认识肖邦钢琴音乐教案

认识肖邦钢琴音乐教案（5篇）

1.认识肖邦钢琴音乐教案 篇一

肖邦音乐的现代色彩——析《f小调第二钢琴协奏曲》的旋律特色

摘要：十九世纪初期，音乐界出现了很多以浪漫主义为代表的音乐家，而肖邦就是其中最为杰出的代表人物。在他短暂而辉煌的一生为世人留下了无数经典的钢琴作品，在音乐的天幕上熠熠生辉，经久不衰。在他所有的作品中，《f小调第二钢琴协奏曲》堪称最为经典的作品之一。欣赏肖邦的《f小调第二钢琴协奏曲》，可以感受到这首作品无论从节奏、和声、旋律还是音乐情绪及风格上都体现出了浪漫主义音乐与民间音乐元素的完美结合。本文就这部作品的旋律特色进行深入研究。

关键词：肖邦；《f小调第二钢琴协奏曲》；旋律

在欧洲音乐浪漫主义时期，涌现出一大批著名的钢琴家和作曲家，其中最具代表性和影响力的当属肖邦。虽然同处于一个时期，但是肖邦却与其他音乐家们的作品在风格特征上有着很大的差异。从作品风格上看，肖邦的音乐充满了幻想和神情，无论是旋律还是和声都充满了色彩，而且是彻彻底底的钢琴音乐，这种音乐身韵是其他乐器所无法表达的。《f小调第二钢琴协奏曲》作为肖邦的初期作品具备了上述所有的魅力和风格，因此被看做是浪漫主义时期的代表作品。但是，如果只是能把握作品的风格，那么肖邦还不能称之为一位优秀的演奏家和音乐家，只有将作品的演奏技巧完全掌握，才能将乐曲发挥到极致。本文将从《f小调第二钢琴协奏曲》的旋律特色进行重点研究。

一、作品乐章分析

庄严的第一乐章，在风格上，肖邦将古典协奏曲的模式严格地沿袭了下来，然后将浪漫主义的手法运用在音乐表达和织体上。在肖邦的钢琴曲作品中，钢琴始终是占据绝对主导地位的乐器，只是在演奏时，加入乐队为整首乐曲进行和声和陪衬。随着乐队弦乐的呈示，乐章缓缓展开，第一主题微微露出了忧郁的情绪，表达了作者对爱情的深思。呈示部过后，全体乐队都加入到演奏当中，忧郁的思索渐渐隐去，取而代之的是强烈的诉说。紧接着，第一主题结束，第二主题开始，乐曲展露出作者对恋人的深切思念以及起伏不定的心绪。接着，弦乐转为轻声的低语，钢琴展现出了其华丽的姿态。钢琴的演奏细腻地表达出了第一主题的内涵。左手同时演奏两个声部，而右手则需要低吟般的细语。肖邦一直推崇巴赫的复调音乐，在他的很多作品中都运用到了巴赫的复调音乐手法。然而不同的是，巴赫的复调非常严谨，肖邦的复调音乐更为和谐，他将主旋律与各声部融合起来，在主旋律之外又突出了每个声部的旋律。演奏者在弹奏这首曲子的时候，就要对各声部的连接关系和主次关系分析清楚，才能更清晰地阐释旋律。肖邦与李斯的炫技式音乐不同，肖邦的作品在连接部就像是歌唱一样。手指在跑动的过程中，要将和声与音色的变化表现出来，同时，右手也要将复旋律表达好，不仅要弹奏出连续的十六分音符，还要将另一声部歌唱般的旋律表达到位。

席琳斯基评价肖邦的音乐开创了歌唱式的钢琴音乐时代。情绪随着乐曲不断变化，从平和明朗到阴沉低调，然后又从充满张力到无奈结尾。肖邦通过这种织体来展现第二主题，并预示着第二乐章的开始。即使在音乐表情上也与第二乐章遥相呼应，第二主题与第一主题在演奏风格上存在着鲜明对比。演奏者需要将手指伸直，让手指更多地接触到琴键，落指时要沉到底部，稍稍延长声音，让钢琴发出弦乐的声音。这一主题的演奏时首先要将左手的双声部织体照顾周全，低音音符在这里有着至关重要的作用，只有将其与主旋律相协调，才能使音乐的层次更丰富，变幻莫测。

第二乐章是小广板式的表达方式，也就是慢板，作者肖邦曾经写信给友人诉说他的心情：她深深走进了我的心里，虽然我很久都没有跟她说过话了，但是却一直在努力为她做任何事。在我的梦境中，永远都抹不去对她的思念，这也就是我《协奏曲》慢板的创作源泉。这一优美的乐章就连李斯都钟情如斯。与《e小调》相比，《f小调》的诗歌性更为突出，尤其在第二乐章，这种诗歌性更是充分地展现了听众面前。肖邦的这种诗歌性钢琴音乐曾被誉为是“迄今为止音乐界最为难得的作品，充满激情而又含蓄的爱情表达隐含在声音中，深深拨动人的心弦。”然而如此优美的乐章也给演奏者提出了极高的要求。在演奏这一乐章时，对装饰音的处理，也就是对声乐性和节奏的伸缩处理关系到乐章的演奏是否成功。

到了第三乐章，乐曲进入到快板的节奏，活泼的旋律展现了肖邦典型的回旋曲式。在这一乐章中，肖邦在主题旋律中加入了玛祖卡这一波兰民间音乐元素。钢琴将人们从爱情的柔美体验中拉出来，然后又带着他们尽情的舞蹈。整个乐队全部都参加演奏，此时，乐队与钢琴的齐奏为乐曲的连接部分注入了激情与活力。长笛、单簧管及大管的对话与钢琴轻盈的旋律融合在一起，为人们展示了一片新的天地。乐队与钢琴的倾诉与对话要求演奏者必须在左右手之间，钢琴与乐队之间相互协调配合，将连接部的歌唱性与音色表现出来。

二、作品的旋律特色

1、具有诗意般的旋律

肖邦的一生创造了无数辉煌的作品，其中最为著名的就是他的夜曲，肖邦的夜曲最具特色的就是富有歌唱性和诗意般的旋律。研究其旋律特征是分析肖邦夜曲所必须关注的。以行板的速度形成整齐的四四拍复拍子。在表现悠长而舒展的旋律线条时这种速度非常有利。它能够将音乐的起伏回转充分地展现出来，引人入胜，让人流连忘返。旋律缓缓地响起，如同从遥远的地方传来的声音，渐渐地靠近，人们也逐渐被旋律所感染。整部乐章采用的是附点八分音符、十六分音符以及二分音符，这是肖邦融合了波兰民间音乐元素的结果，使得旋律极具张力。从开始的四度到连续的四音音符，为整首乐章的展开提供了后续的动力，让人们不禁沉醉在这种回旋的旋律当中。气息宽广的大练线让旋律展现出一种柔和典雅、抒情如歌的特质。波兰的民族音乐给了肖邦音乐创作无限的动力，他在创作时波兰民族音乐中的器乐性和声乐性完美结合在一起，利用钢琴声乐的特殊性将钢琴的演奏技巧及乐器性能极大扩张。在创作时，肖邦充分利用钢琴本身的特点，而摒弃了将声乐直接移植过来的方式，在旋律中增加了大量的半音音符，使得整个旋律格外美妙精致，柔顺平滑。他将诚挚的情感注入到诗意般的旋律中，体现出非同一般的韵味与意境。这种空前的富有歌唱性的旋律使得肖邦从一个音乐家上升到一个钢琴诗人。

