传统工艺美术在茶包装设计的应用论文

传统工艺美术在茶包装设计的应用论文（精选8篇）

1.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇一

3.1茶类网页版式与中国水墨元素中的“章法构图”

茶类网站页面设计师在设计时，第一步要做的就是进行构图，就是最优秀的创意也必须从构图开始，只有通过构图形式的变化，才能将视觉语言效果呈现出来。在我们国家的传统水墨画中，构图被称之为“布局”或是“章法”，在水墨画中是十分重视构图的，他不是遵从欧洲国家的透视理论，相反的是具有自身特点和呈现方式的，比欧洲国家的绘画更有随意性，使得画面中融入了画家更多的思想意识。在构图的过程里，我们国家的水墨画是比较重视“计白当黑”，巧妙构思保留着大小、主次、轻疏不同而形成的“空白”，给观赏者留有丰富的想象空间，也使画面更加的独具特色。我们在设计茶类网站页面时也要这样去做，将我们国家的艺术审美形式融入到设计里，让网页中游走着“空白”，给设计师和浏览者的心灵沟通提供平台。现在茶类网站页面设计流行简约同意境相结合，茶类网站页面设计可以参考我们国家传统水墨画的构图原则，通过简洁的概括水墨画以及再应用来提高页面设计的意境，使得网站页面设计多元化，例如敬庭尧，他在设计个人网站时，选用的就是水墨元素的设计，它的网站将水墨的优美与页面中的空白呈现的出神入化、惟妙惟肖。茶类网站页面设计中主要运用水墨这种极具民族特色的视觉元素，在配备墨印、印章、水印以及宋体字，文字和图案遥相呼应，创造出一幅完美衔接的构图搭配，给人们浏览网站页面时带来一种书香气韵和视觉上的冲击。

3.2茶类网页设计中中国传统色彩的应用

在茶类网站页面的艺术设计里，最重要的视觉元素就是色调，和谐的色调搭配可以产生强烈的视觉冲击效果以及艺术的渲染力，让人们记忆深刻。在设计里，色彩关系到所有的设计元素，是不能缺少的一部分，在茶类网站页面设计中，吸引浏览者眼球以及让其自发进入网站了解网站内容和阅读网站内容最为关键的.就是色彩的搭配，色彩肩负的任务是十分重要的。亚洲传统色彩的特点是神秘而又婉转、含蓄，在传统色彩中包含着悠远的历史文化和历史文明，蕴含着古老民族对未来幸福生活的憧憬和向往，吸引着全世界人们的关注。在我们国家的传统色彩中，青色、黑色、赤色、白色、黄色这五种颜色分别代表了我们国家传统文化中的东方、西方、南方、北方、中部等五个方位以及金、水、木、火、土等五行，我们国家的色彩文化和大自然、宇宙世界、哲学理论、伦理道德等许多观念密切融合到一起，组成我们国家独有特色的传统色彩文化。在我们国家的历史记载中，最早开始使用黑色、白色这两个颜色的，还有不同深浅的赤色，而且被广泛的运用。所谓的赤色就是我们常常说的红色，红色是我们国家人民最喜欢的颜色，也是日常生活中运用最广泛的颜色，它蕴含着许多种不同的含义，有个非常贴切的词语就是“中国红”。我们国家茶类网站页面设计就能够把网站页面的主色调设计成不同成色的红色，用它来呈现出我们国家茶文化浓厚的历史韵味和历史意义。

3.3茶类网页设计中汉文字的应用

信息的重要载体与表现方式就是文字;我们国家汉字的独特形状表现着我们中华民族的传统文化特色，且它有思维导向与图形表意的作用，是构成网站的基础。在茶类网站页面设计的过程中，有些设计师也许会忽视了文字排版所发挥的重要作用;现实情况是，在网站页面所有内容中，所占比重最大、最多的就是文字信息。网站页面中除了大段的正文描述外，像其他的，例如网站页面标题、引导、指示信息、文字链接、说明图片等内容，这些内容也不能离开文字表述。我们国家和古代印度、古代巴比伦、古代埃及四国被称之为世界的四大文明古国;在这四个文明古国中，我们国家的文字是一直被运用的，从来没有出现被停用的情况，一直不断被改进，不断被完善，一直被沿用到现在，追溯文字的发展历程，我们国家的汉字经历了甲骨文、金文、大篆、小篆、隶书、楷书、行书、草书等等的形式，最后在象形文字符号的基础上演变成为我们现在所通用的方块汉字，直到现在它依然保持着顽强的“生命力”。有个名字叫“悟空堂陶社”的网站，它就是采用我们国家象形文字的独特之处，把“悟空堂”这三个字做成拥有十足意蕴的独特标志，这种设计让浏览者感觉像是回到了原来的自然意境中;茶类网站页面中对细节的一些问题进行了独特的处理，比方说字号的大小和字号字体的选择都进行了特殊的处理，这些细节之处都充分表现出我们国家茶类网站页面设计正在努力朝着突出本国特色的方向发展。目前，我们国家茶类网站页面上的字体多数是选择偶数级别的字号来决定字体的大小，像是2pt或是14pt，这样做的好处就是页面上多行文字的边缘处不容易形成锯齿状;与此同时把行距之间的距离调大，这样做可以改观过去汉字在页面上拥挤杂乱的现象，科学的调整文字版面之间的间距与节奏;最后去除了过去一味的追求像欧美国家网站一样美观的外表，而选择小的文字字号，进而影响到文字信息的阅读效果的这种做法。

4结束语

总而言之，我们国家传统的文化元素不但是传承技巧和智慧的语言，同时也代表着设计师们独特创意的心声。这就要求我们在设计茶类网站时候，站在我们国家传统文化的基础上，不断的寻求新的发展和创新。在设计网站时将中国元素的图案、形状、意境、色调进行有机融合，以此来完成网站页面设计的创新。

参考文献

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[2]高展.我国茶叶电子商务市场现状分析及营销模式研究[D].西南大学,.

[3]郑莎莉.基于网络数字媒体的茶文化推行方案设计实现[D].上海交通大学,2014.

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[7]祝晓铭,王艳平.高校站Banner的设计应用研究[J].现代计算机(专业版).2015(33).

作者:徐天乐 马芳芳 单位:秦皇岛职业技术学院

2.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇二

我国的民族文化博大精深, 源远流长, 其最典型的文化要数中国的汉字, 汉字的产生是中国美感最杰出的表现形式 ( 图1) 。汉字的发展历程为甲骨文到篆书到隶书到楷书到草书到行书等。作为一个中国人, 在对汉字的欣赏方面带有个人情感, 同时因为汉字给人类带来良好的视觉享受, 汉字的产生体现了我国的特色, 并且形成了具有中国特色的风格。

中国的茶文化同中国的书法字体有着不可分割的关系, 书法中的汉字“茶”, 是古代的人类借助书法这一手段对茶叶浓厚古典文化的介绍和传播。通过汉字的表达形式给人类以视觉享受, 在第一印象上做文章, 对茶叶文化做简要介绍, 向人类展示我国在文化上的杰出成就。

西湖龙井在我国的所有茶叶中最为出名, 茶叶的包装如图2 所示, 它的产地为浙江杭州西湖的狮峰、龙井、五云山、虎跑一带, 在过去曾经将其分类为四个品种, 即:狮、龙、云、虎。在民国时期之后, 又增加了一个品种“梅”, 在大家看来其中要数狮峰山生产的茶叶口感最好。现在对西湖龙井的品牌进行统计可以了解到品牌总数为20 多个, “贡”牌在所有的品牌中地位最高, 同时在中国的茶叶界地位颇高。

观察图2 可以发现, 茶叶的包装材料为竹子和纸, 再在纸上加上汉字和书画, 最显眼的要数行楷字体“龙井”二字, 文字给人以充满仙气的感觉, 简单而又不失庄重, 同时又有着古典的运维。彰显了汉字文化的美感, 在茶叶上用于修饰的花卉图形, 是外国艺术特色的表现, 和中国艺术特色结合在一起, 突出东西方文化的优点。纯天然的包装材料使人感受到大自然的气息, 让人类对它产生亲切感。在图形的设计中, 把黑色当作背景颜色, 红、蓝花卉做点缀, 金色丝线围绕四周, 低调而不失奢华, 兼具古老感和现代感, 给产品的形象加分, 这样的包装形式, 给人清爽的视觉效果, 在整体效果的塑造上起着举足轻重的作用, 丝线和花卉交相辉映, 构成和谐的画面。金色丝线的使用体现了它的奢华, 丝线的绵长有着美好的寓意。观察茶叶包装的内在构造, 可以发现一幅壮丽的人物山水画, 加上中国俊秀的汉字。两者的结合不仅表现了茶文化的深厚, 还体现了茶叶的清新, 仿佛能够嗅到茶叶的芳香。从包装的整体来看, 它富有美感而又不缺乏实用价值。

在茶叶的包转设计中, 显眼的“龙井”二字的使用体现了设计师的聪明才干, 这样的做法体现了中国汉字的较高地位。在整体包装上, 都比较注重汉字的使用, 这样的设计手段是为了迎合茶文化的特点, 实现茶文化的传播和表达, 同时也是过去和现在的结合, 整体看来可以发现设计手法兼具高雅与通俗的风格, 使得人类的视野更加广阔, 在人们的心中产生深刻的印象, 增加茶叶的知名度。

