西方现代艺术美术教学设计

西方现代艺术美术教学设计（精选15篇）

1.西方现代艺术美术教学设计 篇一

西方现代植物景观设计有哪些方向?

西方现代植物景观设计中, 除了保留发展了以上7 类功能, 也舍弃了过去过于复杂的配置方式, 同时开始倾向于由一些特点突出的乡土或归化植物与其生境景观组成自然景色, 如在一些城市环境中种植一些美丽而未经驯化的当地野生植物, 与人工构筑物形成对比, 在城市中心的公园中设立自然保护地, 展现荒野或沼泽的景观，

20 世纪20 年代末期以后, 出现了一些植物群落及其生境完全模仿自然,且很少施以人工养护的生态园林( Eco logicalGarden) ，

例如1937 年詹森和赖特在美国春田城附近建造了具有草原风格的林肯纪念园。在管理方面尽量少加养护甚至不加养护, 经过一段时间后, 有的植物获得发展, 有些可能减少或被淘汰。

1990年, 法国景观设计大师吉尔克莱芒在动态花园一书中指出: 在自然中应留出一块净土, 人们不应克制它的自然演变, 这是理想园林的代表。我认为我是朝着这个方向努力的, 尽管要走的路还很长。克莱芒强调突出植物自然演变的属性是现代植物景观设计的一个方向。

2.西方现代艺术美术教学设计 篇二

为了培养推进洋务运动所需的人才,清政府派遣留学生赴日本、欧美等国家学习工业、机器制造技术和文化。受时代潮流的推动,一批热血方刚的美术青年陆续到日本或欧美国家学习西方美术创作的经验和知识。随着留学海外的中国美术学子相继回国,以油画为主的西洋画创作和教育模式也被引入中国。许多美术学校相继开设了临摹实物、石膏模型素描和风景写生课程。在时代潮流的推波助澜下,以油画为主体的西洋美术在中国获得前所未有的发展。土山湾画馆等机构或工场成为中国20 世纪早期传播西方美术、工艺美术创作经验和知识的另外一个中介。这些机构的木工、铜工、刺绣等实用美术科目教育活动的开展为中国早期设计艺术的发展奠定了基础。

一、西方美术以新式美术学校为基地的传播

西方美术在中国的传播起于16 世纪后期一些欧洲传教士的传教活动。他们远涉中国,带来了众多宗教题材的绘画作品,他们以中国的统治阶层为突破口,以“自上而下”的文化传教方式逐步改变着中国人的美术观念。此时,西方传入中国的绘画作品主要有油画、素描、水彩、水粉画、版画等。同时,不少从事外销画创作的广东民间画家(如18—19世纪的林呱)学习、借鉴西方写实绘画的表现手法并应用于艺术创作中,对宣传西方写实绘画、推动传统中国画的变革也作出了积极的努力。

在新文化潮流的推动下,以油画为主体的西洋画以新式美术学校为基地得到广泛传播。这些新式美术学校多以传授西方绘画为主,美术青年多以学习西方绘画为时尚,传统中国画被看作旧文化、旧艺术而备受冷落。当时人们对西洋画的理解比较简单,以为西洋画法即写实画法,以实物作为描绘对象,以逼真描摹实在物象为能事。然而,强调写生、推崇科学写实的方法固然有助于矫正传统文人画一味摹古仿古和任意涂写的弊病,却未能真正消除刻画模仿的积习,因而这一时期的西洋画创作和教学尚处于起步的阶段。

近代中国的留学潮流起于19 世纪中期。为了进一步推进洋务运动,清政府派遣留学生赴日本、欧美国家学习。以留学海外的中国美术学子为中介,以油画为主的西洋画创作和教育模式传入中国,这结束了此前国内美术发展徘徊摸索的状态。新的西洋画教学改变了中国传统绘画临习范本的方法,许多美术学校增设了画实物、石膏模型素描和风景写生等新课程。在时代潮流的推动下,以油画为主体的西洋美术创作和教育活动在中国获得了一定程度的发展。

水彩是较早传入中国的西方绘画种类。因为工具、材料简单,画法生动自然,有广泛的应用范围,并且与传统中国绘画有共通之处,所以水彩画在传入中国后发展迅速。早年学习西洋画的美术青年往往从学习水彩画入手。西方传教士在上海开设的土山湾画馆较早开始向中国本土画家传授水彩画技法,在中国绘画史上影响较大的任伯年、周湘、徐咏青、张充仁等人曾在此学习过。一些留学日本和欧美的中国画家也将水彩画技法带回中国,如活跃于20 世纪前期的水彩画家关广志早年曾在沈阳美专学习水彩画,毕业后曾在上海、北平等地从事美术教育工作。他于1931 年进入英国皇家美术学院学习水彩和水粉画,1934 年回国后先后在国立北平艺专、燕京大学、辅仁大学、北京大学、清华大学等学校从事水彩画教学。

20 世纪前期,西方美术在中国的传播过程中,日本和欧美国家起了举足轻重的作用。中国与日本是一衣带水的邻邦,有深厚的历史渊源,生活方式和文化环境有较多相通之处,因而日本成为19 世纪后期20 世纪初期中国学生留学海外学习西方文化的“首站”。20 世纪前期,中国众多美术家或有志于学习西洋美术的人士留学赴日本学习西洋画或访问日本、考察西洋画。

随着中国学子赴国外留学热潮的不断高涨,越来越多的中国学生前往欧美等西方国家学习美术。留学欧美的中国学生将所学的西方美术知识直接传入中国,避免了转道日本学习产生的弊病。这些早期留学、深受西方美术影响的艺术家中有不少人看好艺术设计行业未来的发展前景,积极投入到艺术设计或者艺术设计教育行业“,如中国早期接受西方美术影响的美术家周湘,曾开设私人美术学校,教授学生绘制照相馆和戏剧舞台的布景画;李叔同曾从事书刊的封面设计;李毅士留学英国期间曾从事广告、布景和报刊插图的绘制工作,回国以后他于1925 年创办上海美术供应社,供应各种美术用品,并提供广告制作,装潢设计等服务,他还开设培训班培养了多名实用美术工作者;黄潮宽留学美国,回国后在上海从事室内外装饰艺术和壁画绘制工作,他曾为上海证券交易所、南京中国银行和一些私人住宅绘制壁画;李有行曾留学法国学习装饰艺术,1931 年回国后在上海美亚印染厂从事织物设计;庞薰琹在巴黎留学时曾从事艺术设计活动,1930 年回国以后开办工艺美术社,承担广告和商业美术设计;1924 年在上海组织白鹅画会的潘思同、陈秋草等人都曾从事做报刊的美术编辑、为出版公司作书籍装帧、替商行绘制广告和月份牌画等工作;著名漫画家张光宇、叶浅予等人,曾在上海从事艺术设计,画月份牌画和广告画、作插图、配布景、设计纺织品图案和服装款式,30 年代初张光宇还曾为上海国际饭店创作壁画《龙女》;在中国画创作领域取得很大成就的画家蒋兆和、李可染早年都曾从事商业美术设计。此外,还有鲁迅对书籍装帧的关注,孙福熙、陶元庆、丰子恺、司徒乔、钱君匋等人的封面设计,闻一多的书籍装帧和插图设计,叶灵凤的书籍装帧和插图,张爱玲的封面设计和服装设计……”[1]100他们深厚的艺术修养、完成的艺术设计或商业美术作品以及对中国早期设计人才的培育活动为当时艺术设计的发展奠定了良好基础。

