派—马奈、德加—光与色。通过此方法, 大学生可以发现各个信息之间的关联, 提高对美术鉴赏的兴趣。

2.2 运用微博等即时分享平台进行美术鉴赏

随着互联网络的发展, 大学生的学习、生活都离不开电脑与手机等移动通讯设备了, 他们已经成为了使用即时分享平台的先锋军。通过空间、博客与微博等记录心情、分享资讯。我们可以利用大学生的手机液晶屏大、像素高等特点进行美术鉴赏。具体做法是在微博中插入一件美术作品的照片, 然后号召学生都来进行阅读别人的感想并书写感想, 同时也可以转发或收藏。这种鉴赏方法的好处就在于参与面广、方便、快捷, 并且能够补充课堂教学时间短的不足。但应该注意的是, 利用这种方法鉴赏并不能代替实物鉴赏, 因此, 应尽量多的近距离接触原作。

2.3 运用比较的方法进行美术鉴赏

比较是人类对事物认知、区别的基础, 也是最常用的美术鉴赏方法。我们可以根据美术作品的艺术特点对两种或两种以上有联系的美术作品进行研究, 寻找其异同, 探求其规律的方法。例如, 在鉴赏绘画作品时将中西绘画作品进行比较会发现:其一, 中国画注重表现与写意, 而油画作品则注重再现与写实;其二, 中国画的色彩较为淡雅, 更多地运用线条造型, 而油画色彩写实与厚重, 主要用色彩与光来表现;其三, 国画注重意境, 常常运用留白法, 而油画则注重表现物象, 很少用留白法;其四, 国画运动散点透视法构图, 而油画则利用焦点透视法构图, 等等。运用比较的方法, 大学生可以透视中西方绘画之间的差异以及各自所取得的巨大成就, 进一步促进大学生对中西文化的了解。

2.4 运用临摹的方法进行美术鉴赏

临摹是指对绘画作品的仿制过程。虽然大学生不是专业的美术学习者, 但是选择形式、内容相对简单的经典绘画作品进行临摹, 有利于他们深入的理解作品内涵。另外, 经典绘画作品是人类宝贵的艺术遗产, 其艺术价值不可估量, 画面的构图、线条、色彩, 每一处都是经过艺术家深思熟虑完成的。临摹经典美术作品会使大学生了解其价值, 促进大学生的健康审美观的形成。例如, 在鉴赏新印象主义绘画作品《大碗岛星期天的下午》时, 我们可以模拟创作过程, 了解作品的构图、明暗、层次、色彩的处理, 加深大学生对新印象主义绘画的体会。

“操千曲而后晓声、观千剑而后识器”, 只有量的积累达到了一定程度后才能有质的飞跃, 多开展形式多样的美术鉴赏活动可以使大学生学习美术知识, 促进相关学科的学习, 提高审美情趣, 并获得精神享受, 甚至可以缓解学习压力, 释放抑郁情绪, 起到心理治疗的作用。

参考文献

8.美术鉴赏教学刍议 篇八

关键词：美术；鉴赏；教学

现行的美术教学大纲要求我们：通过教学，使学生熟悉美术的媒介与形式，理解和运用视觉语言，更多地介入信息交流，共享人类社会的文化资源。这与戴博斯所提及的视觉素养概念异曲同工，他认为“人们通过看与此同时产生其他感觉，并将看与其他感受经验整合起来的一类视觉能力”对人类的学习尤为重要。进而他以三个层次对此进行论述：首先是视觉感知能力，其次是在此基础上形成的对“视觉行动、视觉物体以及自然的或人造的视觉符号”的区分理解能力，最后是使用视觉对象符号交流的能力。因此，如果能够将视觉文化的相关理念与当代美术鉴赏教学相联系，对于提高学生的视觉素养有着极为重要的作用。

在视觉文化的视野中，有一种重要的鉴赏方式，即形式分析，这一概念是沃尔夫林提出来的。他在《艺术史的基本原理》一书中，以巴洛克与文艺复兴艺术形式作为对比，阐述其形式分析理论的五对基本概念：线描与涂绘、平面与纵深、封闭与开放、多样与统一、清晰与模糊。同时，他提出了一种由“早期阶段、古典阶段、巴洛克阶段”组成的支配艺术风格历史循环发展的历史规律，这一点明显受到黑格尔的影响。紧接着，罗杰·弗莱在《塞尚及其画风的发展》中发展了形式主义，他对弗莱对塞尚作品中所描绘对象的形状、空间、区域、平面、比例、尺寸、光线等诸多因素进行了细致的考察，认为塞尚的绘画是希望通过一种几何架构对现象的无限复杂性来组织安排作品的布局结构，这种空间构成能够赋予画面一种立体感的形式。当代的格林伯格则在传统形式主义基础上，发展出新形式主义。他认为绘画之所以能够区别于其他艺术如戏剧雕塑等，最重要的唯一特性就是他的平面性，而平面性在抽象绘画艺术中的凸显恰好完整的诠释了现代性的全部特征。