2 花卉纹样在茶叶包装中的运用

在产品的装饰图形中, 花卉图形可谓是数不胜数, 花卉纹样可以说丰富多样, 美不胜收, 得到大众的一致好评。同时花卉经常在文人骚客的作品中被提及, 作为文学作品的高频度名词, 富有浓厚的中国文化底蕴, 很多时候被当作是大众审美标准之一, 并且经常被视为人类品质的代表, 所以长期下来就形成了一种花卉受到推崇和痴迷的现状。花卉植物起源于很早, 因此见证了社会和人类的发展, 人类有理由把它视为中国文化的杰出代表, 从而实现花卉图形的大量使用。花卉图形在中国文化的成果过程中, 由最初的萌芽走到今天依赖于它的文化意义, 走向全球各地。

3 龙纹在茶叶包装中的运用

图3所示, 龙纹就是以龙的模样为模板进行制作用于祈福以及成为神圣的代表的图形, 早在新石器时代, 人们在心中就对龙的模样有了初步设想。在铜器盛行时期, 龙的模样被人类刻在了铜器上。最早形成的龙纹是夔龙纹。它的身上集合了动物界许多动物的特点, 它的出现来源于古代人类的假想而并非实际存在, 以奇怪的假想图形出现在人类的视野。在刚开始的时候, 它的模样大体上和蛇相似, 所以在古代存在“龙蛇互化”的说法, 还有龙有的时候像蛇, 蛇有的时候像龙等各种说法。当然蛇在动物社会中也居于较高的地位, 很多成为中华民族祖先的形象都具备蛇的模样, 比如:盘古、女娲等, 他们中下半身多为蛇的模样, 在人类社会中很受欢迎。同样龙在中华民族被给予很高的地位是因为它是人类根据蛇的模样而假想的正面动物, 外加以其他动物的模样为依据, 使得人类对龙的形象以及图形产生强烈的好感。在商周时期, 大量铜器上面雕刻着龙的图形, 龙的所有器官和部位都或多或少的被强化或者弱化。为了增加形象的庄重和神秘感, 在同鹰嘴相似的地方进行强化使得特点更加明显, 在对爬行龙形象的刻画上, 在它的眼睛钩嘴、尾巴处进行强化, 把回纹当作背景图形。

将龙腾飞的形象印装在茶叶的包装上, 寓指人类对未来的美好期望, 对茶叶大卖景象的期待, 同时是设计者对社会以及人类现状改善美好愿望的具体表现。图形的基本构架由竖直线和水平线组成, 弧线实现对构架的补充, 这种做法充满了人类的智慧。在构架清晰明了的前提下, 添加上俊秀或者大气的字体, 在包装的视觉效果上产流露出民族的气息, 设计结果融合了全国各地的文化, 体现了民族特色。随着经济的发展, 人类生活水平在逐渐提高, 对于生活质量水平提出更高的要求, 更加关注产品的包装。而这个包装的表面工作做出了奢华高贵的效果, 刺激更多消费者在产品上的消费。

4 云纹在茶叶包装运用

同花卉图形一样, 祥云图形在人类的潜意识里居于重要地位, 受到广大人民群众的欢迎。如图4 所示, 大家知道“祥云”中的“祥”代表着美好的意思。这样一来它就不只是指简单的云朵, 它还能够代表人类在内心自然世界而形成的感情, 实现人与自然和谐发展。“云纹”贯穿了整个社会的发展, 富有浓厚的民族气息, 使得它走进人类的精神世界, 对其产生欣赏的态度, 从而形成云纹的大量使用。

在茶叶包装样式的设计工作中, 传统图形经常被使用。这样一来, 不仅将传统图形展示给了大家, 也是将传统文化展示给大家, 更是传统文化存活在现在的表达方式。在纹样的使用前提下, 设计手段追求现代化, 借用现代手段将简单的图形构成复杂美妙的样式, 在保证传统文化发展的同时, 还体现了设计师的时尚理念, 在设计效果上取得卓越的成就。

结语

中国传统图形中的设计元素从古代流传到了现在, 是传统文化界的宝藏, 它给祖国传统文化的发展带来了不可估量的帮助, 倘若传统文化得到传承和发展, 其中的设计元素得到人类的继承, 然后跟上时代的潮流, 把传统文化的设计元素运用到现代艺术品的设计以及制作中去, 我们国家在设计方面一定会取得新的成就, 有了新的突破。把它们运用到现代艺术品中, 在实现产品促销的前提下, 还实现了传统文化的传承和发展。

摘要：中国传统图形具有独特的韵味和艺术特色, 在我国民族文化中占据着重要地位。随着时间的推移, 民族文化开始走向世界舞台, 而传统图形在商品包装上所发挥的作用也愈加重要起来。本文以此为背景结合茶产品的特点分析了传统图形在茶包装设计中的应用。

关键词：传统图形,茶叶包装,包装设计

参考文献

[1]车桂贤, 彭嵘.中国传统装饰图形在包装设计中的应用[J].艺术科技.2013 (05)

[2]吴湘君, 王美艳.论中国传统符号在现代包装中的应用[J].包装学报.2012 (01)

3.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇三

关键词：传统美术色彩；现代包装设计；结合

在包装材料中合理使用色彩显得尤为的重要，这样不仅仅可以引起消费者的兴趣，提高消费者的购买力，还能充分地展现商品的价值。如今，商品在进行包装设计时，不仅仅需要对整体进行合理的搭配，并且还需要合理运用色彩，这样才能充分地展现商品的属性。中国传统的美术色彩具有一定的文化底蕴和思想内涵，将传统色彩融入现代包装设计中，不仅可以充分展示我国传统文化，并且还能提升设计的美感，最大限度的引起了消费者的注意力，从而促进商品的销售。

1 中国传统美术色彩在现代包装设计中应用的意义

1.1 体现商品的商业属性

随着社会的不断发展，人们对物质的要求也发生着改变，传统的商品的包装设计已经无法满足人们的审美需求，商业化的配色无法引起消费者的购买欲望，严重影响了商品的销售。随着近些年来复古风的兴起，使得人们在消费方式上发生了改变，逐渐追求个性化的风格，对我国传统的文化和色彩搭配充满了兴趣。所以，设计师在进行包装材料设计时，需要充分考虑人们的需求，学习我国传统的美术色彩，并将传统美术色彩巧妙地融入当今设计中，实现传统和现代的平衡，既可以满足消费者的需求，也带动了商品的销售。

1.2 提升商品的文化价值

民族的文化可以借助色彩来进行反映。任何一个国家和民族的发展，都必须依靠文化来进行支撑。我国具有丰富的历史和深厚的文化底蕴，促进了传统美术色彩的发展。传统色彩对宁静祥和、朴素的追求，是我国传统哲学的一种表现方式。因此，设计师需要在包装设计中体现传统文化的价值和底蕴。

1.3 丰富现代包装色彩设计的审美思想内涵

在进行包装设计时，需要对外部的装饰进行充分的考虑，根据不同的商品来选择色彩，进行搭配。鲜明的色彩体现了我国传统色彩的内涵。传统美术色彩是伴随着我国发展形成的一种色彩形式，可以直观地反映出人物内心的情感和生活状态。在传统色彩的使用中讲究用户的体验度，只有这样才能俘获消费者的芳心。

2 中国传统色彩在现代包装设计中的应用

2.1 重视红色系的应用

将传统色彩使用在現代的包装设计中，需要充分重视红色系的颜色。我国对红色系有着独特的情怀，在人们心中的地位是无可替代的。纵观包装材料的发展历史，将红色使用在包装材料中并不是现代社会才出现的，而是在遥远的古代就已经存在。比如婚庆、装饰、衣服等都采用了红色，可见红色在中国人们心中的地位。例如，中华烟在进行包装时就采用了国人喜欢的红色，加深了消费者的印象，从而带动了商品的销售。中华烟包装，将大红色作为底色，使得外观更加的端庄和富有美感，带给消费者强烈的视觉冲击，然后，单调的颜色可能会使消费者产生审美疲劳，所以设计师在大红的底色上加入了黄色来进行颜色的协调。不同颜色形成鲜明的对比，使得包装更加深入人心，更加吸引人们的注意力，这不仅仅符合中国人的审美，而且也对我国的品牌进行定位。现如今，设计师在进行包装设计时，将红色发挥得淋漓尽致，使得我国的民族特色彰显出来，有助于我国文化的传播。

