西方古典艺术特点

西方古典艺术特点（14篇）

1.西方古典艺术特点 篇一

第二课 西方古典艺术的发源地——希腊、罗马美术

教学目标：

1、了解希腊和罗马雕塑、建筑的突出成就、重要地位及对西方美术的影响。

2、初步掌握欣赏西方雕塑、古建筑的基本方法。提高学生的艺术鉴赏能力。

3、初步了解西方古典美术的艺术风格和艺术传统。教学重难点：

掌握古希腊人物雕塑的写实与理想化的结合，追求和谐的理想美。难点：古希腊的历史背景和审美取向。课时：1课时 教学过程：

一、导入课题：2004年希腊雅典奥运视频材料引出课题。

二、讲授新课：

（一）学生讨论：

①、希腊的地理环境。②、希腊的气候。学生发表自己的观点。A、引导学生仔细观察，自己寻找并发现问题。B、引导学生分组展开讨论。

教师肯定学生的观点，并讲授希腊的地理环境。知识要点：

①、三面环海，一面临山。温和的气候条件。为希腊人们进行体育锻炼提供了条件。②、大理石的盛产，为希腊雕塑提供了材料的保证。课件：播放舒缓的背景音乐。学生展开讨论。

（二）历史背景：

1、了解古希腊的历史史实、神话传说。

2、阐述自己的观点。

（1）引导学生了解有关希腊的历史实。（2）知识点：

古希腊人：实行奴隶制民主政治；艺术是生活的一部分；他们从事体育运动。播放课件：展示有关的图片。◆播放背景音乐。

（三）感知作品：

1、学生观察分析代表作品：

2、学生讨论作品的特点和造型特色，并发表自己的看法。

3、理解雕塑的造型美、原始意义，理想与现实结合。

用心

爱心

专心 1

（1）教师引导学生仔细观察雕塑作品：《拳击者像》、《掷铁饼者》、《胜利女神》、《维纳斯》。（2）形成对作品的感知。

◆知识要点：建筑与雕塑的融合；理想与写实的结合；美学观念：“和谐的理想美”。◆展示图片：《三女神》、《掷铁饼者》、《胜利女神》、《维纳斯》。

（四）分析作品：21世纪教育网

1、雕塑作品分析：

（1）学生观察分析作品：《拳击者像》、《掷铁饼者》、《维纳斯》。（2）学生分析讨论作品，比较雕塑作品间有何艺术特色。（3）学生发表交流自己的观点。分析古希腊人的审美取向。

（4）掌握雕塑人神合一、现实与理想的结合。感悟作品的健美、庄重、和谐。A、教师引导学生观察古典时期的雕塑作品：《拳击者像》、《掷铁饼者》等。《拳击者像》： 造型生动，赋予了内在人体的生命。

《掷铁饼者》：体育运动在艺术上的体现。迅速变化的运动感。《维纳斯》： 感受自然与理想的优美与崇高。B、引导组织学生进行讨论，并对作品间进行比较。知识点：

①、古典时期是造型艺术全盛时期。②、美术成就主要是：建筑、雕塑。

③、艺术风格特点：现实与理想化的结合。纯真而高尚的人体美。建筑与雕塑的融合。展示图片：《拳击者像》《掷铁饼者》《维纳斯》

2、建筑作品分析： 学生分析作品，感受古希腊人对建筑的严格比例，追求庄重和谐统一的效果。

1、引导学生分析《帕特农神庙》

知识点：多立克柱式，比例匀称，饱满挺拔。展示作品：《帕特农神庙》

（五）体验作品：

1、学生根据自己的理解进行体验活动。

2、学生谈感受。

教师引导学生以各种形式体验作品。

体验要求：形式不限，重在感受雕塑作品的艺术美，表达自己对作品的理解。展示作品，播放背景音乐。

（六）知识延伸：

学生认识身边的艺术，发现身边的美。

1、让学生感受身边的雕塑作品。理解身边雕塑的艺术美。引导学生多注意观察生活，体验生活。

用心

爱心

专心 2

2、展示学生身边的雕塑作品。

3、播放课件了解古罗马建筑的伟大成就。

三、课堂小结： 学生小结：

1、学生用自己的语言进行本课的小结。

2、谈自己对古希腊雕塑作品的整体感受。教师总结：

四、课外延伸：

进一步搜寻希腊雕塑的资料，了解希腊雕塑的发展过程。理解雕塑兴盛的原因。

用心

爱心

专心 3

2.西方古典艺术特点 篇二

关键词：园林景观,艺术设计,比较研究

一、中国古代园林景观艺术的发展

中国被称为世界园林之母, 其最初形成可追溯到夏商时期, 距今已有四千年历史, 此时的园林景观设计已经不仅是圈养、栽培、通神之处, 也是略具园林雏型格局的观游、娱乐场所。

中国的园林景观设计在魏晋南北朝时代发展到“寄情山水, 人造自然”阶段。魏晋南北朝以崇尚“自然”为宗旨的儒玄、玄佛义理流行于世, 人们追求返朴归真, 山水审美之风全面兴盛, 成为这一时期造园艺术发展的推动力。特别是文人、画家巧匠逐步涉入, 使得园林不再是一种自然风光的再现:一方面通过寄情山水的实践活动取得与大自然的自我协调, 并对之倾诉纯真的感情;另一方面结合理论的探讨深化对自然美的认识, 发掘、感知自然风景构成的内在规律。有关自然山水的艺术领域大力开拓, 对自然美的鉴赏遂取代了过去所持的神秘和功利的态度, 成为此后中国的传统美学思想的核心。这一时期的古典园林, 开始进入成熟期, 造园时对山水等自然景观有意识的加以改造、调整、加工、提炼, 精练概括的表现了自然从总体到局部都隐约透露着诗情画意, 强调了山水园林重视和谐的美学思想。

中国的园林景观设计在唐朝以后进入了成熟阶段。在讲究园林本身形式上, 以园言志、以景寄情。造园家与文人、画家相结合, 运用诗画传统表现手法, 把诗画作品所描绘的意境情趣应用到园景创作上, 甚至直接用绘画作品为底稿, 寓画意于景、寄山水为情, 逐渐把我国造园艺术从自然山水园阶段推进到写意山水园阶段。园林讲求“寓诗情画意于自然景物之中”, 山水画强调既要真实描绘自然景物, 又要抒发作者的情感, 在两者结合中创造情景交融的意境。从写实过渡到写意与写实结合, 这是造园艺术的创作方法的一个飞跃。

二、东西方园林景观艺术的比较

1、东西方哲学思想和世界观的差异影响了园林景观设计的理念。

由于诗人、画家直接参与园林的建造和经营, 中国古典园林其一开始便带有诗情画意的浓厚感情色彩。在儒、释、道等古典哲学思想的影响下, 中国造园思想处处充满着生活气息并浸透着人的主观感情。而以法国为代表的西方传统园林在“唯理”的美学思想下形成, 强调人工的自然美, 反映人对自然的改造和控制, 体现人的意志, 追求的是形式美的哲学基础源于自然科学早期重大成就所形成的唯理论哲学观。古典主义者强调整齐划一、秩序、均衡、对称, 平面构图上崇尚圆形、正方形、直线等几何图案和线形分割。西方古典主义园林风格正是在这种唯理的美学思想下形成的, 它体现的是一种理性的思想内涵。

2、东西方园林景观设计在空间处理上的差异。

在空间处理上, 中国古典园林景观“命意在空不在实”, 显现的是活泼、动态、多点透视的空间。其力求从视角上突破园林实体之有限空间的局限性, 使之融于自然、表现自然, 把园内空间与自然空间进行融合和扩展, 利用借景手法把观赏者的目光引向园林之外的景色, 从而突破了有限的空间限定。而西方古典园林主从分明、重点突出, 各部分关系明确、肯定, 其边界和空间范围一目了然, 空间序列段落分明, 空间尺度不在于适应自然环境和人们实际活动的需要, 而是着重于强调以建筑实体营造所需的气氛。它多运用数学和几何学原理来处理空间的形式, 从而产生主次分明、均衡、明晰的空间形态。

3、东西方对园林景观的功能理解不同。

中国园林虽然有休息和娱乐的目的, 但由于中国文人的休息和娱乐越来越走向纯精神功能的非功利倾向, 其设计的目标也变得越来越飘渺和意味深长。中国的美学理论在整体上一直就对追求物质享受的思想长期受到鄙视。因此中国园林的功能一直以来都是少数文人自省和精神自我满足的场所, 物质功能从未成为中国园林的重要功能。相反, 英国人很快就注意到把花园变成实用的场所, 使之成为公众会聚的场所, 药物、蔬菜和花卉的生产基地, 牛羊的牧场等, 物质功能与审美相结合, 把西方园林艺术推上了一个更加健康的方向, 并为传统的风景园林艺术插上了科学、民主的翅膀。

4、东西方园林景观设计中建筑风格的差异。

3.中西方绘画艺术特点比较分析 篇三

关键词：中西比较；构图方式；思维方式；思想文化根源；色彩审美

美术史从远古的壁画，经过数千年的发展到到今天，同为绘画，中西方的绘画也具有一些相似之处，主要表现在：两者都非常重视主次和疏密的处理，以及和谐、对比、简洁、均衡、取势等技巧的运用。然而，中西方不同的地域环境、人文因素等各方面的主客观因素，造成了中西方文化背景的不同，他们的思考方式甚至审美等方面也逐渐形成了差异，这其中也包括在绘画方面的差异，它们的差异占据主导地位。

将中西方绘画的特点作以分析比较，我们不难发现二者的差异。

一、中西方绘画构图方式、透视与思维方式不同

中西方绘画的最主要差异就在于透视，中国绘画在创作上讲究的是意境，画面构图讲意在笔先和形象思维，在造型上讲求妙在似与不似之间的神似，在透视上将焦点透视与散点透视结合；而西方绘画造型严谨，着重于焦点透视，在构图上有所限制，比较客观科学地体现了事物的外观，真实客观是其特点。