因而，在我们美术鉴赏教学中，面对不同的艺术作品与时代风格，我们不应当只是孤立地照本宣科，讲讲小故事，而应该对画面中的形式问题进行前后联系，从历史与现实的交融中阐述相关问题。例如，我们在讲解文艺复兴时期的绘画作品时，就可以将文艺复兴的作品与巴洛克的作品并置在一起，将沃尔夫林的五对概念融入到讲解当中。当我们面对波提切利的《春》和乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》，可以引导学生去观摩两幅作品在畫面形式表现中的不同，告诉学生波提切利使用的是意大利文艺复兴常用的线描技法，他在整个画面处理上并未完全采用后来达芬奇发明的空气透视与晕染技法，而是将所有物体的各个局部事无巨细地一一描绘。而乔尔乔内的作品中则采用文艺复兴威尼斯画派的涂绘技法，画面形式具有一种朦胧的效果，并非每个细节都一一交代清楚。同时，在画面整体布局中，虽然《春》的构图也独具匠心，但人物放置在整体效果上是相互平衡的，每一个人物形象都可以完全脱离其他形象而进行观赏。而在《沉睡的维纳斯》中，虽然只有三个形象（包括小狗），但形象之间具有主次关系，画面也显得更加统一集中。在此基础上，我们可以对文艺复兴时期意大利风格和威尼斯风格的技法进行常识性讲解，告诉学生，文艺复兴时期的油画技法和材料其实和我们现在的油画技法有很大的区别，《春》更多的是一种蛋彩画，而《沉睡的维纳斯》则具有了“油”的特性。

形式分析的策略是不是到此就结束了呢？显然没有。当学生初步了解了文艺复兴时期的艺术风格之后，我们可以将后来的许多相似题材作品与之进行形式上的对比。还是以乔尔乔内那幅作品为例，最典型的借鉴与区别就存在十九世纪马奈的《奥林匹亚》当中。我们可以将两幅作品放在一起再次进行比较，从而发现，虽然构图布局有很大的相似，但整体风格则明显不同，这种不同主要体现于马奈作品的平面性。正如格林伯格所述，平面性是现代艺术的最大特征，而这正始于马奈。

很多时候，我们在课堂讲解中对当代艺术中的抽象风格感到束手无策，我们无法对学生说明，为什么蒙德里安会画出那样的作品，为什么罗斯科简单地涂抹了两笔颜料，却引起了整个艺术界的轰动与随之而来的变革。主要原因在于，我们未能让学生更好地了解形式主义中的平面性问题。那么，通过对马奈作品的分析，尤其是将其与同样构图形式的乔尔乔内作品放在一起，这种视觉冲击性显而易见。通过这种并置，学生能够知道，即便是最具先锋性的现代艺术，其实也有传统艺术的根源。如果我们无法对其进行阐述，只是因为我们不懂。

通过这样的分析，学生可以大致了解形式分析的一些要素与方法，同时也可以将此带入到自己的日常生活当中，去发现我们平时认为理所当然存在的美。我们当下的很多经典设计，其实也和形式分析紧密联系。因而，通过相关策略的运用，学生可以将或许有些枯燥的课堂内容与身边熟悉的事物联系在一起，既增加其对美术鉴赏课程的兴趣，也激发起运用所学知识去生活中发现美、感受美的兴趣，从而让美术鉴赏课程在视觉文化社会中产生理应产生的教学效果。