2.2 重视原色的应用

随着社会的不断发展，商品包装使用的颜色也更加的丰富多彩，为了更好地吸引消费者的购买兴趣，设计师往往会在物品的包装上使用亮度高的颜色。如何将原色概念使用在现代化的包装材料上，是当今设计师需要考虑的事情。可以通过以下几点来对进行分析：首先，需要对色彩的对比面积进行合理地使用。色彩面积的对比，是指将不同色彩所形成的画面在整个比例中所占的面积大小，从而产生的色彩对比。科学、合理的色彩面积对比使得包装材料具体独特的魅力。例如色彩的种类固定不变，对色彩的面积进行不断地调整。如果面积逐渐变大，则色彩的对比效果增强，如果色彩的面积变化，则相应的色彩对比效果就会减弱；如果色彩的面积相等，则想要突出的色彩对比度则相同，色彩的面积存在较大的差别，则色彩的对比效果就会一个增强一个减弱。其次，需要对色彩的形状进行比较，即色彩形状相互的离散关系。不同形状的色块越集中，带给消费者的视觉冲击越强；色彩的图形越分散，则带给消费者的视觉冲击则越弱。最后，需要对色彩的位置进行充分的对比。不同颜色的距离越近，则产生的对比效果就越强，当两种不同颜色进行重合时，则呈现出来了的效果会更强。

2.3 重视正色的应用

黑色和白色在色彩中属于正色，但是也属于无色，将白色和黑色使用在包装设计上，可以带给人们一种宁静祥和的感受，使得保证设计具有特殊的魅力。所以，设计时越来越多的使用白色和黑色，动静结合，包装设计的色彩就更加具有对比性。包装设计在色彩上进行凝练，可以给人们留下更加深刻的印象，人们可以借助丰富的想象力可对色彩进行分析和想象。包装设计中颜色种类的使用并不是越多越好，只要可以突出物品的属性即可。白色和黑色在包装设计上的使用，使得物品的特征更加的明显，并且黑色和白色的强烈反差可以起到画龙点睛的作用，深受大众的喜欢。

2.4 重视传统美术色彩文化的应用

我国传统美术文化中最典型的代表就是京剧脸谱，其在色彩的使用上是其他作品无法媲美的。京剧中，可以分为生、旦、净、末、丑五个角色。最初这五个角色是为了表现人物的身份、地位、职业，随着社会的发展，逐渐转向人物的素质、性格等方面，观众借助脸谱上的色彩可以直观地了解到京剧中人物的形象和性格特征。京剧脸谱中色彩的使用，直观地反映了我国传统美术中色彩的魅力，特定的颜色具有特定的含义。比如红色代表的是老实忠诚的人物形象；黄色代表的是残忍、暴力的人物形象；白色戴白的是阴险狡诈的人物形象；绿色代表的是侠肝义胆的人物形象；蓝色代表的是刚正不阿、骄傲不逊的人物形象；紫色代表的是成熟、稳重的人物形象；黑色代表的是公平、公正的人物形象等。

色彩的使用具有特殊意义的象征。色彩不仅仅是对物体本身颜色表现，更是对更深层次意义的表达，每一种色彩都具有丰富的内涵。

3 结语

随着社会的不断发展，人们对物品的外部包装提出了新的要求，设计师也在不断地进行探索。我国的传统美术具有较强的文学韵味和价值，是人们传递思想、传递感情的一种特殊方式。美术可以借助色彩直观地反映人们内心的思想情绪。通过美术对包装进行设计，可以丰富人们的精神生活和物质需求，是当今社会必不可缺的一种元素。

参考文献：

[1]刘冬梅.论中国传统色彩在现代包装中的审美意义[J]. 包装工程，2012（14）：87-90.

4.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇四

关键词：传统工艺美术 现代展览展示设计 影响

在当今社会中，传统工艺美术已经愈加清晰地分流成为两种主流发展势态，一种趋势是指对传统工艺美术的继承和发展，而另一种趋势是指作为传统工艺美术本身其与现代设计的高度融合。我们不难看出，展览展示设计作为现代设计的一种形式，也很明显的承载了第二种发展趋势，从而与传统工艺美术相协调，相磨合，相影响。

一、元素：形式上传统与现代的结合

现代展览展示设计中，大量繁多而又微妙的元素成为收获不同程度效果的关键。然而，如果说要搜寻传统工艺美术进入现代展示设计的痕迹，那么我们可以轻而易举的在元素的运用上寻到线索。传统元素与现代设计的互相渗透的证据则垂手可得。

（一）造型元素

首先，在造型元素方面，传统工艺美术渗透到现代展示设计的例子就比比皆是，在很多展示设计作品中，设计者都会为其带入传统工艺美术遗留下的古典元素，比如剪纸元素的装饰，古典纹样的运用，镂空形式的雕琢等。

很多设计者为了获取元素带来的复古观感，赢得更多思想复古的观者的青睐，采取运用传统元素进行设计展示的方式。设计者刻意强调“民族特色”，收获其在本民族观者心理投射出的效果。更有甚者，或许将多种传统元素强行杂糅后加至现代展览展示设计中却得到了与之相反的效果。然而我们却可以看到传统工艺美术中基本元素进入现代展览展示设计的痕迹，这其中也自是不乏应用优秀的作品。

很多设计设计者都会选择将古典“菱格纹”带入符合传统主题的展示设计之中，如东阿阿胶的展示设计平台中，一些专业设计团队为其设计的展示效果图，菱格纹的纹样华美而庄重的装饰在展柜之上，而作为古代药房这一木结构建筑遗留下的其他传统元素吗，也适时的配合着古典纹样设计在展柜的上方，以此取得仿古拟古的效果。

（二）色彩元素

设计者一方面将传统元素果断的带入展览展示设计方案之中，另一方面，他们又极尽所能摄取对于观者想要获取“传统”这一效果的心理期待所需要的视觉冲击力，这种冲击力也顺其自然地反应在色彩的表现与传达之中。

在展览展示设计中，多种色彩的结合可以传递出设计师的极度用心，设计师们希望通过这种直观的表达方式传递出其自身所欲表达的情感，而观者亦可以在观看后的第一时间内得到这种传递出的情感，并映射出受众们早已无意识的预设好的心理期待。

设计者们迎合的结果，就是越来越多的展览展示作品走在“仿古”的道路上，那么，展示设计作品中表达“古意”的一个重要手段就是运用具有传统工艺美术中常见的色彩元素，如大红色、赭石、石绿等等。比如上海世博会中国馆设计，其所用的主色即是属于传统工艺美术中倍受青睐的红色，也被人亲切的称作“中国红”。红色在中国古代社会中是一种裹挟着极深寓意的颜色，有时它以“警示”、“辟邪”的意义出现，有时他又寓意“吉祥”、“喜庆”，而又有时，它以“自信”“高贵”的身份展现在大众眼前。在传统工艺美术的语境之中，他亦是以此三种身份频繁出现，很显然，“中国馆”携着如此富有极端意义的红色出现，既是表现出一种对于“传统”的延续，亦是表达出国人给予的积极的心理期待，同时又极尽所能的传递出设计者赋予其“东方之冠，鼎盛中华”的深刻含义，完美的将传统工艺美术语境与现代展示设计融而合一。

二、美学：现代对传统的审美意趣的继承

传统工艺美术元素无处不在的渗透在其中，很多设计者认为，对于当代设计而言，要走出一条“民族个性”的道路，就必须根植于民族文化土壤中，向传统工艺美术学习，并进行具有创造性的转化，使中华传统设计元素用在当代设计中既具有“民族个性”又有“时代性”，这样才能真正走向“国际化”。

当传统工艺美术进入到现代展览展示设计作品中，展示设计作为现代设计的一个部分已经为其所深深影响，现代展示设计自然也不会单纯的摄取古典元素而排弃其内在蕴含。自然而然的，一部分展示设计作品已经深刻的继承了传统工艺美术语境下的美学观念。

（一）传统工艺美术语境下的“意境”之美

早在南北朝时期，刘勰就已经提出“神与物游”的美学观念，在此他强调主体与客体的关系，认为“物”是承载主体本身在创造过程之中“神”游的载体。那么，古代艺术家们在创造作品的同时也多是认为艺术作品可以传递出艺术家们的主体观念，这一美学思想也深深影响着当今社会的一部分艺术家。于是，在进行工艺制作的时候，古代一些艺术家打破了工匠们常常为了“用”从而制作的功利性制作，在很多传统工艺创作时候融入了主体的思想感情。理所当然的寻求艺术表达过程中的“意境”美。传统艺术的语境下，那些现在被我们分类在工艺美术的一类中的艺术家们就是在探寻艺术品的内在“意境”美，他们极力寻求“象外之象”、“无声有声”的艺术效果。

然而，艺术家们苦寻的“意境”美学终于体现在传统工艺美术的各个方面。如美轮美奂的宋代影青瓷，如寓意深广的皮革镂花，如以娱众乐的灯影戏等。这里每一种艺术创作都是艺术家追求探讨“意境”美的结果。

（二）“意境”美对于现代展览展示设计的影响

艺术家们努力营造的“意境”也是现代设计者们多年研究后所追求与承袭的美学思想，代代相传的工艺不仅在形式上走进了现代展览展示设计，在思想上也逐渐成为评判具有“民族意识”的展示设计是否带有“感情”的标准。这种传统文化语境下的特有的审美思想，对于那些携带“民族意识”的“中国化”的展览展示设计走向世界是具有极其重要的意义的。

《考工记》曾经提到：“天有时，地有气，材有美，工有巧，和此四者，然后可以为良。”主体与客体关系的辩证统一都阐释在这句话中，设计者既要具备工具的丰富，又要孕于天时，且加诸以自身变化之功，则“可以为良”。“意境”的主观阐释与客观结合，造就成功的设计作品。如在一些展览展示设计的橱窗设计之中，雕花楼空与古典园林中窗户的结合常常被挪用在橱窗设计中，这就可以配合设计者本身的趣味营造出“意境”美，达到“移步观景”的效果。