2、极具歌唱性的旋律

肖邦的音乐还有一个显著的特征就是乐曲极具歌唱性。他将民间音乐的声乐因素融入到钢琴音乐中，使得乐器作品富有了歌唱性。肖邦一直推崇意大利的歌剧，对于意大利的美声演唱，肖邦十分喜爱，在长期的聆听和欣赏过程中，他掌握了美声歌唱家运用声音的奥妙，在钢琴创作中，他将这种巧妙的声音运用技巧融入其中，从而使钢琴作品富有了歌唱性的效果。肖邦的《f小调第二钢琴协奏曲》中有很大一部分都是这种纯粹的歌唱性旋律，展现出优美的线条。这种歌唱性旋律与人们唱歌时所能达到的音域非常吻合，因此特别受到听众的喜爱，给人们留下了深刻的印象。此外，肖邦还将意大利歌剧中的花腔式旋律和宣叙调运用到自己的钢琴作品中，使得钢琴能表达出丰富的情感。在意大利歌剧中，宣叙调是一种舒展的旋律节奏，这也正符合作者将自己满怀的爱意通过如歌如诗般的音乐展现出来。

3、绚丽多彩的装饰性旋律

肖邦的旋律又一显著特征是在旋律中运用了大量华丽的装饰性旋律，主要体现在装饰音和华彩经过句的形式达到目的，这种装饰性旋律的运用使得整部旋律都体现出一种华丽的色彩。在创作时，肖邦还对其进行不断地变化，使得旋律更加华丽精致。

（1）

装饰音

肖邦在他的《f小调第二钢琴协奏曲》中，大量运用了波音、颤音、倚音等装饰性音符，他突破了传统的古典装饰音手法，将这些装饰音运用得非常自如，在创作时，他将这些装饰进行不断的变化和加花，让乐思变得更为丰富，内容也极尽扩张，整部旋律都在这种装饰音的推动下不断发展。装饰音在钢琴作品中的应用在肖邦的手中得到了空前的发展，不仅将古典的单纯装饰性旋律发展成为一种极具时代感的新音乐元素，而且将整部作品赋予了浪漫性和色彩化。另外就是双音式倚音的运用，在古典装饰音中倚音运用的基础上，将倚音作为素材对双音装饰，在这部作品中，肖邦就广泛地运用了这种装饰音手法。我们再看多声部和颤音，颤音在这部作品中显示出了独特的性质，颤音在这里不仅和前倚音结合，而且还和多声部结合，在整部旋律中融入了颤音和振音的元素。另外，肖邦还用一些回旋音和波音进行点缀式的装饰，体现出一种诙谐的效果。

（2）

华彩经过句

这首协奏曲的最大特色之一就是大量运用了华彩经过句，这些经过句从三五个音符到40多个连音，运用非常广泛。这也是这部作品中浪漫主义色彩最浓的地方，华彩经过句将主旋律衬托得更加华丽，更具浪漫特色。值得注意的是，在第二乐章的中部，出现了大量华彩经过句，这些经过句需要两手同步快速完成，直接将音乐的情绪调动起来，将乐队的演奏自然地融入其中，肖邦的作品中还是很少见到这样形式的华彩经过句的。

4、旋律变奏手法

肖邦主要运用两种方式进行旋律的变奏。首先是通过增加装饰旋律的变化形式影响主旋律，及装饰性的变体变奏主旋律；其次是通过复调式变化主旋律，增加其声部，加厚音层，即复调式的变体变奏主旋律。开始的时候，用分解和弦伴奏展开主题旋律，但是变奏时主旋律并不改变，改变的只是织体的层次。肖邦首先运用华彩经过句来变化个和润色呈示部的旋律，然后再变奏旋律主体，通过这种方式，在整部作品中突出和强调了主题，将作品的旋律陈述方式和织体变得更加丰富，产生了非凡的艺术效果。

结论：

肖邦是十九世纪初期波兰伟大的音乐家、钢琴家和作曲家，也是欧洲浪漫主义时期的代表人物。其中《f小调第二钢琴协奏曲》是世界公认的肖邦最为经典的作品之一。从这部作品开始，肖邦走出了学生时期，真正成为一位音乐诗人，他用满怀的浪漫主义热情以及诗人般的心怀创作了这部作品。并在其中完美融入了波兰民间音乐元素，开创了协奏曲在波兰历史的先河，为整个欧洲音乐界乃至世界音乐界立下了不朽的功勋。《f小调第二钢琴协奏曲》是肖邦初次创作协奏曲的作品，同时也是他最为成功的作品，时至今日，在世界各大音乐会上，肖邦的这首作品仍然吸引着众多音乐人的痴迷于喜爱。本文研究了肖邦《f小调第二钢琴协奏曲》中的旋律特色。

2.认识肖邦钢琴音乐教案 篇二

1 钢琴叙事曲

“叙事曲” (法文ballade) 是一种以表达故事内容为主的音乐体裁, 是指富于叙事性和戏剧性的声乐曲和器乐曲、肖邦之前、叙事曲只是声乐形式。肖邦创造性地将叙事曲应用到了钢琴作品中, 先后完成了四首气势磅礴结构复杂的钢琴叙事曲作品, 从而开创了钢琴叙事曲器乐体裁的新领域。肖邦的叙事曲具有深刻的思想性, 在内容上与密茨凯维支的叙事诗有密切的联系。作品将叙事性、戏剧性、史诗性、悲剧性、英雄性、交响性和抒情性有机地融合在一起, 倾诉了怀念故国, 眷恋民族的感情。在创作上吸收了民间音乐的因素, 在曲式结构、和声调性方面进行了大胆的革新, 使叙事曲的音乐表现得到了很大的发展, 形成了肖邦叙事曲体裁的突出特征和独特的风格。

2 练习曲

“练习曲” (法文etude) 是指专门训练乐器演奏技术的乐曲, 常常具有特定的技巧训练目的。肖邦有27首练习曲, 他创立了练习曲技术训练和艺术内容相结合的典范, 其完美的结合达到前所未有的高度。肖邦的练习曲具有一定的音乐形象和感情内容, 使练习曲发展为一种有艺术价值的音乐体裁, 成为音乐会演奏的作品, 这是肖邦对传统练习曲的突破。如:《C小调练习曲》是肖邦离开祖国去巴黎途中, 听到华沙起义失败沦陷的消息后创作的, 音乐表达了肖邦悲愤的心情, 具有强烈的戏剧性, 充满了激愤的情绪和悲剧的热潮, 通常将这首作品称为《“革命”练习曲》。

3 前奏曲

“前奏曲” (拉丁文Prelude) 是指在作品前面演奏的序引。肖邦有24前奏曲, 它们不同于巴罗克时期组曲中的前奏曲。肖邦继承了巴赫的传统, 每首都写成了独立的作品, 同样以24个大小调写成一个完整的体系, 每一首只有一个鲜明的形象, 音乐情调丰富, 乐思简洁, 形式完美。前奏曲的音乐有的明朗静谧, 有的思虑不安、忧郁暗淡, 有的具有青春的欢乐, 有的富于戏剧性, 有的富于田园色彩, 或庄严悲痛, 或气势磅礴。如:《升f小调前奏曲》表现出战栗、焦虑不安和肖邦特有的激情。