二、西方美术以教会学校及工场为基地的传播

此时,国内创办的多所教会学校及工场成为早期西方美术、工艺美术创作经验和知识在中国传播的另外一种重要载体。

清末,国内创办了多所教会学校及工场,这些机构成为中国早期传授西方美术技法的教育机构之一,其中土山湾画馆就是这一时期不得不提的一个教育机构。土山湾画馆成立的初衷主要是以满足传教活动的需要为目的,培养宣传宗教所需的美术人才、制作宗教美术作品,其学徒的日常工作除了摹画圣像外,还需要学习水彩画、铅笔画、木炭画、油画、版画等。它是中国本土成立较早、传授西方美术的教育机构,同时也是具有商业色彩的美术工艺作坊。画馆的经营活动除了临摹欧洲油画名作用于出售以外,还制作彩色玻璃画制品,此项工艺的操作技巧由毕业于法国工艺美术学校的法国传教士向画馆招收的学徒传授。他们生产和制作的各种工艺制品行销海内外。光绪三十三年(1907)土山湾画馆出版的《绘事浅说》、《铅笔习画帖》等书也成为中国较早出现的新式美术教科书。

土山湾画馆培育了以任伯年、徐咏青、周湘等为代表的一大批近现代闻名的画家和美术家。20 世纪初,出身于土山湾画馆的一批画家,曾经组织“加西法”画室,以非宗教的民间美术团体的形式传授西方绘画技法,上海不少出版机构如商务印书馆、中华书局,以及许多广告公司和彩印公司中不少从事商业美术的画家出自其门下。许多出自土山湾画馆的画家脱离了宗教美术的影响,吸取中西方艺术的营养,融合中西方画法,从事商业美术创作,绘制舞台布景、照相布景和广告画等,形成了中国美术与设计新的风气[2]。据统计,到光绪三十一年(1905)耶稣会在中国开设的学校中工艺学堂已有七所。关于教会机构开设的工艺美术科目,仅南京就有木工、铜工、织布、造毯、编席、制褥、刺绣等科,这些实用美术科目教育活动的开展为中国早期设计艺术的发展奠定了基础。

以类似的教会学校、美术学校、图案社、工艺美术社和工商企业为基地,中国的早期设计艺术追随着世界设计艺术发展的潮流。设计家们在承接设计项目的同时培育相关设计人才。在上海这样的工商业发达的城市里,从19 世纪末西方的新兴艺术如“后印象派”、“表现主义”、“装饰艺术运动”的传入,到20 世纪初西方现代设计艺术为更多中国艺术家所了解,西方现代设计艺术的影响逐渐强烈起来[3]77。

三、西方美术对20 世纪早期中国设计艺术的影响

西方绘画造型观念的传播对20 世纪早期中国设计艺术的影响主要体现在书籍装帧和月份牌广告两方面。书籍装帧设计以陈之佛、孙福熙、闻一多等为代表,月份牌广告则以郑曼陀、徐咏青、杭穉英等为代表。书籍装帧方面,曾留学日本、学习图案的陈之佛为《东方杂志》设计了大量封面,使它能摆脱旧的时政报刊的特点,开创了中国现代综合性杂志的新面貌。曾于1920 年赴法国学习美术的孙福熙,1925 年回国后在书籍装帧方面也取得了杰出的成绩。他的《山野拾掇》、《归航》等设计采用水彩画、水墨画的表现方法,别具一格。1922 年闻一多赴美国芝加哥美术学院学习,1925 年他回国后任教于国立北平艺专。他的代表作《对镜》(为潘光旦《冯小青》画的插图)考虑了此书的悲剧情节和女主人公冯小青的悲惨命运,以中国古代的线描和西方绘画的造型手法恰到好处、入木三分地刻画了一位命运坎坷、精神抑郁的女子形象。在以陈之佛、孙福熙、闻一多等为代表的画家设计师的努力下,到20 世纪30 年代,中国的书籍设计已经有了较大进步。

西方绘画造型观念对月份牌广告的创作思路、构图、内容、表现技法的产生与发展均产生了举足轻重的作用。使“月份牌”画脱离中国传统工笔画和民间木版年画的痕迹,开创新风格的画家郑曼陀,之所以能首创擦笔水彩画法,原因在于他既有中国传统工笔画的基础,又曾接受西画人像造型训练,能将两者有机结合。设想如果没有中国20 世纪早期教会学校、美术学校等机构对西方绘画造型观念的大力传播,设计家和画家们就无从汲取西画技法的营养,更遑论擦笔水彩画风格的出现。对曾占据20 世纪早期月份牌广告市场“半壁江山”的杭穉英来说,若没有在上海商务印书馆跟随徐咏青、接受西方绘画造型训练的经历,他对擦笔水彩技法的改进和完善操作起来会比较困难。

随着时代的进步,科技的发展,中西方的文化交流不断地加强。与此同时,跨越中西方的不同思维方式,中国设计师以一种兼收并蓄的态度进行设计成为有意识的追求,而前往不同国家留学学习设计也意味着更多元化的选择。20世纪早期,以油画为主体的西洋美术在中国的传播有力地推动了中国早期设计艺术的发展。

参考文献

[1]桂宇晖.包豪斯与中国设计艺术的关系研究[M].华中师范大学出版社,2009.

[2]例如土山湾画馆出身的徐咏青以画水彩风景画闻名。徐咏青小时被上海天主教堂土山湾孤儿院收养,后来在孤儿院内图书馆学习素描,油画及水彩画,经过多年以来在土山湾画馆画圣像,徐咏青掌握了扎实的西画基础。通过徐咏青等一些土山湾画馆画家与上海当地画家的交往,水彩画技法很快传播开来。徐咏青擅长水彩风景画,曾与郑曼陀合作,由郑曼陀画人物,创作了许多颇有影响的月份牌画作品。

3.西方现代艺术美术教学设计 篇三

[关键词]西方现代艺术；设计理论；启示

引言

西方现代艺术设计在经历了一个世纪的发展中对西方国家的社会生活产生了巨大的影响，这种影响不仅表现在社会物质环境的变化，而且体现在人们意识形态的转变。相比之下，在现代设计发展较晚的中国，自然会以西方设计作为学习的参照。国内曾有很多学者对西方现代设计进行多方面的研究，从早期的现代建筑到后来的现代工业产品和平面设计，他们对现代设计有各自不同的理解和认识。