中国画大多采用“以大观小”的散点透视，画家所营造的空间介于二、三维之间，而且不那么讲究人体各部分的比例关系，在描绘对象时往往要做人为的夸张与取舍。画家的观察点并不是固定在一个地方，也不受规定时空的限制，在各个不同立足点所看到的东西，都可以组织到画面中来，能以咫尺表现千里的辽阔境界。中国画所运用散点透视法来表现，给绘画带来了整体上的节奏感与和谐感，在构图上环环想扣、节节相连，描绘深刻真实，构图饱满中见空灵。

传统的西方画中，要求对象、光源、环境、视点四固定，即创作时对客观景物的位置、视点只能选择，而绝不能在画面上随便移动，以求严格按照物理、光学原理，科学准确地再现三维空间的客观世界。所以，画家的功夫都用在眼睛所能看到的物体和光影上，不允许增加人的意念和想象。西方绘画还把人体解剖原理运用到人物画中，以准确表现人体骨骼肌肉的开关和运动状态。所以我们在经典西画中看到的人体，都是比例恰当，描绘得如同真人一样。所以西方绘画作品比较科学严谨，追求逼真，强调通过光影、色彩的变化对比，利用体、面等手段对对象进行刻画，真实的再现创作对象。

二、中西方思想文化根源的不同

中国画所体现的是中国传统的美学所讲的天人合一，强调的是主观与客观的统一，主张眼到心到、意到，意中有象、象中有意，物我交融。中国画所面对客观物象，经与审美主体交融后，变成一种精神状态的物化方式，绝不再拘泥于客观真实的度量标准。中国画不讲块面刻画，而取轮廓勾勒；不讲物理重心，而重主观感受，它对客观事实进行了提炼，成了一种具有主观意象的精神轨迹，发挥着远远超出客观形体本身的精神效应，更接近于一种时空的转换，关心人的变化过程，想到什么，用生命的状态表达对象。作画时，意在笔先，胸有成竹，笔简而意工，象约而境奇，不仅求之于象内、境内，更着眼于象外、境外。这些客观事物已经成为画家主观精神的载体，身上已经融入了画家的个性与情绪，所以，中国画的主体往往都显现在画面上，背景和细节则昼省去，画面留下许多空白，重神轻形、重意轻象，要求神形兼备、情景交融，追求笔有尽而意无穷。

西方绘画则不同，西方文化的传统哲学是人与自然的关系，人是自然的中心，人要驾驭自然、征服自然。从这种观念出发，西方人的理想最终目标就是认识自然、征服自然，从而获得幸福，这种精神渗透到绘画艺术中，便体现为强调客观地表现现实对象。西方绘画总是把科学运用到绘画中，要求画家以纯客观的方式来把握自然，即画家所画一定要与他所看见的保持一致，在创作中讲素描、解剖和透视的应用，通过明暗的调子、统一光源的明暗关系来进行制作，它讲究焦点透视，三维空间作画，讲块面刻画。它是一整套的模式来进行绘画。在西方画中，人的思想感情不能代替科学，不能表达深层次的意境，它与中国画具有鲜明的对比。

三、中西方绘画色彩审美的不同

欣赏中西方绘画，最直接的体会就是绘画审美在色彩上的应用。色彩是西方绘画的灵魂，西方绘画着重强调色彩的渲染，画家用色彩的渲染传达画家的情感，大胆地描绘自己的感觉，西方绘画为了达到色彩上的完美，用很多材料来作画，主要是有铅笔，碳笔，粉笔，水彩，水粉，油画颜料。对色彩如此执着地追求，与中国的绘画审美截然不同。

中国画最初的创作受颜料局限仅限于黑白水墨画，画家墨跟毛笔通过深浅颜色的对比将心中所想之物挥洒在纸上。后来中国画作也增添了多种色彩的应用，但画家们重视的始终不是画作的色彩的绚丽，他们要的是通过色彩对比所呈现的意境。

四、中西方画家身份与题材的不同

中国在秦汉时期就开始出现文人画家了，到魏晋南北朝，出现了一批属于士大夫阶层的杰出画家，唐宋以后，一批大诗人兼大画家的出现，有力的促进了中国绘画的“文人化”进程。在中国传统文化思想的影响下，中国的文人画对现实的社会人生，几乎是出乎其外，淡然处之的，中国画写的是意象，写的是意境，写的是作者的人生理想，这在西方则是没有出现过的。中国文人画受宗教影响较小，多以山水、花鸟等题材为主。

西方的画家在19世纪前一直是画匠身份，到19世纪后才独立成为真正意义上的画家。西方画家的主要成分是画匠，他们身处社会底层，对物质上的和精神上的生活，是正视直观的、积极干预的，所以，西方的绘画是通过对生活的认识而创作，具有写实、再现的意义。西方画家以事物为对象，抱着一种科学的态度，以探求物象在视觉上的性质，这些纯视觉因素的把握，使西方绘画的表现较纯粹。

总之，中西方绘画各有其特色和精髓，它们产生、发展是在不同的的社会背景及时代下造成的，构成了两种截然不同的艺术风格。因此，我们欣赏中西方繪画时，要综合其历史文化、哲学思想、宗教等结合绘画本身来欣赏比较。

【参考文献】

[1]王默林.写实——作为西方美术的世界观问题[J].文艺评论，2009（03）

[2]蔡峰.中国传统美术作品中的和谐思想探究[J].云南财贸学院学报（社会科学版），2007（02）

4.最好听的西方古典音乐 篇四

·格里高利（意大利）540-604

圣咏★ ●

■

·维瓦尔蒂（意大利）1680-1743

四季★ ● ▲

·巴赫（德国）1685-1750 无伴奏大提琴组曲★ ●

■ 小提琴协奏曲★ ●

小提琴大键琴奏鸣曲●

■

·亨德尔（德国）1685-1759 竖琴协奏曲●

▲

·莫扎特（奥地利）1756-1791 小提琴协奏曲★

小夜曲★ ●

▲ 钢琴三重奏★ ●

▲ 小提琴奏鸣曲★

·贝多芬（德国）1770-1827 小提琴协奏曲★

·帕格尼尼（意大利）1782-1840 小提琴吉他奏鸣曲★ ● ▲ ■

·罗西尼（意大利）

弦乐奏鸣曲★ ● ▲

■

·门德尔松（德国）1809-1847

小提琴协奏曲★ ●

▲

·肖邦（波兰）1810-1849

夜曲★ ●

■

圆舞曲★ ▲

·柴科夫斯基（俄罗斯）1840-1893

小提琴协奏曲★

钢琴协奏曲★

·德沃夏克（捷克）

新世界交响曲★

大提琴协奏曲★

·格里格（挪威）1843-1907

钢琴协奏曲★

·拉赫马尼诺夫（俄罗斯）1873-1943

钢琴协奏曲2★

珍藏古典：

1、莫扎特钢琴三重奏

2、莫扎特弦乐四重奏

3、巴赫小提琴大键琴奏鸣曲

4、巴赫无伴奏大提琴组曲

5、格里高利圣咏

6、亨德尔竖琴协奏曲

7、莫扎特第40交响曲

8、莫扎特弦乐小夜曲

9、维瓦尔第小提琴协奏曲《四季》

10、罗西尼弦乐奏鸣曲

11、肖邦夜曲

12、莫扎特小提琴奏鸣曲

13、莫扎特第3、5小提琴协奏曲

14、帕格尼尼小提琴吉他奏鸣曲

15、贝多芬小提琴协奏曲

16、门德尔松小提琴协奏曲

17、巴赫小提琴协奏曲

18、斯美塔那交响诗伏尔塔瓦河

19、贝多芬第6田园交响曲 20、贝多芬第5交响曲

21、贝多芬第3交响曲

22、贝多芬第9交响曲

23、舒伯特未完成交响曲

24、柴科夫斯基第1钢琴协奏曲

25、柴科夫斯基第4、5、6交响曲

26、柴科夫斯基小提琴协奏曲

27、德沃夏克第9新世界交响曲

28、德沃夏克大提琴协奏曲

29、德沃夏克美国四重奏 30、格里格钢琴协奏曲

31、拉赫玛尼诺夫第2钢琴协奏曲

32、马勒第4交响曲

33、贝多芬钢琴奏鸣曲

34、贝多芬小提琴奏鸣曲

35、肖邦圆舞曲

36、柴科夫斯基天鹅湖组曲

37、勃拉姆斯匈牙利舞曲

38、斯特劳斯圆舞曲

39、里姆斯基-科萨科夫舍赫拉查达 40、罗德里哥阿兰胡埃斯吉他协奏曲

41、格什温蓝色狂想曲

42、柴科夫斯基洛可可主题变奏曲

43、拉赫玛尼诺夫帕格尼尼主题狂想曲

44、西贝柳斯小提琴协奏曲

45、贝多芬三重协奏曲

46、贝多芬钢琴三重奏

47、比才卡门

48、威尔第茶花女

49、威尔第弄臣 50、奥尔夫布兰诗歌

5.西方古典艺术特点 篇五

古希腊位于欧洲地中海和西部爱琴海沿岸，也是欧洲文化的起源。古希腊建筑是整个西欧建筑的启蒙地。由于希腊的.特色地理位置，分布有很多大理石结构的山脉。因此，早在几千年前，希腊人在建造房屋时，除了屋架外，其余所有的部分均使用石材去建造。神庙是古希腊最主要的大型建筑，最有特色的是其建筑中的柱廊。

由各种各样柱式的组合，所构成的石材的梁柱与列柱，其雕塑感极强。柱子上还多用一些线条进行装饰，特别是梁柱，基本上都有花纹。其建筑风格较为爽朗，与自然环境较为融洽。由于石材独有的耐压特性，使其建筑特点就是密柱短跨。这些花纹、梁柱、列柱的艺术处理，决定了神庙的外立面。后期古希腊建筑的种种改进与发展，也都没有这三个方面的范围。至公元前六世纪，柱式建筑已基本成熟，形成了一套完整的建筑工艺，这也是后续古罗马人们所称呼的“柱式”.古希腊时代的古典柱式一共有三种样式，多立克、爱奥尼克、科林斯。其具体形状如图 1 所示。

柱式建筑本身的几何化象征与人格化特色，以及受柱式建筑影响的对建筑竖直比例的强调，由此形成的立体式构图模式，对后世西方建筑产生了深远的影响。

2.2 古罗筑。

古罗筑主要是在古希腊建筑的基础上的继承与发展。随着社会的发展，生产力的提高，古罗马的建筑类型丰富很多，建筑技术也有了长足的发展，并在古希腊建筑工艺上建立了一套新的科学的建筑理论，这套建筑理论对整个欧洲乃至全世界的建筑行业都起到了巨大的影响。古罗筑最大的特色就是天然混凝土的运用以及“券拱”式建筑结构。因为古罗马处于火山地区，有很多的火山灰，罗马人在建筑过程中，发现如果将这些天然的火山灰再加上砖石，则可以产生很强的凝结力。使用这种具有强烈凝结力的材料，可以极大的提高拱券的跨度，改进了建筑材料的受力状态，建筑了多种劵柱式、高层的建筑。给西方古典建筑带来了本质化的改变，得到了空间效果。

除了券拱式的建筑结构之外，古罗马在古希腊建筑的基础上，根据罗马人的审美与新的建筑技术，对其进行了继续与发展。他们继承了科林斯式，用来建造规模庞大，装饰华丽的建筑群，并在柱式顶部增加爱奥尼克的柱头，使其更加华丽。此外，罗马人还在三类古典柱式的基础上又创造了塔斯干式与复合式，这两种也被叫做罗马柱式。

其中，塔斯干式身上取消了凹槽。复合式则是根据券拱技术进行改进。从柱式的发展可以发现，当梁柱的体系及技术逐渐成熟之后，柱子的形式已逐渐固定，最后回归到几种最根本的形式[2].

