人物水彩画法浅谈

人物水彩画法浅谈（精选3篇）

1.人物水彩画法浅谈 篇一

起稿：

首先用铅笔在图画纸上起稿，反复修改，定稿后用重墨勾出肯定的线，如果是临摹可用复印机放大，节省时间。

勾线：

把熟宣纸或绢蒙在底稿上开始过稿（勾线）。过稿一般先用铅笔淡淡描出，再用毛笔勾线，先用铅笔描可以修改完善底稿。我是直接用毛笔勾，不用铅笔，一是节省时间，二是觉得直接用毛笔勾更流畅自如。勾线的方法和书法一样，其关键在“起笔”“行笔”“收笔”，起笔逆入（有逆的意识即可）中锋运行（笔尖在线条的中间），收笔有回势，力量要均匀，不能虎头蛇尾。用笔中锋侧锋并用，侧锋不是偏锋，偏锋是笔病，侧锋是笔法。侧锋一般在转折时出现，随着转折的结束，侧锋又回到中锋。能转回到中锋的是侧锋，不能转回到中锋，一侧到底的是偏锋。侧锋可体现性情和韵致，全是中锋则缺少神韵变化，全是侧锋则扁软淡薄，要中侧锋并用。一般厚重的衣服用墨重，线条也粗，薄软的衣服用线淡些细些，面部最淡，用笔也要柔和。树石粗糙，可用枯笔。线的墨色变化不宜过大，否则容易乱。最好从始至终用一支笔，频繁换笔会影响气韵贯通。

染墨：

在上色前先用不同的墨渲染，比如：头发，桌椅，地面，树石等。墨染很重要，颜色要靠墨来生发，是国画的特点。但不能染够更不能染过。染墨强调层次感和韵味，韵味无法用语言说清，只有慢慢感悟。

着色：

在染过墨的地方继续用颜色渲染。这时就要提到国画颜色中最重要的两种颜色：花青，赭石。画山水的朋友常说：颜色嘛，花青赭石足矣！我们画工笔重彩当然不能只用这两种，只是说明花青赭石的重要。用赭石染桌椅树木，花青染绿色植物，花青墨染假山。还可用花青，赭石和墨进行一些烘染，比如在浅色白色旁进行烘染会使浅色白色更加突出。花青，赭石和墨的叠加会产生一种深沉高雅的色彩，是其他颜色无法取代的。

有了以上的基础后再分别使用：朱，黄，白，石青石绿等。选用那些，怎样搭配就看你了。

工笔用色强调反复叠加，淡淡的反复染最终达到浑厚沉稳华滋的效果。石色一般先要用水色打底，朱砂：胭脂或曙红打底，罩染朱砂，最后用曙红分染。石青石绿：花青或草绿打底。也可用赭石渲染打底再罩染石绿，不同色相的叠加使色彩的纯度降低，更深沉丰富，会产生很好的效果。

衣服画好后开始勾花纹，花纹不光是为了华丽装饰，也是调整色调的关键，不能忽视。

复勾：用较深的同类色沿着原来的墨线复勾一遍。可以使被覆盖的墨线清晰，也让色和线更协调。复勾后会改变原来的色彩感觉，所以要慎重。

勾金沥粉：金银黑白属于中性色，既不偏暖，也不偏冷，在哪里都适用。现在画店有现成的金色，加了胶，买回来就能使用。沥粉也称立粉，画仕女的环佩宝珠。用粉要饱满，画成后粉要凸出，用手能触摸到。

面部：曙红染脸颊，再用朱红（我一般用水粉朱红来代替朱膘，朱红比朱膘细腻纯净）染，朱红加赭石染暗部，朱红赭石加白统染面部，白提三白，土红加赭石复勾面部，中墨画眉眼，赭石加墨点瞳孔，墨加花青刻画眉眼，胭脂染嘴唇，朱红罩染，胭脂复勾。花青加墨罩染头发。

凡是较浓重的颜色在染到一定程度后就要用清水笔洗掉，再染再洗，，直到满意为止。整幅画在画到一个阶段后也要用清水笔整个刷一遍，让颜色之间衔接自然，也降低火气。反复多次后颜色吃进纸里，就沉着了。着色就像做豆腐脑洗面筋，一块面反复用水洗，把淀粉全部洗掉，只剩下精华。

其实在绘制过程中以上这些步骤是要多次重复的，也不一定按这个顺序，勾了染，染了勾，染完洗。洗了染，，完成后不满意就洗掉重来。只要纸没烂就接着画下去。不要怕失败，即便画烂了彻底失败了，你也从中得到了宝贵的经验，好多新的方法就是这样产生的。你只有深入到别人没深入到的地方，才会得到别人没有的东西。不凌绝顶，怎能一览众山小？初学者不敢深入，只在浅层游离，画的过于“文雅”不够狠！这样的作品漂浮甜腻肤浅。不要急于出成品，要深入“研究”，“研究”不是高手的专利，初学者同样可以研究，记得我小时候学画画总爱在人物的面部染些绿，觉得这样好，但没有人接受，自己也没有理论作注脚，说不出道理，只好作罢。现在画人物在肤色中加草绿或石绿已成时尚，被广泛使用。看来还是要坚持自己的做法，不要轻易放弃。