9.西方美术鉴赏 篇九

姓名年级专业学号

1.以作品为例谈谈古希腊雕塑的魅力。

答：古希腊雕塑的魅力在于一种“真实的美”，它创造了一种美的综合，对于人体本身也充满了赞美，这些我们可以从这一时期的许多裸体雕塑上得以体会。米隆的作品《掷铁饼者》 高约152 厘米，雕像选取运动员投掷铁饼过程中的瞬间动作，这正是铁饼出手前一系列瞬间万变动作中的暂时恒定状态，运动员右手握铁饼摆到最高点，全身重心落在右脚上，左脚趾反贴地面，膝部弯曲成钝角，整个形体有产生一种紧张的爆发力和弹力的感觉。形体造型是紧张的，然而在整体结构处理上，以及头部的表情上，却给人以沉着平稳的印象。而且在作品中，运动员身体的线条和肌肉的雕刻都栩栩如生，这正是古典主义风格所追求的，既自然又真实。

2.米开朗基罗的艺术特色体现在哪里？

答：如果说，达•芬奇把艺术视为科学、赋予艺术以理性的话，那么米开朗基罗

则把艺术视为神圣的个人创造、赋予艺术以力量和激情。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他对男性人体美极力表现,甚至对女性人体的刻画也趋于男性化。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加

10.论文：中外美术鉴赏 篇十

课程名称

学院

班级

指导老师

学生姓名

学号

内容摘要：本文主要对艺术大师毕加索创作的立体主义代表作《亚维农少女》进

行简析，了解此画动态观察、散点透视等构图方法以及绘画风格。

关键词：《亚维农少女》立体主义毕加索

翻开19世纪到20世纪的光辉的艺术史，毕加索不同于同时期任何一位艺术家，他游走于众多风格流派之间，变换着不同的艺术手法，成为20世纪最伟大最自由的艺术家。他的一生辉煌之至，被称为二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。其中立体主义也许是个最丰腴的分水岭，许多方面都堪与意大利文艺复兴相比拟。它创造了更真实的艺术，其最大的影响是掀起了艺术家对于“真实”的新主张和新观念。立体主义的代表作《亚维农少女》打破了传统西方绘画的绘画方式与构图特点

一、绘画背景

毕加索创作于1907年的《亚维农少女》被认为是第一件有立体主义倾向 的作品。《亚维农少女》一画的出现是因为20世纪初人类文明迎来了新的曙光，在自然科学、社会科学等方面取得了长足的进步，新观念、新学说和新的生活方式共同刺激着毕加索艺术观念的改变。与此同时，还受到了塞尚晚期绘画中抽象视觉分析和几何结构见解的影响和非洲面具造型的影响。于是，1907年毕加索在非洲黑人雕刻和古代伊比利亚人艺术的启发下把塞尚对几何结构完美的追求推向了极致，创作出颇有争议、被认为是立体主义开端的《亚维农少女》。

立体主义的主将是毕加索和布拉克。立体主义在1912年之前被称为“分析立体主义” ；1912年到1914年，被称为“综合立体主义”。分析立体主义主张画家从不同角度累观察物象，然后把组成物象的诸多元素重新组合、相互叠置、相互渗透，成为一个整体。这种方法使画面本身产生一种立体感，但并不取消平面。这种方法非常近似于塞尚的方法。毕加索说：当艺术家每一次毁弃一个美的【1】发现时，不是压抑它，而是把他改造，使它更紧凑些。综合立体主义是分析立

体主义的成熟形式，综合立体主义的构成是从自然上升而来，而分析立体主义是从先验的抽象元素出发。如果说在分析立体主义破碎而剔透的机构中，还保留着强烈的光线和某种空间感，那么综合立体主义则不再从解剖、分析对象入手，而是利用多种不同的素材组合，去创造一个新的母题，并且采用食物拼贴的方法，【2】 使艺术接近生活中平凡的真实。

二、绘画内容

在《亚维农少女》这幅巨大的画面中：5个裸体的女人沿着对角线占满了画面，从左上角的手开始，到右下角蜷伏的身体作为结束把这幅画分成3个垂直部分，分别为站在左侧的女人、两个相对的女人以及右侧的两个女人。所有的人物

都被呈现在同一个平面上，人物的动作大胆，形象怪异。“亚维农”是毕加索的家乡西班牙巴塞罗那的一个小镇，画面中所表现的这些少女是一些正在街头拉客的妓女。画中的内容洋溢着强烈的不满情绪，具有浓重的嘲讽意味。