1、现代艺术的定义

纵观艺术发展的历史，我不得不说现代艺术是一种行为，传统的艺术是一种简单的再现行为，而现代艺术实际上就是一场“挑衅”，一场带有自己主观感情的挑衅。（大多数现代艺术艺术家创作时是把自己的感情用不同的形式表达出来，所以不注重再现，而只是更多的表现自己的情感。）是对过去一种艺术流派的挑衅，批判和否定。墨守成规对现代艺术来说是一种大忌。勃雷东说：“当形式不能向社会挑战、不能搅动社会、不能激发社会去思考、不能去揭露社会落后的时候，或者说，当形式不与旧形式决裂时，就没有真正的艺术。”一种艺术流派的“灭亡”意味着另一种艺术流派的“再生”。但是艺术能否这样循环往复，以至无穷？这是个谜，要靠自认为“时代先锋”的艺术家们不断地努力。新的流派的产生，有时不免有些矫作之嫌。那么，作为欣赏着的大众来说，是否会跟不上这些革新？现代艺术注重的是一种过程，艺术家在艺术行为的过程中，注入了自己的感情表达，是内心情绪的写照，他们觉得创作的过程是很美妙的事情！但对于欣赏者只能看到作品，无法体会那种创作过程中的美妙。以波洛克的抽象表现主义作品为例，作为欣赏者来说，很难体会到作者当时的迷狂的感觉，感受到的只能是作者用笔的力度、色调。

2、现代艺术的意义

现代艺术发展至此，更加关注精神的象征，而不是只模仿自然的和谐，实现了艺术语言的革新和对文化传统的批判。简单说来，既造成了人们视觉革命的冲击，又挑战了官方学院派和社会大众的接受能力。现代艺术是人们视觉领域创造力的一种释放。它的形式也是越来越丰富多彩，但各种新的形式的出现，也使人们对它的理解越来越困难，这也出现了不可忽视的问题。大约在50年前，西班牙哲学家奥格托可格塞特说过：“从社会学观点讲，当代艺术的特征是把公众分为两种人：懂得它的人和不懂得它的人。”如果考虑到公众对艺术家己经做出的和正在做出的一切不同反应，便会发现，这一论断至今还有着强烈的社会现实性：公众的表面热衷与内心的拒绝。此外，艺术史学科中出现很多流派，出现许多研究方法，如果在学术上观点一直保持过度一致的话，会导致研究方法的单调和创作缺乏活力，从这种程度上来讲，现代艺术丰富了艺术史等相关学科，人们的视野宽阔了，引进新的方法是必要的，而不是单纯的形式的变化，新的理论和方法会使整个学术向前发展。但是，有些现代艺术家们没有把自己的角色扮演好，他们一直企图”创造”艺术史，用着十分机械的方式，而不是去创造艺术品。只是不断地去更新艺术的外观、形式，而没有创造出内容丰富的艺术品。艺术家应该在所处的时代，创造出自己时代的精华，去表达一种思想，去传递一种感情，而不是为了创造艺术史而去破坏之前的艺术流派，去攻击别的艺术门类。从某种意义上来说，现代艺术史的工作者或艺术家们对于科学或者艺术具有强烈的攻击性和排他险。他们新颖大胆的艺术创作方法、强烈的言辞总是不断地攻击正统的学术堡垒，从而制造一起起的“艺术事件”。

3、现代理论对于西方现代艺术设计理论研究的启示

3.1对现代艺术设计理论发展规律的启示

从现代化发展的特点和规律中我们可以了解现代设计理论发展的社会大环境，这种环境中产生的设计理论必然具有以下规律：

（1）现代设计的发展是个漫长而复杂的过程。技术的进步，制度的变革，经济的发展必然引起人们思想行为和价值观的变化，这些变化通过社会生活各方面逐渐影响设计理论的演变 ，而这种演变是需要漫长和复杂的相互作用的过程。（2）现代设计发展是个革命性的进步过程。随着人类社会生活方式的改变，活动空间的扩大，设计理论的内容和范围早已超出以往人类的认知范畴，它给人类带来的物质和精神享受远超出它的负面影响。（3）现代设计的发展多元化和趋同并存。不同国家不同文化历史使得他们对设计的理解各有千秋，然而西方发达国家中产生的现代设计在很长一段时间里引领世界各地设计发展的方向。（4）现代设计理论发展是个阶段性和系统性的过程。不同阶段有不同的主流设计理论，而不同阶段的设计理论之间又相互联系，相互影响，推动着设计理论向前发展。

3.2对现代艺术设计理论研究内容的启示

艺术设计是一门交叉性学科，其理论同许多学科如经济学、哲学、心理学、创造学、社会学、工学、美学、仿生学、科学技术、信息学、教育学等学科既密切联系又存在区别。而现代艺术设计必然与现代化过程中的社会环境、经济环境、政治环境、科学进步等因素紧密相关，其他学科的理论也会影响和改变现代艺术设计理论的内容。这里我将理论分为基础性理论和应用性理论。前者需要从哲学、社会学、人文学、美学等角度宏观地有深度地理解艺术设计，它更多探讨价值性、本质性、原理性、伦理性、观念性问题。而应用性理论是从工学、創造学、科学技术、信息学等角度，依托于具体的设计案例，从微观入手，系统地整合设计知识、程序和方法。此外，现代社会的特征如社会工业化都市化，宗教世俗化教育普及化等都会潜移默化地渗入到艺术设计中，改变着艺术设计的对象、审美观和社会责任性。

3.3对现代艺术设计理论的哲学探讨的启示

从现代化哲学层面的研究，我们可以看到现代设计理论研究中不仅要对各时代学者们的设计观点进行梳理，对各种理论之间的相互关系进行探讨，同时还要从现象中寻找现代设计的本质和规律，了解设计案例背后的连贯性动机或综合性行为，认识到现代人的特点。我们不仅要考虑现代设计应该为人类提供的社会知识和生活质量，它们对人们的世界观和价值观的影响和对现代人精神气质的塑造，同时从现实角度分析设计人的生存状态和创作心态；思考设计面对人类的态度，在追逐时代步伐的同时如何推动人类的进步。

结语

综上所述，通过本文的阐述可以发现对于现代设计时间、概念的不同说明其产生的社会背景的复杂性，这就需要我们在进行现代设计理论研究之始，首先要深入了解现代设计产生的大环境，以及当时的社会事件、社会演进，从不同学科角度来认识“现代”的概念，从而更好理解和学习“现代艺术设计”。

参考文献

[1]童星，崔效辉.“现代化”概念及其内涵[J].江苏行政学院学报，2004，04：53-58.

[2]杨多贵，牛文元，陈劭锋.现代化内涵、指标与目标的新探讨[J].学术探索，2001，04：19-21.