4 谐谑曲

“谐谑曲” (意大利文scherzo) 最早产生于17世纪的意大利。18世纪中叶, “谐谑曲通常用作奏鸣曲、交响曲中的一个乐章, 代替小步舞曲。”[1]肖邦的谐谑曲继承了贝多芬的传统, 同时又“远离了古典传统的风格”, [2]把谐谑曲发展到了前所未有的规模。肖邦的谐谑曲是独立的单乐章的艺术作品, 其结构庞大, 富于展开, 音乐形象对比鲜明, 能容纳复杂深刻的思想内容。他以突进快速、活跃的三拍子、生动的节奏、突发的重音、切分音、急剧的力度变化、比较复杂的曲式结构和大胆的转调等手法, 使谐谑曲不仅具有热烈、刚劲、诙谐、嬉戏、幽默、歌唱和富于幻想的特点, 而且表现出了戏剧性、哲理性的内涵和史诗般的气势。如:《B小调谐谑曲》体现了作者对祖国的遭遇所产生的悲愤焦虑以及对祖国的忧思怀念之情。

5 夜曲

“夜曲” (意大利文nocturne) 是爱尔兰作曲家约翰·费尔德创立的一种体裁。肖邦的夜曲是在费尔德的基础上发展的, 早期的夜曲受费尔德的影响, 风格恬静华美, 多情细腻, 音乐形象单一, 带有伤感的情调, 如《E小调夜曲》。以后的作品则扩大了规模, 大多具有不同形象的对比, 常常表现出抒情性和戏剧性的特征, 使夜曲体现出深刻的思想内容和丰富的音乐意境, 如:《F大调夜曲》。肖邦的夜曲旋律悠长, 速度缓慢, 如诗如歌, 同时充满了激情和内在的张力, 在结构上大部分为三部曲式。他将歌唱性、宣叙性和装饰性的华彩熔合在一起, 伴奏织体变化频繁, 节奏精巧特异, 旋律错综交织, 音区对比并置, 和声色彩微妙, 形成了肖邦夜曲的典型风格。夜曲是肖邦小型作品中最具独特风格的一种, 具有浓厚的浪漫主义色彩。

6 玛祖卡舞曲

“玛祖卡” (mazurka) 是起源于波兰马索维亚省的一种三拍子民间舞曲, 中速到快速, 强拍通常落在第二拍或第三拍上。舞曲活泼矫健、感情奔放、欢快热情、节奏强烈而多变。肖邦一生从未间断过玛祖卡的创作, 他创作有56首玛祖卡。肖邦的玛祖卡是以三种波兰民间舞曲 (玛祖尔舞曲、摩亚维亚克舞曲、奥别列克舞曲) 为基础而创作的, 其中以玛祖尔的形式最多, 三种民间舞曲都是三拍子的。“肖邦的玛祖卡自然而微妙地再现了波兰民间舞曲的节奏、旋律甚至结构。”[3]特别是波兰民间音乐特有的“利第亚”增四度的应用, 但这种再现是带有发展和创造性的。肖邦的玛祖卡有体现风俗生活情景的;有表现舞会欢乐优雅气氛的;有将风俗性、舞曲性、抒情性和戏剧性结合在一起, 表现欢乐、忧伤、悲哀和沉思等复杂情绪的, 这种类型是最能够体现肖邦个人风格的, 如:《B小调玛祖卡》。肖邦的玛祖卡旋律清晰, 常常为混合大小调, 大多数为抒情性的。肖邦通过自己的创作, 使玛祖卡舞曲成为独立的音乐会演奏的作品。玛祖卡是肖邦创作中最富于民族性格的体裁, 其民族色彩鲜明, 乡土气息浓厚, 是作者受民族音乐的熏陶而写成的浪漫主义音乐的最佳范例。

7 波罗涅兹舞曲

“波罗涅兹”舞曲 (法文polonaise) 16世纪起源于波兰, 是一种民间舞曲体裁, 中等速度, 音乐典雅、庄重, 三拍子舞蹈节奏。舞曲常用于军队的仪式行列, 后来流行于宫廷, 进而在欧洲广泛流传。肖邦创作有20首波罗涅兹舞曲。他放弃了早期波罗涅兹中浪漫主义伤感的东西, 使舞曲增添了悲壮的、宏伟的、爱国主义的气质, 赋予了波罗涅兹舞曲更高的思想性和艺术价值。肖邦的波罗涅兹舞曲并非单纯地再现民间曲调, 而是创造性地运用了民间音乐的素材, 其音乐结构对称严谨, 织体丰富多彩, 有较强的技巧性, 使舞曲具有鲜明的波兰民族色彩和音乐会艺术作品的性质。如:《降A大调波罗涅兹》表现了肖邦对苦难祖国的忧思, 具有强烈的爱国主义精神和英雄的气概。肖邦成熟期的波罗涅兹舞曲, 创作手法大胆豪放, 音乐形象突出简练, 采用装饰音和密集的和弦织体, 节奏强劲有力, 具有丰满的乐队般的音响效果。常表现出悲哀、忧郁、慷慨、激昂、雄壮和豪迈的情绪。

8 圆舞曲

“圆舞曲” (德文walzer) 是奥地利北部的一种民间舞蹈, 最早出现于18世纪晚期, 19世纪逐渐用于城市社交舞会, 后成为一种舞曲体裁被广泛使用。肖邦的圆舞曲从内容形式到表现方法都改变了传统圆舞曲的世俗性和应用意义, 他的圆舞曲旋律流畅如歌, 风格明朗清新, 想象力丰富, 技巧性强, 突出钢琴的织体特征, 已是音乐会上演奏的艺术作品。如:《华丽的大圆舞曲》就是一首技巧性强, 情绪昂扬奋发, 风格华丽辉煌的音乐会乐曲。

通过以上分析, 我们可以看到, 肖邦在对各种体裁进行创新和发展的基础上, 尤其把波罗奈兹舞曲、玛祖卡舞曲、叙事曲、夜曲和练习曲等体裁形式提高到了极高的艺术水平, 他的钢琴音乐体裁特征突出, 风格鲜明, 他为钢琴音乐体裁及风格的发展做出了巨大的贡献。

摘要：肖邦的钢琴音乐体裁包括小型的前奏曲、练习曲, 夜曲、圆舞曲和幻想曲;大型的谐谑曲和叙事曲;传统的奏鸣曲、协奏曲和具有波兰民族风格特性的玛祖卡舞曲、波罗奈兹舞曲等。通过对其代表性体裁进行梳理分析, 旨在加深对肖邦音乐体裁特征的认识。

关键词：肖邦,钢琴音乐,体裁,风格特征

参考文献

[1]A.索洛甫磋夫.肖邦的创作[M].北京:人民音乐出版社, 1954.

[2][美]唐纳德.格劳特.西方音乐史[M].北京:人民音乐出版社, 1999.

