古典与浪漫的追忆教案

古典与浪漫的追忆教案（共7篇）

1.古典与浪漫的追忆教案 篇一

西方古典与浪漫主义音乐课程材料

西方古典与浪漫主义音乐 主讲:徐文

Periods of European art music

Medieval(500–1400)Renaissance(1400-1600)Baroque(1600-1760)Classical(1750-1830)Romantic(1815-1910)20th-century(1900–2000)Contemporary(1975–Present)

古典主义时期音乐概述 古典主义 “古典的”（Classic）一词原指古希腊和罗马的艺术和建筑中的经典，而“古典主义”（Classicism）则多指后人运用古典的风格和原则创作的文学艺术作品。这些作品意味着很高的艺术标准，高贵而单纯、平衡而完美的形式，严肃的艺术目的，以及对装饰性的约束。这个词被广泛地出现在艺术史上，用来指一个特定的历史阶段。

在“启蒙运动”的影响下,欧洲音乐文化发生了深刻变化。

前古典主义的三种风格

大约从1720年到海顿和莫扎特成熟的古典风格出现前这段时间被称为“前古典主义时期”。这个时期主要存在着以下三种音乐风格。罗可可风格（Rococo）France 华丽风格（Galant)Italy 善感风格（Empfindsamer）Germany 巴赫的两个儿子是“善感风格”的代表。Wilhelm

Friedemann Bach, 1710～1784的一些作品在风格上比较保守，常有自由随想的性质和突然的情绪对比。二儿子Carl Philipp Emanuel Bach, 1714～1788的一些键盘作品最典型地体现了“善感风格”的特点。

前古典主义时期喜歌剧的兴起与繁荣 意大利喜歌剧（Opera buffa）

定义：一种小短的音乐喜剧，源于幕间剧。

特征：1.角色不多，包括喜剧类型的，常有讽刺性。2.采用现实生活的题材，常用方言。3.咏叹调简单悦耳，也用宣叙调。4.对男低音比较重视，终场采用重唱。

代表作：佩格莱西—幕间剧《女仆作夫人》(1733)法国喜歌剧（Opera comique）

特征：混合了意大利和法国因素的喜歌剧,采用了以宣叙调咏叹调为主的分曲结构,法国喜歌剧在音乐中插用对白代替宣叙调。代表作：卢梭—《乡村卜者》（1752）

英国民谣剧（Ballade Opera）

特征：英国的喜歌剧形式是民谣剧，它的音乐大多是用现成的流行曲调或民谣拼凑而成，经

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常在旧曲中填入新词。

代表作：盖伊-佩普什—《乞丐歌剧》（1728）德国歌唱剧（Singspiel）特征：德国歌唱剧最早的例子是对英国民谣歌剧和法国喜歌剧的改编之作，以民歌风的曲调为基础。

代表作：约翰﹒亚当﹒希勒—《魔鬼出笼》（1766）

喜歌剧的历史意义

顺应了启蒙运动对艺术的要求：“返回自然”。

作为的正剧的反抗，以轻松愉悦的手法丰富的歌剧的表现形式。预示了19世纪音乐中的民族主义潮流。

前古典主义时期正歌剧的改革 正歌剧

意大利正歌剧以古代的经典题材为基础，表现神话和传奇故事为主，题材比较严肃。这种歌剧通常有三幕，在宣叙调和咏叹调之间交替。改革的原因

歌手们对咏叹调形式的滥用，包括单纯炫耀声音技巧。18世纪后半叶，一些作曲家开始反对僵化的正歌剧他们寻求更有表现力、更有戏剧性和更灵活的结构。实际上，歌剧改革的潮流也是在启蒙运动“返回自然”的观念的影响下发展起来的。

格鲁克歌剧改革

格鲁克Christoph Willibald Gluck(1714 —1787)德国 改革思想：“音乐为戏剧的情节和表现的诗意服务” 改革内容：

使序曲，合唱，舞蹈和乐队的运用与剧情密切联系起来。消除歌唱家即兴炫耀技巧的花腔段落。减少咏叹调和宣叙调之间的对比。

取消割裂歌词的间奏，避免不自然的返始咏叹调、创作出宣叙调，咏叹调与合唱组成的复合场景。代表作：

《奥菲欧与优丽狄茜》(1762)《阿尔采斯特》(1767)《伊菲基尼在奥里德》(1774)

前古典时期的器乐—奏鸣曲 古典奏鸣曲

古典奏鸣曲已不同于巴罗克时期的奏鸣曲，它是一种由3～4个乐章构成的独奏体裁，以键盘乐器（钢琴）为主，乐章间不仅在情绪和速度上有对比，而且在调性上也有对比，同时，各乐章在主题和调性上又有联系。奏鸣曲式

奏鸣曲式是乐曲的结构形式,而奏鸣曲则是音乐作品的一种体裁。通常被运用在奏鸣套曲（包括交响曲和大多数类型的室内乐）的第一乐章（也称奏鸣曲快板乐章）中。标准的结构一般包括三个部分：呈示部、展开部和再现部。

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前古典时期的器乐—交响曲&协奏曲 交响曲

这种体裁的直接来源是意大利歌剧序曲(sinfonia),采用乐队合奏的演奏形式。音乐结构和奏鸣曲十分相似以，“快-慢-快”三个段落的结构模式,后来逐渐脱离歌剧的演出环境,作为单独演奏的管弦乐形式出现在音乐会舞台上。乐队的器乐配置丰富

双簧管、大管或长笛，有时还加圆号或小号，另外还有定音鼓的配置。

由小、中、大和低音提琴组成的弦乐组，依旧是陈述作曲家乐思的主要乐器声部。

羽管键琴弹奏通奏（数字）低音的重要作用，已逐渐减弱直至取消。协奏曲

“协奏曲”在巴罗克时期已经成为重要的器乐体裁，到了前古典时期，“独奏协奏曲”远远胜过其他协奏曲形式而得到充分发展。尤其是羽管键琴。曼海姆乐派

早期古典时期最重要的音乐流派，由当时聚集在德国曼海姆（Mannheim）地区的艺术家们构成，他们成立了最早的交响乐团，在斯塔米茨（Stamitz,1717-1757）指导下，成为技术高超、素质优良、闻名全欧的交响乐团。从客观上为交响曲的进一步发展奠定了不可或缺的基础。

维也纳古典乐派概述

18世纪下半叶，古典主义时期的音乐发展到了最兴盛的时期，出现了以海顿、莫扎特和贝多芬为代表的维也纳古典乐派。实际上，最典型和最完美的古典主义音乐的代表只是海顿和莫扎特，而贝多芬已经开始向成熟的古典风格发出了挑战，他中晚期的音乐风格已经预示了浪漫主义的一些特征。

海顿(Joseph Haydn)奥地利作曲家“交响乐之父”(1732-1809)生平要点

1761年起，在埃斯特哈齐宫中工作了近30年，创作了大量作品。90年代，两次访问英国，创作了12首伦敦交响曲，达到创作的顶峰。最重要的创作了104部交响曲和 68首四重奏。

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交响套曲的结构

第一乐章快板，奏鸣曲式

第二乐章行板、慢板或广板，奏鸣曲式或变奏曲式 第三乐章小步舞曲，复三部曲式

第四乐章快板或急板，回旋曲式或回旋奏鸣曲式

《D大调第一零四交响曲》 第四乐章，充满活力的快板。乐章开始以一小段沉稳的圆号低音逐渐与大提琴合奏奏响主题，随后曲子旋律逐渐加快，最后以一个固定的节奏展现出民间的欢快场面。《惊愕交响曲》

第二乐章速度变慢，开始部分是弱起，轻得没有变化，刹那间乐队用最大的音量演奏，爆发强烈声音，定音鼓猛烈地敲击模仿惊雷的声音，狠狠把打盹的观众们惊醒。主题：幽默、滑稽、第一变奏小提琴演奏

第二变奏加入木管乐器

C大调转为c小调，ff强音记号 第三变奏在弱的力度下使主题更活泼、轻松

第四变奏加强配器和力度、运用琶音、附点节奏等

弦乐四重奏（String Quartet）

弦乐四重奏由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴组成，是古典主义时期最重要的室内乐形式，也是室内乐中最理想、最融洽、最经典的组合，虽然在这种组合中找不到交响乐般庞大的气势，看不到歌剧中宏大的场面，但这种体裁的音乐以精致抒情为本，能营造出人与人之间亲切交谈式的音乐氛围。它最初仅限于家庭、沙龙范围，是贵族雅士自娱自乐的音乐形式，随后在历史的流变中，它从贵族庭院走向世俗舞台，发展成一种表达人类情感最深刻、最细致的重要器乐体裁。

《 C大调皇帝弦乐四重奏》

String Quartet in C major, Op.76 No.3, “Emperor” 第二乐章，稍慢板，如歌的。“皇帝”这个名字也是因这个乐章而得来的。在这里，海顿采用了他的另一首作品《上帝保佑弗朗茨皇帝》的旋律作为乐章的主题。实际上，这个乐章就是由这个主题加上四段变奏所组成的，现在的德国国歌也是采用了这段旋律。莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart）“音乐神童”（1756-1791）生平要点

出生于萨尔斯堡，六岁便在父亲带领下到欧洲各地旅行演出，对后来的创作很有影响。最后十年在维也纳度过，创作了最伟大的作品。最重要的作品是器乐曲和歌剧。

器乐作品：弦乐四重奏，交响曲，27首钢琴协奏曲 歌剧

《后宫诱逃》（1782）歌唱剧 《费加罗的婚礼》（1786）意大利歌剧 《唐•乔万尼》（1787）意大利歌剧 《女人心》（1790）意大利歌剧

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《魔笛》（1791）德语神话寓言歌剧

协奏曲（concerto）原意是在一起比赛，协奏曲也就是两种因素既竞争又协作的意思。协奏曲最早是作为一种声乐体裁出现的，十六世纪指意大利的一种有乐器伴奏的声乐曲。巴罗克时期形成的由几件独奏乐器组成一组与乐队竞奏者称为大协奏曲。古典乐派时期形成的由小提琴、钢琴、大提琴等一件乐器与乐队竞奏的协奏曲称“独奏协奏曲”。海顿、莫扎特、贝多芬以及浪漫乐派的许多作曲家均作有大量的独奏协奏曲作品。