4.西方现代艺术美术教学设计 篇四

第一讲 绪论

一、艺术与观念

1，观念在艺术与生活之间的中介作用。2，观念与审美价值的关系。3，观念与艺术家的创作。4，观念与艺术目的的多样性。

二、西方艺术观念的源头

1，希腊神话传说：第一层面：后代艺术题材的来源。第二层面：内在精神。2，基督教文化：第一层面：后代艺术题材的来源。第二层面：基督教神学的影响。

三、西方艺术的基本特点

1，崇尚以理性为基础的模仿原则。2，追求以人类共性为基础的普遍性。3，以表现美为艺术的最高追求。4，以崇高、典雅、庄重为典型风格。

第二讲 西方艺术的起源

一、原始艺术

1，旧石器时代：a，分期：早期，中期，晚期；b，社会：母系氏族，巫术观念，图腾崇拜；c，文化：格拉夫特文化，奥瑞纳文化，马格德林文化，卡普萨文化。2，新石器时代：农牧业为主，社会组织化，地中海东部，法国，西班牙，葡萄牙，英国，北欧，非洲，陶器，巨石纪念碑。

3，原始时期：金属石器混用，磨制石器，铁器，家用物品，装饰工艺品。

二、埃及艺术

1，概述：a，农业民族，前1700年独立，前1000年后被亚述征服，前525年被波斯国王甘比西斯占领，前4世纪成为马其顿的一个省，前39年罗马人入侵；b，历法，1 书写术（象形文字）；c，法老，斯芬克斯，尼罗河，亚历山大大帝。

2，分期：a，前王朝时期；b，古王国时期；c，中王国时期；第二骚乱期；e，新王国时期；f，衰落时期。

3，艺术状况：a，建筑；b，雕塑；c，浮雕与绘画；d，工艺品。

4，艺术观念：a，模仿性；b，追求永恒和不朽；c，遵循神圣化和程式化原则。5，影响：a，埃及艺术与希腊艺术的关系；b，艺术在埃及社会里的作用。

三、美索不达米亚艺术

1，概述：a，“美索不达米亚”的含义；b，闪米特语族；c，民族熔炉。

2，历史分期：a，苏美尔乌尔第一王朝；b，阿卡德王国；c，库提人入侵时期；d，乌尔第三王朝；e，古巴比伦第一王朝；f，亚述帝国；g，新巴比伦王国。

3，艺术精神：a，崇尚财富与武功；b，突出的抽象才能；c，书写艺术；d，程式化和变形；e，建筑。

四、爱琴艺术

1，概述：a，施里曼和伊文思的发现；b，爱琴海沿岸，伯罗奔尼撒半岛；c，克里特人；d，希腊人。

2，米诺斯艺术：a，约前4000-前1400年，兴盛于克里特岛；b，制陶和金属制造，建筑；c，表现主义；d，埃及在文化上对克里特的影响。

3，迈锡尼艺术：a，继承克里特文化；b，巨石堆积式建筑，陵墓，装饰艺术。4，小结：a，重新审视前人的看法；b，西方来自东方；c，破除欧洲中心主义观念。

第三讲

西方古代艺术

一、希腊艺术

1，概述：a，亚该亚人，赫楞人，雅利安人；b，城邦制，崇尚中庸和谐，追求闲适，生活简朴；c，建立“秩序”；d，希腊文化建筑在埃及人所确立的基础之上。2，艺术分期：a，古风时期；b，古典时期；c，希腊化时期。3，三种艺术风格：a，多立克式；b，爱奥尼亚式；c，科林斯式。4，艺术观念和变化：a，人本主义；b，理想主义；c，理性主义。

5，希腊化时期的观念：a，斯多葛主义；b，伊壁鸠鲁主义；c，个人主义；d，写实主 2 义；e，经验主义。

6，影响：a，以人为本；b，崇尚理性和崇尚简朴；c，希腊文化出自东方。

二、罗马艺术

1，概述：a，罗马，伊特鲁斯坎人；b，前509-前1世纪中叶为共和国，前196年征服马其顿，50年后将希腊作为属地，三次与迦太基的战争，前30年吞并托勒密，395年罗马分裂，476年西罗马灭亡，东罗马定都拜占廷，至1453年。2，艺术状况：希腊艺术的入侵；公共建筑；追求华丽、力量和实用。3，观念与变化：a，组织化；b，功利主义。

4，影响：a，巩固和发展了人本主义和理性精神；b，创造“罗马式”艺术；c，古典主义的主要内容存在于罗马风格之中；d，罗马之“门”。

三、中世纪艺术

1、概述：a，基督教世界；b，日耳曼诸部族；c，几件大事：十字军九次东征，骑士制度，城市的兴起。

2，艺术形式和分期：a，样式：建筑，绘画，雕塑，装饰，细密画；b，分期：早期基督教艺术，基督教胜利后的艺术，加洛林、奥托艺术，晚期哥特式、拜占廷艺术。3，三种艺术风格：a，拜占廷式；b，罗马式；c，哥特式。

4，观念的演变：a，神秘主义和独裁主义；b，禁欲主义；c，哥特式艺术的观念。5，影响：a，纯粹欧洲艺术的摇篮；b，精神追求的至上性；c，艺术技巧和形式的成熟。

第四讲

西方近代艺术

一、文艺复兴艺术

1，概述：a，起因：城市兴起，十字军东征，地理大发现，市民阶级，商品经济；b，关于再生与复兴；c，关于人文主义；d，分期：佛罗伦萨，罗马，威尼斯，北方。2，艺术及其观念：a，中世纪晚期的自然主义，方济各基督凡人论；b，佛罗伦萨文艺复兴：科学自然主义，个人主义；c，罗马文艺复兴：人文主义；d，威尼斯文艺复兴：地方风格主义，学院风格主义，自由风格主义。

3，北方的文艺复兴艺术：a，德国：丢勒，荷尔拜因；b，尼德兰：凡爱克，勃鲁盖尔。4，评价：a，为资产阶级在文化、艺术领域的崛起开辟了道路；b，奠定了西方近、现 3 代思想、观念、艺术的基本格局；c，继承、恢复传统多于创新。

二、巴洛克与17世纪艺术

1，概述：a，现代民族国家的成熟；b，文化背景：反宗教改革运动，君主政体的巩固，科学发展和探索地球；c，关于“巴洛克”；d，时期划分。

2，有代表性的艺术家和画派：a，意大利：卡拉瓦乔；b，贝尼尼；c，鲁本斯；d，委拉斯开支；e，荷兰画派；f，学院派：普桑。

3，艺术观念：a，反宗教改革的神秘主义；b，贵族巴洛克的专制主义和学院主义；c，资产阶级的巴洛克；d，巴洛克理性主义。

三、洛可可与18世纪艺术

1，洛可可艺术：a，“洛可可”的含义；b，起源；c，特征。2，有代表性的艺术家：华托，布歇，夏尔丹，弗拉戈纳尔。

3，新古典主义与学院派：a，起源；b，代表性艺术家：英国的雷诺兹，庚斯博罗；法国的大卫，安格尔，雕塑家乌顿。4，新古典主义与考古学的观念。

四、19世纪艺术

1，启蒙运动：a，“启蒙运动”的含义；b，启蒙运动的影响和表现；c，启蒙运动的精神；d，重要的知识分子：狄德罗，伏尔泰，卢梭，巴赫。2，狂飙突进运动：a，产生；b，精神。

3，浪漫主义的代表性艺术家：戈雅，席里柯，德拉克洛瓦，吕德。

4，浪漫主义的艺术观念：a，艺术联姻和色彩主义；b，浪漫的个人主义和民族主义；c，逃避现实；d，复兴过去；e，回归自然；f，异国情调。5，现实主义的代表性艺术家：杜米埃，米勒，库尔贝。

6，现实主义的艺术观念：a，艺术与科学联姻；b，持续的波动。

7，其他重要的艺术和艺术家：a，拉飞尔前派：亨特，罗塞蒂，密莱司；b，巡回展览派：克拉姆斯柯依，列宾，苏里柯夫；c，罗丹；d，英国风景画：透纳，康斯太勃；e，柯罗；f，巴比松画派：米勒，卢梭；g，列维坦。