很多设计作品中，我们都可以看到传统工艺美术常常追求的“意境”美，不仅影响曾经，亦随着时代的变迁，影响着其后的许许多多，这是影响，也是继承。传统工艺美术是历史的产物，准确地说是历史生活的产物，对于其传承并且影响，甚至改变，都将是展示设计乃至设计本身的根本主题，发展，创新与改进，都将是现代展示设计的永恒目标。这里一方面揭示出传统工艺美术传承和发展的方向，另一方面也验证了传统工艺美术在美学思想上对于展览展示设计的影响。

三、功用：现代异化传统的本质体现

以上这些无论是形式美，还是意境美，都是虚幻的美学观念，而展览展示设计的根本竟也还是未曾脱离“功能化”这个永恒不变的话题。现代展览展示设计在面对功用本身时，更加注重对于“形式美”的追求，而这对于传统工艺美术来讲，却是完全不同的另一种新解。

传统工艺美术是建立在“致用”的目的上产生的，对于青铜器、陶器、玉器、丝绸制品等来讲，他们的“功用”大于“审美”；如一场大型人文展览的展厅设计，一次艺术品的拍卖展场设计，一个博物馆永恒主题的展示设计等，都将被观者要求达到“赏心悦目”，从而吸纳大批的参观者进行参观行为。那么，我们就可以说，现代展览展示设计的目的都应当是“审美”大于“功用”的，或者，我们还可以委婉的表达成为，作为现代展览展示设计来讲，都是“审美”偕同“功用”展示在观者面前的。这将是有异于传统工艺美术的极大的不同之处。

按照什克洛夫斯基的看法，“艺术的目的不是提供认知的对象，而是提供感知的对象，是要恢复人们对事物的鲜活的审美感觉”。展览展示设计本身作为一件供观众欣赏的“艺术品”来讲，应当是提供给观者感知的对象，为观者提供可以感觉到美感的设计作品，那么从传统工艺美术的角度来看现代展览展示设计，我们将会发现，这将是现代展示设计对于传统工艺美术的异化体现。

四、展示：传统前提下如何适应世界

传统工艺美术对于现代展览展示设计作品的影响无处不在。然而，在保持完整“民族意识”的“中国化”的现代展览展示如何适应日新月异的社会、面对高速发展的现代化并走入全球化语境呢？这将是一个永恒的问题，笔者在欣赏现当代艺术作品之余，略加小议。

我们可以清楚的在现当代艺术品中寻到线索。如1998年蔡国强展示在纽约当代美术馆的《草船借箭》，陈丹青曾经这样描述过他看见这件艺术品时的所见：“《草船借箭》的出现，使这件制于泉州的大装置显得触目而冥顽，浑身带着彻头彻尾的陌生感。它的材质全然是异国的：一架废弃的南中国木船，一簇簇仿制的古中国的箭，那么“土”，那么“草根”，与纽约无数装置的材质――金属、塑料、泥土、石块、垃圾、纺织物、电子废料、凝固的汁液、腐朽的生命物――大异其趣。现在，犹如野蛮的闯入者，它被悬挂在纽约，像是一场被主动邀请的挑衅；而作者的思路，或者说，动机，尤其对西方主流艺术构成陌生感。”很清晰的，陈丹青点出了该件艺术品之所以成名的根本原因。我们可以清楚地看到，蔡国强的这件作品的材料与原始都是传统工艺美术中常见的元素，而他将这些元素重新组合于纽约当代美术馆，则赋予了他另一番新意。这新意无疑是成功的，而他他之所以成功，也正如同陈丹青所说的那样，“对西方主流艺术构成陌生感”，从而汲取不同于这个国度感觉的另一种眼光，满足了他们对于这个遥远国度的异域风情的无线猜测。

5.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇五

【关键词】重庆地区;传统工艺;再设计

我国传统工艺有着悠久的历史，以独特的人文风范、丰富的艺术形态和精湛的制作技艺名扬四海，在人类的艺术创造史中占据了不可或缺、举足轻重的地位。重庆传统工艺以独具匠心的技艺，利用独特的地域材料，结合本地的文化特色，成为我国传统工艺的重要分支。随着经济社会的发展，部分传统工艺因不能满足人们的精神和物质文化需要而逐渐消失，导致很多优秀的传统工艺几近失传，研究重庆传统工艺的再设计就有十分重要的意义。

一、重庆传统工艺的特点

重庆传统工艺有着鲜明的地域性、原发性。历代的传承人利用当地独特的材料，凭借独具匠心的技艺制作了大量被赋予美好寓意和生活气息的工艺品。其突出的传统工艺产品包括铜梁龙灯、梁平竹帘、剪纸、漆艺、蜀绣、雕刻、秀山花灯、綦江农民版画、梁平传统木版年画、荣昌折扇画、九龙楹联等。具体而言，有三个特点。第一，体现独特的地域文化内涵。重庆传统手工艺品是巴渝文化的载体，体现着重庆人民粗犷而不失细腻、火热而不失温软的内涵。第二，市场相对特定。重庆传统工艺产品起源于巴渝古朴的节日祭祀文化，产品的性质与中原传统工艺大相径庭，较少日常生活用品和文人把玩物，其在现代的收藏与纪念价值大于使用价值。第三，学徒制的传承模式。这是我国绝大多数传统工艺的主要传承模式，师傅在制作实践中向学徒传授相关知识与技能，学徒在动手中学习知识，锻炼技能。

二、重庆传统工艺再设计现状

由于我国历经计划经济到市场经济的转变，随着多元文化的冲击，一些传统工艺产品的制造者急功近利，转而粗制滥造，将历代传承的产品口碑丧失殆尽，逐渐失去市场并淡出人们视野。如今，传统工艺所包含的丰富的文化内涵和对人文价值的追求，使部分消费者又将目光投向了这个产品行业。“再设计”是日本平面设计大师原研哉于2003年发起并主持的跨文化设计创新与推广活动。政府与传统工艺传承者都关注到了这种变化，对传统工艺的再设计亦随之而来，但是目前重庆的传统工艺再设计进入了以下三个误区：一是再设计走入简单工业规模化的误区。随着工业机械制造的不断使用，机械生产使产品的生产成本越来越低，效率越来越高，对比在效率和成本方面均处于劣势的传统工艺，自然使其陷入生存危机。于是许多传统工艺人为了提高生产效率，背弃传统工艺的核心，首先，不再严格按照传统的要求选用原材料，转而使用廉价的替代性原材料，致使产品的质量越来越差；其次，在工艺流程上，也放弃传统精耕细作的原则，粗暴地简化传统工艺流程的一些步骤，致使产品的品性下降。二是再设计走入了历史误区，与消费者日常生活及当代审美趣味脱节。不可否认，传统工艺产品具有典型的地域特色，在其产生之初，与当地人民生活和审美习惯有较为紧密的联系。但现代人的生活方式及生活环境早已脱离了传统生活，现代人的审美也与传统审美有较大差别。如只将传统工艺产品进行简单的复古化的模仿设计，保持工艺的原汁原味，作为再设计的目标，其结果就是消费者对这些“老古董”缺乏认同感，特别是对年轻的消费群体而言。三是再设计走入了“一窝蜂”的误区。设计师对传统工艺再设计表现出极大的热情本应是好事，但大多数不过是“你方唱罢我登场”。有些设计师急功近利，缺乏对传统工艺的深入了解，将传统工艺与现代设计简单相加，造出一大批造型上不伦不类、功能上乏善可陈、审美上不中不西的产物。值得注意的是，再设计是一门跨文化、跨学科的工程，设计者必须在相关的多领域具有一定的造诣并能沉心静气深入研究学习，才能真正设计出有生命力的新传统工艺产品。

三、重庆传统工艺产品再设计领域的原则

重庆部分传统工艺的衰落和它的消费市场有较强的关联性，虽然其文化性、情感性特征符合消费者某种程度的偏好，但最重要的是其“再设计”并未做到品质的保证。理论上，传统工艺再设计，融合了消费者心理对于传统工艺的怀念，和对当代审美和造型追求的双面性，其过程是对传统工艺在当下社会环境的重新解读。具体来说，重庆传统工艺的美体现在产品的材料、颜色、图案、造型以及工艺上，材料原生态或具有地域特征，颜色朴素自然，图案古朴大气，造型格致而沧桑。再设计也应从这些方面入手，注重传统技艺与当代设计思维的结合，通过现代科学的分析，将更多样化的材料、颜色、图案、造型、功能融为一体。但应遵循以下原则：一是“品”的保障。品就是品位与格调，是对艺术之美的追求，既可能是自然质朴的传统人文之美，也可能是现代简约、时尚的科技之美。传统手工艺应结合时尚再设计，形成传统元素在当下现代生活中的新演绎。但是并不是简单的传统与时尚相加，应遵循传统工艺本身的特点，在保留其艺术特色的前提下，导入时尚设计的某些元素，巧妙融合在一起。二是“质”的保障。质即质地、质量，产品是精神和物质结合的整体，在商品流通的社会，即使是观赏物或纪念品，也都需要有流转和存储的过程，而产品的质量就是其能够经得起时间沉淀的基本保证。很多再设计突出结合了现代消费者的功能需求，但是在生产时，降低材质要求，简化工艺，常常将传统工艺作为粗糙滥制的“遮羞布”。三是创新的设计。再设计强调的是创造性的设计，设计师需要改变思维方式，探索传统工艺更多的可能性，如重庆的梁平竹帘画以在竹帘上绘制国画而出名，但却忽略了竹帘优良细致的编制工艺可以作为其他编制类产品可借鉴的工艺方式，同时，薄如蝉翼、形似锦帛的竹帘也可作为设计其他实用产品的载体。