莫扎特的协奏曲创作

莫扎特以大量的创作－二十七首钢琴协奏曲，六首小提琴协奏曲，以及长笛、单簧管、小号、圆号等为独奏乐器的协奏曲确立了至今还被袭用着的协奏曲形式。这种协奏曲由一件独奏乐器与管弦乐队协同演奏，独奏部分具有鲜明的个性和高度的技巧性。通常包括三个乐章：

第一乐章用奏鸣曲式（后部有一个华彩段）

第二乐章多为抒情的慢板（有时也插入较短的华彩段）第三乐章回族曲式或奏鸣曲式（有时也插入较短的华彩段）起初，华彩段由演奏家根据乐曲的基本主题作即兴发挥，到十九世纪后则由作曲家写成固定的曲谱。现代音乐家演奏古典协奏曲时所用的华彩段曲谱，是由后来的作曲家写成的。

莫扎特—《A大调钢琴协奏曲》

这首具有歌剧式风格的协奏曲，洋溢着莫扎特春天般的清新，阳光般的温暖。第一乐章 A大调,抒情温暖的快板,奏鸣曲式

第二乐章 f小调,柔美并带有伤感的柔板,复三部曲式 第三乐章 A大调,适度的快板,热情欢乐的回旋奏鸣曲

莫扎特—《费加罗的婚礼》 《费加罗的婚礼》取材于当时在奥地利被禁演的博马舍的戏剧《费加罗三部曲》中的第二部,歌剧脚本由意大利诗人达·蓬特改编,1786 年首演,改编后的脚本虽然削弱了原剧对封建社会的抨击,增添了抒情性的描写, 但仍不失原作的批判精神而且揭露和讽刺了以伯爵为代表的封建贵族的虚伪和骄奢淫逸的生活,颂扬了以费加罗、苏珊娜为代表的“第三等”人民正直、机智、勇敢的品质。表现了同封建主义斗争必胜的乐观主义精神。

这部歌剧音乐创作有以下特点：没有沿用当时流行的意大利喜歌剧的夸张和杂耍式的手法，而是描绘了人物性格，既有前后连贯的统一性, 更着重刻画不同人物的复杂心理增加了强烈的抒情性,并在剧中发挥了重唱的技巧和表现力。

贝多芬(Ludwig van Beethoven)德意志古典音乐作曲家，被尊称为“乐圣”

(1770－1827年）贝多芬创作分期 早期1770－1802年

从波恩到维也纳，继续学习深造，但以显示出自己独特的个性 第1-2交响曲，前三首钢琴奏鸣曲 中期1803－1814年

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创作成熟期，大量杰作产生，最典型的风格时期 第3-8交响曲，第3-5钢琴协奏曲，《费德里奥》 晚期1815－1827年

音乐与内在自我的联系更加紧密，预示了浪漫主义 第9交响曲，《庄严弥撒》，最后6首弦乐四重奏

浪漫主义时期音乐-从早期到中期 “浪漫主义”

具体的时间划分一般是从1820年前后到1900年前后 浪漫主义音乐的典型特征：

浪漫主义音乐更加强调个人情感的表现。古典主义的曲式得到扩展，变得更加自由。

半音化或不协和音的使用增多，更大规模地引入了远关系的调性。认为器乐是表现语言无法传达的情感的理想手段。强调音乐和文学等姊妹艺术的紧密联系，这种联系在艺术歌曲和标题音乐中得到重要的体现。注重音乐的民族性，促进了民族乐派的产生。

舒柏特（Franz Schubert）

奥地利作曲家“歌曲之王”(1797-1828)艺术歌曲: 分节歌，其中很多具有朴实无华的民歌的性质，如《野玫瑰》。修饰分节歌，经常带有一个调式转换的中段，如《菩提树》。

小型歌剧场景式的歌曲，以在宣叙性的和抒情性的旋律之间交替为特征，如《流浪者》。通谱体歌曲，乐思重复较少，通常用于叙事歌的谱曲。叙事歌原是一种在对话和叙述之间交替的较长的诗歌形式，为之谱写的音乐也较为复杂，需要寻求新的手段保持音乐的统一，如《魔王》。

声乐套曲，用一套艺术歌曲讲述一个连续的故事。舒伯特两套声乐套曲是《美丽的磨坊女》和《冬之旅》。

钢琴独奏曲和室内乐 浪漫主义钢琴小品 六首《音乐的瞬间》（D.789）《八首即兴曲》（D.899、935）大型钢琴作品

21首钢琴奏鸣曲

根据他的艺术歌曲改编的《流浪者幻想曲》（D.760）室内乐作品 《鳟鱼五重奏》（D.667）

三首晚期四重奏（D.804, D.810, D.887）弦乐五重奏（D.956）交响曲

9首交响曲中最著名的是《未完成交响曲》（D.759, 1822）《C大调（伟大）交响曲》（D.944, 1825～1828）

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柏辽兹（Hector Louis Berlioz）

法国作曲家(1803-1869)，他同法国浪漫主义文学大师--雨果及浪漫派画家德拉克洛瓦相提并论，堪称法国浪漫主义三杰。标题音乐与非标题音乐

1）标题音乐是指用文字说明创作意图和作品思想内容的器乐曲。“标题音乐”往往与“纯音乐”（非标题音乐）相对应。有的作品只用标题作曲名；有的作品除了标题之外还另加文字说明。

2）标题音乐的演奏形式多为独奏、重奏、合奏等。

3）按内容区分有两类，一是戏剧性的，一是描绘自然景物或世俗风情的。

4）按音乐构思可分为三类，一是情节性的，二是描绘性的，三是哲理性的。如柏辽兹的《幻想交响曲》就属于情节性的。

标题交响曲

《幻想交响曲》(1830)-标题交响曲和交响诗的样板 《哈罗德在意大利》(1834)-根据拜伦的长诗 《罗米欧与朱丽叶》（1839）歌剧

《特洛伊人》(1856-1858)-古罗马诗人维吉尔的诗歌 戏剧传奇

《浮士德的责罚》（1846）-原设定为演奏会音乐 书作

《配器法》(1842)-被世人推崇为近代作曲技术理论的典范。

门德尔松(Felix Mendelssohn)德国作曲家(1809-1847)管弦乐曲：

五部交响曲:《意大利交响曲》、《苏格兰交响曲》 音乐会序曲《仲夏夜之梦》、《赫布里底群岛》、《平静的大海与幸福的航行》 钢琴作品： 两首协奏曲 三首奏鸣曲 套变奏曲 《无词歌》

《无词歌》 songs without worlds 是一种宛如歌曲的钢琴小曲，其中包含一个歌曲性质的旋律和相应的伴奏部分，无词歌为门德尔松首创，它没有歌词，但门德尔松认为他的无词歌所表达的思想内容，比歌词要明确。在音乐的启蒙运动上，他使人们遗忘了几乎一百多年的作品—巴赫的《马太受难乐》重放光芒，这是音乐史上的最重大事件之一，从此人们开始重新认识巴赫。在音乐教育上，他创办了德国第一所音乐学院—莱比锡音乐学院，为近代的过音乐教育的发展打下了坚实的基础

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舒曼（Robert Schumann）德国作曲家（1810-1856）钢琴作品 《狂欢节》、《蝴蝶》、《童年情景》 艺术歌曲

两部声乐套曲《妇女的爱情与生活》、《诗人之恋》 大型作品

《第一交响曲》（春天）、《a小调钢琴协奏曲》、《第四交响曲》 音乐评论

1835-1844年，独自编辑《新音乐杂志》，他的评论具有极为精到的专业眼光。

肖邦（FryderykFranciszek Chopin）

波兰作曲家“钢琴诗人”(1810─1849)乐队和钢琴音乐-两部钢琴协奏曲

玛祖卡舞曲-最具波兰民间乡土气息的体裁

波罗奈滋舞曲-民族意识和情愫体现得最为强烈的体裁 夜曲和圆舞曲-最富有浪漫气质的体裁

谐谑曲和叙事曲-单章大型体裁作品中占有重要的地位 前奏曲和练习曲-一种全新的创造

弗朗兹·李斯特（Franz Liszt）匈牙利作曲家“钢琴之王”（1811-1886）钢琴作品: 1835～1839年他主要创作了《12首超级练习曲》、《帕格尼尼练习曲》和前两卷《旅游岁月》 三首最伟大的钢琴作品： 《大音乐会独奏曲》（1849）《谐谑曲与进行曲》（1851）《b小调奏鸣曲》（1852～1853）

《匈牙利狂想曲》前15首完成于1851～1854年 《匈牙利狂想曲》第16～19首完成于80年代

管弦乐作品：

13首交响诗:《普罗米修士》、《奥菲欧》、《塔索》、《前奏曲》 交响曲:《浮士德交响曲》、《但丁》

论文《论艺术家的处境》对改善音乐家的社会地位起到很大的作用

勃拉姆斯

(Johannes Brahms)德国作曲家(1833 – 1897)主要作品 4部交响曲

《德意志安魂曲》

24首室内乐和260首艺术歌曲 一批钢琴小品与主题变奏曲

协奏曲，其中《D大调小提琴协奏曲》、《a小调小提琴、大提琴双协奏曲》最为著名。

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19世纪法国歌剧 法国大歌剧

这种大歌剧迎合了中产阶级观众的兴趣，采用大规模的戏剧构思，并强调宏伟壮观的戏剧场面的展示。它通常采用历史题材，经常出现人物众多的场景和紧张的戏剧冲突，乐队、舞蹈与合唱的运用也很有效果。代表人物