2.3 哥特式建筑。

在古罗马覆灭之后，拜占庭发明了帆拱技术，这种石材的砌筑工艺，适合东正教的集中式的开放空间以及高挑的穹顶形象，这是材料结构属性对建筑空间的适应。此外，东正教的教堂内部多贴有马赛克的装饰，用以进一步强化建筑的虚幻美丽气氛，这是材料视觉属性对建筑空间的适应。

古罗筑的教堂内部较为压抑，空间封闭，冷峻的外观。这种建筑形式，一方面是由于砖石材料力学性能的限制，一方面也是其主要采用砖石材料所带来的象征意义的直觉表达。此时的材料既完成了建筑所要求的功能性，也与罗马时期禁欲主义的宗教教义精神同步，可见材料表现既要考虑建筑的功能性，也要考虑建筑所需要体现的社会观念。

而哥特式建筑则是由浪漫的法国人建造的。法国人在古罗马拱券式的建筑结构基础上，结合了最新的建筑工艺，创新性的使用矢状券的建筑框架，极大的降低了建筑物的侧推力。同时，又在建筑物的四周使用各自独立的飞券，以加强抵抗主拱的侧推力。这种大量飞券的应用，使整体建筑呈现出一种轻灵、向上的建筑风格，这也是哥特式建筑最大的特色。

2.4 文艺复兴建筑。

文艺复兴建筑领域，最多的是对古典柱式以及柱式比例的探讨，在建筑过程中，开始重视起各类几何形体的运用，比如正方形、球形、圆柱形等各类几何体的单独或叠加的运用。值得说明的是，这个时期，西方古典建筑开始从理论上对建筑材料进行阐述，并在实践中加以执行。

文艺复兴时期历经 200 多年，留下了丰富的理论着作，比如《建筑十书》，讲述了建筑材料自身的结构特性对建筑整体的三要素中的“牢固”做出的贡献，以及材料对建筑的外形和内部空间的影响，以及通过材料本身的视觉属性来实现装饰作用等。

2.5 巴洛特建筑与古典主义建筑。

紧接着文艺复兴建筑的有两种典型的建筑风格，一是巴洛克建筑，一是古典主义建筑，其在使用材料上也有较大的差别。其中，巴洛克建筑，其多为小教堂，更加注重材料的色彩、材料的肌理以及材料的尺度，并对其进行运用。而古典主义建筑较为排斥材料的视觉属性。究其原因，主要是巴洛克建筑多为反对宗教改革所建造的，为对宗教神性的宣传，所以在建造过程中极尽张扬，尽量表现出瑰丽多姿的形象。而古典主义建筑则多是建造宫廷建筑，是为君权的宣传所建造的，尽量强调出等级秩序，因此对其材料的视觉属性进行限制也在情理之中[3].

3 建筑材料对风格变迁的驱动。

成熟的建筑结构和其内部空间，都是建立在其使用的材料和与材料相对应的建筑技术之上。古希腊所在的尼罗河盛产石材，才得以有那些明朗的神庙建筑和那些比例和谐、花纹精美的梁柱、列柱。古罗筑的恢弘空间和巨大体积，依靠于来自自然的混凝土与砖石的结合以及券拱技术的发明。拜占庭发明的帆拱技术，为哥特式建筑的集中构图提供了技术支持。罗马风格的教堂继承了古罗马的券拱技术，其教堂内部较为压抑，空间封闭，外观冷峻。

禁欲主义的宗教教义精神同步。哥特式建筑中大量矢状券、飞券的运用，使建筑骨架清晰，建筑不再需要那么多笨重砖石支撑，再加上彩色玻璃窗与光线的引入，制造出了几何鲜明、轻灵的建筑风格。可以说，建筑的材料表现，隐藏于外显的建筑风格变迁中，但却始终贯穿其中，并发挥作用。文艺复兴的研究对建筑材料的理性使用做出了贡献。

而法国古典主义建筑，则是在文艺复兴理性研究基础下的继续发展，它对材料比例的研究离不开对材料结构的清晰表达。

4 结 语。

本文分析了西方古典时代具有代表性的五种建筑风格，以及这五种建筑中材料的应用与表现。通过对这五种建筑风格的分析可以发现，所有的材料表现与其对应的建筑风格是息息相关的。建筑风格除了受当时的政治、文化、宗教等的影响外，其另一个重要的影响因素就是其建筑材料。

参考文献。

[1] 产斯友 , 王明洁 . 浅析西方古典建筑中的材料表现[J]. 华中建筑 ,2012,30(4)：147-148.

[2] 袁 思 怡 . 浅 谈 西 方 建 筑 风 格 [J]. 科 学 时 代，2014,(11)：150-152.

6.西方古典艺术特点 篇六

2015山西特岗教师招聘西方音乐史之古典主义时期的音乐四

【古典音乐时期的代表音乐家】 贝多芬

贝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)生于德国的波恩，维也纳古典乐派的重要代表人物。

1、生平创作时期(1)波恩时期(2)维也纳时期(3)创作成熟时期(4)创作晚期

2、作品

9部交响曲、1部歌剧、32部钢琴奏鸣曲、5部钢琴协奏曲、2部弥撒曲、11首序曲、1部小提琴协奏曲、16部弦乐四重奏、10首小提琴奏鸣曲及其他数量众多的作品。代表作分别为：

(1)交响曲：第三交响曲《英雄》，第五交响曲《命运》，第六交响曲《田园》，第九交响曲《合唱》。

(2)歌剧《菲岱里奥》。

(3)奏鸣曲：钢琴作品有第八奏鸣曲《悲怆》，第十四奏鸣曲《月光》，第十七奏鸣曲《暴风雨》，第二十一奏鸣曲《黎明》，第二十三奏鸣曲《热情》，第二十五奏鸣曲《杜鹃》，第二十六奏鸣曲《告别》。小提琴作品有第五奏鸣曲《春天》。

(4)协奏曲：bE大调第五钢琴协奏曲，D大调小提琴协奏曲，小提琴、大提琴、钢琴三重协奏曲。

(5)室内乐： 16部弦乐四重奏(其中后五部最重要)。

(6)声乐作品：D大调弥撒，庄严弥撒，声乐套曲《致远方的爱》。(7)其他作品：《艾格蒙特序曲》等。

3、艺术贡献

(1)在交响曲的发展和创新方面：将高度浓缩的音乐动机进行扩展，又保持全曲的严谨统一;扩充了展开部，使它成为烘托作品内在矛盾、动力性张扬和戏剧性冲突的重心;他从《第三交响乐》开始，将谐谑曲(Scherzo)引入交响曲的第三乐章，取代了具有宫廷典雅气质的小步舞曲;在《第九交响乐》中，将人声加入交响曲中，扩大了作品的表现力。

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(2)在钢琴奏鸣曲方面：他的32首钢琴奏鸣曲在奏鸣曲结构上做出了重大贡献，同时还在钢琴力度对比、戏剧化因素、不同音区的色彩变化上做出了重大发展，使之成为与巴赫《十二平均律钢琴曲集》齐名、在音乐史上有突出贡献的作品。

(3)在音乐表现方面：解放了音乐艺术，表达了他那个时代的精神实质，作品展现了从斗争到胜利，从黑暗到光明，从苦难到欢乐的精神历程。他的旋律继承了海顿式动机展开的手法，吸收了莫扎特旋律的深情，形成简洁、粗犷、质朴、热情的特征。

(4)节奏上频繁的变换，切分和休止所造成的动力性、不平衡感，和声的不谐和与调性的不稳定等因素的范围逐渐扩大，力度也形成大幅度起伏;配器上重视发挥铜管、木管的作用。这些手法造就了贝多芬音乐强烈的感染力和鸿篇巨制的气魄。其音乐中的革命性因素，自由冲动的戏剧效果，使他成为古典主义音乐的集大成者，同时，他又是浪漫主义音乐的开路先锋，启迪了19世纪的浪漫主义作曲家。

4、音乐中的人文主义思想：

贝多芬将人文主义思想融入其创作中的各个领域，并以此为基点，将古典主义音乐推向了巅峰，开创了浪漫主义音乐的先河。他用仅有的一部歌剧《菲岱里奥》撼动了歌剧艺术舞台，其余晖直射瓦格纳;是他，在奏鸣曲式上进行了一次彻底的革命，以《热情》、《悲怆》和《月光》为代表的32首钢琴奏鸣曲，用一种前所未有的音乐结构和调性处理使世人震惊，被誉为音乐中的“新约全书”，成为划时代的音乐蓝本;是他，把交响音乐发展到让人叹为观止的地步，将慢乐章发展成具有史诗般磅礴气势的篇章，把典雅的小步舞曲乐章换成了具有强烈动力的谐谑曲乐章，使它达到为人类精神纵情高歌的境界，他还将终曲扩展为壮观的高潮，使音乐在凯旋中结束。这种结构的改变，使交响乐达到了前所未有的境地，成为人类文化宝库中的精髓。1827年在维也纳，这位孤独的长者被病魔夺去了生命，他在行将就木时，最终选择弦乐四重奏作为唯一的创作方式来表达情感，用利刃一样的笔墨写下了16首弦乐四重奏的最后5首，这些作品包含了他最高的艺术理念、最精致的音乐结构和最丰富的人类情感，体现了刚劲的气质、哲理的深思、质朴的世俗，犹如一位哲人，在深渊的边缘，为世人献上的一曲曲讴歌人类灵魂的“圣歌”。