四、重庆传统工艺再设计的出路

传统工艺的生存离不开经济效益的支持，必须接受市场的考验；传统工艺的发展离不开传承人与设计师这个载体，必须承受时间的检验。重庆传统工艺的再设计，走出误区，还应在以下三个方面寻找出路。第一，传统工艺产品整体性的再设计。传统工艺再设计是对历史文化的链接和对传统审美情趣的发展，其根本出路是整体性的美感表达。中世纪的意大利神学家托马斯阿奎那说：“美有三个要素：第一是一种完整或完美，凡是不完整的东西就是丑的。”朱光潜也说：“美不在部分而在整体”，产品设计的整体美，是贯穿和链接产品各部件的精髓。而不少传统工艺产品再设计时，将设计的一部分追求到某种程度，而其他部分又不相谐，走向不伦不类的尴尬境地。所以，重庆传统工艺再设计时，眼光首先就要从大局出发，从整体布局，再依据客户或设计目的，结合设计原则展开再设计。第二，传统工艺产品经营管理再设计。重庆很多传统工艺虽然尚未脱离作坊式的经营条件，但还是应紧跟社会经济变革的节奏，结合现代企业制度和经营理念，注重营销方式的变革，通过现代广告宣传和销售方式塑造品牌，获取生存与发展。首先，充分领会国家供给侧改革的理念和意义，准确定位企业再设计的目的与方向。供给侧改革，是国家应对经济现代化的顶层设计，也是传统工艺陷入困境后的解救良方。以苹果手机为例，原本消费者只需要一部移动通讯工具，但苹果手机成功的设计，让消费者觉得，自己需要“一部通讯工具”已变成了需要一个苹果手机。以此思路来看重庆传统工艺的蜀绣、剪纸或漆器，消费者或许并不需要一个已经过时的旅游纪念品，但是一定需要一份旅游地图，那么如果是一份传统工艺再设计出来的旅游地图，或许会成为消费者的必选产品。其次，要引入现代企业的管理，突出效率与效益。重庆传统工艺产品的传承，很多是家庭作坊，根本不能面对现代商业化的市场竞争。只有及时通过科学的管理，设计并运行符合市场需求的生产经营规模与流程，利用好规模效应，降低成本，提高人力与物力资源的使用效率，才可能提高企业的盈利能力，给再设计提供支撑前行的内生动力。最后，在经营管理上，要结合传统工艺悠久的历史和深厚的文化内涵，利用现代广告的宣传手段来塑造品牌。这就要求传统工艺企业注重建设行业广告文化，不但应有吸引人的品牌故事，故事或文化的表现方式，也应表达出传统文化与现代审美的完美融合；在推广方式上，还应多参与现代广告的营销等。第三，传统工艺的传承再设计。师徒或家传的传统工艺传承是封闭式、限制性的，一方面虽然保证传统工艺的原汁原味，但另一方面，在各种原因引起的难以盈利状况下，限制了有梦想、有能力继承和发展传统工艺的人员进入这个行业。在这种情况下，重庆传统工艺的出路必须进行再设计，其传承方式应结合现代教育模式，充分利用本地艺术学院资源，并结合政府政策、设计者、传承人三位一体的努力：首先，在职业学院或艺术学院开设传统工艺课程，将传统工艺人请进来授课，政府对开放传统工艺的授课者进行补贴；同时，政府通过上述学院对申请现代设计学习深造的传统工艺学徒，设立专项奖学金或助学金。这种课程的安排，还应当引入跨专业、跨学科的专家，要培养复合型的再设计人才，才能满足再设计这个有庞大边缘与交叉学科的行业；另外，课程应当结合正在进行的教学改革，包括采用课题、教研室、实验室或实践基地的模式，多角度、多维度地全方位培养与传承相关技艺，并能有延伸的脉络与实践。其次，传统工艺的经营者或传承人，应主动招收有一定现代艺术与设计基础的院校毕业生，走出固步自封的误区。封闭传承的目的在于担心技术工艺秘密外泄，而没有新的血液加入，在开放竞争的今天必然缺乏生命力，应认识到法制的作用，引入工艺保密协议，通过法制思维和理念，扩展出路。最后，政府同样要调整自身的定位，不能只作为保守的传统工艺保护者，还应看到，再设计是传统工艺的继承与发扬，只有活下去，工艺才能得到保护。所以，政府应当提供多种手段，包括财政、税收、文化活动和人才的引进等政策的鼓励与引导，让设计者与传承人相互融合，走出三位一体的社会共治道路，才是传统工艺再设计的希望。

参考文献：

6.现代设计传统工艺思想研究论文 篇六

关键词：传统工艺；天人合一；人性化；细节设计

1传统工艺的应用

传统工艺不叫艺术，因为从某个程度上而言，它们是为顺应时代潮流应运而生的生活用品或产业。大部分的传统工艺是巧妙地运用自然素材所完成的，所以没有与大自然相隔的器物，也没有与人类相分离的器具。传统工艺制作的是为我们服务的生活用品，如果离开了用，器物也就没有了生命，而失去了用的世界也就不是工艺的世界。工艺之美就是实用之美。器物是因为有用才有美，离开了使用便不再是美。不耐用不结实的器物，就没有实用价值，自然也就算不上美。使用也就是为人所用，只有能为人类服务，被人类应用的器具才算是好的工艺，工艺的本身要遵循自然规律，才能更长久的应用下去。

2古代“天人合一”的设计思想

中国古代的设计思想是与古代哲学思想融会贯通的。中国古代哲学主题之一的“天人合一”指的是人们必须要遵循自然法则，主张人与自然的和谐统一。

2.1传统建筑中的古代设计思想

中国是一个以农耕为主的经济社会，古代的百姓敬天、敬土，把天地当成自己的生命和依靠，以表示对自然的敬畏之心。因而在中国人眼里，自然界的山川湖泊、日月星辰以及风雨雷电都是人们心目中的神，历代的帝王都要举行祭天祭地的仪式，以求得来年的风调雨顺、五谷丰登、国泰民安。中国艺术在美术、哲学思想方面的成就中体现得最为集中。例如，北京的皇家建筑，其中蕴含着深刻的哲学思想，北京城中的天坛、地坛、日坛、月坛都是明清时期为祭祀日月天地而建设的。其中，天坛的形象也是产生自己独特美感的基本要素，是古人“意境”造园，也是天人合一思想的经典之作。所以，很多专家学者认为天坛其文化的最深之处，在于他成功的把古人对天的认识与人的关系以及对上天的愿望表得淋漓尽致。“天人合一”的思想同样也深深地渗透到中国园林建设之中。中国古代园林的自由布局，以表现自然的美景为主，很少见到人工雕。园林中的假山池沼，虽然都是人工所作但都有意的回归自然，宛如天成，使其成为整个环境中的一部分。园林中的大部分都是强调自然，充分利用花园、假山、水池等因素创造出一种自然美景，讲究亭台楼阁等建筑的人文气息，这也就是中国古代园林“天人合一”的特点。

2.2“天人合一”的思想在传统器物设计中的应用

作为一种观念和文化的“天人合一”，在中国古代工艺品设计中的体现也是十分明显的，以原始的陶器为例，充分体现出设计者在制作时十分注重材料的自然属性，顺应自然规律。原始陶器都是由黏土制作而成的，早期是在篮筐内进行涂胎，用手捏制，然后再用火烧制成的。这是自然赐予人类的礼物，人们充分利用了黏土的自然属性，使其成为为人所用的产品。陶器中最为体现中国古代设计思想“天人合一”思想的要属紫砂陶，工匠们充分利用了紫砂泥的天然特性，紫砂陶不上釉可以充分显示出其陶泥本色，紫砂陶表面有气孔。因此，盛茶有隔夜不馊不走味儿的说法，将天然与人工完美的融为一体。明代是中国古代家具生产最具代表性的一个时代，明式家具十分讲求材料的选择和实用性，它沿袭了中国师承自然的审美情调，通常选用一些硬质的木材，因而称之为硬木家具。为了充分利用了木材的色泽和纹理，一般不加漆遮饰，以显示其天然美，同时显示出其强度与本色，符合回归自然之心态。明式家具讲求的是符合人的身体曲线，它的人性化设计是通过与人体的接触所体现的。所以，匠师们十分注重各个部件的处理，每个部件都处理得十分圆润含蓄，使得使用者不仅舒适并且有很好的亲和力。明式家具的大多也是以造型取胜，装饰较少，装饰的花纹也与整体的形势浑然一体，明式家具从材料的选择和工艺的制作方式无不深刻地体现了天然和人工的浑然一体，成为中国家具设计中的经典。