梅耶贝尔（1791-1864），《胡格诺教徒》 奥柏（1782-1871），《波蒂契哑女》 阿列维（1799-1862），《犹太女》

法国喜歌剧

19世纪，法国喜歌剧与大歌剧并行发展，和18世纪一样，二者的区别在于这种喜歌剧用对白而不用宣叙调。规模一般比大歌剧要小一些，音乐也更简单，要求的演员较少，不用历史题材，情节是喜剧性的或感伤的。代表人物

奥柏（1782-1871），《魔鬼兄弟》 比才（1838-1875），《卡门》

（法国批判现实主义小说家梅里美的作品改编）

谐歌剧

谐歌剧又称轻歌剧，出现于法国第二帝国期间。谐歌剧从喜歌剧发展而来，但更强调喜歌剧中的机智讽刺的因素。这种歌剧生动活泼、通俗易懂，其娱乐性的价值是不能低估的。代表人物

奥芬巴赫（1819-1880）《地狱里的奥菲欧》、《美丽的海伦》

抒情歌剧

抒情歌剧是一种介乎于喜歌剧和大歌剧之间的形式，它的规模比喜歌剧大，但又比大歌剧小。它的题材主要取自浪漫的戏剧或幻想的文学，音乐上强调优美抒情的旋律。代表人物

古诺（1818-1893），《浮士德》、《罗米欧与朱丽叶》 圣-桑斯（1835-1921），《参松和达丽拉》

十九世纪的意大利歌剧

罗西尼《塞维利亚的理发师》 多尼采蒂《爱的甘醇》 贝里尼《诺尔玛》 威尔第《茶花女》、《阿伊达》、《奥塞罗》 马斯卡尼（真实主义）《乡村骑士》 普契尼《托斯卡》、《图兰多》

罗西尼（Gioachino Rossini, 1792-1868）

到1825年，罗西尼是当时最著名的作曲家（名声超过贝多芬）。

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他写了39部歌剧，既有喜剧也有正歌剧，但今天还流行的只有他的正歌剧。

《塞维利亚的理发师》选段-----罗西娜的谣唱曲“刚才我听到一个声音” 她决心赢得她的追求者（化装成穷学生的伯爵阿尔玛维瓦），并拜托年老的监护人巴尔托罗的追求。第一部分：“卡瓦蒂纳”（遥唱曲），行板，是咏叹调的引入部分。第二部分：“卡巴莱塔”，中板，是咏叹调的对比部分，有辉煌的但有节制的花腔。重唱-场景

罗西尼还爱用重唱（两个到四个歌手）乐队引子

独唱或对白的宣叙调，用乐队伴奏 咏叹调主段（旋律性的段落）中段（过度）“卡巴莱塔”，末段（风格活泼，有反复，有时有装饰）终曲，很多角色一起唱。

罗西尼的其他作品 喜歌剧

《意大利少女在阿尔及尔》、《灰姑娘》、《贼鹊》

正歌剧

最常演出的是《威廉•退尔》（在他生前演出了500多场，1829年写于巴黎，受法国大歌剧影响，序曲很有名）此后，罗西尼再也没有写过歌剧

多尼采蒂（Donizetti, 1797-1848）多产的作曲家 70多部歌剧

最有生命力的作品是正歌剧，但他也创作了一些优秀的喜歌剧。代表作：《拉莫摩尔的露契亚》、《爱的甘醇》

贝里尼（Vincenzo Bellini, 1801-1835）他写了十部正歌剧，包括《梦游女》、《诺尔玛》和《清教徒》。他的风格抒情细腻，有悠长的旋律和灵活的曲式。他相信歌剧可以表现强烈的情感。

威尔第（Giuseppe Verdi, 1813-1901）他写了26部歌剧

他是意大利歌剧最重要的代表。他的名字几乎成了意大利歌剧的同义语。爱国主义精神

坚持“歌剧是人性的戏剧”的理想，并批判吸收外来影响。

威尔第的三个创作阶段 早期到1853年

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《纳布科》《利戈莱托》《茶花女》 中期 1853-1871年 《假面舞会》《命运之力》《阿伊达》 晚期 1871-1893年 《奥塞罗》《法尔斯塔夫》 几乎都是正剧

大部分取材于浪漫主义文学作品。

早期歌剧的特点

他的很多早期的作品运用了罗西尼、贝里尼和多尼采蒂的传统。一般分为四幕（或三幕加序幕），第二第三幕结尾有重唱终曲，第四幕常以沉思性场景开始。主要的脚本作者是意大利皮亚维

从1849年的《路易莎•米勒》起，在人物性格和情感的刻画上更加成熟。早期的最后一部是《茶花女》，咏叹调更加灵活和扩展。

中期歌剧的特点

更多的吸收法国大歌剧的因素，包括了更宏伟的戏剧场景。独唱、重唱、合唱更加自由的结合。和声更大胆，乐队的处理更加重视。

“回忆动机”的运用，促成音乐和戏剧的统一。中期的最后一部歌剧是《阿伊达》，集中体现了以上各种特点。

晚期歌剧的特点

在《阿伊达》之后有16年间歇。因为1871年意大利独立后，威尔第收到嘉奖，从事慈善事业和从政，这期间的音乐界出现了一些新作品。1887年又开始了创作，完成了《奥塞罗》，是意大利悲剧性歌剧的顶峰。根据莎士比亚的话剧改编，音乐更加连贯，场景更加庞大，乐队效果更加丰富。

《法尔斯塔夫》作于1893年，是威尔第最后一部歌剧，也是更据莎士比亚改编，是意大利喜歌剧的顶峰。

威尔第小结

他认为意大利歌剧是一种表现人性的艺术，独唱的声乐旋律是最重要的。

他在坚持意大利歌剧传统的同时，批判的吸收了法国歌剧（如梅耶贝尔的大歌剧）和德国歌剧（如瓦格纳的歌剧）的因素，在创作过程中很好地处理了继承和吸收的关系。因此，他把自蒙特威尔第以来的意大利歌剧传统发展到了一个新的高峰。

真实主义歌剧的代表之一：马斯卡尼 真是主义来自文学，主张真实地反映社会底层穷苦人民的悲惨遭遇，带有强烈的地方色彩和紧张激烈的戏剧冲突。

代表作是马斯卡尼《乡村骑士》和莱昂卡瓦罗的《丑角》。

普契尼（Giacomo Puccini, 1858-1924）19世纪意大利歌剧的最后一位代表。

他的一部分歌剧是属于真实主义流派的，但也有不少浪漫主义和异国情调的歌剧。

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擅长用旋律动人的咏叙调刻画小人物和弱女子的形象。善于利用和声配器的色彩烘托戏剧气氛。

十九世纪的德国歌剧

韦伯（Carl Maria von Weber，1786-1826）

《魔弹射手》1821年上演标志着德国浪漫主义歌剧的开端 情节采用神话故事的因素，超自然的时间和大自然的背景不是一种装饰性的东西，而是与主人公的命运纠缠在一起。

音乐上运用德国民间歌曲式的旋律，并为了戏剧表现的目的利用半音化和声与乐队配器的丰富色彩，强调音乐织体的内声部。

瓦格纳

Wilhelm Richard Wagner（1813-1883）

接受了来自文学、哲学、政治的各种影响，思想多变。坚持音乐应服务于戏剧表现的信念，对浪漫主义歌剧做出了大胆的改革，艺术上极有独创性。歌剧:《漂泊的荷兰人》、《唐豪瑟》、《罗恩格林》 音乐论著：《艺术与革命》、《未来的艺术作品》、《歌剧与戏剧》 乐剧：《尼伯龙根的指环》、《特里斯坦和伊索尔德》

瓦格纳乐剧的音乐特点主要有以下几点：

他打破了意大利歌剧的分曲编号的结构，每一幕的音乐都是连续不断的。

他的乐剧以主导动机的运用而著称。这是一种与特定的角色、物体、情感或意念有联系的反复出现的音乐动机。它为瓦格纳提供了一种使音乐和戏剧都获得统一的手段。

他的音乐是用一种“无穷尽的旋律”加以展开的。这是一种音乐织体，其中的主导动机和它们的再现与变化，提供了一种旋律材料的不间断的流动，很少有终止式或明显的停顿的痕迹。瓦格纳的半音化和声，持续的离调和转调，以及对终止式的避免使音乐表达了空前炽烈的主观情感，并使传统的调性体系逐渐走向解体的边缘。

瓦格纳还是一位配器的大师，在他的乐剧中空前地提高了管弦乐队的作用。

19世纪的民族主义音乐

主要地区：北欧、东欧、俄罗斯 特点与原因

把本国的民族民间音乐作为创作的基础。

把浪漫主义音乐手法与民族音乐的因素有机结合。

这些国家在19世纪出现的民族独立和复兴民族文化的运动促进了民族主义音乐的产生。

挪威的民族乐派

格里格（Edvard Grieg 1843-1907）

1875年，他为挪威戏剧家易卜生的诗剧《培尔•金特》配乐而获得了世界的声誉。

格里格10卷66首钢琴抒情小品集更突出地体现了他作为一位擅长写作小品的大师的风范，这些小品表现了挪威这个平静的北欧小国的特有风情，包括大自然的瑰丽风光和质朴的民俗生活场景。