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2015山西教师招聘考试

7.西方古典歌剧欣赏初探 篇七

一、了解西方古典歌剧的基础知识

歌剧是以歌唱为主要表现手段, 将戏剧、诗歌、音乐、舞蹈和美术等融为一体的综合性艺术, 是以音乐为主要表现手段的戏剧。通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成, 有时也用说白和朗诵。

西方古典歌剧起源于16世纪末的意大利, 19世纪为其发展最为辉煌的时代。在漫长的歌剧发展史中, 产生过多种类型的歌剧, 如正歌剧、喜歌剧、大歌剧、抒情歌剧、轻歌剧、乐剧等。不同历史时期的不同类型的歌剧, 均有着不同的时代特点和艺术特点。如正歌剧常以神话或重大历史故事为题材, 演出场面人物多、场景大、气势宏伟, 在演唱上, 用咏叹调抒发主要情感, 用宣叙调展示戏剧性的矛盾冲突, 如普契尼的《图兰朵》、威尔第的《阿依达》等;抒情歌剧是一种剧情带有浓郁的抒情格调和现实生活气息, 歌剧旋律悦耳、优美并易于记忆, 常具有伤感色彩的歌剧风格, 如古诺的《浮士德》、玛斯奈的《曼侬》等;喜歌剧和轻歌剧剧情诙谐幽默, 常有讽刺意味, 常以民间生活故事为主要题材, 故事情节生动活泼, 人物性格鲜明, 如莫扎特的喜歌剧《费加罗的婚礼》、约翰·施特劳斯的轻歌剧《蝙蝠》等。

歌剧音乐的构成分为声乐和器乐两大部分。声乐部分包括咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、朗诵等, 器乐部分包括前奏曲 (或序曲) 、间奏曲等。在歌剧的声乐部分中, 最引人入胜的是男女主人公演唱的咏叹调, 通常篇幅较大且富戏剧性, 集中体现主人公的形象或心理刻画, 旋律性强, 表现力丰富, 是展示歌剧演员歌唱才华的重要途径。此外, 还有多种重唱形式, 同时表达多人的内心情感。歌剧中的合唱更是歌剧艺术重要的组成部分, 它在描绘意境、营造气氛等方面发挥着重要作用。宣叙调也是歌剧中的一种重要的歌唱形式, 通常称为“朗诵调”, 旋律接近于说白, 节奏较自由, 是歌剧中发展戏剧情节的重要途径。

二、掌握西方古典歌剧欣赏方法

(一) 观看歌剧前要预习歌剧内容

由于歌剧是一种高度概括、凝练的艺术形式, 通过虚拟化的手法, 把剧中人物生活的广阔空间浓缩到几十平米的舞台上, 把几年甚至几十年的生活经历浓缩到几小时的演出时间上, 因此, 在情节上往往有跳跃性, 如果观众不能很好地把握作品, 势必造成理解的偏差。因此, 对于一部陌生的歌剧作品, 在欣赏之前, 最好能够先找来该歌剧的脚本以及有关这部歌剧的文字资料、影碟光盘等, 提前了解该歌剧的创作背景、故事情节和人物性格, 这样可以大大提高对该歌剧的理解程度。如在欣赏歌剧《浮士德》前, 先阅读歌剧脚本, 了解到该剧虽然取材于德国作家歌德的诗剧《浮士德》, 但歌剧中并没有刻画浮士德追求崇高的精神世界和他一生不懈努力的场面, 更没有表现原诗剧中浮士德体现出来的欧洲资产阶级上升时期进步知识分子的先进思想。而歌剧《浮士德》是围绕浮士德、玛格丽特和梅菲斯托菲勒三个主要人物展开, 写浮士德出卖灵魂与魔鬼交易后与少女玛格丽特的爱情悲剧。因此, 在欣赏第三幕玛格丽特的著名咏叹调《珠宝之歌》时, 既能感受到这首咏叹调音乐所表现的少女玛格丽特天真纯洁的内心世界, 同时也对该唱段预示的由贪图虚荣酿成的悲惨结局有所体会。

(二) 对咏叹调、重唱、合唱等表现戏剧冲突的主要唱段要着重欣赏

咏叹调是歌剧中主要角色的独唱唱段, 是作曲者根据剧情的需要为主要角色所写的, 是主要角色在特定情境中集中抒发内心感情、倾诉喜怒哀乐的重要唱段, 是人物内心的独白。咏叹调的旋律优美动听, 强调声乐演唱技巧, 具有很强的艺术魅力, 可以说是歌剧音乐中的精华部分, 因此, 歌剧欣赏中对咏叹调的欣赏应放在重心位置, 它不仅艺术高超, 格调清新高雅, 而且着重表现了主人公内心复杂矛盾的心情, 塑造出丰满的人物形象, 是戏剧冲突集中的表现。如柴可夫斯基的歌剧《叶甫盖尼·奥涅金》中第一幕第二场, 自幼在乡村长大的少女塔吉雅娜初识奥涅金时激动不已, 为表白爱慕写信时的情景, 咏叹调音乐将塔吉雅娜热情的表白、烦躁不安的激动、对幸福的憧憬以及对幸福的无悔追求的内心世界表现得淋漓尽致。

歌剧中的重唱通常发生在主要人物的情感交融或是纠葛的时刻, 它精简了歌剧篇幅, 直接表现戏剧冲突, 它使几个角色的内心世界同时得到展示并发生相互影响, 深化了歌剧内容的表现。如古诺的《罗密欧与朱丽叶》第一幕第一场, 罗密欧与朱丽叶初识时唱了一句歌谣式的乐句, 朱丽叶重复了一次, 之后, 罗密欧用同样的旋律表示他与朱丽叶心心相印, 最后这对主人公以平行六度的二重唱结束了这段音乐。

合唱是歌剧音乐的一种形式, 有其他音乐形式所不可替代的特殊的表现功能。从审美意义上说, 合唱的音响组合、和声织体自有其相对独立的形式美感, 一曲曲恢宏的、深沉的、优美的合唱歌声令人久久难以忘怀。歌剧中的合唱可以表现群体形象, 可以描绘风俗背景、布局特定气氛, 可以叙述剧情, 也具有结构功能。如普契尼《蝴蝶夫人》第二幕中巧巧桑穿上当初的婚服, 怀着幸福的期盼, 等待平克尔顿的归来。她在月光下凝视前方, 直至黎明时分, 远处传来哼唱的渔夫号子, 衬托出苦等一夜的巧巧桑有多么痴情。这支优美的合唱也反映了作曲家本人对蝴蝶夫人不幸命运的同情, 对她真挚纯洁心灵的赞美。

(三) 对表演所表现的音乐内涵的关注

欣赏歌剧, 除了欣赏演员美妙的咏叹调、重唱、合唱外, 更要欣赏演员惟妙惟肖的表演。表情上的东西、感情上的东西是相通的, 是没有国界的, 观众会感受到演员的丰富表情, 一笑一颦、举手投足, 总是尽可能地诠释出音乐的内涵, 带动观众的情绪。如果我们在欣赏歌剧时能细致地观看演员的表演, 就能达到最佳的欣赏效果。

歌剧选材广泛, 内容丰富, 既能表现人物较为复杂的思想感情, 又能反映重大的社会性、哲理性问题。正如《歌剧概论》绪言中所述:“歌剧是一部百科全书, 它记录了大革命的雄伟, 世纪末的伤颓, 阴谋家的谄媚, 有情人的苦悲;有赌徒的狂热, 有歌手的忏悔, 有多余人的失落, 有英雄的眼泪。”要真正读懂歌剧这部百科全书, 视觉与听觉方面的感知是不可缺少的, 只有在全面了解歌剧艺术的基础知识、掌握歌剧欣赏的基本方法, 并亲身品味了几部西方古典歌剧名作原汁原味地演出后, 我们才能获得全方位的情感体验, 才能感受到歌剧艺术的独特魅力, 才能真正理解歌剧艺术在音乐历史的舞台上经久不衰的原因所在。

参考文献

[1]钱苑, 林华.歌剧概论[M].上海:上海音乐出版社, 2003.

[2]汤琦, 张重辉.中外音乐欣赏[M].杭州:浙江大学出版社, 2002.