3.肖邦的钢琴音乐风格及演奏 篇三

关键词：肖邦；钢琴音乐风格；演奏

肖邦的钢琴演奏是据有浪漫主义色彩的风格，而且他的钢琴旋律比较新颖独特，在和声上也呈现多种的方式，肖邦的钢琴音乐在节奏方面也很开放不受约束，在这种音乐风格下肖邦创作出了许多优秀并广为流传的作品被后人所追崇。其实肖邦的钢琴演奏是需要有一定的演奏技巧的，只有将肖邦的演奏技巧掌握的基础上才能够摸索出肖邦钢琴音乐的精髓。

一、肖邦钢琴音乐的风格

（一）旋律特征风格

肖邦的钢琴音乐主打的是抒情的旋律，在钢琴音乐中需要将声乐与歌唱相结合，这样可以让钢琴音乐达到一个更好的效果，而这样与器乐相结合的钢琴旋律在音调上也是更为丰富的，这样表现出来的钢琴旋律才会更加的生动。肖邦钢琴音乐在旋律上之所以可以做到新颖完美是因为在演奏时注重了装饰音、音调以及音程的加工处理，而且注重变奏。肖邦在钢琴音乐创作时歌剧给予了他很大的灵感，这也是导致肖邦在创作钢琴作品时特别注重旋律的原因之一。而对于钢琴音乐的旋律肖邦也会将柔和与刚劲共存，这也是他钢琴音乐旋律多样化的体现。肖邦在借鉴歌剧音乐的基础上让自身的钢琴音乐添加了一份独特的个性色彩，通过让音乐的音调来引出钢琴音乐的旋律。肖邦的音乐音调是肖邦音乐旋律风格的灵感来源，其中包括波兰民间音乐音调，声乐性和器乐性的旋律变奏是肖邦钢琴音乐弹奏经常会使用到的，这也是民间音乐中比较常见的一些旋律变奏方法。

（二）音乐风格

肖邦的钢琴音乐体现的是浪漫主义音乐风格，肖邦也是将浪漫主义音乐风格进行拓展与延伸的代表之一，在此之后诞生出了很多的浪漫主义风格的音乐创作。肖邦的浪漫主义钢琴音乐有其独具的特色，对音乐本身的要求并不高，甚至都很贴近现实生活，但是肖邦会在贴近生活现实的基础上加入浪漫元素就会让钢琴音乐产生一定的改革。肖邦在钢琴音乐创作时完全是自己的发挥所以创作的作品都是有自己的特色，这也是他的作品可以成为经典代表的另一个原因。

（三）和声风格

肖邦的钢琴音乐和声主要是主调音乐组成，但不完全是主调音乐其中还包括复调，三度色彩转调是浪漫主义音乐和声风格的一大特点。在钢琴音乐中也会加入一定得复调音乐的技巧，其中也有许多的和声是由复调慢慢延伸来的，肖邦在钢琴音乐的和声中一般会包括古典音乐的特性，然后会将各个声部汇到一起，这样可以保证和声的正常进行。肖邦在传统和声的基础上又结合了民间音乐的风格，并且也从民间音乐中摸索出了更多的和声的操作以及功能使用，民间音乐风格的借鉴让肖邦钢琴音乐的和声风格更加的丰富多彩。肖邦在钢琴音乐中对色彩性和声运用的较为广泛，在和声演奏时甚至会运用交替调式的方法而且会在演奏中采取转调的方式，转调时也会注重民间音乐与浪漫主义音乐的结合。其实肖邦的钢琴音乐和声风格除了保持传统的音乐风格外还与民族音乐有着紧密的联系，在和声中透露出了肖邦的创新意识和大胆的改革，在当时已经是一种很大的突破，甚至后期许多的音乐家都以肖邦的钢琴音乐风格为典范。

二、肖邦钢琴音乐的演奏

（一）将浪漫主义风格与独创性风格结合演奏

肖邦作为浪漫主义音乐的代表人物所以他的作品中体现了对音乐的浪漫主义追求，在钢琴音乐演奏时也体现了他的浪漫主义色彩，包括对于和声的使用，转调的操作等等，在钢琴音乐的和声处理上肖邦发挥出了无穷的想象力，但是也体现出了其独特的风格，在演奏时会利用分解和弦来体现钢琴音乐的旋律，这样就可以让歌唱与伴奏完美的结合。在钢琴音乐的曲式结构上肖邦更加注重音乐的内在情感，所以就摆脱了传统音乐的呆板空洞，更加注重钢琴音乐的内涵而不仅仅是音乐本身。而且在钢琴音乐演奏时肖邦跟其他的音乐演奏家不同他不会过分的重视音乐的表现技巧他主张在演奏中应当将浪漫主义色彩与现实主义融合。在他几乎所有的钢琴演奏作品中都比较的大胆创新，所以他开创了具有他自己特色的钢琴音乐演奏方式。肖邦在钢琴曲演奏时会加入自己的内心情感在其中，所以他的作品都有一定的时代意义与内涵，在他丰富多样化的风格中融入自己的想象，所以才有了他的独创性风格，甚至是将历年演奏家的作品进行结合和再创新。

（二）演奏中巧妙运用踏板使旋律更具表现力

在钢琴演奏过程中一定会使用到琴键和踏板，这是钢琴音乐得以正常表现的前提，在钢琴演奏时必须要通过手指的弹奏，所以对于演奏的技巧包括手指弹奏的熟练程度等都有很严格的要求，而踏板的泛音可以对此进行辅助，一般踏板可以将一些比较连贯的声音表现出来，但是在演奏时遇到声音需要转换的地方或者需要加强的地方就应当停止踏板，这时候就可以通过适当的旋律来让需要变化的节奏体现出来。

肖邦的许多钢琴音乐是需要踏板与琴键完美融合才能做到的，通常如果遇到两个音之间需要断开时在演奏第一个音的时候就需要将琴键与踏板都松开，然后在过渡到第二个音的时候要将琴键与踏板一同摁下，在松开的时候需要有一定的停顿的时间。通常在音乐弹奏时中间尽量不要出现突然的停顿，所以需要在演奏时把握好踏板与琴键的操作。肖邦在钢琴音乐演奏时能够很好地将手指弹奏与踏板协调好，而且肖邦主张对于音符是需要在一定的时间内进行演奏的，在操作踏板时需要保持适当的力度，过重或者过轻都是不可取的，因为踏板需要在钢琴演奏中制造出一定的混响效果。

三、结语

肖邦的钢琴音乐中包含了一定的民族性文化及其特征，包括音乐的旋律以及和声的操作等方面，在已有的基础上也进行了创新，所以自成一套音乐体系，在肖邦有生之年他对音乐做出的贡献已经超越了对浪漫主义乐曲和舞曲等等曲目的升华与改革，在某种程度上他将古典音乐与浪漫主义音乐做了一个很好的融合与发展，不仅仅是对欧洲音乐文化的贡献更是对世界音乐文化的贡献。