捷克的民族乐派

斯美塔纳（Bedrich Smetana 1824-1884）

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捷克民族主义音乐的奠基人 主要作品有：

八部捷克民族歌剧（例如《被出卖的新嫁娘》

交响诗套曲《我的祖国》六个乐章，其中的第二首《沃尔塔瓦河》最流行）

德沃夏克（Antonin Dvorak 1841-1904）是捷克民族乐派的又一位杰出的代表。他继承了斯美塔纳的道路，使捷克的音乐进一步走向世界。

他的作品题材更广，数量更多，主要有： 《斯拉夫舞曲》（两套）

九部交响曲《第九交响曲（自新世界）》 《b小调大提琴协奏曲》 歌剧《水仙女》

《斯拉夫舞曲》 两册各八首

原来为钢琴二重奏，后来配成管弦乐曲。

运用了斯拉夫民族各种舞蹈，表现民族的生活场景。第一册第一首具有捷克民间舞曲“富利安舞曲”的特点。

格林卡（Mikhail Glinka, 1804-1857）俄罗斯民族主义音乐的奠基人。

第一位取得国际声誉的俄罗斯作曲家。作品有两部歌剧：

《伊万•苏萨宁》和《鲁斯兰与柳德米拉》以及很多管弦乐曲和声乐浪漫曲。

管弦乐幻想曲《卡玛林斯卡亚》

作于1847年，是第一部俄罗斯风格的交响乐作品。

这部作品采用了两首对比性的俄罗斯民歌（婚礼歌《从山上，高高的山上》和舞蹈歌《卡玛林斯卡亚》为素材，写成一首双主题变奏曲，如同一幅艳丽的俄罗斯民间生活风俗画。柴可夫斯基认为对俄罗斯交响乐来说，这部作品如同“一颗橡树的种子”。

强力集团（五人团）巴拉基列夫 包罗丁 居伊

穆索尔斯基

里姆斯基-科萨科夫

（四人起初都是业余作曲家，他们继承格林卡的道路，继续推进俄罗斯民族主义音乐的发展）

穆索尔斯基（Modest Musorgsky, 1839-1881）强力集团中最有创造性的一位作曲家

他受到俄国先进的革命民主主义思想的影响，作品具有批判现实主义倾向和鲜明的个性 作品有五部歌剧、管弦乐曲和艺术歌曲

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《展览会上的图画》

具有独创性的标题器乐曲，原为钢琴套曲。为纪念他的一位去世的画家朋友而作。

十首乐曲分别描绘了这位画家的十幅作品，由“漫步”主题将全曲连成一个整体。

柴科夫斯基（PyotrIlyich Tchaikovsky, 1840-1893）

不属于强力集团，但与之处于同一时期的重要的俄国作曲家。

他的作品揭示了俄国沙皇黑暗统治下的一个知识分子艺术家的典型的情感世界。

柴可夫斯基的作品

早期：60-70年代，在莫斯科音乐学院教学，创作第一交响曲《冬日的梦幻》，幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》，《第一钢琴协奏曲》，《天鹅湖》

中期：1876年以后接受梅克夫人资助，创作《第四交响曲》，歌剧《叶甫根尼•奥涅金》，《小提琴协奏曲》，《1812庄严序曲》

晚期：80年代末-90年代，顶峰阶段，《第五交响曲》、《第六交响曲》（悲怆），歌剧《黑桃皇后》，舞剧《胡桃夹子》、《睡美人》

晚期浪漫主义和印象主义 十九世纪末的社会背景

十九世纪最后几十年，欧洲的资本主义和平的发展，但各种社会矛盾也在逐渐激化，最终导致二十世纪初的第一次世界大战 文学艺术中也出现了各种新的流派，音乐中的浪漫主义进入最后的阶段，一个古典和浪漫主义的时代即将结束

世纪之交的两个流派 晚期浪漫主义（德奥）

主要代表：马勒和R·施特劳斯 印象主义（法国）

主要代表：德彪西和拉威尔

这两个流派都在十九和二十世纪之间起到了桥梁作用

马勒（Gustav Mahler, 1860-1911）奥地利作曲家和指挥家

创作了9部交响曲和五部乐队伴奏的声乐套曲

他的风格影响了包括勋伯格，贝尔格和韦伯恩在内的二十世纪作曲家

马勒的创作

早年的指挥生涯（到1897年）：“夏天的作曲家”，第一到第三交响曲，为德国民歌集《儿童的奇异号角》谱写的歌曲，声乐套曲《流浪青年之歌》 指挥生涯的高峰期：维也纳宫廷歌剧院（1897-1907），第四到第八交响曲，声乐套曲《亡儿之歌》

晚年（1907-1911）：命运的三重打击，第九交响曲，第十未完成，声乐交响曲《大地之歌》

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马勒的交响曲（他认为交响曲应是一个无所不包的世界）典型的晚期浪漫主义风格： 冗长，复杂，具有标题性 要求庞大的演出阵容

经常引入声乐，如第二、三、四交响曲中歌曲的自我引用，第二，第八交响曲中的合唱 织体倾向于复调 “发展调性”

他是德奥交响曲传统的最后一位大师 代表作：

《大地之歌》分为六个乐章，歌词采用中国唐朝诗人李白、孟浩然、王维等人的七首诗。作品中既有对生活热情洋溢的高歌，也有对死亡恐惧的感怀，作品淋漓尽致地揭示了尽情享乐与预感死亡的矛盾和困惑

施特劳斯（Richard Strauss, 1864-1949）晚期浪漫主义的另一位代表

他是世纪之交最著名的德国作曲家，同时也是一位指挥家 他创作了大量的艺术歌曲，交响诗和歌剧

带有哲学意味的 死与精华（1896）：表现灵魂通过苦难而达到升华而完满 查拉图斯特拉如是说：是对尼采同名散文诗的音乐表现 带有叙述性和描绘性 蒂尔的恶作剧（1895）：表现德国民间传说中一个幽默的戏剧人物的故事 堂•吉诃德（1897）：表现塞万提斯的同名小说中的主要人物的故事

《莎乐美》（1903～1905），根据王尔德的独幕话剧改编，表现了圣经中莎乐美的故事。剧中，莎乐美是个年仅十六岁的妙龄美女，由于向约翰求爱被拒，愤而请希律王将约翰斩首，把约翰的首级拿在手中亲吻，以这种血腥的方式拥有了约翰。因此，莎乐美也被视为爱欲的象征词。施特劳斯的音乐与这个颓废的故事相一致，运用了高度的不协和音，新奇的节奏和富于色彩的配器。

19世纪与20世纪之交的音乐——法国音乐文化 弗兰克

法国作曲家、管风琴演奏家（1822-1890）他最著名的《d小调交响曲》、《A大调小提琴奏鸣曲》、《D大调弦乐四重奏》等，集中体现了他的创作特征；旋律气质不凡，表现力深刻，和声新颖，结构坚实协调。特别是“循环形式”的出色运用，可以说是他的独创。

圣-桑

法国作曲家、钢琴及管风琴演奏家(1835－1921）属于浪漫时期的法国一位多产的作曲家。他的作品对法国乐坛及后世带来深远的影响，重要作品有《动物狂欢节》、《死之舞》、《参孙与大利拉》。其创作技巧纯熟，作品数量超过一百七十部，几乎涉及每个音乐领域，旋律流畅，和声典雅，结构工整，配器华丽，色彩丰富，通俗易懂，但某些作品过于追求表面的华彩效果，质量不匀。

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德彪西

法国作曲家，音乐评论家（1862-1918）

他在三十余年的创作生涯里，形成了一种被称为“印象主义”的音乐风格，对欧美各国的音乐产生了深远的影响。第一次世界大战期间，他写过一些对遭受苦难的人民寄予同情的作品，创作风格也有所改变。代表作品

管弦乐曲: 《牧神午后前奏曲》(1894)、《夜曲》(1899)、《大海》(1905)钢琴曲: 《版画》(1903)、《意象》(1905和1907)

《前奏曲》(卷I:1910,卷ii:1913)室内乐: 《弦乐四重奏》(1893)、《大提琴奏鸣曲》(1915)

拉威尔

法国印象派作曲家（1875－1937）

拉威尔作为印象派音乐家则大大发展了印象派音乐的表现力，他喜爱喷射出五彩缤纷，光彩夺目的人造烟火，喜爱富于诗意的洪亮的声响。他既是乐曲形式的大师，又赋予音乐丰富的色彩，另外他严守维也纳古典乐派的戒律，而以独创的手法运用这些传统戒律来形成自己独特的音乐语言和作品形式。对于音乐的描述性，他主张不注重事物的外部，而是关注事物的本质和浓郁的色彩，并认为真正的诗不能是长篇大论，而是在于真正的感情。代表作品

歌剧《达芙妮与克罗埃》、芭蕾舞剧《鹅妈妈》小提琴曲《茨冈》、管弦乐曲《波莱罗舞曲》

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2.古典与浪漫的追忆教案 篇二

一、古典主义时期

最早中世纪教堂音乐仅限男性参与, 女中音声部都是由阉人歌手担任的。17世纪阉人歌手盛行, 他们在乐曲中加入大量个人即兴演唱, 过分的炫耀声乐技巧。18世纪的罗马仍禁止妇女在教堂里或舞台上演出。

到了维也纳古典主义时期, 人们开始崇尚自然, 女中音逐渐顶替了阉人歌手舞台的角色位置, 饰演了如男仆, 君王, 骑士男性角色。“穿裤角色”即女扮男装的演出在当时盛行一时。

例如格鲁克的《奥菲欧与优丽荻茜》。剧中男主角奥菲欧。咏叹调《世上没有优丽荻茜我怎能活》 (见谱例一) 。全曲音域从小字组的b—f2之间, 旋律表现主要在中低声区, 并三次出现主题音调, 很好地发挥了女中音声音深沉、含蓄、不过分沉重而又有力的抒情效果。

又如莫扎特的《费加罗的婚礼》中的男仆凯鲁比诺的咏叹调《你们可知道》 (见谱例二)