3人性化设计与“天人合一”的联系

当前时代，科技的高速发展在人类展示聪明才智的同时，也给人们带来了新的忧虑和苦恼，在科技高速发展的社会里人们也在追求一种平衡——科技与情感的平衡。

3.1人性化设计

人性化设计是以人为中心，营造出舒适的高雅的世界，使人们能够感受到使用的趣味和快感，从而达到精神上的满足，身心得到充分的释放，心理更加健康，情感更加丰富，达到了人与物之间的和谐。影响人性化的设计因素有很多，主要包括环境、人身、文化等。其中，体现人性化的众多因素中包含有安全性、美观性、舒适性、识别性、通用性、地域性等。不同的地域文化、不同的种族与历史背景、不同的宗教以及信仰所表现出来的差异，是我们进行人性化设计所必须要考量的因素。设计是为人的设计，也就是说设计的出发点是人，设计的目的地也在人自身，以人作为设计的核心。设计来源于人们的需求，而设计的初衷是人们的生存需求。人类设计只有以人为中心，为了人的身心获得健康，为了建造高洁的精神品格设计才会有活力，才不会偏离正确的方向。

3.2传统设计思想在人性化设计中的传承

中国古代设计文化尤其深邃和玄妙，而科学的体系常常近于神谕的面貌出现。古代的设计活动与理论体系与我们现代的设计形成和鲜明的对照。绿色设计最根本的体现就是人与自然之间的关系，早在古代，人们对开凿山石采金取玉、砍伐树木建造楼台等行为所造成的大量的自然资源的消耗表现出了忧虑，因此提出了人与自然共存的思想，即“人地和谐，天人合一”求得与大自然之间的和谐统一，主张人与自然之间的交流。无障碍设计注重的是在高速发展的现代社会中，在与人们生活息息相关的设施和公共空间上的设计必须要考虑不同用户的需求，来营造一个舒适的现代生活环境。这种设计主张从关爱弱势群体出发，使现代人的生活更加趋向于合理、亲切、人性化。例如，德安卡门设计的IBOT3000轮椅，实现了可以上楼梯的功能，满足了他们渴望像正常一样生活的愿望。通过改变四个轮子的驱动力，还可以轻松的上下坡，同时还采用了陀螺仪平衡系统，可以方便地让使用者上下的移动，轮椅的升降高度可以与正常人的视线一样，这样人们就可以正常对话和生活，减轻了患者的心理压力和自卑感。

4人性化设计在产品细节上的体现

以人为本的设计理念的提出，使得设计的根本出发点从“物”转移到“人”的身上，这也使得的关怀人类生存的细节设计成为当下备受关注的设计趋势。

4.1人性化设计在产品造型上的体现

在关注外观造型改变的同时，关注与包含人道主义精神的细节，无一不体现以人为本的设计理念。产品是功能的物化，外观是功能的载体，产品通过其特定的造型向外界传达设计师的思想和理念，消费者通过产品的形态来判断与自己的内心愿望是否一致，从而决定是否购买。例如，一款运动手表的设计，设计师们将屏幕设计成倾斜的315°，这样让使用者稍稍抬起胳膊就能看清显示器，让使用更加方便。因此，在做产品设计时哪怕是是一个简单的线条或是一个不经意的倒角，都能提升产品对消费者的关怀指数。造型直接的体现着产品的好坏，而造型的成败就体现对细节的处理上。

4.2人性化设计在产品材料上的体现

无论是自然原始形态还是人为加工的造型形态，都离不开材料，材料是物质世界存在的基本保证。不同的材料给人的心理感受也不同，如金属会给人以冷漠感；木材则会给人以亲切感、织物皮革给人以柔韧感等。材料的心理感受，实质上指的是材料的形态、色彩、质地、肌理等给人的感受，这会直接影响人们对整体造型的感受。产品设计中的各种材料是人与产品沟通的中介物质，各种材料既是内部机能的依附，又满足了人们的审美需求。华硕笔记本相继推出皮革材质笔记本和竹子材质笔记本（图2），由于这些材质的物理和化学属性，体现出设计师对材质要求的缜密考虑。

4.3人性化设计在产品色彩上的体现

“色彩能直接述说人的情感体验，它是一种情感语言，它所表达的是人类内心中极为复杂的感受。由于人们所属的文化背景、国家、民族、地区不同，每个人的喜好和钟爱的色彩也会不同，而特定的风俗习惯表现了人们对色彩喜好的差异。例如，法国巴洛克采用的是白色雕刻，英国皇家则是采用大红色加金色镶边线穗。在做产品色彩设计时就要抓住色彩在不同地区和不同人群中的细微区别，从而作出相应的调整。例如，苹果公司的IMac（图3）在色彩设计上运用鲜艳的色彩一改以往的乳白色调的传统。透明的水果色机身设计，增加了使用者与设计者之间的距离，给人以亲切感。还有诺基亚首推的“色彩旋风”可换彩色机壳，更是将机壳色彩做出个性化的调整，迎合了不同人群对手机的追求。

5结语

7.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇七

一、传统手工艺的种类

在远古时代开始,我国就已经产生了手工艺,不过当时人们主要是用于御寒护身的。最古老的手工艺的缝制工具就是将兽骨或者兽角磨成类似于针一样的器物,然后用马尾和鹿筋把兽皮拼接在一起制作成围腰的衣物。在现代服装设计中应用传统手工艺,不仅可以深化其文化内涵,提升整个服饰的韵味,同时也可以增添现代服装设计的活力,激发设计师在服装设计过程中的想象力和联想,设计出新颖的服饰。而且在服装制作环节应用传统工艺(如嵌、滚、绣、绘、织、挑、染、批、盘等),可以使整体的服装风格改变,可以是既典雅又清新的风格,也可以是华美又艳丽的风格。传统手工艺主要包括以下几种种类:

(一)刺绣

在我国民间传统手工艺中,刺绣是其中最优秀的一种,刺绣主要是采用丝绸、布帛、化纤等材质,通过钢针用一些彩线(如丝、绒、棉等)进行上下穿刺活动,最后组成花纹、文字和图像。刺绣工艺在我国手工艺发展中具有悠久的历史,很多地方也是以刺绣闻名,广为世人所知,我国有“四大名绣”,分别是湖南的湘绣、广东的粤绣、苏州的苏绣以及四川的蜀绣。其次我国民间也诞生了很多刺绣作品,而且这些刺绣作品都各有各的特点,这也使服装的装饰更加丰富。经过多年来的发展,刺绣艺术的工艺越发精细、复杂。

(二)印染

在传统工艺中,印染也是一种非常常见的工艺,在古代也被称为“染缬”,这种工艺主要是在染色后可以显示出花来。染缬在古代有很多工艺,其中绞缬、蜡缬、夹缬等是较为常用的3种工艺。在西周时期,我国染织工艺就取得了很大的发展,在《礼记》等书籍中就有相关的记载,而且国家也会指定专门的官员负责管理染色、丝织等工艺,其中楚国还特别设置了“蓝尹”工官负责靛青的生产,由此可见,当时丝织、染色等工艺就已经发展到一定规模,而且得到了很高的重视。扎染、蜡染等工艺也是从古代流传到今天的,目前在民间也得到广泛应用,目前东晋时期的绞缬印花绢是保存的最早的实物。现代服装设计过程中,由于扎染、蜡染等具有自然朴实、健康清新等特点备受人们欢迎。

在传统手工艺中,除了刺绣以及印染等主要工艺外,还有多种工艺方法,具体表现为以下几种:1.减法。去掉布料上部分经线或者纬线,然后制造成镂空、抽丝的样式。2.加法。在面料上加贴补、衬、垫,或者在面料上加盘、绘、钉等。3.同时应用加法、减法。同时采用雕补、抽绣等工艺。4.直接作用。在衣服上直接进行编、织、钩等加工。具体的传统手工艺主要包括钉、绗、编、印、盘、挑、揽、织、雕、补、绣、抽、拚、垫、抽等15种,目前在现代服装设计中仍然会常常用到这些传统工艺。

二、传统手工艺在现代服装设计中的应用意义

服装设计师未来努力的目标应该是有机融合传统手工艺和现代设计理念以及设计方式,这是现代服装设计的主流趋势,只有不断传承、融合传统设计理念才可以设计出颇具民族特色的服装,进而培养更多优秀的本土设计师,促进服装行业的发展。传统工艺可以为服装设计师提供创作的自由感以及灵感,使设计作品更加贴近自然、更加传统,而且也可以给人们带来审美的愉悦感以及满足感。在现代服装设计中提炼增加传统手工艺元素,可以更加展现服装的形式美、内涵美。相信未来服装设计发展方向主要是融合、创新世界文化,就是指非洲文化、欧洲文化、亚洲文化等相互融合。我国本土服装设计师应该不断深入地研究、整理、挖掘传统手工艺要素以及本民族文化,将其更好地应用于实践中。