【参考文献】

[1]安静.论肖邦钢琴音乐的风格特征与演奏技巧[J].大舞台，2013（06）

[2]何萍.从肖邦的钢琴音乐看浪漫主义流派的风格及演奏要点[J].音乐天地，2011（01）

[3]王海垠.高呼进魔魅世界 体验音乐神奇——谈肖邦的钢琴演奏风格[J].音乐生活，2007（02）

4.认识肖邦钢琴音乐教案 篇四

本文转载于网络，原出处《钢琴艺术》2010年3月版文章《作为教师的肖邦》。因未寻得作者姓名，如作者看到欢迎联系我们。文章版权归原作者本人所有并在此表示感谢！

技术种类与练习方法

为了让学生容易理解，肖邦在不涉及任何音乐风格的情况下，单独对技术种类进行分类，他称其为“基本原理”，并划分为三个部分：

1.相邻音的练习，主要为全因音阶，半音音阶和颤音；2.超过全音和半音距离的练习，特指手指间的距离为一个全音加上一个半音，即小三度音程的练习；3.双音练习，即三度，六度，八度的练习。

在肖邦看来，纯技术训练的种类最多如此，除此以外就是练习的习惯和方式了。他建议每个学生每天最多的练琴时间为3个小时，并且要和其他事情交替来做，例如：读书或者散步。因为正确的练习不是机械的而是遵循学生的才智和意愿，一味地长时间地重复训练没有任何效果。而李斯特则一直认为钢琴演奏者应当通过一些有力的，结实的触键练习来训练手指，并且要坚持不停地练习到手指不能坚持的程度。这种观点正是肖邦所反对的，他建议的这种练习方法则将纯技术的机械训练降到最低，并且在练习的时候，他还要求弹奏者具有演奏时的气质和状态，从而使练习效果迅速得到提高。身体和手的柔韧性

肖邦对于弹琴时的状态要求很高，甚至具体到坐的姿势。他的学生回忆他上课说过的要求“弹琴时要坐得稍高一点，坐在钢琴中间，不要偏左或偏右，这样可以很方便地弹到键盘两端的音。右脚尽量保持放在踏板上，手的肘部自然下垂，方便于手的左右移动。”正确的手型是手指运动的前提，肖邦建议用E，升F，升G，升A，B，五个音来找到正确的手指位置。这样一来，最长的手指在黑键靠里的部分，最短的手指在白键靠里的部分，形成了最基本的手型。手型具有柔韧性，手指不能太直，手腕，前臂，大臂没一个部分都是通过手型来找到自然的位置。与很多演奏家不同，肖邦认为2指是手的中轴，当手指撑开的时候，2指作为支点，把手掌平分为两个部分。这个观点在大跨度的技术中，很具有实际意义。肖邦1829年完成的《练习曲》（Op.10,No.1）是当时的练习曲中跨度最大的一首，如果按照以前的观念，以3指为中轴，很多跨度大的琶音很难完成，而2指为支点加上手腕的运动，则增加了手指运动的宽度，提高了准确性。这个观点不仅有易于完成肖邦的作品，同时还可以被更广泛地运用到其他作曲家的作品当中。

柔韧性是肖邦最强调的部分，他总是要求学生将身体的每一个部分都参与到演奏中来。要做到这一点，首先要学会的就是放松。想想看，僵硬的身体如何能够把重量传送到手指尖上呢？不必要的紧张只会阻碍手指机能的正常运动。肖邦在给学生上课的时候，经常提到：“放松！把肩膀放下来！”这个简单的动作确实可以让声音变得不同。演奏者只有先将身体放松下来，才能做到柔韧性和灵活性。

手腕是连接手与臂的枢纽。手腕的固定与灵活关系到手臂的重量是否可以送到指尖，以及是否能送往不同的手指上面。米库利在描述肖邦演奏的时候说道：“肖邦在演奏有距离的音程段落时仍然可以非常自然地连奏，正是因为他很注重手腕的运动”。肖邦认为，手腕应该具有柔韧性，并且要尽可能的灵活。这是因为一方面，我们通过手腕可以把手臂的重量自然地落到钢琴上，即使是在弹奏极弱的时候也不例外。另一方面，手腕的运动还维系着手指间的关系，把力量从一个手指转移到另一个手指上，这一点也是弹连奏的前提。肖邦经常让初学的学生，用全音关系的两个音作慢速的连奏练习，从而来体验如何通过手腕使声音连起来。

手臂的自然运用是肖邦所强调的，他在课上常常说：“手臂服从于手指，自然地使用，也可以说是有点被动的。特别是在演奏歌唱性段落的时候，手指伸直一点，与手臂形成一个整体，再加入手臂的自然重量，会使声音洪亮圆润”。肖邦所谓的自然重量，是指完全放松，没有发力速度前提下的手臂重量。当加入手臂自然重量时，要根据所希望的印象效果相结合，不是每一次都放入全部的重量的。如果手臂运动太过主动，加入太多不必要的手臂重量，反而加大了手指控制力量的难度。触键与听觉

学琴的目的不是要把每个音弹得均匀，而是通过我们所掌握的技术能力来发出多变动人的声音。肖邦认为，作为钢琴老师要明确的是：“钢琴的基础教学就是教授完美音质的重要性”。但是我们常常会用一些机械的训练，造成错误的方法。肖邦在最初的课程中，就开始磨练学生的触键，学生暴露问题最多的就是声音太硬或太过粗糙。肖邦最基础的触键方法是：“无论弹强音还是弱音，手指都应该下落，落到琴键的最深处，然后把手指从内侧拉回。”再此之上，我们再根据不同音色的要求来进行变化。例如，我们在演奏夜曲的时候，声音往往婉转忧郁，我们需要使手指的触键面更多一些，手指稍稍伸直，慢速度落到键底，最重要的是手指要很被动地脱离琴键，使声音延长。这样我们就可以发出像弦乐器般，或是肖邦所推崇的意大利歌唱家般的声音。一个音可以有很多种触键方法，肖邦经常让学生在一个音上用多种方式来触键。在连奏方面，肖邦在传统的连奏训练基础上有所改进。传统的训练方法是：清晰，均匀，准确，手指下键要具有一定的速度，声音颗粒性强。肖邦在此基础上提出歌唱性的连奏练习，不仅仅把音符连起来，并且要把它们绑在一起，就像弓子触到琴弦一样，通过调整落到琴键上的重量和琴键的快慢，来获得不同的声音色彩。因此，他建议从最简单的相邻两个音开始，做最慢速的连奏练习。

肖邦在每个学生的第一节课就开始培养他们的听觉，他不认为这是有了一定技术基础以后的事情，而是钢琴基础教学的一部分。肖邦的学生发现他在演奏的时候会习惯性地一直往左上方看，于是就去问肖邦为什么会有这个习惯，肖邦回答说：“当我们可以熟练地背谱演奏的时候，我们可以在黑暗中进行练习。因为，只有在我们看不到乐谱与键盘的时候，我们的听觉才开始发挥作用，当我们真正听到我们所演奏的音乐时，就会发现一些声音问题，而这些问题是我们在关注乐谱与键盘的时候所发现不了的。”因此在最初的教学中，我们要培养学生用耳朵来辨别好的声音，确立一种最基本的声音概念和判断声音好坏的能力。在这之后，就要与我们的触键训练相结合，先明确我们所需要的声音，根据这个声音找到正确的触键方法，最后再用耳朵来随时进行鉴定和调整。无论对于初学者还是程度很深的演奏者，这种习惯都应始终用于我们的演奏和练习当中。手指的独立性