除以上两首外约翰施特劳斯《蝙蝠》中俄国奥罗夫斯基王子、古诺《罗密欧与朱丽叶》中罗密欧、理查.施特劳斯《玫瑰骑士》中的玫瑰骑士等都是由女中音扮演的。

二、浪漫主义时期

浪漫主义时期音乐风格逐渐多样化, 女中音也渐渐被重视起来。

浪漫主义早期音乐风格华丽。歌剧唱段中装饰性强, 花腔风格成为这一时期整体的艺术风格。花腔女中向人们展示了浓郁而又不失强烈的情感色彩的花腔风格。快速的乐句唱得响而轻快, 颤音唱得清楚干净, 连音唱的柔和有力, 在听觉上给人一种特殊弹性魅力。

罗西尼对浪漫主义早期歌剧的贡献巨大, 他明确的将装饰音明确标在谱面上, 并要求歌手严格按谱面演唱。例如罗西尼歌剧《塞尔维亚的理发师》中罗西娜的唱段《美妙的歌声随风荡漾》

此外, 同时期罗西尼的《灰姑娘》《意大利女郎在阿尔及尔》《湖上夫人》等歌剧中, 都有专门为女中音设置的角色及著名咏叹调, 其中花腔风格十分显著。

浪漫主义中后期音乐在题材、体裁、形式与风格上均不断创新, 作曲家们追求无限、强化和扩张的个性, 歌剧戏剧性明显加强。作曲家钟情于古代神话故事, 并赋予其借古喻今的功能;人们热衷于异国风情;表演者和观众越来越重视不同声部的声音色彩美。女中音自然、丰满、偏暗等独特的音色被作曲家喜爱, 很多以女中音位主角的歌剧诞生了。

比才歌剧《卡门》 (Carmen, 1875) , 女主角卡门是一位热情四溢、性格奔放, 敢爱敢恨的吉普赛姑娘, 女中音嗓音特色很符合卡门的性格。咏叹调《爱情像只自由鸟》 (见谱例四) 旋律优美、高低音跌宕起伏, 色彩丰富, 既唱出了女中音低声区的浑厚特点、又唱出了很有穿透力的华丽高音。

古诺歌剧《参孙与达丽拉》女主角达丽拉也由女中音演唱。著名咏叹调如:《我心花怒放》 (见谱例五) 、《爱情啊!来时我坚强》

浪漫主义晚期现实主义歌剧风靡, 女中音声部发展在继承传统的基础上更加追求对新作品的演绎。在现实主义歌剧的创作领域女中音被充分地开发着。威尔第的歌剧《阿依达》中的公主阿姆纳里斯、《游吟诗人》中的吉普赛老妇人阿祖切娜都是女中音形象的代表。

二十世纪以来涌现出许多著名歌唱家, 他们为女中音声部的发展做出了巨大的贡献, 如意大利的朱莉亚·拉弗利、尤亲尼亚、曼泰利, 德国的罗沙、奥利蒋卡, 美国的路易斯·荷马、英国艾迪斯·华克。

纵观女中音声乐发展道路, 古典主义前期这个声部由阉人歌手演唱, 盛行即兴炫技为主的华丽风格;维也纳古典主义时期女中音代替阉人歌手, “穿裤角色”出现, 抒情风格盛行;浪漫主义早期花腔风格盛行, 并且出现专为女中音声部写的花腔作品;浪漫主义中后期一些以女中音为主角的歌剧产生;浪漫主义晚期歌剧呈现出的夸张的现实主义的风格。

综上所述, 女中音这个特殊的声部, 在历经古典主义与浪漫主义两个时期的洗礼后不断得到完善规范, 逐渐发展走向成熟。

摘要：女中音声部的发展经历了漫长的历史过程。历经了古典主义与浪漫主义两个时期的洗礼, 女中音声部在歌剧舞台上无论从演唱风格、还是从角色演绎上都得到了完善与规范。

关键词：女中音,古典主义时期,浪漫主义时期,配角,主角

参考文献

[1]尚家骧.《西方音乐发展史》.[M].人民音乐出版社.2003:1

[2]尚家骧.《欧洲声乐发展史》.[M].人民音乐出版社.20035

[3]张筠青.《歌剧音乐分析》.[M].高等教育出版社.2004:1

3.谢楠　满怀爱心的古典与浪漫 篇三

去年年初的一天，当我偶然经过音乐学院的琴房楼时，一个熟悉的声音叫住我。回头一看，正是谢楠。两年不见，一次偶遇让人倍感亲切。“我刚刚回国，现在音乐学院管弦系任教。等回来开音乐会，一定请你来听。”今年岁末，谢楠终于以一场独奏音乐会“琴弦上的弗利亚”在中山音乐堂正式亮相。11月20日傍晚，我应邀聆赏，心中带着期待与疑问。“留学归来，她的演奏会有怎样的变化呢？”刚刚步入音乐堂前厅，手中接过的节目单令人眼前一亮。原来，举办这次独奏会还有着极为特殊的原因。谢楠在节目单的致词中写道，“我非常荣幸能够参与到中国贫困地区文化促进会和中国教育发展基金会发起的‘为了校园与心灵的重建’捐助计划，我为能有这样一个机会，用我的琴声，用我对音乐的热忱，为汶川地震灾区的学校捐助一个‘音乐教室’而感到骄傲。”这一次，谢楠不仅作为一位演奏家，而且是作为一位音乐大使登台献艺，为灾区的孩子们奉献自己的爱心。根据约定，音乐会的门票收入将全部捐赠“音乐教室”项目，让更多经历苦痛的儿童投入音乐的怀抱。

音乐会在当晚7点30分准时开始。伴随着观众热情的掌声，谢楠一袭素雅的长裙款步走上台来，脸上显露出自信而优雅的笑容。音乐会的第一首乐曲是意大利作曲家阿尔坎杰罗•科莱利根据葡萄牙“弗利亚”（La Follia）舞曲创作的《第十二奏鸣曲》。当那支著名的弗利亚主题从谢楠的小提琴中脱颖而出时，我的精神一下被这略带伤感的旋律吸引住，凝神静气地聆听后面的12段变奏。随着各段一一展开，谢楠的演奏可以用“典雅”二字形容。这一感受直接来自她对音质、音色的控制上。特别是装饰音和快速跑动走句，谢楠巧妙地把握住巴罗克器乐抒情与雕饰并举的审美特质，将音乐处理得轻盈、灵秀、富有想象力。由于当时的器乐曲与民间舞蹈联系紧密，她在演奏中特别注重乐曲的3/4拍律动，通过不易察觉的伸缩处理，呈现出地道的艺术风味。仅仅一曲，谢楠留学的成果已经初露端倪。

萨拉萨蒂《引子与塔兰泰拉》的主题一经出现，立刻带给人舒展、自如的愉悦之感。这位具有传奇色彩的西班牙小提琴家虽然身处浪漫主义时代，但无论作曲和拉琴都崇尚自然流露、至纯至美的古典风范。谢楠在演奏中充分抓住这一风格特点，自始至终以精确、灵活的演奏技艺对待引子和塔兰泰拉这两段互为映照的音乐部分，就像两人就共同的话题展开对话，尽管表达方式截然相反，却又潜藏着相同的睿智与幽默。欢快的跳弓将音乐的激情推向极致，让人们惊叹的目光定格于琴弓离弦的一瞬。那是何等的畅快淋漓，似乎只有谢楠一人才能理解这“轻松”背后的艰辛与挑战。

塔尔蒂尼的《魔鬼的颤音》将观众重新带回巴罗克艺术从属的时代。这是一部关于左手颤音技术的登峰造极之作，充分表现小提琴家对乐器的驾驭能力。尽管对这首作品早已耳熟能详，我却依然从谢楠的现场演奏中听出属于她个人的新意来。首先，她把乐曲中的多声部段落处理得极为细腻，对旋律之间的对比关系和音色平衡做了独到的分析和尝试。其二，便是对华彩部分颤音的合理把握。谢楠认为，颤音并非单纯的炫技和装饰，而是全曲的灵魂所在。因此，她对支声部颤音的演奏精益求精，对于各种技术难点都能从容应对。在她的心中，情感与韵味是音乐表现的核心目的，技巧仅是为了有效地实现它们，而非孤立地加以展示。

为小提琴和中提琴而作的《帕萨卡利亚》是挪威作曲家约翰•哈尔沃森的“复古”之作。它不仅向观众展示了定旋律变奏技术逐层深入的审美情趣，同时还使演奏者回复到巴罗克时代竞奏、角逐的生动情境之中。谢楠与苏贞两位演奏家的精彩演绎让我们充分体会到器乐重奏的古典之美，乐音中彰显结构，结构中诱发诗韵。这种理性与感性的平衡只有在对乐曲风格的合理把握中才能实现。有时，我只觉得她们正游戏于绝壁之上，失之毫厘则谬之千里。然而，完美的诠释就是对它的勇敢超越。谢楠用她的小提琴做到了这些，呈现给观众一个生动、和谐的音响世界。

如果说音乐会的上半场让人置身于古典主义的审美情景之中，那么下半场的曲目则把观众引向浪漫主义的时代。马斯涅的《沉思》是小提琴独奏曲中的经典之作。动人的旋律曾让初尝小提琴演奏的人们为之倾倒。谢楠将这首脍炙人口的通俗作品拿来演奏，着实体现出她音乐普及、艺术奉献的使命与情怀。“我演奏它就是为了那些承受苦难的孩子们的。希望通过这音乐表达我对他们的同情和顾念。”谢楠事后对我如此说，其中交织的爱与痛的情感自然清晰可辨。用一首小曲诠释爱的内涵，谢楠通过温婉而纯真的琴音表达着自己的心愿。