三、绘画风格

毕加索在这幅画中自由地联系形态结构，从而使少女们的头、鼻子或者眼睛大搬家，这些原本位于侧面和正面的形象被安排在同一个平面中展现出来。这些形象被毕加索大胆的省略了对细节部分的描绘，以近乎概念化的整体笔触表现肌体的起伏和面部五官，以简练的线条勾勒出主要形状，使人物外形更加有力。画面中的五个少女不单形态粗糙，而且还严重地扭曲变形。在有限的绘画空间内，将本来位于不同侧面的五官挤到同一平面中，就必然会随着某些形态位置的转移使客观形态发生扭曲、变形。人们能够在一个平面的绘画空间中，同时看到人物形象的不同侧面，形成一种“立体的认知”。[3]

《亚维农少女》画面中的人物及其背景是以几何形结构来处理的，画面上五个裸女的身体是由许多小平面组成的，这些小平面是画家从不同的角度上观察所得，如右下角的那一个少女呈现给观众的是背影，但是又可以开到面部的正面和侧面，这种构图手法在毕加索以后的作品中屡见不鲜。画家多角度的观察对象及视点的自由改变，是一种在运动状态中观察的结果，而少女的正面和侧面形象同时出现在同一个平面中，则是一种对客观对象自由联系和立体展示的结果。毕加索在这幅画中不仅仅展现了立体主义一种新的空间结构和新的观察方法，而且还包含了一种时间变化的因素。正是运用这种构图手法，毕加索在二维平面上塑造了立体空间，从而打破了传统上运用透视法塑造的三维空间的成规。

毕加索在这幅画中彻底抛开了静态观察、焦点透视的绘画技法，采用动态观察、散点透视的方法，随心所欲地改变视点，从空间处理上来看，毕加索也力图通过色彩学原理缩小任务背后的空间，而将她们尽量拉出来：作为背景的蓝色一般都有往后缩的效果，但给它勾上白边就取得了恰好相反的效果；肉粉色调的人体在蓝色背景的映衬下突显出来，她们睁着恐怖而神秘的眼睛，动态夸张蠢蠢欲动，仿佛从近距离上突然拉开幕布所见到的一组群体造型，给人以强烈的视觉感受。

在这幅画中，毕加索除了阐述了立体主义中应该从多个侧面、多个角度观察

和理解客观世界这个观念的同时，还传达出立体主义中对于客观素材自由组织的观念。毕加索认为：绘画就是平面上的痕迹和图形的结构，绘画不是画东西，而是画自己，图画本身就是物质世界，而不是庙会物质世界。也就是说，在绘画中重要的是表现人的想法，画画的人可以按照自己的意愿去处理平面上得痕迹和图形的结构。《亚维农少女》代表的立体主义这种动态观察、散点透视的构图方法及其对于客观素材可以自由组织的观念，对于西方绘画是一种创新，但是对于中国绘画而言，动态观察、散点透视的构图方法，以及对于客观素材自由组织的观念似乎已经习以为常。

11.中国美术鉴赏毕业论文 篇十一

关键词：中学美术鉴赏；艺术批评；美术教育

一、美术鉴赏与美术批评

美术鉴赏中的“鉴赏”在《美术课程标准（实验稿）》当中，被定义为：通过特定的媒介与艺术形式，逐步运用感知以及经验对美术作品进行感受、体验、分析、判断以获得审美的享受，并理解美术现象与作品的创造活动。而所谓的美术“批评”就是批判，在《西方艺术批评史》中指出，艺术批评应该是美学观点与艺术直觉的统一，而现代艺术批评的奠基人波德莱尔则提出，批评是有偏爱的、充满激情的。

在传统的观念当中，人们总是惯性地把批评等同于美术作品“好与坏”、“美与丑”来判断和解答。而实质上，美术批评的实际含义却要更加广泛、更深入的多，它是对美术形式、美术现象等所做出的论述、评价以及阐释。它不仅仅是一种积淀和升华，也是在不断地吸收营养又不断更新的过程。通过欣赏与批评，能够进一步从创造性和历史文化的背景上去揭示艺术品以及艺术史的意义。还能够帮助人们在欣赏艺术品、艺术生活的过程中形成自己的评价标准，促成反思习惯的养成和认知结构的不断丰富，从而成为人们接受美、懂得美、爱美的一个重要的途径。

二、美术批评在中学美术教学中有运用的必要性

而美术批评要以实现美术的鉴赏为价值。如果不能批评的去思考艺术，就会引发无数的问题和争议，也就不大可能在涉及艺术与文化的问题上取得属于自己的独立思考能力，就不会区分什么是高雅的艺术，什么是品质低劣的艺术。由此可以看出，美术活动是认知理解与社会文化实践活动。