对于手指的运用，肖邦有着自己革新式的见解。长期以来，我们为了达到声音的均匀，运用了许多练习方法，其实这些都是反自然运动，是肖邦所不提倡的。因为，每个手指都去油各自的特点我们怎么能破坏它们的特点呢？每个手指的形状决定了它们的力量特点，肖邦对他们的分析是：“大指是最有力，最宽，最自由的手指；小指是手的另一端；3指是中间的中轴；2指和4指是最弱的手指，因为它们和3指用同一条韧带活动，如果想把它们练成和3指一样灵活是不可能的，也是不必要的。正因如此，不同的手指产生了它们各自不同的声音。这样看来，肖邦认为手指的独立性指的是：“在了解每个手指特点的基础上，发挥手指的优势，达到灵活地自由运用。”这一点一直被运用到他的教学之中。肖邦在上第一节课的时候，就开始培养手指的独立性，这是很多老师所没有意识到的。他认为手指应该很轻盈，像毫无重量一样。要想达到这一点，肖邦建议，最初不要接触快的乐段，在慢速中，先学会如何控制强和弱，感受每个手指的运动特点，掌握如何控制它们。为了避免手指出现太硬或是不灵活的情况，肖邦经常让学生做一些轻的练习，这也是他教学中的一大特色。

针对以上手指独立性的问题，肖邦制定了几个练习步骤，适用于基础的教学当中：第一步，找到适合手型的这几个音，先用跳音的方法来练习这些音。通过手腕的自由运动而产生的跳音，是消除手指沉重感的最好练习方式；第二步，用连线跳音或重量跳音来练习，这是为了延长手指在琴键上停留的时间；第三步，用真正的连线且每个音为重音的连奏方式练习；最后，是正常的联奏练习。在此之后，肖邦还建议可以用这些音进行一些针对性强的练习。例如，只强调手指的练习，改变音量从强到弱的练习，或是改变多种速度从行板到急板的练习。

手指运动时的相对稳定

在强调了手指的独立性之后，我们就要涉及手指运动的稳定性。手指的稳定性是达到声音统一和相对均匀的关键。当然，要想达到手指稳定，需要经过很多方面的训练。首先，音阶练习。肖邦认为，音阶的练习是具有条理的而不是盲目的。他建议：第一，从C大调的音阶开始练习是不明智的，虽然读谱很容易，但是手指的稳定很难做到，因为手的位置决定了没有中轴的支点。我们要选择一条手的位置容易，并且最长的手指在黑键上的音阶来最先练习。肖邦建议从B大调开始向下半音的顺序进行练习，最后再练习C大调；第二，在练习时要尽量保持声音的“连”。最初要用慢速度来练习，并且一定要使节拍器式的平均速度，之后逐渐加快。同时可以用每三个音或每四个音加重音的方式；第三，半音阶练习不能忽视。半音阶根据指法的不同，可以分为：1，2，3指交替的半音阶，3，4，5指交替的半音阶，双三度半音阶双6度半音阶和八度半音阶。

其次，对手指运动的平稳，大指的作用至关重要。大指转换是弹奏音阶中的难点。肖邦认为，音阶主要有两个基本位置组成：1，2，3指和1，2，3，4指，这部分通过大指的跨越联系起来，在跨越过程中必定有一次手的位置的调整。肖邦建议，用慢速度跳音的练习方法左右手分开训练，右手从B大调开始，左手从降D大调，这样可以在缩短音时值的情况下，体会手位置的变化，熟悉肌肉的运动变化，尤其是大指在其他手指下面经过的时候。大指自己的挥动也很重要，大指不灵活会造成很多不必要的重音以及手腕的下压缩带来的声音不平均。在我们经过慢速度跳音的练习之后，就可以进行音阶连奏的练习了。有了这个练习步骤，在手指快速运行中，大指也会顺利地通过，即使是在4，5指下面跨过，也会非常平稳。

要想在运动中达到手指的稳定，肖邦认为不仅仅需要正确的音阶练习方法，也不仅仅靠大指的自由灵活，更重要的是依靠手的整体位置一直保持向一个方向的倾向，肖邦称其为“肘部自由放松的悬挂”。当我们演奏音阶的时候，手肘不会贴于身体，而是向右侧稍稍吊起，前臂，手腕，手掌也随之调整，向右倾向。这个简单的动作，决定了音阶的走向，有益于力量的传递和声音的流畅。“这种向一方倾向的动作要一直保持，就像我们在刮奏的时候一样，肖邦常这样解释道。另外，手肘的倾向动作，还可以有助于4，5指的支撑。4，5指的支撑力相对地较弱，它们需要后面大关节的力量支持，尤其是弹到音阶上行转到下行的时候，需要前臂的力量作为4，5指的支撑，使高音转弯的地方可以顺利通过。以上的几个方面向我们揭示了肖邦对于最基础的演奏原理的一些看法，然而，更重要的是，在弹每一首曲子的时候具体问题要具体分析。要学会通过音乐的要求寻找到正确的触键方式，一切要以声音的“连”和歌唱性作为前提，这是肖邦的教学中被一直强调的。说到这里，就不得不提肖邦对指法的创新。肖邦在谱子上标明的执法很具有他自己的特色，在演奏技巧方面产生了很大的突破。通过演奏者的不断使用，这些新的指法开始逐渐被很多人所接受。例如，大指上黑键，大指从5指下面穿过，用相同的手指弹相邻的黑键到白键，这些指法在肖邦生活的时代很新奇，但确实可以使声音听起来更加连贯和平稳，同时还不会产生肌肉多余的紧张。

二、音乐表达方式的基本原则

音乐的表达是钢琴表演艺术的最终目的，同时它也是演奏的基本出发点。我们常说，从音乐出发，去寻找声音，去训练技术。好的演奏其音乐是经得起推敲的，因为这不仅仅是与个人的音乐感觉有关系，还需要理性的思考。肖邦认为，音乐与技术一样，有基本的表现原则。他说过：“音乐同语言一样，语言通过文字表达，而音乐是通过声音；语言有语法逻辑，音乐表达也有规律可循。”肖邦要求学生在基础的学习阶段，就要了解音乐表达的基本原则，并且学会举一反三，培养其独立处理作品的能力。

表达音乐最基本的原则，无论是初学的小品，还是成都很深的大型作品都贯穿其中。肖邦认为首先要善于发现音乐的基本规律，音值长的音，一般都是重要的音，需要强调的音，而这些音，通常又都是在每一句或是每一段最高的音。在分句之前，或是每一次停顿，休止之前应该自然地轻下来等。另外，不要无视自然的重音，也就是不同的节拍都有重拍与轻拍的区别，如果有例外，作曲家一定会在谱子上对此标注的。