8.古典音乐未来西方看好中国 篇八

“随着中国涌现出越来越多极赋才华的音乐家，他们在西方音乐厅、音乐学校和歌剧院里站稳了脚跟，植根于欧洲宫廷和教堂的古典音乐传统受到了强大冲击。丰厚的演出酬金，舒适的乐队工作，稳定的观众群和长期接受传统音乐熏陶的音乐教师，吸引着更多的中国音乐人前往美国和欧洲。这种现象至少在十年前就已出现，最近几年更是达到顶峰，自意大利人、德国人及随后的日本人和韩国人拥入美国后，中国人的到来又给美国古典音乐带来一股新活力。”——丹尼尔·J·维金

据中国音乐家协会透露的数据，中国目前拥有3千万钢琴和1千万的小提琴琴童。而每年进入音乐学院学习的学生达20万，而1980年，进入音乐学院学习的学生仅为几千人。同样，硬件方面的数据显示也相当惊人：中国的西方乐器生产厂家从2003年的87家如今增加到了去年的142家。去年，中国的乐器年生产量钢琴达到了37万台，小提琴1百万把以及吉他6百万把。中国已经独霸了这三项乐器在全世界的销量。

上海音乐学院钢琴系系主任陈宏宽在接受《纽约时报》记者采访时说：“音乐在中国非常‘热’。这种热度在西方国家可能是在减退，但在中国却呈现无止境的上升趋势。”中国目前已经成为盛产与世界相抗衡的演奏家摇篮。当然，这还需要中国具有一个长远的、深入的对西方音乐学习的发展过程。

曼哈顿音乐学校的校长罗伯特说：“我确信古典音乐的未来取决于中国今后20年的发展。他们代表着一个我们从未见过的，规模如此巨大的新听众群和古典音乐从业团体。20到40年后，上海和北京很可能会成为世界音乐艺术的中心。”

如今许多西方音乐家和教育家对中国音乐演奏家的素质持有近乎一致的看法：激情而不失细腻，表现力强且才华横溢。这些西方人说，中国演奏家有时看起来好像比其他亚洲人更少受到文化差异的限制。辛辛那提交响乐团的音乐导演帕阿沃·加维说：“中国大陆音乐家有很强的进取心。一有机会，他们就毫不退缩冲上前去。现在他们已经来了。”

如今的西方古典乐坛，几乎每个领域都会出现中国人的身影：2005年在得克萨斯举办的美国钢琴比赛中，35名参赛选手有8名来自中国，而2001年和2003年参加该赛事的中国人分别只有1名和3名。当今最炙手可热的古典音乐家该是来自中国的钢琴家郎朗、李云迪，都年仅24岁，世界各处都有他们的乐迷。

目前许多中国演奏家在欧美乐坛都非常活跃比如：王储芳、王裕贾、陈萨。26岁的中国音乐家王亮最近纽约爱乐乐团任命为首席双簧管吹奏家；以及现任纽约爱乐乐团的助理指挥张弦……。当然，去年歌剧界最轰动的事件，是谭盾的大型歌剧《秦始皇》在纽约的首演。现在大批中国音乐家加入了欧、美、日、韩著名音乐家的行列，正在取得引人注目的成就。如今在西方精英音乐学校中的中国学生，对古典音乐的未来产生着最深远的影响力，这些极具天赋的中国人，已变成这些欧美音乐名校弥足珍贵的财富。

随着中国日益繁荣和全社会追赶西方的期待，中国已经成为西方古典音乐的未来。这正如郎朗所说：“200年前是欧洲的世界。100年前是美国的，50年前是日本的。现在轮到中国了。”

9.新古典主义音乐特点与创新 篇九

一、21世纪新古典主义音乐的特点

当今的新古典主义音乐与20世纪末的新古典主义有所不同。首先，在乐器的使用方面，20世纪时期的新古典主义音乐大多以大管弦乐器为主，总体的声势比较庞大;而21世纪的新古典主义音乐多以钢琴为主，或加以小提琴，大提琴，甚至吉他的伴奏。其次，在具体乐器——钢琴的音色方面也有所不同。当今时代的新古典主义音乐中所使用的钢琴的音色相比于以前更厚重，更闷一些，颗粒性更强一些。再次，在写作手法方面，早期新古典主义音乐在调性与和声上，确立自然音阶为主导，在曲式上主张使用浪漫主义之前的曲式结构，如：赋格，要求复调性的音乐线条。总的来说早期新古典主义音乐是在继承古典主义音乐同时，也不断创新发展。而21世纪的新古典主义音乐，相对于早期形式来说简化了不少，其风格与极简主义音乐有交集，但又不完全相同。其一，当今新古典主义音乐记谱简明清晰，整首曲子所用的音符并不算得上很多。其二，其速度较慢，音符与音符之间的停顿时间稍长，给人一种宁静的意境与思考的空间。其三，其音域较宽，多间断地使用高音区的音，其目的也是创造一种氛围。其四，当今时代的新古典主义音乐多是钢琴独奏，清晰的旋律线条配以规整的四部和声或者是钢琴与提琴主旋律的交替演奏进行。总的来说当今时代新古典音乐没有了那么多相对于早期的作曲技法，但是其通过以上所述的特有形式表现出了一种与当今喧闹城市一种格格不入的宁静。最后，在表达情感方面，当今时代的新古典主义音乐从生活中来，表现生活的物或人或事情或一个自然景观等。更贴近人的日常生活，更让人容易感受，也更能引起人对当今生活的思考。如Goldmund——美国后古典钢琴家作曲家的作品《TheWindsings》(风在歌唱)，就是描写了微风吹拂的感觉，从最开的简单停滞的音符，以规整的四部和声为主，然后逐渐发展，到左右手交替如珍珠落在光滑地面上的即兴式的华彩外音的添加，同时也逐渐向高音区靠近，整首作品一直很安静但是丝毫不缺层次感。再有，如冰岛作曲家OlafurArnalds的作品《Nearlight》。曲子的开头17s的时间以钢琴独奏进行，引出了钢琴的主题旋律，同样音符不多，疏密分明。之后加入大提琴元素开始引出大提琴的旋律主题，同时背景仍为刚才的钢琴主题，二者形成两条旋律线，展现出复调的基本形式。

二、21世纪新古典主义音乐的创新和发展

随着现代科技与流行音乐的元素的不断发展，当今时代的新古典主义音乐也不再拘泥于运用传统的常规乐器，它同时吸收了这个时代的精华。因此，21世纪的新古典音乐的创新主要有以下三个形式：第一，创新加入了电子合成音乐的元素，也就是运用氛围音乐中的“噪音手段”，旋律的背后有比较模糊的连贯电子嗡鸣声来不断衬托音乐旋律的发展，共鸣的合成主音，失真的噪音让人感觉到超自然的未知声音。如Goldmund的作品《TooMuchStill》。这首作品中只使用了钢琴这一乐器，但是背景加入了电子合成的共鸣式声响。他的专辑《Occasus》都有运用这种加入电子合成音效的`方式。同样，还有Sleepingatlast的《January31，：Superbluebloodmoon》这首乐曲描写了1月31日的超级蓝月日全食的变化过程，曲子开头就大胆使用电子合成音效，烘托出一种宁静但不断发展的景象，而且这条音效始终贯穿整首乐曲之中。第二，当今时代的新古典音乐加入了爵士鼓等流行乐器元素。加入流行元素的乐曲更能让人接受，并且可以烘托音乐的发展营造氛围。比如，OlafurArnalds的作品《3055》。钢琴，大提琴，小提琴安静的开始与散漫的电音公冶一炉，随着气氛与乐曲的不断发展，先通过敲击爵士鼓的音镲加强音乐的表现，接着带有节奏感的鼓点随着音乐的音量加强出现，很好的烘托了乐曲发展的高潮部分。第三，更有新古典主义作曲家大胆加入了声乐的元素——并不是以具体的歌词形式演唱出来，而是通过人的哼鸣声，如“啊”音表现出来。如意大利新古典音乐组合Ashram(隐修所)的作品《All‘lmbrunire》以钢琴和提琴为背景音乐之外，加入了清澈的男声。成功营造了一个空灵的让人思考想象环境。

三、结语

10.西方古典艺术特点 篇十

摘要：江南园林地域范围小，又因江南气候温和湿润、水网密布、花木生长良好，园石、常绿树较多，所以园林景致较细腻精美，园林艺术格调明媚秀丽、淡雅朴素、曲折幽深。寄畅园的成功之处在于她“自然的山，精美的水，凝练的园，古拙的树，巧妙的景”。以追求自然精神境界为最终和最高目的，从而达到“虽由人作，宛自天开”的目的。它深浸着中国文化的内蕴，是中国五千年文化史造就的艺术珍品，是一个民族内在精神品格的写照，是我们今天需要继承与发展的瑰丽事业。

关键词 ： 古典园林 造园艺术 自然精神境界 山水景观苏州园林寄畅园

正文 ：中国古典园林艺术历史悠久，源远流长，内容涵盖宽泛，博大精深，是人类文明的重要遗产。它被举世公认为世界园林之母，世界艺术之奇观。其造园手法已被西方国家所推崇和摹仿。

中国古典园林的园景上主要是模仿自然，即用人工的力量来建造自然的景色，达到“虽有人作，宛自天开”的艺术境界。所以，园林中除大量的建筑物外，还要凿池开山，栽花种树，用人工仿照自然山水风景，或利用古代山水画为蓝本，参以诗词的情调，构成许多如诗如画的景。所以，中国古典园林是建筑、山池、园艺、绘画、雕刻以至诗文等多种艺术的综合体。中国古典园林的这一特点，主要是由中国园林的性质决定的。因为不论是封建帝王还是官僚地主，他们既贪图城市的优厚物质享受，又想不冒劳顿之苦寻求“山水林泉之乐”。因此，他们的造园，除了满足居住上的享乐需要外，更重要的是追求 幽美的山林景色，以达到身居城市而仍可享受山林之趣的目的。

中国古典园林因受长期封建社会历史条件的限制，绝大部分是封闭的，即园林的四周都有围墙，景物藏于园内。而且，除少数皇家宫苑外，园林的面积一般都比较小。要在一个不大的范围内再现自然山水之美，最重要也是最困难的是突破空间的局限，使有限的空间表现出无限丰富的园景。在这方面，中国古典园林有很高的艺术成就，成为中国古典园林的精华所在。

中国古典园林突破空间局限，创造丰富园景的最重要的手法，是采取曲折而自由的布局，用划分景区和空间、以及“借景”的办法。这种曲折而自由的布局，在面积较小的江南私家园林，表现得尤其突出。它们强调幽深曲折，所谓“景贵乎深，不曲不深”，讲的就是这种手法。至于划分景区和空间的手法，则是通过巧妙地利用山水、树木、花卉、建筑等，把全园划分为若干个景区，各个景区都有自己的特色，同时又着重突出能体现这一园林主要特色的重点景区。至于“借景”这种艺术手法，更是中国古典园林突破空间局限、丰富园景的一种传统手法。它是把园林以外或近或远的风景巧妙地引“借”到园林中来，成为园景的一部分。在《园冶》一书中，总结为五种方法，即“远借、邻借、仰借、俯借、应时而借”。