2.人物水彩画法浅谈 篇二

一、哈定的主题性人物创作

有一种说法“主题性创作”一词源于20世纪20年代的苏联。主题性创作, 是指具有明确的主题思想, 与政治、宗教、历史、社会和文化等领域发生直接或间接的关系的绘画作品。当代中国把围绕重大题材, 紧扣时代脉搏, 弘扬主旋律的作品, 统称为主题性创作。由于其表达的主题、多人物组合场面及超大尺幅画面等作品特征, 与历史题材画作颇为相似, 故"主题性绘画”一度曾经被人称作“历史题材画”。

在五十年代, 党艺术宗旨号召要艺术为人民服务主题性的创作受到重视。能表现宏大场面的和群体人物的油画被被称为主旋律, 而人物画水彩画因为尺幅小不易于修改而被视为轻音乐, 在此之前的水彩人物画也局限在头像。对水彩人物画的探索的画家也寥寥无几。在六二年全国水彩画座谈会上提倡:水彩画也要像油画一样, 创作重大题材, 反映现实生活。哈定相应号召表示要改变传统水彩人物题材仅限于肖像的认识, 使水彩也能担负起主题性人物创作的担子。哈定本身具有良好的素描功底和人体解剖知识, 为他进行人物创作提供了基础。这一时期创作了许多优秀的作品, 如《研究》《看年画》《途中》等, 为我国的水彩人物画发展和提高做出贡献。

《看年画》是哈定第一批主题性人物创作, 也是早期人物肖像画的代表之作。画面中共有十余人, 人物众多, 但构图安排合理, 主次分明, 庞而不杂、繁而不乱。远景虚化处理与中、近景形成鲜明对比, 突出了主要人物。每个人造型各有特点, 神态各异。运用了重叠技法, 寥寥几笔将人物勾画的生动细致。

二、哈定的民俗风情创作

文革后哈定更将精力集中于人物创作。哈定远赴广西、内蒙、新疆、西藏等少数民族地区采风和体验生活, 为哈定提供了许多素材。不同地域的少数民族的服饰、生活状态都具有典型的地域性特征, 其不同也表现在精神面貌上, 如内蒙草原儿女的粗犷、新疆维吾尔族的阳光、广西少数民族的温柔。不同地域文化的特点都具有可挖掘的价值。他用维涅尔的写实手法, 汲取印象派对光和色的表现, 融合山水画中的笔墨意境。这一时期的作品不乏大尺幅的作品, 突破了水彩画“轻音乐”的格局。如《母亲心中的花朵》《帕米尔高原上的花朵》《老牧民》等。

在人物画脱离了为人民服务和教育的社会功能后, 人物画的创作形式技法也更加自由。这一时期哈定刻画的主体在人物的精神面貌。《帕米尔高原上的花朵》可说是这一时期的代表作。这幅作品的背景运用涂蜡和刮刀等手法制作出肌理, 小女孩衣服、头巾和鞋子的也处理的具有质感, 可以看出衣服的陈旧。而这张作品最精彩的部分当属小女孩的表情和动作。小女孩用手遮住了嘴, 但是仍然能感受到流露出的娇羞和淡淡的幸福感。面部的神态的准确描绘是这张画最重要的部分。在作品的表现手法上突破了传统的英国写实主义水彩风格的单一风格, 不仅保持了水彩明快流畅的特点, 还使画面具有了油画一样的厚重感和力量感, 是水彩画的表现力达到了前所未有的高度。

三、哈定的异域风情

九十年代后, 哈定旅居美国。这一时期哈定研究佛法, 认为艺术应该表现人的真善美, 用以陶冶人的情操。 而没有什么能比天真的儿童更能远离世俗无忧无虑。儿童的世界是简单的、单纯的、美好的。洛杉矶的碧海蓝天玩耍的儿童都是哈定作画的题材。这一时期的代表作有“洛杉矶海边”系列, 如《玩耍的孩子》《与鸽同乐》《向往》等。

这一时期的作品更多是与哈定的内心状态相关。哈定对与宇宙相关的事物感兴趣, 研究宗教典籍, 对世间万物的本能感到惊奇。他领悟到“任何美好的自然景物, 无不体现出宇宙人生的真谛, 都是智慧的光芒, 值得描绘和赞颂”。因此他的作品趋向于表现人物的真善美。

如《与鸽同乐》描绘的是两个金发小女孩在沙滩上与鸽子一起玩耍的场景。女孩一立一坐, 笑容天真烂漫如天使般可爱, 象征和平的鸽子有的展翅欲飞有的悠闲踱步有的低头觅食, 人物和鸽子都刻画的活灵活现。画家用笔凝练, 碧海蓝天沙滩笔触轻柔, 色泽明快。画面传递出光明宁静之感, 符合了作者内心的平静。