目前我国国内很多人都存在崇洋媚外的心理,很少有设计师会在自己的品牌设计中运用到中国传统手工元素,更少有人会利用民族文化精髓打造民族品牌。目前,很多优秀的传统文化逐渐在我国国内淡化、消失,很多年轻人因为多元化发展的影响并没有仔细研究传统手工艺,进而导致一些传统手工艺失传。因此在现代服装设计中应用传统手工艺是一种很好的传承、创新方式,有利于振兴我国自己的品牌服装。

三、现代服装设计中应用传统手工艺的方法

(一)刺绣的应用

刺绣也被称为针绣、绣花、丝绣等,传统刺绣是我国服饰文化的一朵奇葩,该种工艺一直流传至今。刺绣文化对于广大人民群众有很深刻的影响,尤其是满族、壮族、苗族等少数民族服饰为现代服装设计师提供了很多设计素材。简洁、质朴是现代服装设计追求的时尚风,但是常常会让人觉得单调,在服装设计中采用刺绣可以很好地弥补这种不足,产生雅俗共赏的目的,进而提高服装设计的审美价值以及观赏价值。

在现代服装设计中,时装、毛衫、牛仔以及童装等服装中都广泛应用到了刺绣工艺。随着人们审美观念的不断改变,在保留、继承传统刺绣工艺的过程中,应该组合各种刺绣方法不断完善、创新服装设计,这样才可以为服装设计发展提供源源不断的活力。

(二)扎染

扎染工艺主要包括染色、扎结两部分,主要是为了仍然保留原来扎结部分的颜色,然后染色还没有扎结的部分,最后就形成色晕以及皱印,深浅不一、层析丰富。织物结扎得越紧、越牢靠,其防染色方面的效果也越好。通过扎染工艺不仅可以使一般的普通扎染织物有一个规则的纹样,也可以染出构图更加复杂,颜色更加绚丽的工艺品,给人一种稚拙别致、新颖古朴的感觉。而且在扎染工艺中会通过对比分析青白两种颜色突出服装的古朴韵味,让人有一种清新淡雅的感受。现代服装设计在应用扎染工艺的过程中,会更加注重自然化、生活化、休闲化设计,让人感觉更加随意、自由。

8.传统工艺美术在茶包装设计的应用论文 篇八

花丝镶嵌工艺是金银工艺中的精细工艺，在古时，也被称为金银细金工艺。它是“花丝”和“镶嵌”两种金属制作工艺的合称，通常使用金、银等贵金属，以及各种天然的名责宝石为材料，经造型、纹样设计和工艺加工制作成精致的首饰及装饰艺术品。其精致、细腻且华丽的古老工艺特色代表了传统工艺与时尚珠宝文化的巅峰境界。

然而，这项珍贵传统的首饰制作工艺，正面临市场经济的无形压力和技师人才不断流失的尴尬局面。现今正是中国现代首饰设计崛起与健康成长的关键时期，紧随当代首饰的发展趋势，笔者针对花丝工艺这一古老技艺展开研究，对花丝工艺在现代首饰设计中的表现形式进行了探讨。从不同角度出发，分析传统花丝首饰的设计手法和表现方式，在现代首饰的设计技法上寻找突破，解析现代首饰艺术下形式美与材质多样性对花丝工艺的影响，试图从首饰设计的立体造型、材质运用、工艺手法和意境传达等方面寻求突破点，结合现代首饰设计手法和现代人的审美需求、精神需求，找到全新的表现形式，让具有悠久历史的传统工艺重新焕发出耀眼的光辉，从而推动我国现代首饰设计领域的多元化发展。

关键词：

花丝工艺 当代首饰设计 创新 材料

中图分类号：TB47

文献标识码：A

文章编号：1003-0069 （2015） 02-0082-03

第1章 花丝工艺的历史沿与发展现状

“采金为丝，妙手编结，嵌玉缀翠，是为一绝”——这，便是传说中的花丝镶嵌工艺。

花丝镶嵌工艺是中国传统金银器的制作技艺，又称金银细金工艺。它是“花丝”和“镶嵌”两种金属制作工艺的合称，花丝选用金、银、铜为原料，采用掐、填、攒、焊、编制、堆垒等传统技法，把贵金属丝编织成型，再用挫、锼、锤、闷、打、崩。镶嵌则是将贵金属片做成托和爪子形凹槽，最后镶以珍珠、宝石或翡翠，制成华贵无双的冠戴或珠宝首饰。其用料珍奇，制作技艺繁复，造型优美，品种繁多，具有明显的民族特色和民族风格，历史上花丝镶嵌一直只是皇家御用之物，是我国传统的宫廷艺术。

据史料记载和考古发现，花丝镶嵌工艺早在商代就有雏形，春秋战国时期，匠师们制作出了细如发丝的金银丝，将其嵌入青铜器之上，俗称“金银错”、还有唐代的“金银平脱”，这就是花丝工艺的萌芽。

花丝工艺的发展初期，是从商代到汉代初年。西汉已见金细工的成品，较多地则出现在东汉时期。唐代金银匠人对外来的金银制品，主要是萨珊波斯和粟特金银制品的有益成分加以吸收消化，并融入本土原有工艺和风格，从而创造了崭新的唐代金银细金工艺风貌。宋代与雍容大气的唐代不同，他的金银细金工艺的整体风格是清秀细腻的。

明代的工艺美术更加繁荣兴盛，工艺方法齐全，技艺纯熟，形成了独具风格的面貌。明皇帝朱翊钓，花费白银800万两兴建了十三陵之“定陵”地下宫殿，其中就有在细金工艺中，技巧堪称登峰造极的“万历皇帝翼善金冠”及“后妃凤冠和首饰”。（见图2-1、2）无论是造型、纹样，装饰性都很强。工艺在每一个时代的艺术特色与其工艺手法都是紧密相连的，明代这种纤巧通透的审美倾向，使得花丝工艺在当时发挥得淋漓尽致。

清代在明代宫廷工艺的基础上，成立“造办局”，这一时期的金银细金工艺更加精巧。清代首饰的造型和纹样也变化很大，已全无古之意，造型倾向于写实、纹饰则以繁密瑰丽为代表特征，格调高雅，富丽堂皇。

传统的花丝工艺发展于宫廷，历来一直为皇家御用，其工艺流程繁多，做工细致精美，不能批量生产，只能手工打造，早期应用于首饰中的特点表现为其工艺特点、表现内容和造型手法等趋于传统保守，设计元素也多为自然界的花草鱼鸟和传统纹样。从设计的角度上来看，形式风格比较单一。各种原因综合，金银细金工艺已经出现严重的人才短缺，除了原有的传统纹饰与图案，少有推陈出并创作适合当代文化艺术背景的花丝饰品。

近几年来，国内有几家首饰公司对花丝工艺在现代首诗中的运用进行了探索。翡翠珠宝品牌“昭仪翠屋”2010年正式推出国家级非物质文化遗产——花丝镶嵌工艺珠宝的高级定制业务。（见图2-5）潮宏基珠宝建立博物馆、开办花丝工作坊。（见图2-6）百泰首饰也推出了一系列现代花丝首饰。花丝镶嵌工艺品也一直是珠宝奢侈品的一种。当今市场，珠宝商和首饰设计师对花丝工艺的传承也大多停留在对经典工艺的复刻和高级定制，依然鲜有具有当代首饰设计表现特点的花丝作品出现。

第2章 花丝工艺在现代首饰设计中的应用

2.1 现代首饰艺术观念对花丝工艺的冲击

20世纪的艺术是简约主义、抽象主义、立体主义、解构主义等各时期的艺术设计流派紧密融合的时代，设计手法也从简单的首饰设计装饰性开始向人与首饰的关系以及人的个性化转变。人们所关注的现代首饰的美已经由外部的装饰性逐渐转变为内在的意义和情感的表达。花丝镶嵌作为传统的首饰工艺，也面临着现代首饰艺术对其观念性的冲击。当面对古老的传统工艺时，人们起初会被其精湛繁复的造型和细节外表所吸引，但是崇尚简约个性的艺术风格，会让现代首饰设计再次夺得人们的青睐。而花丝纹样的单一性和不可变性，也使得他在装饰功能上不能长久得吸引更多更广泛的艺术审美者。其次，由于花丝工艺独特的金属性与造型，材料运用范围的局限性，使得其创作空间极小。各方面原因都阻碍了其在現代首饰艺术下的发展。

2.2 现代首饰设计对花丝工艺技法和造型的影响

首饰设计的过程是设计师的设计理念、审美与情感通过一定的构思转变成概念形态的过程。现代首饰设计的表现语言是多种多样的，平面、立体、点、线、面等，以及他们之间穿插综合的运用。