其次，肖邦非常注重乐句的处理。他总是把乐句和语言中的句子联系起来，这样学生比较容易理解。他经常比喻每个音就像是词语一样，每个乐句都有思想意义。因此，他更加重视分句，错误的分句就好像是演讲的人在用外语背诵一样，会产生很多错误的停顿，这样一来，意思往往会被扭曲。在音乐中，分句决定了句子的重点和走向，声音力度的变化以及表达的流畅性。肖邦认为，“大多数作品中一个乐句是八小节。文学作品越到后面越重要，而音乐往往与之相反，在每一句的最后都是轻声或是短小的休止符。虽然，每个乐句的重点都不一样，但句尾轻声的处理方式是处理乐句的规律之一。同时一个乐句当中，每4小节都会有小的分句，就像是语言中的逗号，没有它们，音乐就会变成是前后没有联系的不断的声音，这就像我们讲话时没有停顿，没有语气的变化是一样的。例如Op.69,No.1，肖邦认为这样来分句是合理的。肖邦建议：“乐句不要分得太短，这样会觉得乐思的组成成分太过短小；也不要把乐句展开得太长，这样整个乐章都会松下来，没有发展的紧迫感，听的人也会感到厌倦。在慢板乐章，乐句不能太短，不然音乐太琐碎，乐思会被切断，最小的分句要在4小节左右，这样才会产生长的呼吸的感觉。” 以上这些基本的原则不是肖邦首创的，而是他注重的。他经常教导学生，出色的演奏注重的就是这些细节，它们是使音乐内容丰富，生动的基础。学会歌唱

“钢琴的语言性是可以建立在声乐发声原则的基础直上的”，这不仅仅是因为肖邦对声乐艺术的喜爱，更重要的是，歌唱家的方法完全可以借鉴到钢琴演奏中来。肖邦认为，音乐作品都是艺术歌曲，让我们的声音通过手指使钢琴歌唱起来。想要做到这一点，我们一方面要考虑的是如何把两个声音“连”起来。“学生多听歌唱家的演唱，之后我们会发现，所谓声乐的连音，是把一个声音融进下一个声音。从这点出发，考虑到钢琴的局限性，我们要先把第一个音声音变深，变长，用每个声音后面的声音（余音）去连接下一个声音。”肖邦很擅长弹奏连音，他认为这是基础的奏法。如果他称某个学生不会把两个音连在一起，那么这会是他最严厉的批评了。另一方面要学会歌唱家的呼吸。钢琴演奏的呼吸依靠手腕，这一点要和乐句的分句相结合。在乐句的结尾，用手腕带起最后一个音，用手的柔韧性使其落下去唱出下一句。这样做，不仅可以使分句明确，更重要的是把上下两句联系起来。就像语言中，逗号分开的前后句可能是因果关系，转折关系或是递进关系。从技术上来看，肖邦经常在课上说：“有些呼吸需要手腕抬得高一些，而有些呼吸则不需要手指离开琴键，这要考虑到分句的性质以及呼吸是在句子之间，还是在句子中间”下面谱例中的指法与连线是肖邦建议的，从中可以看出，他把歌唱性与分句结合在了一起：《夜曲》（Op.9,No.2）第26至28小节。节奏的严格与伸缩

肖邦要求学生在演奏的时候，严格按照节奏要求，速度统一。他不允许任何随意的拖延或是夸张的渐慢。肖邦自己在演奏的时候，节奏，速度的要求很高，节拍器从未离开过他的钢琴。即使弹到旋律需要自由歌唱的时候，伴奏部分还仍然担任着节拍器的角色。肖邦教导学生：“旋律的节奏会有松有紧，有快有慢，但是伴奏部分还是要按照正常的节奏速度。”想要做到这一点是很难的，要求两只手有完全独立的能力。自由的旋律部分很有可能会打乱伴奏的节奏，如果没有独立控制的能力，那么肖邦劝诫学生还是按照统一的节奏来弹。“Rubato”一词的意思是伸缩处理，原意为“被夺去的”，是速度的处理手法之一。指演奏（唱）某个音乐片段要求整体上保持乐谱上要求的基本速度，其中各个单拍的拍速稍有不同。如有些时值略长，另一些相应地缩短，后者的一部分时值被前者夺来补偿其伸长的时值。它与随意处理（allibitum）不同，演奏者要保持基本的速度观念。伸缩处理在古典主义音乐作品当中会偶尔碰到，它的根本作用是使乐章有动力感，是音乐表现力的手段之一，它适度地调整了音色和速度。这就像是演奏家通过语速的松紧，来调整音量，加速或舒缓他的措辞。因此，伸缩处理会使音乐产生细微的差别，例如，期待和拖延，激动和松散，不安与平静。但是中庸稳定的速度也很重要，过多的伸缩处理会使音乐整体产生混乱。伸缩处理，在浪漫主义作品中很常见，特别是肖邦的作品。虽然肖邦很擅长做伸缩处理但是他有自己的原则，他要求稳定的伴奏部分和旋律的伸缩处理共同进行。在他看来，这是可行的，他解释道：“有些音，你可以弹得晚，也可以弹得早，两只手不是同步的，然后可以用弥补的方法，使它们成为一个整体。一首曲子五分钟，就是五分钟，这是整体的时间，在其不变的情况下，内部细节可以做伸缩处理。”

肖邦认为，伸缩处理是为了避免曲子从头到尾节奏过于统一而缺少灵活与波动，但是，它要符合一定的情感逻辑，这些逻辑是通过旋律的强弱发展，和声的细节，曲子的结构而产生的，是自然的，流动的。因此，不能过分地加入伸缩处理，这样会使音乐太过做作。肖邦对此强调两点，即伸缩处理的特殊性与普遍性。第一，对于不同作品，不同的演奏者，伸缩处理区有一定的特殊性，没有什么规律可循，也没有对与错，它完全依靠演奏者对风格的把握，对作品的处理和对音乐悟性方面的天分；第二，既然伸缩处理要符合一定的情感逻辑，他的处理也有一些普遍性的规律。音乐进行中，声音渐强一般会处理成渐快，声音渐弱会处理成渐慢。伸缩处理就是把这些处理夸张一些，使音乐突然变得不同。例如，音色对比会更明显，音的时值更加明显。我们在演奏不重要的音的时候往往一带而过，挤出时间放在重要的音身上。这样音乐的构思更加富有诗意，富有活力。当然，那些“偷来的”时间，要及时地补回去。对于这一点，肖邦认为，有才能的学生比较容易做到，对于乐感差的学生不要讲得太多。装饰音

弹到伸缩处理，就不得不提起装饰音。因为肖邦在演奏的时候，他常常用装饰音来作为速度的伸缩处理的方式之一。在肖邦很多作品当中，我们不难发现他的装饰音和古典主义时期的很不一样，那是因为他借鉴了声乐唱法中的花腔装饰音。这是歌唱家为了显示自己的声乐技巧而在演唱旋律或者经过句的时候即兴加进去的。肖邦把它用在自己的作品中，形成了独具肖邦特点的装饰音。正因如此，肖邦认为，装饰音应该听起来像是即兴加上去的，而不是通过练习的。很多装饰音都出现在主体重复出现的时候，也就是说，第一次出现主题是简单的旋律音，后面再次出现时，就会加入装饰性质的音。因此，不论装饰变化的音是什么，都要做一些音色变化处理。例如比较一下肖邦《升F大调夜曲》（Op.15,No.2）第3至11小节，与之后主题再次出现第51小节的装饰变化。肖邦不建议把装饰音弹得过于松懈，反而要加紧。这是因为，拉宽处理一般用来强调音乐的主旨内容，而装饰音则是长河中的小溪，仅仅是插入部分。主要的处理方式有以下两种： 1.开始可以拉宽，后面逐渐加快直至消失的装饰音。例如《降E大调夜曲》（Op9, No.2）第16和第24小节：