中学美术课改后提出的“美术欣赏”不同于“美术欣赏”，美术鉴赏包含“鉴别”和“欣赏”两层含义，虽然只有一字只差，“鉴”更强调学生欣赏，鉴别、评述的过程，也就是一个批评实践的过程。从某种意义上讲，没有学生参与的美术批评的美术鉴赏课，就不是真正意义上的美术鉴赏课，只有当美术鉴赏被看成为一个个人经验的获得的实践过程时，我们的鉴赏教育才能让学生冲破以往观念里的对美的单一性，实现对美的多元化以及自己独特想法的理解。因为美术鉴赏就是要培养学生从各个方面去欣赏美、体会美的能力。

三、美术鉴赏批评对学美术教育的影响

在中学阶段，美术教育可以说是学生受教育阶段中一个非常重要的环节，美术鉴赏如何更好的融入到美术教育当中去，让学生有一个更为深刻的印象，从而提高学生自己的美术创作与审美意识，这些都是非常具有价值的思考与探讨。在中学美术教育中，鉴赏板块在中学美术教学中占到了一个很重要的环节，自然就成为了美术课程当中一项非常重要的环节，其中鉴赏内容分为美术创作的内容、美术作品的分析、美术鉴赏以及美术批评。由于中学生正处于青春期阶段，心理认知和年龄因素、思维和感情的的不成熟方面，在对一幅作品进行鉴赏和批评的时候，很难达到教师在讲授时候要求的标准。

在美术板块里的“欣赏与评述”领域里，内容包括的大都是一些国内外的名作、名画，普通的美术欣赏与评述，只能大概的了解了一些作品的作者、构图和一些背景的知识，但学生对作品未必有很深刻的印象。美术教育真正的目的在于培养学生的审美水平以及对美的敏感性。激发他们对美术、对艺术品的热爱，能够真正认识作品背后的潜在的无限的内涵，以做出客观的评价和对自己的评价，在中学阶段以及大学乃至更长一段时间，美术鉴赏能很好的让学生自己辨别艺术的真伪与好坏，通过广阔的接触美术鉴赏与批评，不仅是对美术作品进行评价，也能衡量他们创作出美术作品的进一步认识。

例如：中国宋元时期的山水画、花鸟画同欧洲文艺复兴时期的美术作品相对比和学习，截然不同的国家和艺术风格的美术作品就需要学生用不同的观察和评价的手法、角度去认识和学习。然而，学生大部分都会因人而异的会把自己的主观情感与态度带入到 批评的过程当中去，以及自身的喜好去评判，这也就要求美术教师要正确的引导学生进行客观公正的评价。一般的美术欣赏，只能由表象和直观的感受去理解和认识美术作品，然而加入了美术批评的欣赏，就不只是对作品最肤浅的认识，而是对作品更深一步的阐述，不仅要讨论艺术家的生平、经历、创作的意图和时代背景、作品的形式、意义的解释、价值等等。

美术批评，本身是一个探索的过程，通过这些方式，激起学生对美术批评的深刻认识，理解欣赏更加广泛的美术作品和更深层次的作品，最最主要的是需要把学生带入到一个审美意境之中，使学生在认识作品的同时，获得轻松愉悦的审美趣味，提高审美品味和能力的同时，提高自己的绘画技法创作。

美术鉴赏中，美术批评在中学美术教育里有着不可忽视的作用，促使学生在审美经验中提高审美意识，形成自己的评判标准或者尺度，以认识到美术真正的价值，从而提高学生的文化修养和欣赏美术作品的能力以及素质。

中学美术课本上所涉及到的美术鉴赏内容中，关于美术批评内容非常有限，而目前，中学美术鉴赏课程中审美能力、创新能力、批判能力不容乐观，但这一定也是今后美术赏析课的非常重要之所在，也是全世界学校美术教育发展的趋势，而作为一名中学美术教师，怎样立足国内，又能放眼国外，让学生获得更广阔的发展空间，是每一位美术鉴赏课老师要思考和努力的方向.其目的在于艺术作品中美的理解和自我实现。通过美术批评在中学美术鉴赏教学中的运用，能够不断发掘和发展学生的内在潜力和认知的过程，以此实现学生审美能力的发展，所以，在中学美术鉴赏教学与批评在教学当中的运用十分的必要。

参考文献：

[1]尹少淳《美术课程标准解读》北京师范大学出版社 2002.

[2]钟启泉《美术教育展望》华东师范大学出版社 2001.