中国古典园林特别善于利用具有浓厚的民族风格的各种建筑物，如亭、台、楼、阁、廊、榭、轩、舫、馆、桥等，配合自然的水、石、花、木等组成体现各种情趣的园景。

而对于中国古典园林的分类，从不同角度看，可以有不同的分类方法。一般有两种分类法。1）按占有者身份分，可分为皇家园林和私家园林；2）按园林所处地理位置分，可分为北方类型、江南类型、岭南类型。其中江南的私家园林，由于交通发达、人口密集，所以园林地域范围小，又因江南气候温和湿润、水网密布、花木生长良好，园石、常绿树较多，所以园林景致较细腻精美，园林艺术格调明媚秀丽、淡雅朴素、曲折幽深。江南园林的代表大多集中于南京、上海、无锡、苏州、杭州、扬州等地，其中尤以苏州园林为代表。

寄畅园坐落在无锡市西郊东侧的惠山东麓，惠山横街的锡惠公园内，毗邻惠山寺。寄畅园属山麓别墅类型的园林。现在寄畅园的面积为14.85亩，南北长，东西狭。园景布局以山池为中心，巧于因借，混合自然。假山依惠山东麓山势作余脉状。又构曲涧，引“二泉”伏流注其中，潺潺有声，世称“八音涧”，前临曲池“锦汇漪”。而郁盘亭廊、知鱼槛、七星桥、涵碧亭及清御廊等则绕水而构，与假山相映成趣。园内的大树参天，竹影婆娑，苍凉廓落，古朴清幽。以巧妙的借景，高超的叠石，精美的理水，洗练的建筑，在江南园林中别具一格。

总体上说，寄畅园的成功之处在于她“自然的山，精美的水，凝练的园，古拙的树，巧妙的景”。难怪清朝的康熙、乾隆二帝曾多次游历此处，一再题诗，足见其眷爱赏识之情。北京颐和园内的谐趣园，圆明园内的廓然大公（后来也称双鹤斋），均为仿无锡惠山的寄畅园而建。

寄畅园布局得当，妙取自然，体现了山林野趣、清幽古朴的园林风貌，具有浓郁的自然山林景色。园内登高可眺望惠山、锡山，山峦叠嶂，湖光塔影，现出了“虽由人作，宛自天开”的绝妙境界，是现存的江南古典园林中叠山理水的典范。并且，它以高超的借景，冼炼的叠山、理水手法，创造出自然和谐、灵动飞扬的山林野趣，寄托了主人的生活情趣和对自然人生的哲学思考。

全园大体上可以分为东西两个部分，东部以水池、水廊为主，池中有方亭；西部以假山树木为主。大门正对着惠山寺的香花桥，其门匾为乾隆皇帝亲笔所题。穿过门厅后，是一个大天井，尽头一间敞厅，四壁挂满了名家字画。从敞厅左转，又是一组造型别致的庭院。西侧一个小天井，一株老藤，一段曲廊，颇富江南园林的风味。

东部的“锦汇漪”，宽仅三亩，南北狭长，波光潋滟，形成园中开朗明净的空间。池中有一座九脊飞檐的方亭，名“知鱼槛”，游人可倚栏观赏鱼藻。池的周围山石嶙峋，建筑林立，各种景物点缀配置，勾勒出了曲折窈窕的水面轮廓。在水池的北段，七星桥、廊桥将池水分成两个不同情趣的小水面，显得深邃不尽，幽深无限，令人难以猜测水流的去向。七星桥平卧水面，池水轻拍，倒影如画。西部的假山造型，是叠山大师张南恒与张轼的杰出代表作品，模拟惠山九峰连绵逶迤之状，构成一幅九狮图。假山高3～5米，怪石嶙峋，变化丰富，与水池的比例相称，又同池中倒影相映成趣。假山间为山涧，引惠山泉水入园，西高东低，茂林在上，清泉下流，水流宛转跌宕，淙琮有声，犹如八音齐奏，取名为“悬淙涧”，又名“三叠泉”、“八音涧”。涧道盘曲，林壑幽深，是江南园林中的独具之景。

除此之外，沿池还建有郁盘亭、知鱼槛、清响月洞、涵碧亭等等建筑，丰富的园景令水面显得分外得宽阔，极尽曲岸回沙的艺术效果。寄畅园的西南段还有一方池水，旁侧耸立着一座太湖石峰，丈余高，这就是有名的美人石，其造型犹为栩栩如生，令游人不由得感叹园艺的构思奇巧。

并通过苏州园林寄畅园的景观分析，我们可以深切的感觉到中国古典园林的高超的造园手法，认识到了中国园林被全世界所共认的园林之母，世界艺术之奇观的原因。中国造园艺术,是以追求自然精神境界为最终和最高目的，从而达到“虽由人作，宛自天开”的目的。它深浸着中国文化的内蕴，是中国五千年文化史造就的艺术珍品，是一个民族内在精神品格的写照，是我们今天需要继承与发展的瑰丽事业。

参考文献：1 陈巍.中国古典园林文化内涵的美学研究[J].北京建筑工程学院学报，2001彭一刚，1986，中国古典园林分析刘托，园林艺术欣赏[M]．太原：山西教育出版社，]997．周武忠，中国园林艺术[M]．上海：中华书局，1991．牛彦军，自然与人性的结合--从中国文化传统看中国建筑的“天人合一”性．华中建筑，1996，．

11.试论古典西方美学的自然观念 篇十一

西方与东方对自然的认识和感受有明显的区别, 古希腊人崇尚裸体美, 作为自然的人去展示自己健美的身体是纯洁高尚的, 每个人都以身体敏捷而强健, 擅长多种体育竞技运动为荣。综观西方思想史, 西方人对“自然”的理解是曲折而复杂的。在最初的希腊神话和史诗中, 人们把自然看作整个宇宙世界;之后柏拉图认为自然就是理念世界;中世纪的基督教神学思想使人们把自然看作是神的创造;而文艺复兴发现了人和自然, 自然被理解为可见事物的总和, 艺术成为“第二自然”。17、18世纪被称为“自然世纪”, 理性成为思想的主流, 同时对内在自然, 即人的本性的理解也打下了理性的烙印;与此同时浪漫主义主张回归自然。之后德国古典哲学把人和自然更紧密结合在一起, 体现出人与自然相辅相成、和谐共生的关系。

一、西方本体论的自然审美观

自然美起源于人与自然的相互关系, 是两者相契合而产生的一种审美体验, 并以希腊神话作为最初的形式表达, 它表达的是一种素朴的有机论自然观。在古希腊神话里, 宙斯是主神, 与众神统治着天地万物, 神就是自然世界的秩序。古希腊哲学中, “自然”的意义有多种, 存在论认为自然是宇宙、世界, 宇宙论认为自然是本源, 物理学认为自然是具体的物质, 而理性哲学则认为自然是本质、规律。

柏拉图的“理念论”将自然视为文艺模仿的对象, 认为“自然”是指“位于开端的东西”, 它与“灵魂的存在”相等同[3]。柏拉图在《理想国》中划定了三个世界:“相”或理念世界、现实世界、艺术世界。先是有“相”或理念, 也就是他所谓的真理, 然后才会有现实世界。他认为现实就是“相”或理念的影子, 而艺术则是对现实的再现, 那么艺术实质就是影子的影子。由于艺术与真理“隔着三层”, 难以直接地反映“相”或真理, 因此在柏拉图看来艺术的地位是很低的。普罗丁进一步把艺术追溯到“相”或真理的本源。与柏拉图相比, 普罗丁对自然的理解更多了神性的色彩, 他把最高理念解释为“太一”、“神”, 是最高的真善美三位一体, 几乎相当于基督教的上帝[4]。

柏拉图的学生亚里士多德在讨论“自然”这一范畴时, “四因说”始终贯穿其中。亚氏的自然观体现在美学上, 强调自然所构成的宇宙万物各有其美。他说:“整个生物界向我们表达着自然的美, 每一生物各向我们表达着某些自然的美。在自然的最高级的各种创作中, 绝没有丝毫的混乱, 殊途而同归, 一切都引向一个目的, 而自然的创作与组合的目的就是美的形式。”他认为自然美就是美的形式, 这一美的形式就是“秩序、匀称和确定性”。可见, 亚里士多德深受毕达哥拉斯学派“数”与“形式”思想的影响。

到了中世纪, 基督教统治天下并在相当漫长的一段时间里控制着人类思想, “自然”便也有了宗教的影子。为了向人民灌输神灵的创作和象征是物质世界的美的意识, 人类的制作品和创作品的价值也被不断贬低。奥古斯丁是基督教神学思想的集大成者, 他认为自然是上帝的产物, 人是由上帝创造并由自然供养的, 神权凌驾于人权和自然力之上。托马斯·阿奎那在奥古斯丁的思想上又有了进一步的发展, 塔塔科维奇在《中世纪美学》中说:“阿奎那所指的不仅是一种表象艺术, 而且是我们通常所理解的艺术;即所模仿的不是自然的表象, 而是模仿自然的活动方式。”[5]阿奎那认为艺术所模仿的既包括自然活动的方式也包括现象的自然, 艺术懒于自然, 艺术与自然的活动相比是有欠缺的。在基督教的影响下, 自然变成了邪恶的化身, 与安全的社会形成对比, 即便是但丁的诗, 所描述的森林也是阴暗死寂、毫无生气, 坏人和野兽的出没地。直到中世纪末, 自然的气息才逐渐出现。

二、西方认识论的自然审美观

经历充满神学色彩的中世纪后, 美学领域迎来了人类思想的一次大解放——文艺复兴。这个时期的“地理大发现”以及哥白尼的“日心说”动摇了宗教神学的自然观, 使人们对自然的认识开始发生转变。文艺复兴把人从神的桎梏中解放出来, 大力倡导古希腊的思想传统。达·芬奇是文艺复兴时期的巨匠, 他提出自然本身就是艺术最根本的源泉。他说:“谁也不该抄袭他人的风格, 否则他在艺术上只配当自然的徒孙, 不配做自然的儿子, 自然事物无穷无尽, 我们应当依靠自然, 而不应该抄袭那些也是向自然学习的画家。”他既强调艺术家要忠实于自然, 生动传神地再现自然, 进而又强调艺术的创造性。于是, 眼前单纯的物象通过画家的主观意识与审美的融合, 在脑海中展现的便是“第二自然”, 如同郑板桥所说“眼中之竹”向“胸中之竹”的飞跃。他要求艺术家在田野中欣赏自然风光的时候, 要用心去看各种事物, 当独自一人静处的时候要思考所见的并运用想象力体会自然的美妙。达·芬奇重视心灵的作用, 他倡导的“第二自然”似乎与中国唐代张的“外师造化, 中得心源”有异曲同工之妙。从“造化” (自然) 化为艺术, 必须经过主体的“心源”之媒介, 没有无主体的客体, 能够在艺术中反映出来的“造化”, 必须是经过主体“心源”观照过的[6]。以真实的对象为基础, 融合人内心的主观情感, 艺术的创造变得丰富而有意义, 这与客观而有理性的科学观察、研究是不同的。可见, 创作中对自然的模仿并不只是外形上以假乱真的相似, 而是用心灵之镜来撷取自然的美, 使镜中所现成为“第二自然”。文艺复兴的理论中少了很多形而上学的“理念”的影子, 也少了基督教神秘美学的影子, 展现出生动的、感性的、灵动的现实世界。