第五讲 西方现代和后现代艺术

一、现代主义艺术

1，现代艺术的基本倾向：a，反对传统的艺术观念和艺术表现手法；b，反理性和写实传统；c，对“原始性”的向往和追求；d，对“偶然性”的追求；e，“观念化”的倾向；f，对艺术技巧的否定；g，反普遍性，追求个性；h，反对以美为艺术的最高追求；i，不断探索艺术表现的新形式。

2，现代艺术的思想基础：人本主义；个人主义；自由主义；唯意志论；不可知论；存在主义；情感至上主义；非理性主义；生命哲学。

3，转折：a，印象主义：马奈，德加，雷诺阿，莫奈，毕沙罗，西斯莱；b，新印象主义：修拉，西涅克；c，后印象主义：梵高，高更，塞尚；d，野兽派：马蒂斯，弗拉芒克，马尔开，杜飞，德兰；e，表现主义：康定斯基，蒙克。

4，突破：a，立体主义：勃拉克，毕加索；b，未来主义：马利奈蒂，波菊尼，巴拉，卡拉；c，超现实主义：米罗，达利。

5，泛滥：a，达达主义：杜桑；b，各种抽象主义：新造型主义，行动画派，光效应艺术，概念艺术，极少主义，构成主义，抽象表现主义；马列维奇，蒙德里安，杜波飞，波洛克。

6，反动：波普艺术，具体艺术，超级现实主义，环境艺术；西格尔，克里斯托。

二、后现代主义艺术

1，概述：a，两个视域：历史与文化；b，词语：现代，现代化，现代性，现代主义，先锋派；c，两种现代性和现代主义。

2，思想基础：法兰克福学派对后工业社会的批判；解构主义、后殖民主义、女性主义的等颠覆；哈贝马斯重建理性的努力。

3，现代主义与先锋派的特征和差异：a，现代主义的特征；b，先锋派的特征；c，二者的共同性与差别。

4，后现代主义的特征：解构与颠覆；美学的泛化；实质与外表的分离；媒介的操纵；时空的压缩与转换。

[主要参考书目] 1，[德]格罗塞《艺术的起源》，蔡慕晖译，商务印书馆1984年版。2，[美]房龙《人类的艺术》，衣成信译，中国和平出版社1996年版。3，[德]温克尔曼《古代艺术史》。

4，[德]莱辛《拉奥孔》，人民文学出版社1982年版。5，[法]丹纳《艺术哲学》，人民文学出版社1981年版。

6，[法]让-皮埃尔·韦尔南《希腊思想的起源》，秦海鹰译，三联书店1996年版。7，丹尼斯·哈伊《意大利文艺复兴的历史背景》，李玉成译，三联书店1988年版。8，《剑桥艺术史》，钱乘旦、罗通秀等译，中国青年出版社1994年版。9，[英]罗素《西方哲学史》，何兆武等译，商务印书馆1981年版。

10，[德]马克斯·韦伯《新教伦理与资本主义》，于晓等译，三联书店1987年版。11，[苏]兹拉特科夫斯卡娅《欧洲文化的起源》，陈筠等译，三联书店1984年版。12，[英]柯特勒尔《爱琴文明探源》，卢剑波译，四川人民出版社1985年版。13，[美]房龙《人类的故事》，刘缘子等译，三联书店1988年版。艺术的目的（第4页）；艺术的普遍性（第2-3页）；希腊与埃及（第26页）；艺术与地理（第30页）。14，[美]罗伯特·路威《文明与野蛮》，吕叔湘译，三联书店1986年版。

15，[苏]罗塞娃等《古代西亚埃及美术》，严摩罕译，人民美术出版社1985年版。16，[法]巴赞《艺术史》，刘明毅译，上海人民美术出版社1991年版。

17，[英]迈克尔·列维《西方艺术史》，孙津等译，江苏美术出版社1987年版。18，[埃及]阿拉姆《中东艺术史》（古代），朱威烈等译，上海人民美术出版社1985年版。

5.《中西方数字文化差异》教学设计 篇五

二、教学重点

nine、ten、twelve、thirteen、one在中西方文化中hundred and eight的内涵。

三、教学过程

1、导入

我们已经学习了数字一、二、三、四、五、六、七、八在中西方文化中的不同含义。本节课我们继续学习数字九、十、十二、十三、一零八在中西方文化中的不同含义。

2、自读课文找出。

3、小组探讨，核对答案。

4、提问检查，教师补充讲解。

作业

写出与数字13、108有关的中西方典故。

教学反思：

6.西方现代艺术美术教学设计 篇六

【摘要】这是从一门关于西方现代艺术和西方当代艺术的区别的课上得来的听后感之类的文章，西方的艺术评论家对他们的艺术史的时期如数家珍，界定也明确无比。但对于中国的很多艺术家和艺术学生却很难有个清晰地头绪，这是环境、教育、历史等等因素的结果。纵观当今东西方艺术，客观分析后畅想未来，有感而发。

【关键词】艺术;体系;中心;教育;发展

一

做为中国一个美术院校的学生，凭自己就把西方当代艺术和西方现代艺术分清楚实在太难了。这种可能性不是一味靠在学校刻苦研究就能实现的，毕竟你要研究就得有研究的材料，这一点，国内可能不完全具备。另外，即使从学校的老师那儿聆听训诲都未必能听到，因为对西方艺术史的脉络清晰的，在西方取到真经的“唐僧”毕竟也是少数。而在他们，大概以为这基本的常识性的艺术史和脉络是不需要自己再多此一举地讲说一番的罢。中国的院校课堂上不是有专门的美术史课程吗?自己且做好自己份内的事，没必要掺和这一脚罢。他们似乎是从发展脉络清晰的`奄奄一息刻板的西方艺术体系逃回了不成体系的却蓬勃待发(至少是待整理且皆有可能)的中国现当代艺术体系。

然而中国现在的艺术体系和脉络完全是属于自我整合阶段，也一心想跟西方艺术接轨，但舞弄了半天，似乎也没接上，倒是搞得个的热闹非凡——什么主义都有，而有的主义在西方已经进了坟墓,只留下几个名子在艺术史上写着，并把几件作品陈列在美术馆里作为纪念，这都是宣告XX主义的死亡，因为有新的 XX主义发展替代了它。然而在中国，你会看到在西方已死的XX主义还在挣扎，甚至有起死回生的嫌疑，只是转移了阵地的感觉。各种死亡的西方XX主义在中国这片广袤无垠的红土地上生根茁壮，开花结果。虽然说是玩儿别人玩儿剩下的，倒也自得其乐。一片红火光景。像一个派对，奇怪而有魅力。

造成这种现象的原因有很多。首先中国的国民性中有“拿来主义”的根，你玩儿我也玩儿，大家一起玩儿。听起来这是个玩笑话，不过确实也拿来了很多，以至于西方很多流派从标本的命运在中国似乎“起死回生”了。尽管听说西边某主义已经“玩完儿”，但这不正好吗?你玩儿完了就该我玩儿了，“你方唱罢我登场，西方不亮东方亮”嘛。另外，我想也是最关键的，就是中国艺术家对西方艺术脉络和界定的不清晰造成的，而且对这些“西方神话”有憧憬，中国的艺术圈现在也在创造很多神话。