[3]常锐论《美术学科教育学》首都师范大学出版社 2000.

[4]尹少淳《理想与现实中的徜徉》北京高等教育出版社 2005.

[5]张道一《美术鉴赏》高等教育出版社 1998.

12.浅谈高中美术鉴赏教学 篇十二

一、教师应不断提高自身艺术素质

美术鉴赏包括对美术作品的鉴别与欣赏。在这一过程中, 人们都是自觉不自觉地按照自己的审美标准、审美趣味、审美理想等从作品中获得具体的感受和体验, 展开联想和想象, 从而对作品做出某种评价。在此意义上说, 鉴赏要比单纯的欣赏要深刻一些, 它是在欣赏基础上进行的更高层次的拓展和延伸。所以, 在鉴赏课上, 教师要引导学生通过欣赏对美术作品进行感受、体验、分析和感悟, 并最终获得审美享受。因此, 作为一名高中美术教师, 要不断提高自身的艺术素质。首先, 教师要博览群书, 要大量阅读有关美术理论、美学、美术史等方面的理论著作, 提高自身对美术学科的认识;其次, 要从各种渠道如网络、美术展、博物馆等途径接受美术信息, 开阔自己的眼界, 关注当前美术的发展动向, 了解当代美术的特征;再次, 要加强与同行和专家的交流, 通过沟通, 在与他人思想的交流碰撞中提升自身的艺术素养。

二、教师要精心备课

美术课不同于其他课, 在课前教师要根据教学内容准备很多东西, 比如一些道具实物, 一些图片、影像资料、新闻典故等。在备课前教师要事先对教材作品进行分析, 要明确哪些内容要重点分析鉴赏, 哪些只需要做简单介绍, 哪些无需在课上讲解, 只需学生在课下阅读鉴赏后自己查资料欣赏即可。另外, 教师还要对在教学中使用的美术作品材料事先选好题材内容。对于鉴赏课来说, 最重要的就是要在课堂上引导学生发掘每件作品最突出、最本质、最感人的地方, 并能对其作深刻分析, 让学生在剖析中发挥创造和想象, 逐渐培养他们的艺术修养和创造性审美能力。

三、教师的授课方式应该灵活多样, 以此激发学生的兴趣在教学中, 学生作为学习的主体, 只有在实践学习活动中,

才能充分发挥自身的学习积极性和主观性, 才能调动自身的潜能。因此, 在教学中, 教师在出示完鉴赏作品后, 不要急于讲解, 而应该让学生先进行自主的欣赏, 形式上可以单独鉴赏, 也可以以讨论的形式进行, 让学生对作品产生第一印象, 然后教师再进行讲解, 并在讲解的过程中给学生留下一些思考题, 以此引导学生思维的方向。其次, 教师在教学中可进行情境创设, 让学生从中品味艺术的无限魅力。每一幅优秀的绘画作品, 都是作者花费巨大的精力和时间才完成的, 里边有作者丰富的情感和思想, 也包含了作者的个性特征或意蕴, 或某种意味等精神内涵, 即意蕴美。在审美直觉刺激了鉴赏者的感觉后, 他们将不满足于停留在表面的连锁反应, 这时教师应积极调动自己的生活体验和审美经验, 激起他们丰富的想象和情感。教师若能充分利用电化教育法、语言描述法、情境设置法等办法, 往往会事半功倍。

四、利用多媒体, 收集资料, 在网络中鉴赏美术

信息技术现在已经成为主要的教学辅助手段, 学生也非常喜欢利用网络找寻一些自己感兴趣的学习材料。高中生由于高考的压力, 学习任务繁重, 他们没有足够的时间去博物馆或者展览馆对绘画作品进行细致的鉴赏, 而且一些城市也几乎没有博物馆和画展。但网络却解决了这样一个难题。无论是画家的生平材料, 还是作品简介, 绘画的各种流派及发展趋向等, 学生都可以在网络上找到, 应有尽有。学生通过完成教师布置的网络欣赏作业, 可以对作品进行巩固、拓展、延伸。因此, 在教学中, 美术教师可以和计算机教师合作, 让学生与网络亲密接触。此外, 在鉴赏外国美术作品时, 学生对作者和作品的历史年代以及时代背景往往知之甚少, 理解起来十分困难, 这时网络就成了很好的帮手。运用网络不仅能查到大量与作者相关的文字资料和更多的作品, 帮助学生了解作品的背景, 而且能使学生对画家和作品有更深的了解。