十七八世纪启蒙运动推崇人的理性, 也重视人的感觉经验与人性情感, 但不管是英国经验主义美学与理性主义美学, 还是法国新古典主义美学与德国启蒙运动美学, 都推崇主体性的自然审美观。主体性的自然审美观强调人在审美时的主体地位, “自然”作为一个不受理智控制的独立外在的审美客体, 处于等待审美主体进行审美发现与审美欣赏的位置;与之相伴的是近代工业文明的蓬勃发展和科学技术的高歌猛进, 同时助长了人的主体性精神的极度膨胀, “自然”成了人的奴婢, 由此造成了一种理性主义和机械论的自然审美观。“自然”由于缺少主体性的自由与自律特性而被排除在近代认识论美学的中心议题之外[7]。卢梭是法国18世纪启蒙运动的代表, 他大声疾呼“回归自然”。他所回归的“自然”有两层含义:一是社会理想, 即原始自然状态;二是人性理想, 即人性的纯洁天真[8]。卢梭认为, 人对于大自然的热爱来源于人所具有的天性, 人与自然之间是有共通性的。对于苍翠的田野, 清澈的溪泉和巍峨的峰峦, 这些美丽的自然风光都让他感到迷恋。在《新爱洛伊丝》中, 随处可见他对大自然迷人景色的描写。“你想象那些变化多样的风光, 广阔的天地和千百处使人感到惊骇不已的景观, 看到周围都是鲜艳的东西、奇异的鸟和奇奇怪怪叫不出名字的草木、处处另有一番天地, 另有一个世界, 心里真是快乐极了。眼中所看到的这一切, 五色斑斓, 远非言词所能形容;它们的美, 在清新的空气中显得更加迷人……总之, 山区的风光有一种难以名之的神奇和巧夺天工之美, 使人心旷神怡, 忘掉了一切, 甚至忘掉了自己, 连自己在什么地方都不知道了。”[9]作品中描述的自然生机盎然使得人们重新开始关注自然风光, 热爱并赞美自然。拜伦、穆尔、夏多布里昂等人都对身边的原始丛林、海岸、河川等自然风光大加赞美。自然风景的辽阔壮丽赢得大家的欣赏, 也成就了一批风景画家和写景诗人。英国画家特纳的绘画作品《金枝》, 画的是被古人称之为“狄安娜的明镜”的内米林中小湖, 淡淡的绿色笼罩着这幅画, 非常地安静, 显得很优雅又有神圣的气息, 通过对光与影的描绘, 沉静而又悠然的氛围让人印象深刻。西方古代文艺作品很少有描写自然景物的, 可以说激起人们对自然情感的正是卢梭, 也影响了一批浪漫主义者, “回到自然去”的意识也越来越强烈。卢梭的主张激发了人们对自然的热爱, “回归自然”成了卢梭等启蒙运动巨匠素朴的社会和人性理想。此理想经过歌德、席勒和谢林等后学的承继, 演变成为浪漫主义洪流。

德国古典主义对自然的理解带有浓厚的时代特色。德国古典主义的代表人物——康德, 提出了合目的性原则。他指出人们之所以产生情感的愉悦是因为某一自然物的形式符合人们先验的关于自然的形式, 而且这种自然形式符合人们已有的认识规律, 引发想象力而产生美学的意象。他又从合目的性角度揭示了自然与艺术双向互动的重要审美规律。在康德看来, 首先艺术不是自然, 因为艺术是人为的, 有一定的意图。但它又接近于自然, 很难看出艺术家的心思, 用无目的的方法去表现其目的, 这就正如我国北宋文学家苏轼所谓的“无意于佳乃自佳”。康德所强调的是要在艺术中表现出美的自然特性来。德国古典美学极为重视人与自然的融合, 人的因素在审美中的地位也越受重视。歌德在《诗与真》中所论及的自然已是可以区分为身外和身内两种自然, “身外的自然”就是单纯的外在的客观自然, “身内的自然”指的是自然的天性, 没有任何偏见的淳朴天真的人性。而后来的谢林则是采取了折衷的方法, 要求“外在自然”与“内在自然”相结合。最后我们要讨论的是德国古典哲学美学的集大成者——黑格尔。黑格尔认为自然美存在一定的缺陷, 因为自然美的个别生命形式不能充分显现出美的理念。在他看来, 自然美具有“一次性”的特征, 人却要用心灵去观照和复现他自己, 因为他首先是自然物, 其次他还为自己而存在, 观照自己、认识自己、思考自己, 只有通过这一过程, 心灵的作用才得以发挥。艺术美正是心灵的这种“观照自己”的“自为”活动所产生的[10]。黑格尔对自然美的轻视是“理念的感性显现”这个定义的必然结论。另一方面亦与黑格尔反对浪漫主义的斗争分不开。黑格尔高扬了人的主体性, 把“自然”作为人加以改造的对象来对待, 并且只有在这种改造的活动中, 人才能超越出自身, 提升自身的价值。他的艺术理想是希腊古典艺术的理想, 而希腊古典艺术的基本精神是人本主义的。黑格尔的基本精神也是人本主义。这也是黑格尔美学思想的进步意义所在。综观德国古典美学, 越是靠后的阶段, 人的因素越是受到重视, 自然所指向的内在本性也被关注。

综上所述, 自古希腊始, “自然”被视为宇宙的自然、理念;之后是中世纪充满神学色彩的自然观念;文艺复兴开始拉近人与自然的距离, 使艺术成为了“第二自然”。启蒙运动和浪漫主义表达了人们“回归自然”的迫切愿望。德国古典主义更是凸显了人的作用。从理念到神学再到人本主义, 可以说古典西方美学对“自然”的解释实质是一部记述西方人本主义完美蜕变的历史。

参考文献

[1]鲍桑葵.美学史.北京:当代世界出版社, 2007

[2]赵红梅, 袁汇林.西方自然审美史一瞥.湖北大学成人教育学院学报, 2006 (01)

[3]达·芬奇.达·芬奇论绘画.桂林:广西师大出版社, 2003

12.西方哲学史的产生发展及特点 篇十二

【摘 要】西方哲学史是我们人类重要的精神文化遗产，对于我们人类的进步具有巨大的推动作用，因此，我们在学习和研究西方哲学史时，必须弄清楚它的产生、发展和特点，只有这样我们才能够进一步的研究和学习西方哲学，我们就能够对人类的进步做出更大的贡献，才能够更好的服务于人类。

【关键词】西方哲学史;遗产;贡献;人类

一、引言

西方哲学史作为一门学科，也有其产生和发展的历史。

我们可以把它的历史追溯到柏拉图和亚里士多德的著作。

亚里士多德在他的《形而上学》等著作中，有批判地论述了泰勒斯到他的老师柏拉图的哲学观点。

尽管我们可以把他们看成是西方哲学史这门学科的创立者，但是，他们的著作，无论如何算不上哲学史的专著。

研究西方哲学史的第一部专著是公元3世纪中叶希腊哲学传记作家地欧根尼拉尔修撰写得由10卷组成的《著名哲学家的生平、学说及嘉言钞》。

西方哲学史学科的发展，正如同哲学本身的发展，也经历了一个不断分化的过程。

从横的关系看，他分化出西方逻辑史、西方伦理学史、和西方美学史等等;从纵的关系看，学者们又习惯于把它分为西方哲学史、马克思主义哲学史和现代西方哲学。

所以，广义地说西方哲学史包括从公元前6世纪开始的哲学直到21世纪的西方哲学各个部分的历史;狭义地说，西方哲学史只包括从古希腊到19世纪德国古典哲学为止哲学的本体论、认识论和方法论的历史。

二、西方哲学史的发展过程

第一个时期是从公元前6世纪到公元前5世纪西罗马帝国灭亡为止的古希腊罗马哲学。

在这个时期，希腊罗马的社会经济形态是奴隶制。

自然科学还处在萌芽阶段，真正的科学还没有产生出来。

在这样的经济基础上和这样的.自然科学前提下产生出来的哲学只能是朴素的。

第二个时期是从公元前5世纪到15世纪西罗马帝国灭亡为止的中世纪哲学。

这个时期西欧的社会经济形态是封建制，在这种条件下产生的哲学只能是为天主教会服务的哲学，它被称之为经院哲学。

在这时期，思维和存在的关系以世界是神创造的还是从来就有的、个别是实在的还是一般是实在的等争论表现出来，因而出现了经院哲学与异端思想的斗争，在经院哲学内部出现了唯名论和实在论的争论。