勃拉姆斯的《A大调第二奏鸣曲》无疑是下半场演奏的重头戏。谢楠将这首散发着家园般温暖的作品作为演奏曲目，带有着深刻的意味。“我们深知，艺术，特别是音乐，具有无可比拟的感召力量。它具有修复心灵的神奇作用，会帮助遭受心理创伤的孩子摆脱阴影，敞开心扉，接受人性光辉的洒落。”也许正是出于这个目的，谢楠特意将这首乐曲奉献给在场的观众，让大家共同沐浴在风雨过后的晨光中。在第一乐章里，谢楠充分发挥她所擅长的抒情性演奏，将两个主题演奏得流畅、洒脱，充满爱意。第二乐章中的两个主题段像回旋的舞者般轮番亮相，将音乐的情绪从平静引向活跃。尽管如此，谢楠自始至终保持着乐章沉静、和谐的情感底色，典雅之中孕育欢跃。在接近末尾的快板段里，谢楠与钢琴家黄亚蒙的合作达到近乎完美的境地。尽管飞快的速度已经令观众目不暇给，但是两人的配合却出奇地细腻、精确。乐曲的第三乐章以深沉而宽广的长线条旋律贯穿始终，引人陷入回忆和思索。与其他终曲乐章不同的是，这里没有辉煌的尾声，而只有意味深长的结论，仿佛生命的延续没有终点，只有段段坚毅的里程。谢楠的演奏中表现出一种伤痛，却又在最后的尾声中给人希望。或许，这也正是我们面临灾难的情感写照。

经过一番深沉的回顾，维尼亚夫斯基的《音乐会波兰舞曲》引领观众进入一个光彩夺目的景观世界。早在16岁时，谢楠就曾在波兰维尼亚夫斯基国际小提琴比赛中一举获得过“维尼亚夫斯基作品最佳演奏奖”。由于多年的积累，谢楠对波兰舞曲遒劲、昂扬的节拍韵律早已驾轻就熟。三声中部略带伤感的旋律更为她丰富的情感表现开辟了广阔空间。乐曲在琴弓的一路飞奔中直冲顶峰，其中彰显了演奏家的洒脱个性，令人畅快淋漓。紧接演奏的巴齐尼的《精灵群舞》延续了火热的音乐氛围。这首无穷动式的欢快舞曲展现了演奏家近乎完美的跳弓技术，使观众对她磨砺多年的技术成果叹为观止。浪漫主义的独奏音乐本就是技巧与情感的高度融合。谢楠对此早已有了深刻的领悟，如今又增添了一层睿智与幽默。演出最后，谢楠邀自己的专业学生一同登台，共同演奏了精彩的返场曲。师生的同台竞奏引起观众的欢呼与掌声，也再次点明了音乐会的举办主旨。为了灾区“音乐教室”的重建，谢楠和学生们将会共同努力，圆孩子们的一个音乐梦想。

整场音乐会上，谢楠用手中的小提琴诠释着古典主义与浪漫主义的音乐精粹，同时也用音乐书写了一个大大的“爱”字。爱音乐、爱生活、爱友人、爱生命，这正是谢楠通过音乐会努力传达的人生理想和艺术精神。苏联钢琴家斯维亚托斯拉夫•里赫特说过“我们如何衡量一位优秀的演奏家呢？除了超群的演技，就是看他（她）的音乐中是否融入一种执着的爱”。谢楠正是这样做的。她希望将一份爱心传递给每一个观众，每一个需要精神抚慰的儿童。“没有爱的音乐是干枯而乏味的，那样的音乐称不上是艺术品。”谢楠的话让我猛然意识到面前这位演奏家的艺术道路将会多么广阔。因为有爱，谢楠必将朝着更加辉煌的音乐之巅努力攀登，成就一番多姿多彩的艺术人生。

刘小龙 博士，北京大学艺术学院讲师

4.中国浪漫古典七夕情人节诗词 篇四

鹊桥仙(宋)秦观

纤云弄巧，飞星传恨，银汉迢迢暗渡。

金风玉露一相逢，便胜却人间无数。

柔情似水，佳期如梦，忍顾鹊桥归路!

两情若是久长时，又岂在朝朝暮暮!

迢迢牵牛星(梁)萧统

迢迢牵牛星，皎皎河汉女。

纤纤擢素手，札札弄机杼。

终日不成章，泣涕零如雨。

河汉清且浅，相去复几许。

盈盈一水间，脉脉不得语。

七夕(宋)杨璞

未会牵牛意若何，须邀织女弄金梭。

年年乞与人间巧，不道人间巧已多。

七夕(唐)窦常

露盘花水望三星，仿佛虚无为降灵。

斜汉没时人不寐，几条蛛网下风庭。

楚塞馀春听渐稀，断猿今夕让沾衣。

云埋老树空山里，仿佛千声一度飞。

七夕--啸之

一纸书成寄不成，远游长啸且徐行。

登峰日落天辽莽，踏岸江流月半明。

利欲功名似易水，家国儿女若浮萍。

5.古典与浪漫的追忆教案 篇五

传统与革新——从巴洛克风格到浪漫主义

教学目的：

①了解和感受外国美术发展中艺术流派、艺术风格与时代的关系。②了解并掌握外国美术中重要的艺术流派的主要特点。③进一步学习美术欣赏的方法。教学重点和难点：

重点是了解并掌握各流派的主要特点，对一些经典作品能够进行比较深入的分析研究，并能发表自己的看法。在作品赏析的基础上，引导学生在作品与作品，作者与作者，流派与流派之间做比较。在比较中，辨别异同，识别风格上的差异。

难点是涉及艺术流派比较多，对这些艺术流派形成的社会条件，要作比较全面、深入的了解。教学准备：课件 教学过程：

一、导入：

设问：17世纪欧洲为什么会出现巴洛克艺术？

二、新授：

1、通过课件了解文艺复兴后的社会现状。

17世纪欧洲强权扩张，掠夺海外殖民地累聚巨富，生活上提倡豪华享受，因此对建筑、音乐、美术也要求豪华生动、富于热情的情调。

17世纪的欧洲美术，是以巴洛克风格为代表。它服务于教会上层和贵族，为了宣扬宗教和满足享乐的欲望，不惜重金建造豪华宫殿、住宅，使其显得壮观和华丽。

2、引导学生鉴赏：贝尔尼尼的建筑《罗马圣彼得大教堂广场》和雕塑《阿波罗与达芙妮》和鲁本斯的绘画《劫夺吕西普斯的女儿》各有什么共同的艺术特征？

在雕刻和绘画中都充满了紧张的戏剧气氛。建筑大量使用曲线和椭圆形体现出丰富多变的构造，在绘画中强调光线。戏剧性、豪华、饱含激情和强烈的运动感是巴洛克艺术的主要特征。鲁本斯笔下的裸体，不论是男是女，都具有肌肉强健、体力充沛、动作粗犷、富于肉感等特点。这一特点始终贯穿在鲁本斯的一系列作品中。这是对人的生命力的积极肯定和歌颂。这一作品中的开阔有力的笔触与富有动感的线条，使画面洋溢着勃勃生机。热烈明快的色彩，抒发了画家的浪漫情怀。所有这些都集中地显示了巴洛克艺术华丽恢宏的一面。

指名说说委拉斯凯兹《宫女》的特色。

3、“荷兰小画派”：

著名的“荷兰小画派”：肖像画家哈尔斯、伦勃朗，风俗画家维米尔，静物画家霍达。他们的作品有什么艺术特征？（世俗性）

重点赏析伦勃朗作品。通过课件了解：

伦勃朗（1606年—1669年）是荷兰最伟大的画家。不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣。从而在美术史上享有崇高的地位。

伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭。受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受订货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他与富商小姐莎斯基亚结婚。自此至1642年他创作了许多肖像画，受到新兴资产阶级的欢迎。1642年他的爱妻病逝，后因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最终使他陷于困境，不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没停步。相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业公会理事》后，他的后妻和他唯一的儿

用心

爱心

专心 1 子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。

在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重。仅他的自画像，目前保存的估计总数在60幅至100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。课本所选的伦勃朗的《夜巡》一画突出地体现了他的这种绘画风格。

《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部订制的一幅群像肖像画。

4、古典主义和浪漫主义绘画

A、先通过播放古典和浪漫主义代表音乐来让学生感知流派特征。

指出：古典主义的萌芽，发生在巴洛克时代的意大利。后来由于在维也纳出现了海顿、莫扎特和贝多芬三人，借此古典主义音乐便得以形成。因此，音乐方面的“古典乐派”实际上指的是“维也纳古典乐派”。古典主义艺术，首先发生在文艺领域中，它以恢复希腊、罗马的古典艺术为目的，注重形式上的匀称和谐，主要放眼于追求客观的美。

浪漫主义音乐是古典主义音乐的延续和发展，贝多芬是古典主义音乐的终结者，也是浪漫主义音乐的先行人，浪漫主义音乐抛弃了古典音乐的以 旋律为主的统一性，强调多样性，发展和声的作用，对人物性格的特殊品质进行刻画，代表是舒伯特。浪漫主义音乐体现了影响广泛和民族分化的倾向，在法国出现了柏辽兹，意大利有罗西尼，匈牙利的李斯特和波兰的肖邦。浪漫主义音乐终结在瓦格纳和勃拉姆斯时代。

B、古典主义绘画的主要特征是，力求恢复古希腊、罗马古典美术的传统，多取材于古希腊神话和古罗马的历史故事，在艺术形式上，注重造型和对称、和谐的构图，追求单纯、庄重而又典雅的艺术风格,宣传一种理想化的崇高境界。在技巧上，古典主义绘画强调精确的素描技术和微妙的明暗色调。