这样玩儿下去，肯定是各玩各的，也许永远没有“东西合璧”的那一天。有人说地球已经是一个村儿了，资讯又这么发达，以前不可能，但现在怎么可能接不起来呢?我想这不是简单的一个外部环境，硬件改造的问题，这绝对是一个软件升级的问题。而且还是一个细节大于大关系的问题，是要经过几代不断换血(很关键的环节：教育环境)，在大关系逐渐明朗，细节渐渐到位，东西体制和操作逐渐规范，国际间的展览、评论、艺术家之间的交流都一体化时才有可能达到一个村儿的感觉。

以前艺术的中心在法国，后来转到美国。会不会有天就转到中国呢?不是没可能，如果到那时中国的艺术家和评论家对西方艺术发展史的脉络和各主义的界定仍不清晰就实在说不过去了，然而想想似乎也无伤大雅，中心都在这儿了，清不清楚只是个时间问题，也许艺术的中心到中国时中国还根本没觉察到。会不会就是现在呢?

二

西方的艺术家在头脑中对西方艺术发展史的脉络和各主义的界定会如此清晰，我想这跟他们的教育和思考方式、整体的人文性格有关。所以他们总能给自己一个定位，且不断能梳理自己前进的方向，无论自己所作的受到怎样的追捧或批评，这个清晰地脉络总是自己坚持下去的理由。因为是在预见艺术史，且参与艺术史。这一层上，西方的艺术家们在有意扮演“先知”的角色。当然在这个角色中艺术家最多只参与了一半，评论家至少是另外的一半。这一点，中国的评论界和艺术界是缺乏的。总之，清楚些总要比摸着石头过河好。

当然，太清楚也有不好的一面，就是会局限，会陷于不自由。好比大家一起做游戏，玩了几天下来，便渐渐有了规则，有了禁区禁令，这自然会限制参与游戏的人。西方艺术发展到现在的瓶颈也许就在于此，一切都太规范了，看似自由的艺术(一个主义对一个主义的更替，就是为了打破规范追求自由，但往往又多了一层限制)却越来越不自由。本来为了好玩儿的艺术越来越不好玩儿了，个人化的行为如今成了集体操作的流水线，造星(艺术家的成功)、生产(集体行为)、艺术家的创作不再是自己一个人的事，在他背后有很多人和机构，在他前面有很多不确定，在他周围有很多钱在运转，这和一个商场里的货物的距离越来越小，艺术家不再是自己艺术的主宰，艺术也早从圣殿中走下圣坛，如今已在运作超级规范成熟的“怡红院”沦为了明码标价的“风尘女子”，艺术家便是卖“儿女”的生育工具，生了卖，卖了生，这生育跟生意掺和在了一起，已由不得艺术家自己想怎样了。

三

艺术本来就是很玄的事儿，艺术流派的归类和界定似有迹可循有证可考，但在发展中要完全梳理清，尤其是当代艺术之后这一段儿，实在是太难了。这在西方也使得很多艺术史家茫然，使得艺术家茫然，更况论让中国的艺术学生!所以在这一说不清的进程中怎么前行，这是一个很值得探索和思考的问题。也是一个长期综合的过程，需要不断地学习，有效的教育和学生个人的准确判断能力。所以应该在弄清西方艺术发展史和清晰界定各个时期的基础上，多了解西方艺术现状，多思考自身的艺术发展实际情况，批判地继承和发展。

7.西方现代艺术美术教学设计 篇七

关键词：中西方,现代油画,色彩艺术

中西方油画开始注重对色彩情感的表现, 为油画注入了新的时代元素, 使油画的发展呈现出欣欣向荣的局面, 现代油画更具情感色彩魅力。

一、中西方现代油画创作中的色彩情感

一幅画作, 要想得到人们的认可, 成为成功之作, 就必须具备一定的思想灵魂与生命力, 而这种生命力与灵魂的实现正是通过色彩的表现来完成的。因此, 在现代的油画鉴赏中, 色彩情感已经成为其重要的衡量标准[1]。透过色彩, 可以对不同民族、不同地域的文化进行沟通交流, 使人们产生情感的共鸣, 也可以从中体会到作家的不同情感。如荷兰的印象派画家梵高, 在他的油画创作中, 往往更加注重色彩的情感表现力, 展现出丰富的情感内涵, 给人们以生动、完美的视觉享受。从色彩本身而言, 它是一种客观的存在, 不具备任何的情感价值。然而, 经过了画家独具匠心的运用, 它便成为画家情感的寄托, 向我们展现了画家创作中的心路历程。万事万物都有各自不同的色彩。

二、对比分析中西方现代油画设计中的色彩艺术

(一) 西方现代油画的色彩情感体现

色彩在西方的现代油画中得到了充分的应用, 其发展也经历了多个不同的阶段。在传统的写实主义时期, 油画的创作主要以素描为主, 色彩仅作为一种辅助功能来使用, 这个时期的画作往往缺乏鲜明的色彩体现。当然也不乏具有思想远见的画家诸如提香, 从一开始就认识到了色彩情感在油画创作中的作用, 他的作品通常采用色彩与轮廓的搭配, 实现情感的表达, 他的有关光与色彩理论在浪漫主义画派以及印象画派都有着不同程度的影响。印象画派讲究对色彩的应用, 为油画的发展增添了新的活力。在这个时期涌现出了一大批的优秀印象派画家, 梵高、塞尚等都对色彩情感在油画中的应用推进到一个新的高度, 强调户外写生, 去发掘大自然客观的景观, 真实的再现事物的本身面貌。在后期的印象画派中, 画家们已经不再单纯的对客观事物进行表现, 开始转向对心灵与情感的追求, 作品中往往对客观事物进行重组, 再通过不同的色彩搭配, 将创作者的内心情感生动形象地表现出来[2]。印象派画作善于通过色彩的变幻与对比来强调内心情感, 并重视光色的作用, 冷暖色调的合理搭配使画作呈现出更多丰富的表现形式。以塞尚的《静物》为例, 这幅油画中主要包含了酒瓶、水果、桌布、果篮等意象, 这几种事物的分布更具有主观性与随意性, 看似零乱无章, 但在色彩的搭配映衬下, 却具有一定的稳定性与合理性。而梵高作为著名的油画色彩表现大师, 其画作更是充满了无限的生命活力。在《向日葵》这部画作中, 梵高将色彩运用到了极致, 以黄色为主色调, 合理搭配, 注重色彩的深浅度, 向日葵为金色的黄, 陶罐则用深黄来表现, 就连背景的床和椅子也一律用浅黄来配色, 这种色彩搭配将向日葵的鲜艳光泽表现得淋漓尽致, 从而表达出向日葵顽强的生命活力。这些无不体现出色彩情感在西方现代油画中的应用。