2.始终保持很快很轻的装饰音。例如《g小调夜曲》（Op.37, No.1）第36小节演奏状态

演奏时，要始终保持简单，平静的状态，这是肖邦在上课时一直对学生强调的。他认为，音乐最终要达到返璞归真的境界。这种状态要在我们解决了复杂的技术问题之后，在学习了众多作品并且不断揣摩它们的音乐风格之后，才能够得以实现。一方面，这种状态是大脑与内心的结合，也是理性与感性的结合。肖邦在他的教学中，提到过“情感逻辑”，也就是说，用理性的头脑来分析音乐的情感表现，把所有的情感意愿都化成声音，使聆听的人能够真实地感受到。另一方面，浪漫主义音乐作品更需要保持简单，平静的状态。因为，这个时期的作品情感丰富细腻，声音层次多变，歌唱性强。尤其是肖邦作品中大量的连线，需要的是平稳的控制力，而这种平稳没有手的柔韧性是很难做到的。在肖邦看来，轻易地加上重音或是强调某些音，就会脱离浪漫主义富有诗意的意境。

5.肖邦音乐欣赏课 篇五

浪漫主义时期音乐-肖邦

一、课题：音乐欣赏

二、教学对象：七年级

三、课时：一课时（40分钟）

四、教学用具:电脑

五、教学目标：初步了解肖邦个人生平与欣赏肖邦作品

六、教学重点、难点：欣赏肖邦作品

七、导入

师：同学们听过周杰伦的《夜曲》吗？同学们听过后，感觉这首歌的意境是怎样的呢？大家都知道，“夜曲”是一种钢琴曲的体裁。而周杰伦这首歌在我初中2年级的时候才出，当时我没有正正经经的欣赏过钢琴曲，只知道“夜曲”是钢琴曲的一种体裁，在听过周杰伦《夜曲》这首歌后让我感觉，“夜曲”是很黑暗压抑，让人伤心的音乐。但在我真正欣赏“夜曲”时，才知道“夜曲”是一种旋律优美，如诗如画如景，夜的沉浸与人的内心抒发。大家知道谁是这一体裁最为出色的代表作？看来大家的课外知识很丰富。师：西方古典音乐有着灿烂辉煌的历史。18世纪是古典音乐的分界线，在18世纪以前宗教音乐占有很大的地位，18世纪以后，进入古典音乐时期。大家知道什么是古典音乐吗？古典音乐的定义非常广，一般的理解就是所谓的“正统”音乐，或者是距离我们很远的音乐。古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐因为经历了一个很长的时期，在这个时期下环境不同，而出现了很多的音乐流派；比如说巴洛克音乐时代，浪漫主义乐派，印象主义乐派。而肖邦就是欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。这节课我们就来进入弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦的世界。

八、新课教学

师：肖邦全名是弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦在1810年3月1日出生于波兰的首都华沙，1849年10月17日在巴黎病逝，享年39岁。他的父亲是法国人，母亲是波兰人。肖邦从小就表现出非凡的音乐天赋，6岁开始学习音乐，7岁时就创作了波兰舞曲，8岁登台演出，不足20岁已出名。他是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一。肖邦一生的创作大多是钢琴曲，被誉为“钢琴诗人”，一生都在创作。

肖邦1926年从华沙音乐学院毕业后，就想去欧洲最主要的音乐中心发挥自己的音乐才能。在20岁时决定出国，当时波兰是被异族统治的国家，政治形势不断紧张，革命一触即发。在这样的情况下对他的音乐事业发展是不利的。因此在1830年12月开始了他的艺术旅行。肖邦没有意识到他就要永远离开他的祖国。在巴黎，肖邦的第二故乡，他很快的解释了一批当时的艺术家，包括李斯特、舒曼、门德尔松，这些朋友为他在巴黎的艺术之路做了很大贡献。肖邦的作品有自己独有的风格，他的音乐诗意连绵并具有了浓郁的民族色彩和强烈的爱国热情。他一生创作了大约200部作品。欣赏《G小调玛祖卡舞曲》 又名《G小调波兰舞曲》“玛祖卡”是波兰一种舞蹈的名称。这首钢琴曲创作于1817年，当时肖邦才7岁。作品为g小调，不过分的快板。其内容非常明朗，中部有着优美的旋律。

欣赏《升C小调幻想即兴曲》

肖邦的即兴曲作品中，代表作品是《升C小调幻想即兴曲》，它是在肖邦去世后才发表的，因为肖邦在作曲完毕后才发现，作品的中段与波希米亚作曲家莫舍列斯的一首钢琴作品惊人地相似，所以肖邦不愿意将其发表。“即兴曲”一词，一般是指作曲家未经事先预备而临时作成的乐曲，即往往是一时灵感的流露。也许正是这个缘故，肖邦的即兴曲在形式上相当自由，但也不是毫无规则地发展，而是有着明显的完整性和统一性。欣赏《降E大调夜曲》

本曲作于1830年，是肖邦夜曲中最脍炙人口的一首，也是最明朗的一首，作品的风格明显地流露出传统夜曲的痕迹。这首夜曲具有典型的肖邦早期作品的风格，平易优美、饱含诗意，可见此时的肖邦已无愧于“钢琴诗人”这个雅号。恬静优美的旋律和精雕细琢的钢琴织体是其主要的特点，描绘着大自然的夜色，也倾诉着作者心灵的话语。《降E大调夜曲》是肖邦最好的夜曲之一。欣赏《升C小调圆舞曲》

这首是最能体现肖邦个性及民族性的圆舞曲，本曲作于1847年，在肖邦去世前两年完成的。当时他刚与他的女朋友乔治.桑中断关系，身染重病，这首曲子细腻抑郁，隐藏着肖邦抑郁，彷徨，憧憬，感叹等复杂心态。

欣赏《E小调第一钢琴协奏曲OP.11》第二乐章 浪漫曲

这是他初到巴黎时的演奏曲目。本曲作于1830年。《e小调第一钢琴协奏曲》（OP.11）共分三个乐章，我们听的是第二个主题。第二主题充满浪漫情感，旋律相当优美，作者当时正处于恋爱时期，作品中处处洋溢着爱情的欢娱与芬芳。第二乐章是慢板，钢琴在乐队的衬托下缓缓奏出优雅而浪漫的旋律，就象情人们在明媚的月光下，伴着潺潺流水声在溪边互诉衷肠，缕缕清风轻拂树梢，和着树叶的簌簌声传来夜莺婉转流长的歌声。为了纪念肖邦，是世界上最著名、最严格、最权威、级别最高的钢琴比赛之一，从1927年开始在波兰华沙每五年举办一次肖邦国际钢琴比赛，是世界上最著名、最严格、最权威、级别最高的钢琴比赛之一。

最近一次比赛是2010年，是第十六届。中国有两个人获此奖项，1955年举行的第五届比赛的获奖者，第三名：傅聪。一个是2000年第14界李云迪。在李云迪之前前3届金奖一直空缺。当时李云迪才18岁，是中国的骄傲啊。

九、小结

伟大作曲家创作音乐时，都会让你感觉到深刻的情感，因为他伟大，因为他在音乐中有话要告诉你，因此伟大音乐家的音乐会永远持续，或许到永远。那种永恒的特质，或许是“古典”这个词最重要的意义，古典是永垂不朽的东西。