金银细金工艺，就其工艺本身已经具备了无可挑剔、炉火纯青的成熟技术，现代首饰设计师若是想从在创新工艺上找到突破并超越传统，恐怕并非易事。因此，在探索传统花丝工艺的技法与当代首饰设计的结合上，技法的创新是首要且最难的问题。然而花丝艺正是被这种严苛的技法体系锁住了手脚。工艺技法上，先来关注—下堪称登峰造极的明代“万历帝翼善金冠”，龙冠主体以金丝编制而成，采用多种工艺，以极细的金丝编结堆垒焊接而成，就其工艺方法而言，其松弛的结构、随意的造型、轻盈的质感很适于使用在当代首饰设计中，设计师在借鉴花丝工艺中的编织工艺基础上，还可以给予工艺技法以更大的自由度，是无限延伸，结合现代首饰设计工艺，简化传统工艺的同时丰富现代首饰艺术的表现形态。就如中央美术学院首饰工作室教师张凡所说：“工艺技法并非只是简单地炮制，而是将其作为一个创新的过程，一件好的作品需要最恰当的工艺来表现。”造型艺术是一种静态艺术，对于首饰来说，造型则是首饰与人最直接的交流方式，在现代首饰的潮流下，应从现代首饰的风格特点出发，保留花丝工艺的基本技艺，尝试改变其传统造型，适当融入首饰设计最基本的的形态因素：点、线、面、体、来重新组合花丝工艺应用于现代首饰造型的呈现，从而形成抽象与具象、仿生与创造的首饰特点。

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2.3 花丝工艺与现代首饰设计中常用材料的结合

如今，传统首饰材料的保值性特征以及慢慢褪去，艺术消费者越来越重视首饰材料的触感、兴趣以及个性情感化的转变。随着更年轻一代的艺术消费者对个人情感和表达个性的强烈需求，现代首饰艺术中的材料运用已不再是单一的贵金属和珍贵宝石，已经开始向自由组合和综合多种材质搭配转变。设计师根据自己的需要来选定材料，设计理念可以通过材质语言展现得淋漓尽致，无论是各种金属的搭配，还是纤维、玻璃、树脂、木料、陶瓷、皮革等新型的材料，生活中的物质材料都可以用作现代首饰的材料元素。花丝若想在纷繁个性的现代首饰设计中占有一席之地，就可以设想从丰富材料语言入手，将多种材料与花丝工艺常用的材料相结合。逐渐脱离只有贵金属和名贵宝石的材料局限，丰富花丝艺术的设计语言。

传统花丝工艺与其他综合材料的结合多体现在镶嵌工艺上，镶嵌就是把珠寶翠钻、精石美玉镶在花丝饰品上，材料单一，多为贵金属和名贵宝石。工艺美术师们也努力尝试采用象牙、木料等材料与花丝工艺结合。在当代首饰设计中，也有将金属花丝工艺与树脂材质相结合的首饰创作，将原始传统的花丝技艺用新型树脂材料封存起来，纤细柔弱的花丝得到“保护”，水晶树脂的晶莹剔透完美透射出花丝的空间层次和线面结合的工艺技巧，为花丝首饰展现各种首饰风格提供了可能。（见图2—1）还可以尝试将制好的花丝纹样嵌入结构较疏松的木质材料中，从而形成木纹肌理与金属花丝的质感对比，人为纹样与自然纹样的有机结合，来实现花丝工艺与木质材料的结合。

若想将综合材料与花丝工艺相结合，首先不能脱离制作花丝工艺本质的金属加工性质，在完全认知材料的真实性之后，合理运用每种材料的特性，不做华而不实的设计。

第3章 花丝工艺的传承

传统的花丝工艺承载着历史的印记和浓郁的民族特色，设计元素多以花鸟鱼虫为主要来源，写实手法出神入化，延续着其材料珍奇、工艺繁复的宫廷艺术特点，实在难以走入更广泛的艺术消费领域。材质上也过分单一，除了金银等贵金属，花丝饰品几乎别无他选，难于满足人们对首饰材料多样性的要求。而且金属丝又极易损坏，花丝首饰最终还会落到工艺品的地步，更别说在现代首饰设计中占有一席之地了。

其次，传统花丝工艺延续着手工作坊的模式，由于工艺流程的繁琐使之完全处于手动化阶段，对技师纯熟的技艺要求也使得花丝工艺的精髓很难被传承。

最后，花丝工艺属于宫廷艺术，无论从技巧还是材质等方面来说都是极其奢侈繁华的，由于其材质贵重，工艺精巧，使得花丝工艺品与首饰的价格昂贵，对花丝工艺的喜爱多为一些工艺品收藏者。这也为花丝工艺从“贵族”走向“大众”形成阻碍。再加上人们对首饰传统保值功能的重视，从而忽略了花工艺运用于当代首饰设计中的设计理念及情感表达。

第4章 花丝工艺的创新发展

传统花丝工艺，细致、精巧手工艺感强。工艺中繁杂缜密、工艺要求严格。而现代首饰的特点大多为简洁，代表了现代人对生活的态度。花丝工艺应在保留传统制作工艺的精髓下，选取简约现代主义的设计元素，从表现形式、设计材质和风格定位上产生新的衍变。在现代首饰制作技艺的基础上，融合传统极致的手工工艺，是当代珠宝设计师和珠宝商追求的风格。

4.1 现代首饰设计特点与传统花丝工艺的融合

在传统工艺上简化方面。瑞麒珠宝的“拉丝”工艺（见图4—1），就是在传统拉丝工艺基础上的升华与结晶，与传统拉丝工艺相比较，现代“拉丝”工艺具有线条清晰明朗，丝间密度均匀，疏密感适中、层次感强的特点，将拉丝工艺和精致批花两种工艺通过简单对比和融合，又为首饰在细节之处增加几分细腻和华美。这种新的工艺，结合现代首饰设计的简洁、纯粹的设计，也是当代首饰设计师对传统花丝的独特解读。现上海SANG尚坊首饰工作室设计总监李桑，通过研究传统花丝的设计风格和纹样，以及考察现仍存留此种工艺的区域（北京、湖南、贵州等），进而以花丝工艺为主导设计了一系列符合当代首饰设计理念的吊坠、耳环、戒指等的饰品（见图4-2）。大量运用了花丝工艺中的填丝制作与苗族银饰的特殊纹样，整个设计简洁通透，不繁琐，细节之处也尽显了花丝的精细工艺。其制作难度并不大，却将花丝与现代首饰造型完美结合，展现了现代人艺术审美。

4.2 传统花丝设计从“形”的再创

“形”的方面，我们可以在借鉴宫廷工艺擅长表现的雍容华贵意蕴的特点之同时，在传统宫廷材料中提炼出具有当代审美的材料语言。中央美术学院首饰工作室教师，张凡的花丝系列作品《衍》（见图4-3），就是典型的突破了传统花丝的“形”，独创性地将金银细金原有的宫廷工艺拘泥严谨的编织手法及掐丝、焊接手法，革新为易于随意塑造、飘逸、简洁的结构及工艺手法。借鉴唐代首饰中，步摇所追求的随步随风而动，灵动的自然效果，细胞状编织花苞体与珍珠，可以随人随身舞动，颇具韵律。给予工艺技法以更大的自由度。很自然地将中国传统花丝工艺与当代设计理念相融合。作品在传统宫廷材料中提炼出具有当代审美的材料语言。化繁复宫廷语言为自然，流变于首饰本应具有的无限活力中，突破了传统花丝的造型特点，融合中国当代人随意之性与中国传统宫廷精琢之美。

4.3 传统花丝设计与现代首饰设计材料上的结合创新

传统花丝与现代首饰设计常用的材料相结合，是符合现代艺术设计方法所必然的创新方向，材料对于承载首饰设计的灵魂载体，已经成为首饰艺术表达的重要语言。设计师将金属花丝与现代首饰设计中的新型材质进行适当结合，从而产生不同材质之间色彩、肌理、质感的对比，为花丝首饰在材质表现上提供新的可能。

现代首饰设计中也出现了与树脂、木头等材料相结合的首饰创作。或将原始传统的花丝技艺用新型树脂材料封存起来，利用水晶树脂的晶莹剔透完美透射出花丝的空间层次和线面结合威将金属花丝与木料结合，将制好的花丝纹样嵌入结构较疏松的木质材料中，从而形成木纹肌理与金属花丝的质感对比，人为纹样与自然纹样的有机结合。

笔者还大胆尝试了传统花丝与陶瓷材料的结合。陶瓷首饰在现代首饰设计领域是一种特殊的新型首饰，具有新颖独特的风格。陶瓷材料与传统金银材料的结合将会给彼此都注入新的血液。

结论

花丝工艺是我国的传统工艺，工艺虽然古老，但其精致、细腻、华丽的特色代表了传统工艺与珠宝文化的巅峰境界。其工艺形成的特色和精神内涵正适合了中国人独有的文化背景。笔者通过对花丝工艺的古今现状、发展趋势及存在问题的机体分析，总结出花丝工艺在设计表现和材料结合未来发展创新的问题，结合当代首饰艺术的背景，对花丝工艺在现代首饰设计中的表现形式做了具体的研究，提出了花丝工艺在保留传统的基础上进行创新，如何与现代首饰设计方法结合，如何在材料、造型以及自动化工艺的方面进行创新转变。从而打破花丝工艺在人们心中的传统印象，给人眼前一亮，重新认识具有时代感的花丝工艺。

要发展传统工艺，就要常常自觉关注和理解当下文化潮流的变化，适时调整工艺的表现形态，将设计与文化内涵结合，使设计的实践真正服务于人。传统工艺在当下语境中的失语状态，必须以新的艺术观念重新审视传统，用一种个人化的方式抽离传统金银工艺语言固有的观念和样式，使传统花丝在当代首饰设计中能作为以传统元素展示时尚的媒介。