第三个时期是从15世纪中叶到19世纪中叶的近代哲学。

在这个时期，资本主义的生产关系在西欧各国逐渐形成和确立，由此而引起了各国的资产阶级革命，自然科学从神学中解放出来，并获得迅猛的发展。

这时，虽然有些哲学家仍在探讨宇宙的实体是什么，但是由于科学的发展，认识论提到了哲学的首位在实体方面，有一元论和二元论之争，一元论中又有唯物主义和唯心主义之争。

在认识论方面，有经验论和唯理论之争，两派又分别有唯物主义和唯心主义的分歧，最后，德国古典哲学的诞生为马克思主义哲学的产生做了理论上的准备。

三、西方哲学的自身特点

（1）西方哲学与自然科学的联系尤为密切。

在西方，特别是在近代，自然科学比较发达，这给西方哲学以巨大影响。

在古代希腊，哲学著作常常冠以“论自然”的名称，哲学家就是科学家，哲学与自然科学混然一体分不开。

西方哲学与自然科学的密切关系不仅表现在哲学与自然科学曾经混然一体而不分开，自然科学的发展为哲学提供了自然科学基础，推动了哲学的发展。

（2）在西方哲学中，认识论和方法论始终是一个重要部分。

既然与自然科学的关系特别密切，为自然科学提供认识自然的原则和方法就成为西方哲学的一个重要任务，因此认识论和方法论始终是它的一个重要部分。

在古希腊哲学产生时期，虽然自然哲学是其主要部分，但是毕泰戈拉和赫拉克利特就已经开始探讨认识论问题。

到了德谟克里特、柏拉图和亚里士多德，已经有了相当完整的认识论和方法论思想。

即便在中世纪的经院哲学中，认识论和方法轮也占有一席之地。

（3）西方哲学与宗教有一种特殊关系。

西方哲学从产生之日起，就与宗教结下了不解之缘。

古希腊哲学正是在批判继承古希腊神话所提供的思想资料的基础上产生的，存在于希腊地区的古代宗教给刚刚诞生的哲学以巨大的影响。

（4）在西方哲学史中，学派林立，思潮迭起，它们的共存和斗争推动了哲学的发展。

其中影响较大的有：米利都学派、爱菲斯学派、毕泰戈拉派、爱利亚学派、智者派等等。

总之，在古希腊罗马哲学中，学派之多举不胜举。

当然，西方哲学的特点远不止这些。

我们学习和研究西方哲学史，除了要把握哲学发展的发展规律外还必须掌握它自身的特点，才能学好和研究好西方哲学史。

参 考 文 献

[1]恩格斯。《反杜林论》、《引论》

[2]恩格斯。《自然辩证法》

[3]列宁。《唯物主义和经验批判主义》

[4]毛泽东。《新民主主义论》

13.浅谈中国古典园林的艺术特色 篇十三

建筑与环境的结合首先是要因地制宜，力求与基址的地形、地势、地貌结合，自由穿插，灵活应变。为配合自然界中的各种典型环境，还创造出了各种不同的造型的建筑类型，每一种类型中又演变出丰富变化的形式。做到总体布局上依形就势，并充分利用自然地形、地貌。

中国古典园林一般以山水作为景观构图的主题，园林建筑只是为了加强自然环境整体的美，突出自然的美，因此建筑强调依山就势，自然天成。建筑的体量较小，有助于摆正建筑与自然景色之间的恰当的关系，在体量上不压倒风景，而且利于建筑和自然风景之间穿插融合。

中国园林建筑与自然环境的协调还表现在它自身形象的轮廓、线条、色彩与自然风貌的统一上，能动地、创造性地适应环境，创造出许多与环境相统一的造型。

2、表现含蓄，精巧雅致

含蓄效果就是中国古典园林重要的建筑风格之一。追求含蓄与我国诗画艺术追求含蓄有关，在绘画中强调 意贵乎远，境贵乎深的艺术境界;在园林中强调曲折多变，含蓄莫测。这种含蓄可以从两方面去理解：其一，其意境是含蓄的;其二，从园林布局来讲，中国园林往往不是开门见山，而是曲折多姿，含蓄莫测。在空间的组织上，往往有直有曲，有静有动，有大有小，有虚有实，有正有变，有疏有密，有隐有显相辅相成，辩证统一，创造了富有活力的，奇巧变幻的空间境界。

中国园林建筑的巧主要得之于木构架的灵活性，同时在布局上又很注意以巧取胜，它没有西方古典建筑那种庞大的体量，一般都是小巧玲珑，它从结构、造型、空间得处理到建筑的整体布局都是一种巧妙而和谐的安排，它的布局与整体之间是有机地联系在一起的，具有灵活应变、活的、生长的特征。

欲扬先抑是是常用的一种造园手法，也是表现含蓄的一种体现，如在进门口处设置一坐假山，把里面的景色挡一挡，使人进入原理有眼前一亮的感觉。又如首先在门外以美丽的荷花池、桥等景物把游人的心紧紧吸引住，但是围墙高筑，仅露出园内一些屋顶、树木和圆内较高的建筑，看不到里面全景，这就会使人引起暇想，并引起了解园林景色的兴趣。江南园林中，漏窗往往成为含蓄的手段，窗外景观通过漏窗，隐隐约约，这就比一览无余地看有生趣得多。当游人在此游览时，使人左右逢源，目不暇接，妙趣横生。

整个园林的建筑从整体到部分不仅注意总体造型上的美，而且注意装修、装饰的美，注意陈设的美，注意小品建筑的美，它们之间的位置、大小、粗细、宽窄、质地都恰到好处，有精到的分寸感、统一感。它不仅是一种形象的美，也是一种合乎结构与构造逻辑的美。

3、强调意境

中国古典园林追求意境，意境是人们对园林建筑形象、色彩、气氛的一种感受。一般来说，园林要突出幽雅，以人工的巧奇，创造宛自天开的景色，然后将精巧的建筑融化在自然的怀抱之中，便营造出幽雅的意境。为了使园林有可望、可行、可游、可居之地，园林中必须建筑各种相应的建筑，但是园林中的建筑不能压倒或破坏主体，而应突出山水这个主体，与山水自然融合在一起，力求达到自然与建筑有机的融合，并升华成一件艺术作品。

园林意境创作必须在调查研究过程中，对特定环境与景物所适宜表达的情意作详细的体察。事物形象各自具有表达个性与情意的特点，这是客观存在的现象。如人们常以柳丝比女性、比柔情;以花朵比儿童或美人;以古柏比将军、比坚贞。比、兴不当，就不能表达事物寄情的特点。不仅如比，还要体察入微，善于发现。如以石块象征坚定性格，则卵石、花石不如黄石、盘石，因其不仅在质，亦且在形。在这样的体察过程中，心有所得，才开始立意设计。③

在体物的基础上立意，意境才有表达的可能。然后根据立意来规划布局，剪裁景物。园林意境的丰富，必须根据条件进行设计，是通过外物与景象来抒发、寄托、表现、传达情意。

总之，园林建筑设计要把建筑作为一种风景要素来考虑，使它和周围的山水、岩石、树木等融为一体，共同构成优美景色。风景是主体，建筑是其中一部分。

4、色彩明快、装饰精巧。

14.新古典婚礼艺术秀商业计划书 篇十四

活动概况

重阳节，在古色古香的运河畔，一场以金婚老人为对象的大型中国婚礼文化艺术秀将华美展现。它将被打造成“江南风”新古典婚礼文化的一个标志性活动——

主题

“流金岁月”新古典婚礼艺术秀

时间

2013年8月——10月（重阳节）。

流程

一、“夕阳最美”（选秀）

通过报名，征集100对金婚老人。

征集对象：结婚50年的金婚老人夫妻及钻石婚老人。

征集范围：xx市。

征集标准：健康50分、形象20分、才艺20分、感人故事10分。

报名材料：填写报名表格，并附结婚证复印件、夫妻近照。

这个环节从所有报名者中最后筛选20——30对。

二、“女儿最美”（展示）

以中式婚服、化妆造型、婚照摄影为重点，对入围者进行包装，最后呈现一组“喜照”，供专家组或市民投票，最终产生10对。

由影楼、婚庆公司组合搭配团队分别提供上述服务。评选出金奖团队一个；银奖团队三个；铜奖团队六个。

三、“爱情最美”（体验）

以重阳节为时间点，将集中呈现一场中式婚礼艺术秀。

地点：运河文化广场——小河直街——乾隆舫。

1.集体婚礼。运河广场举行一场集体婚礼，邀请10位司仪分别为10对金婚老人主持婚礼，最后评选出金奖司仪一名；银奖司仪三名；铜奖司仪六名。

2.婚俗表演。婚礼结束入“洞房”，从运河广场至小河直街，一路演绎花轿、迎亲等传统婚俗。

3.集体婚宴。由洞房出来赴婚宴，从小河直街坐彩船至乾隆舫。

品牌介入理由

一、文化联姻。XXX酒深厚的历史文化内涵，决定了它与婚庆产业有着紧密的内在关联。我们希望以本次活动为契入口，藉“江南风”新古典婚礼产业链的打造，将XXX酒以加盟品牌的方式，打造成中式婚宴上的主流品牌。

二、婚庆市场。本次活动将在省婚协的统一运作下，整合杭城一流的婚庆公司和司仪。XXX酒的适时进入，有利于迅速抢占xx婚庆市场。

三、消费终端。我们认为XXX酒要成为婚宴上的主流品牌，其终端不在酒店，而在消费者的认同。本次活动将征集100对以上金婚、钻石婚老人参与。这些老人以及他们的家庭将成为XXX酒的义务宣传员。

品牌介入方式

一、冠名

“XXX·流金岁月”新古典婚礼艺术秀

二、展示

1.活动背景板。主会场（运河文化广场）的活动背景板标识XXX酒的LOGO和活动主题。

2.产品造型。主会场和乾隆舫各设XXX酒酒器造型一个；主会场同时设立XXX酒产品展示台一个。

3.视屏展示。主会场LED播放XXX酒宣传片。

4.易拉宝。主会场、小河直街、乾隆舫三处设置企业和产品介绍的易拉宝。

三、互动

演绎婚俗活动时，专门设计抬XXX酒的细节。

四、宣传

1.所有活动对外宣传均标识“XXX·流金岁月”主题。

2.协办媒体广告，一家平面媒体三分之一版彩色广告一次；一家电视媒体30秒广告一个月。

五、其他

1.XXX集团为本次活动协办单位。

2.邀请10对金婚老人成为品牌使者。

建议

一、创新设计产品。以中国婚宴特制酒的定位，重新设计器型与包装，争取用新的产品形象打入婚庆市场。

二、制作3D动画短片。演绎XXX酒的故事。

三、进行市场营销整合。

合作远景

一、省婚协与XXX酒集团建立战略合作伙伴关系，共同拓展婚庆酒市场。

二、共同打造“XXX中国婚俗文化体验基地”。省婚协计划以运河（拱墅段）为背景，打造“江南风”新古典婚礼展示体验基地，包括：小河直街婚礼摄影基地、乾隆舫婚宴基地、幸福里婚庆主题商业街，及婚庆主题公园。