三种不同的艺术倾向：

a、以普桑为代表的崇尚永恒和自然理性的古典主义。

b、以达维特为代表的宣扬革命和斗争精神的新古典主义。

c、以安格尔为代表的追求形式完美和典范风格的学院古典主义。结合相关具体作品理解： 建筑：

凡尔赛宫（1661年—1756年，勒沃、孟莎、勒诺特尔等先后设计）

原是法国王宫，在巴黎西南，是欧洲最宏大、最辉煌的宫殿，占地300公顷，集建筑、园林、绘画、雕塑之大成，集中体现了十七八世纪欧洲艺术和技术的成就。凡尔赛宫镜厅（1678年始建）

凡尔赛宫最豪华瑰丽的大厅，又称“镜廊”。由建筑师孟莎设计。整个大厅长73米、宽10米、高13米，室内用乳白和浅紫大理石贴面，廊柱则用绿色大理石贴面，柱头和柱础镀金，檐壁和各种花饰都用金色。厅的拱顶是由当时著名画家勒布伦绘制的巨幅油画，表现路易十四在位时的功绩。大厅一侧是17扇朝花园而开的巨大拱形窗门，另一侧则是17面落地大镜子，由483块镜片镶嵌而成，它把对面窗外的蓝天、园景映照在镜子之中，使室内显得更加丰富，“镜厅”之名则由此而来。当年厅内燃烧蜡烛时，几千支烛光经镜面反射，使大厅显得无比辉煌。此厅之所以如此豪华，因为这是宫廷举行大型招待会和国王接见外国高级使团的场所，相当于中国北京故宫的太和殿。绘画：

达维特《荷拉斯兄弟的宣誓》（油画，330×425厘米，1784年作，巴黎卢浮宫藏）

达维特（1748年—1825年）是法国大革命时期最杰出的画家、新古典主义美术的主要代表。古罗马历史题材的历史画《荷拉斯兄弟的宣誓》，有力地歌颂了古罗马人为了共和国的利益而勇敢地去格斗的英雄主义精神。

油画《荷拉斯兄弟的宣誓》，原是法国皇帝路易十六的订件，但达维特并没有按照统治阶级的意愿去画，而是赋予这一古罗马历史故事（罗马城和邻城阿尔巴交战，双方各派三兄弟格斗，以定胜负。而双方

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专心 2 之间有着姻亲关系。但是，代表罗马城的荷拉斯三兄弟毅然挺身而出，大义灭亲）以鲜明的主题──个人情感要服从国家的利益。画面上采用对比的手法，表现了这两种矛盾情感的冲突。中心位置上的荷拉斯三兄弟在出征前，从父亲手中接过武器并庄严宣誓；画面右下角的三兄弟的母亲、妻儿和姐妹则陷入个人的情感而感到哀伤，笼罩在一片忧虑和悲哀的气氛中。她们的行为反衬出三兄弟出征前的英雄气概，突出了画的主题。整个画面构图严谨、均衡对称，造型坚实，体现了新古典主义美术的重要特征。

安格尔《浴女》（油画，146×97.5厘米，1808年作，巴黎卢浮宫藏）

安格尔（1780年—1867年）是19世纪法国古典主义绘画的重要代表人物。他的绘画的主要特点是线条工整，轮廓准确，色彩明快，构图严谨，具有一种典雅的美。他一生画了大量作品，其中以肖像画、女性人体画和素描最为突出。

这是安格尔早期的代表作，但它已经清楚地显示出安格尔的艺术追求。安格尔年轻时就非常崇拜古典艺术。十五岁时他看到一张从意大利带回来的拉斐尔的《椅中圣母》的印刷品，激动得热泪盈眶。以后他就决心要创造一种符合古典原则的理想美。这件女性人体作品便是这种艺术追求的具体体现。画家以准确的线条、细腻的笔触，描绘出女性人体的曲线美，尤其强调女性人体背部的圆润与柔美。它给人的感觉是一种单纯的形体美的欣赏。当然，从中也看到了安格尔坚实的素描功底，简洁、流畅的线条所包含的韵律和音乐感。

C、浪漫主义是十八世纪末十九世纪初出现于德国和英国，十九世纪盛行于法国的一种文艺思潮。浪漫主义宗旨与“理想主义”相对立，主要特征注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。浪漫主义手法则通过幻想或复古等手段超越现实。法语的浪漫一词意味着感情丰富、多情善感。鉴赏：

席里柯《梅杜萨之筏》（油画，489×718厘米，1819年作，现藏巴黎卢浮宫）

席里柯（1791年—1824年），是法国浪漫主义美术的先驱者。他的《梅杜萨之筏》是一幅使当时画坛引起强烈争议的作品。席里柯以幸存者的叙述作为他创作的素材，并对尸体、重危病人等画中要描绘的场景画了许多写生，在此基础上完成了这一作品。描写筏上的幸存者突然见到远处一艘轮船时，挣扎着起来呼救的一刹那。席里柯通过上升的金字塔形的构图，有层次有节奏地把人们由死亡、绝望、痛苦挣扎升华到希望得救的激情上，激起观众的种种联想。加上森严的色调，强烈的光影对比，更增强了这一悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。但是，当时许多习惯于旧传统的美术家认为这是离经叛道的作品。当然，不久就证明，这幅作品为法国浪漫主义美术冲破古典传统的束缚开辟了道路。

戈雅《1808年5月3日的屠杀》（西班牙）（油画，266×345厘米，1814年作，马德里普拉多博物馆藏）

重点：德拉克洛瓦《自由引导人民》（油画，260×325厘米，1830年作，巴黎卢浮宫藏）

德拉克洛瓦（1798年—1863年）是19世纪法国浪漫主义绘画杰出的代表。他的艺术具有承前启后的作用。他把绘画艺术从学院派和古典主义的桎梏中解放出来。他的创作是以人民争取自由的题材、对于人物情感的深入刻画、大胆的构图和绚烂的色彩为主要特征的。他的《自由引导人民》一画是最具浪漫主义色彩的作品之一。

德拉克洛瓦在这幅作品中，大胆地将寓意象征和真实的现实生活场景很好地结合在一起。画中的主要人物是一个燃烧着战斗热情的象征自由的女性，她那强壮的手臂毫不费力地持着装有刺刀的步枪和法兰西共和国的三色旗。她虽然袒开胸部，但毫无温柔或淫荡之嫌。她那有力的双腿跨过街垒，冒着炮火，带领战士们前进。虽然这是一个象征性的人物，但画家把她塑造成一个活生生的人物。她身穿法国妇女的服装，只有她头上的那顶弗吉利亚帽（摹仿古罗马时期解放了的奴隶所戴的帽子，法国第一共和国时期曾以此作为自由的象征）和几乎是一种古典风格的人物造型，体现了她的寓意象征。她是法国人民争取自由精神的化身，正是她引导人民走向胜利。跟随她的人中有激昂的工人和市民等。她左侧的手拿双枪的少年，进一步突出了这次革命的广泛群众性。她右侧的面向画面中心比较突出的人物是一个资产阶级的绅士，他身穿流行的长礼服，头戴大礼帽，留着络腮胡子，手持滑膛枪。正是他所代表的资产阶级控制了这次革命。这次革命的结果不过是以波旁宗族中比较开明的一派势力代替了反动的波旁王朝的统治。在画面下方的阴影

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专心 3 里，受伤和即将死去的战士横卧在碎石中。一位战士目视着自由的化身。她既是他们的理想，又是他们战斗的动力。透过画面右侧的硝烟，人们可以看到远处巴黎圣母院的塔楼。争取自由的主题，强烈的激情，色与光相融合的对比，奔放有力的笔触，这一切就是这幅作品的主要成功之处。

吕德《马赛曲》（大理石，1270×600厘米，1833年—1836年作，巴黎大凯旋门）

吕德（1784年—1855年）是19世纪上半期法国最著名的雕刻家。安放在巴黎大凯旋门上的浮雕《马赛曲》是他不朽的杰作。这一作品原名《1792年义勇军出征》。它表现1792年法国人民在反抗普鲁士和奥地利等封建帝国的战争中，马赛的一支义勇军开赴巴黎参加战斗的历史事件。当时这支义勇军是高唱着一支斗志昂扬的军歌雄赳赳地开赴巴黎的。巴黎的市民们称这首军歌为《马赛曲》，1795年这首歌被正式定为法国国歌。吕德的这一浮雕也简称为《马赛曲》。这是一件结构严谨统一、人物情绪激昂奔放、运动感急速有力、极富艺术感染力的高浮雕。整个浮雕分为两层：上层是右手执剑、左手振臂高呼象征法兰西和民主自由的女神，下层的各种人物与上面的自由女神相呼应，并且突出男女老少万众一心，奋起保卫祖国的主题思想。它充分反映了法国资产阶级革命时期广大人民群众昂扬的斗争精神。它与德拉克洛瓦的名画《自由引导人民》具有异曲同工之妙。

三、总结：

古典主义和浪漫主义绘画分别有什么重要特征？

四、拓展：

上网搜索相关资料全面了解这一时期自己喜欢的画家或音乐家

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6.古典与浪漫的追忆教案 篇六

一、古典主义钢琴艺术的美学特征

古典主义时期钢琴作品具有乐观、明朗、流畅、优美的风格特征, 具有简洁的和声、严谨的曲式结构, 套曲中层次清楚、手法多样、变化丰富、对比鲜明等创作技巧。以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的古典主义时期钢琴音乐作曲家, 创作出的丰富多彩的古典主义钢琴音乐作品。在当时的艺术创作中, 理性精神是统摄西方文化和文明的绝对精神。正是在理性的指引下, 使人超出感官欲望, 用科学精神去探索问题, 看待事物, 把握本质和规律。人们对理性的崇拜达到无以复加的地步, 把社会的发展归结为理性的力量。在这种背景下创作的音乐艺术也无形中受到更多理性的制约, 规范的和声进行、标准的曲式结构, 感情的洪流被众多的规则所束缚, 我们在莫扎特的钢琴奏鸣曲中就感受不到他具有个性的情感抒发, 而情感对于人来说又是何等重要, 它是人的内在生命力的一种最直接的表现, 从某种角度说, 压抑情感就是压抑生命, 剥夺情感就是在剥夺人性, 而且古典主义音乐服务的对象主流上是少数的宫廷贵族权势。