一个好的艺术家, 不仅要画出打动人的形体, 更画出人物的灵魂, 并且传达自我的情感。这需要艺术家投入真诚的情感。一幅好的绘画作品, 必然要同时凝结着画家自身的情感、对象的情感还有人类共同的情感。艺术的探索不应该止步于眼中之景的描绘, 而是更深入的挖掘描绘对象的内心情感, 达到传神的意境, 这样的画作才更有艺术价值和长久的生命力。

哈定的水彩人物画追求致力于人物精神面貌的刻画, 表达刻画对象的心灵状态, 并在水彩的绘画技法上进行了不断的探索和突破。从初期的色彩重叠到后期具有厚重感的色彩, 哈定在创作中不断探索与学习。在创作中, 哈定既汲取了国外印象派画家对光合色的表现, 又巧妙融合了中国水墨画的写意理念和笔墨气韵, 诉诸自己对美的理解和感受, 注重画面的意境营造。在充分发挥水彩画透明、流畅、轻快、简洁的基础上, 又运用创新的技法增强了画面丰富的色彩感和凝重的表现力, 具有强烈的个人风格, 创作出了许多表达重大题材的巨幅水彩画, 把我国水彩人物画创作推向了一个新的高峰。

摘要：水彩画自英国传入中国已有百年历史, 传统的水彩画题材在东西方无不以景物风景为主, 人物题材也局限于肖像, 极少去表现人物群像。在水彩画中, 由于材料的原因, 人物画是最具表现难度的一种类型。水彩的不可修改的性质要求有扎实的人物造型基础和对色彩的把控能力。在今年来, 水彩人物画得到重视, 探究人物画的著名水彩画家也愈来愈多。定是我国著名的水彩大师, 他将一生都奉献给水彩艺术。除了壮美秀丽的自然风景, 哈定在人物水彩画的探索上也做出了重要的贡献, 给艺坛留了浓墨重彩的一笔。本文从哈定三个时期的人物画创作入手来探寻哈定在水彩人物画中的发展历程。

关键词：哈定,水彩人物画

参考文献

[1]袁振藻.中国水彩画史[M].上海幽报出版社, 2000.

[2]邵大箴.水彩大家哈定[J].美术之友, 2002 (02) .

[3]张安朴.忆哈定先生[J].上海美术家, 2005 (04) .

3.具象人物水彩画创作的理念与实践 篇三

于2007年开始,我创作了一批以上世纪70年代的记忆为主题的系列作品《自行车》。选择那个时代具有典型性的物品——自行车,是希望能唤起人们心中对朴素、激情年代的历史记忆。在该系列的创作中,我采取了相对较大的画幅尺寸,运用竖长方形、两幅为一组的形式,力图突破水彩画一般情况下不能画大画的禁忌。作品的主体形象选取了生活中较具典型特征的少女形象,以朴素而又阳光为特点,运用较大的透视角度,以增强画面的视觉冲击力和整个画面的动感。为了增加作品的形式感及趣味性,我强化了阳光感和阳光下的投影所形成的光斑效果,希望赋予画面一些现代构成的元素。在作品中,我运用了一些现代交通符号,以暗示手法将“自行车”和“现代交通”标志这一对矛盾的物件呈现出来,意在赋予作品以一定的内涵和寓意,同时提醒人们对“现代生活方式”进行反思。

水,造就了水彩画的主要审美特征。在大幅水彩画的创作中,对水的控制与运用是技法运用的关键。为了解决这一问题,我采取局部制作的方法,将画面分成几个区域分别制作,同时还要注意色彩的衔接。在实践中,这种方式带来的效果比较理想。为了保持水彩清新透明的特点和刻画的细致程度,我制作了完整的素描稿,尽量将问题解决在素描稿中,为下一步的深入刻画打下很好的基础。为了让主体形象与背景产生松紧对比,我在背景的制作上尽量画得轻松些,充分运用水流产生的水迹效果。在运用传统的干、湿画法的同时,为了增强画面的表现力,也运用喷壶来制造颗粒感,有的地方还采取了涂蜡手法,使画面呈现不规则的块状肌理。这些方法和手段在丰富水彩表现语言方面都取得了较好的视觉效果。

《自行车》系列的探索,为我在创作理念、技法运用、语言掌握等方面奠定了基础。2009年,我开始创作另一个以反映当代湘西苗族人文、自然为主体的《苗女》系列。我所工作和生活的湘西大地,有灿烂的民族文化、优美的自然风光和人文风情,也存在着当下日益现代化的生活和城市扩张在不知不觉中发生的碰撞,使地域文化在迅速地被边缘化。展示湘西民族文化状态,重建民族文化的自尊与自信,是我这组水彩作品的创作动机。