(二) 中国现代油画的色彩情感体现

中国的油画最早是由意大利的天主教士传入的, 经过了不断地学习与成长, 中国的油画也实现了一系列的变革。20 世纪初, 中国的油画呈现出两种不同的发展趋势, 分别为写实主义风格与现代主义风格, 这两种风格各有特色, 引领者中国油画的发展。直到二十世纪八十年代后, 画家们才开始转向对个人情感与主观意识的表现, 他们在创作过程中将自己的体会与主观思想倾向融入作品中, 具有一定的思想内涵。这个时期的油画已经脱离了单纯的技巧与生活的直接展示, 将色彩作为油画情感表现的一个重要工具, 使我国的现代油画进入到一个新的发展时期, 具有一定的审美特点[3]。一些现代油画家, 更是将中西方的油画思想理念得以完美融合, 呈现出别具一格的风格特色。油画不再强调对客观世界的真实表现, 而是将客观世界作为色彩情感表现的载体。例如, 在一些专业的画展活动中, 大多数作品并不是直接去表现某种事物, 在欣赏的过程中, 很难把握作品所要表达的主题思想, 这其中蕴含的是一种强烈的色彩意识, 相对专业的人士更容易领会油画的内涵, 这也正是现代油画的魅力之处。

结语:

随着世界经济的不断发展, 油画也实现了不同程度的革新。无论是西方的写实主义油画, 还是中国的自然风光油画, 都开始转向对色彩情感的关注与表达。现代的中西方油画打破了传统油画对自然色彩的着重表现, 更加注重通过色彩来表达画家内心深处的思想情感, 具有一定的主观性, 代表了作者的情感倾向。中西方画家在进行创作时, 要注重内心的情感体验, 并将这种情感融入作品当中, 增强油画的生机与活力, 为人们呈现出具有思想力与表现力的优秀画作, 使这种油画艺术得以传承与发展。

参考文献

[1]文敏.中西方绘画的源流与联系——中西方风景画发展[J].四川省干部函授学院学报, 2012, 03:50-53.

[2]郝志刚.试析近现代油画艺术中色彩的情感表达[J].美术教育研究, 2013, 19:18-19.

8.西方现代艺术美术教学设计 篇八

关键词：日本 平面设计 影响因素

中图分类号：J11

文献标识码：A

文章编号：1003-0069（2015）03-0131-02

一 引言

20世纪初，在欧美国家掀起了一场轰轰烈烈的艺术改革运动，我们称之为“现代艺术运动”。这些运动发展得特别有声有色，如火如荼，结果是从思想方法、表现形式、创作手段、表达媒介上对人类自从古典文明以来的传统艺术进行了全面的、革命性的、彻底的改革，完全改变了视觉艺术的形式和内容。

设计的发展也会受到艺术流派的影响，无论在精神理念层面，还是形式构成层面，艺术流派对现代设计的影响都是不容忽视的。二战后，日本的设计意识增强，欧美的著名设计师被频繁邀请至日本进行讲座和指导实践，传授设计知识，日本国内也多次举办欧美设计作品展，还派遣学生到欧美进行学习。这一系列的交流互访活动，使得日本平面设计师深受欧美艺术流派的影响。在不同的创作主题下借鉴不同流派的画面风格，已经达到化境。日本设计师倾向于把平面设计作为一种传达文化、表达个人思想和情感的艺术方式，并且融入日本传统绘画和设计风格、民族文化观念、民族审美立场，形成了现代与传统、东方与西方、民族与世界相整合的包容并蓄的日本平面设计风格。

二 欧美对日本平面设计的影响因素

设计的发展总会受到艺术流派的影响，无论在精神理念层面，还是形式构成层面，艺术流派对现代设计的影响都是不容忽视的。归纳起来，影响因素有以下几种：

1 理性与逻辑性

俄国构成主义运动产生于十月革命前后，一批爱国的知识分子和艺术家为支持革命而进行的一场前卫主义运动和设计运动。构成最初仅用拼贴（collage）。构成主义认为设计要为政治服务，其基本原则是：技术性、机理和构成。构成主义的主要特征是重视设计的功能性与实用性，以及设计中材料的实际运用和视觉新规律的探索。最有代表性的作品则是塔特林《第三国际纪念碑》模型，它将“纯艺术形式中绘画、雕塑、建筑和实用融为一体。而在平面设计中，构成主义采用平面的、几何化的图形与无饰线体文字作为视觉元素，并对其进行简明扼要的纵横结构编排，整体风格简单明确。

二战后的日本平面设计师对欧洲构成主义有着浓厚的兴趣，是因为在日本的传统文化中就特别偏爱纵横的线条和简单的几何图形。构成主义设计和艺术对于几何结构特别是纵横结构的严格分析和运用，使日本设计界十分着迷。根据传统设计的特点、自己的设计偏好和原则，日本设计师对构成的形式进行了调整，侧重中轴线对称，还把民族的象征图案如植物、动物花纹等样式加入日本化的构成之中。龟仓雄策在为1970年的日本大阪万国博览会的海报（图1）设计中，便将最能象征日本的“樱徽”纹饰置于海报的中心，利用樱花花瓣尖内凹的特点，设计出类似太阳光发射的形态，而这个造型正与日本民族崇尚太阳升起、光芒四射的积极向上的精神不谋而和，同时也映射出万国博览会定将放射出万丈光芒，寓意的博览会的成功开展。这幅海报给人以精细、严谨的视觉感受，有秩序感色线条组合的花瓣形状就是对构成主义的吸收、运用的体现。

风格派是1917年在荷兰出现的几何抽象主义画派，以《风格》杂志为中心，因此得名。风格派拒绝使用任何的具象元素，主张用纯粹几何形的抽象来表现纯粹的精神。在抽象化与单纯化的口号下，风格派提倡数学精神。其中对平面设计影响较大的画家有蒙德里安和杜斯伯格。

虽然俄国构成主义与荷兰“风格派”在20世纪30年代左右结束，但它们对20世纪的现代设计探索活动特别是平面设计的发展有着极为深远的影响，无论是对设计理念的重视，还是几何化图形和无饰线字体的运用，以及充满理性和逻辑性的编排，都成为现代平面设计发展的基础。而对日本来说，构成主义与“风格派”的特点正好契合了日本传统艺术文化中对于几何图形和纵横线条的喜爱，战后的许多海报作品都有明显的构成主义倾向。

田中一光的作品具有典型的构成主义特色及“风格派”特征，他的《日本舞蹈》（图2）在长1030mm宽728mm的面积里面以横3竖4等分出12个方格，以脸作为表现对象，画面纵横分割成几何块面并配以圆形，再加上单纯原色的运用，组合出日本女子的脸，日本传统女子形象跃然纸上，可以明显地感觉到构成主义和风格派风格，但是在机械的、理性的构成方式下，其点睛之笔在于两个半圆的眼睛，在处理时却把代表眼睛的两个半圆同时向内侧一斜，生动展现了女人的面目表情，又体现出了日本女子的柔美和温婉。

2 破裂、解析与重组

立体主义始于法国，是富有理念的艺术流派。主要追求一种几何形体美，追求形式的排列组合所产生的美感。是否定从一个视角观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的趣味让位于直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。

在永井—正的《加拿大作品巡回展海报》（图3）中，主体图形多由抽象的几何造型组合而成，或是折线构成，或是圆形构成，或是三角形构成，图形在形态上有一定的相似性，产生一种节奏感，构成宇宙外景的空间。在创意手法上多为减去具象的外在形态，保留其外轮廓和本质特征，将宇宙景象概括成几何抽象图形。像月亮——半圆形，星星_点状图形，地球——圆形，山——正三角形。塞尚认为“世界上的一切物体都可以概括成几何形体。永井—正的创意方法与塞尚所说的抽象手法相似。