二、浪漫主义钢琴艺术所蕴涵的人性关怀

在浪漫主义钢琴音乐强调激情, 重视直觉的背后, 浪漫主义钢琴音乐家所崇尚和追寻的音乐超然价值在钢琴作品中得以昭显, 其本质乃是以“情感”为焦点, 把音乐艺术的本质与人的本质紧紧联系在一起, 从而透露出更多人性的光芒。因为“无论历史上的人们对‘情感’这一概念作何理解, 总之, 情感必定要以人的存在为本原, 因此强调情感的重要性, 就是强调人的主体性。”浪漫主义钢琴音乐正因为具有了这种艺术作品中最本质的东西, 才创造出如此辉煌的钢琴艺术, 才具有了长久的艺术生命力, 这也是促进西方音乐艺术不断向前发展的根本所在。所以在浪漫主义者看来, 理性建立的世界是一个没有生命的死寂的世界, 声势浩大的理性化浪潮在宽宏无度的许诺和兑现物质进步的同时, 使人们丧失了一种原本具有的质朴和清纯, 它无法用理性精神下的文明进步来抵偿, 世界的本质也不能靠推理、论证来把握。为了找回人生的意义, 弥补价值的缺失, 必须加强对个人经验感觉和自然欲望需求, 只有这样才能在普遍理性化和世俗化的时代回归人的自然本性, 唤回人的真实情感。因为“人不仅在思维中, 而且以全部感觉在对象世界中肯定自己。”也就是说, 人不仅具有以理性来认识世界、改造世界的能力, 还需要把内心世界以对象化的方式表现出来, 从而确认自身的存在, 肯定自身的价值。如果说古典主义时代是一个理性创造的时代, 那么浪漫主义则是一个审美批判的时代, 浪漫主义正是在对理性的质疑和批判中产生的。

三、对浪漫主义钢琴艺术的美学新审视

而浪漫主义艺术正是建立在对人的感性存在和真实生命活动的认可与推崇基础之上的, 对比浪漫主义钢琴音乐与古典主义钢琴音乐, 我们可清晰地感受到它们之间的差异。古典主义钢琴音乐是严谨的、规范的, 体现着理性与情感的平衡与协调, 而浪漫主义钢琴音乐是自由的、无限的、夸张的, 它宣告了情感作为“最内在的自我”, 在理性的法则面前拥有了更加独立的地位。情感、直觉等感性因素注入浪漫主义钢琴音乐中, 使浪漫主义钢琴音乐散发出更多人性的光芒。

浪漫主义音乐把表达人的内心世界的情感冲突作为浪漫主义音乐的基本精神, 提倡对真实质朴情感的表现, 黑格尔在谈到浪漫主义音乐时说:“它的任务首先就是见于凭精微的敏感, 从既特殊而又符合显现外貌的普遍规律的那种具体生动的现实世界里, 窥探动它的实际存在中的一瞬间的变幻莫测的一些特色, 并且很忠实的把这种最流转无常的东西凝定成为持久的东西。”当我们聆听肖邦的夜曲, 舒曼的梦幻曲, 李斯特的狂想曲等浪漫主义钢琴音乐时, 感受到了内心情感的诗意宣泄, 钢琴音乐以感性力量触摸着人类的灵魂, 诱导人们从自然、本能的欲望中解放出来, 进入高尚、纯洁的精神境界, 人的主体性也在浪漫主义钢琴音乐的鸣响中得以彰显。

当我们认识到浪漫主义钢琴音乐的特质, 感受到它所蕴涵的人性关怀时, 也会对浪漫主义钢琴音乐的审美价值有进一步的认识和思考。当代西方人本主义认为, 传统的科学理性已经不足以认识整个世界, 尤其是不足以认识无限丰富复杂的精神文化世界;在人的精神活动中, 还存在一个远大于科学理性范围的“非理性”、“非逻辑”的心灵活动领域。因为“人是多维度的存在物:既是自然的、生物的、感性的存在物, 也是精神的、心理的、意向性的存在物;既是理性的存在物, 也是非理性的存在物;既是经济动物、政治动物, 也是文化动物;既是工具的制造者, 也是符号和象征的创造者”。只有当人的各种属性、各方面的活动、各种规定性、各种需要和价值都得到协调的和有机的发展, 才会有自由和全面发展的人。从人类的实践和发展的角度看, 感性乃是人的全面发展的必不可少的要素, 是现代健康人格的有机组成部分, 只有理性没有感性是危险的, 只有非理性没有理性是脆弱的。对人而言, 感性是比理性更为本源的一个因素, 理性实际上只是人们在社会中的一个“扮相”。完整的人格既需要有高度发达的理性, 也需要细腻的感性。

摘要：本文根据浪漫主义钢琴艺术所体现的审美特质, 剖析了浪漫主义钢琴艺术相对于古典主义钢琴艺术所蕴涵的人性关怀, 对浪漫主义钢琴艺术的审美价值进行了重新审视。

关键词：古典主义,浪漫主义,钢琴艺术,人性关怀,美学审视

参考文献

[1]周薇.西方钢琴艺术史.上海音乐出版社.2003年

[2]冯丹, 姚纯青, 张凯译.钢琴艺术三百年.西南师范大学出版社.1998年版

7.心路的委婉折射 古典的诗意浪漫 篇七

古典爱乐者众所周知，勃拉姆斯的生活际遇，感情经历都是很复杂的。从一个贫民乐师的儿子最终成为音乐大师，和舒曼夫人克拉拉柏拉图式的隐忍情怀，不可能不在他的音乐中反映出来。对于这部A小调弦乐四重奏，每个人听后都可能有不同的感受和理解，这是很正常的，无所谓正确与否。而演奏家的不同理解和感受也必然给这部乐曲带来不同的诠释。多年来，在怀着浓厚的兴趣反复聆听这部乐曲后，我也形成了自己的感受。总体上，我觉得这部乐曲的四个乐章是作曲家心路的委婉折射，在表达形式上，则具有古典的诗意浪漫。

这里，我不想从乐曲的结构，和弦等表现形式方面做复杂的可能也是枯燥的解析和探索，只想从一个爱乐者的角度形象地谈一点自己的直觉感受：简而言之，四个乐章可以分别理解为：叙述、回忆、梦幻、追求。首乐章伊始，小提琴即拉出了一个平缓、优美、委婉、深沉而又带着丝丝愁絮的主题旋律。接下来，中提琴和大提琴或呼应，或强调，或跟进，或伴奏，随着主题的反复，整个乐章时而平缓，时而激越，时而沉郁，时而庄重，时而温情，时而苍凉，参差错落，浓淡相宜，给人的感觉像是几个知己好友在叙述着自己的人生经历，而第一小提琴则始终主宰着这场谈话……这部乐曲的首乐章让我想起了鲍罗丁的第二弦乐四重奏的第一乐章。第二乐章一开始，小提琴在中低音部缓慢、优雅、略显哀怨而又娓娓动听的旋律立刻把人带入了回忆的氛围……在接下来的音乐中，我听到了哀怨，听到了隐忍，听到了执着，听到了无奈，更多的则是听到了温情的痛楚，感受到了一个高贵的灵魂在生活和感情的天平上艰难却是自觉地平衡着自己……在演奏形式上，不能不提到的是，中提琴、大提琴的伴奏形成的对位手法十分突出，恰到好处地表达了此乐章的主题氛围。第三乐章虽然标明的是“准小步舞曲”，但聆听全曲，给我的则是梦幻般的感觉……中提琴、大提琴奏出第一个动机后，小提琴在高音区的飘渺呼应使人立刻产生了梦幻般的感觉……梦是自由的！现实中很难或得不到的东西，梦里却可以尽情享受，乐曲中部那快速激情的旋律，小提琴高音区美好的憧憬似乎让我们看到、听到了勃拉姆斯内心深处隐忍着的无限激情……但是梦毕竟是梦，乐曲的结尾处，又回到了飘渺的境界……第四乐章一反前三个乐章的优美抒情，一开始就由小提琴在中高音部奏出了坚定的声音，中提琴、大提琴则给以结实的回应，整个乐章一直在这种坚定的主旋律中盘桓，只是到了结尾，呼应着前三个乐章的氛围，又出现了一段飘渺的旋律，最后，还是以快速的、坚定的声音结束了全曲。这里，我们似乎感受到了勃拉姆斯在现实中执着而坚定的追求……

古典爱乐者众所周知，勃拉姆斯虽然生活在音乐史上的浪漫主义时期，但它却是一个坚定的古典主义音乐形式的捍卫者。这部四重奏四个樂章的安排（第一乐章：从容的快板；第二乐章：有节制的行板；第三乐章：准小步舞曲-中板-活跃的小快板；第四乐章：终曲-不太快的快板）是典型的古典主义式的，而表达的内容，则更具浪漫主义特色。和直抒胸臆，淋漓尽致的泼洒激情的柴可夫斯基截然不同，勃拉姆斯的音乐充满了内敛的自省，特别是他的室内乐，更把这个特点发挥到了极致。听勃拉姆斯的音乐，我们往往要反复感受乐曲的深邃内涵，但让人欣喜的是，你一旦进入了勃拉姆斯的音乐境界，就如同进入了一座极其丰富的深山宝藏，个中喜悦和从容的激情只有真正进入者方能体会……