3 重主观与重感情色彩的表达

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表现主义是涉及文艺各个领域的思潮和派别。表现主义艺术家们反对机械地模仿客观现实，而主张通过作品着重表现内心的情感，表现“精神的美”和“传达内在的信息”，强调艺术语言的表现力和形式的重要性。表现主义与浪漫主义有一定的渊源关系，只是表现主义不像浪漫主义那样表达个人情感，而是试图挖掘人的潜意识中最隐秘、最灰暗的体验。表现主义大多以性欲、暴力、痛苦和死亡为题材，表现手法上受梵高的影响，热衷于以扭曲丑陋的形象、跳跃且情绪化的色彩和简练几近癫狂的线条，来描绘一种不和谐的画面，以表达他们内心的幽暗与愤世嫉俗。

早川良雄在人才济济的日本平面设计的诸子百家中，是具有最为突出的色彩描绘和组织能力的大师，他在设计中采用的主要媒介是水彩和色粉，通过这些媒介和技法的固有品质和特征，来体现他对色彩敏锐而细腻的感受力。在1986年国际插画展的平面设计（图4）中，用各自分离、仿佛悬浮的空间里的色块来组织形象和画面，画面中使用大面积对比色并强调各个色彩块面的平面形状和轮廓，以及它们之间相对的空间位置和组合关系，却并不追求空间纵深效果，画面中色块拼合的人物形象扭曲怪异，无不呈现出一种不和谐的感觉。

4 视幻觉的营造

欧普艺术主要是利用色彩、线条和图形组织成静态的二维几何抽象图形，并以这些静态的图形对视网膜产生刺激，使人的眼镜产生错觉，形成“光效幻象”的视觉动态效果。光效应艺术作品中的图形必须是抽象的，几何和硬边的外形，并且要避免图形表面的趣味。永井—正在《保护动物海报5》（图5）中，在主体图形的底下是一个外形椭圆内形锯齿状的图形，其处在两图形之间，锯齿产生光的炫目感觉，图形互相重叠形成符合形，从而构成生命的主题意义。

5 自由无序、迷离虚幻的表达

如果说构成主义的形式暗合日本传统装饰法则，使日本设计师易于心领神会，那么未来派、达达主义和超现实主义，对日本平面设计的影响就是日本传统设计严谨个性的挑战。

未来派的艺术家们主张利用立体主义分解物体的方法来表现运动的场面和运动的感觉。在此基础上还采用新印象主义的点彩手法。他们热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交叠与组合，并且用一系列的波浪线和直线表现光与声音，表现在迅疾的运动中的物象。

未来派对平面设计的影响被称为“自由文字”，字母的混乱编排超越字母的文字意义，造成视觉的韵律感，这种手法给设计作品必须承载的文字信息一个以美感唤起注意力的有力方式。

达达主义主要追求清醒的非理性状态、拒绝约定俗成的艺术标准、幻灭感、愤世嫉俗、追求无意、偶然和随兴而做的境界。达达主义者的行动准则是破坏一切。达达主义对版式设计的贡献是利用照片拼贴插图，创造了一种支离破碎的美感，在当时看来是一种能唤起大众好奇心的新颖的视觉效果。

齐藤诚的作品注重形式的艺术表现力及个人的直觉在设计中的决定作用。作品中大量使用图形和文字剪切与拼贴，通过形态构成的变化、位置的移动、穿插、错叠等手法，创造出全新的空间关系和视觉张力。

结语

日本平面设计富于现代性审美体现在两个方面。第一，是对西方现代设计语言的熟悉及灵活运用，作品之中深具时代感，使得日本平面设计在世界范围内受到推崇。并且，正是基于对西方现代设计语言的熟悉，才使得它创造性地表达了民族情感，彰显了民族个性，在东西方都可以很好地接受，受到喜爱。第二，任何国家的文化都是进化史，必将随着国民生活境况的改变而变化。日本设计师对传统文化的理解正是通过现代的视角，吸取其中对现代生活仍然有价值和实物或是思维方式，并通过现代技术应用于平面设计之中的，和简单的不假思索的模仿有着本质的不同。

西方艺术流派对日本平面设计的影响因素的研究，在了解别人的同时，看到我们值得关注和思考的方面。首先，在我国现阶段，一提到中国风的平面设计往往就是关于传统纹案、传统颜色的，其实中国风的设计是一个大的范围，民族的历史、宗教、文艺理论等都可以展现中国的文化，它对平面设计的影响不仅是可以丰富画面的构成语言，更是独特的审美味道，可以成为中国式情感的表达。第二，日本对西方设计技巧比我们设计界更熟悉，对西方文化的吸取应用更为灵活，可以自如地表达审美感受。日本平面设计的现代性，除了大量应用在画面中的西方现代设计语言，更重要的是体现了一种现代精神、一种是对传统理性的态度。

日本的平面设计在世界范围内形成了兼容并蓄、独树一帜的设计风格，传统与现代的完美融合，感性与理性的激情碰撞，追求完美，注重细节，充满了丰富细腻的人文情怀，对中国的现代设计有重要的启示性意义，值得我们更深入地研究和探讨。

9.学习西方现代文论有感 篇九

刚开始学习西方现代文论时，我觉得这是一门非常深奥的课程，因为它的理论性非常强，非常抽象。如果你只是略略地看老师的提纲，根本无法明白它所包含的深沉含义。经过老师的讲解和课下的查阅，慢慢地我觉得这门课程非常有趣。它教会我把不要简单地看完一篇文章，要学会从另一个角度来评判文章。在这个课程中，我对弗洛伊德精神分析批评最感兴趣。最开始接触弗洛伊德精神分析，是在心理课。所以在我的思想里，弗洛伊德精神分析就是分析心理。但让我非常惊讶的是弗洛伊德精神分析能够解答文学艺术。这让我疑惑不解。原来自一战以后，弗洛伊德的学说猛烈地冲击了哲学、文学、艺术、宗教、社会风尚、道德伦理，激起一阵又一阵死水波澜。而且在今天社会的社会学、美学、人类学、教育学、法学、神话学等学科里，都多多少少烙下弗洛伊德思想的影子。虽然弗洛伊德承认心理分析方法很难解答艺术功能的本质，无力去说明艺术的本质是什么，更不能给艺术家的创作手法下注脚，但他对文艺问题十分关注，总想猜透艺术家内心你深处的隐秘东西。但他运用心理分析学来解释文艺的心理起源和文艺创作的心理动机，他坚信心理分析学能为渗破艺术创造的奥秘提供有力的帮助。

通过一些作品分析，我们可以得出文学作品都是来自于现实社会的生活。而我们都知道，心理材料同样是来自生活，因此心理的材料来源与文学一致。如张爱玲的文章离开不了满清遗老遗少的影子和三四十年代中女性结婚员千疮百孔的情感世界，这与当时的时代背景有着千丝万缕的关系，但是张爱玲只能以当时的时代背景来写小说，却不可能写出现代都市化，科技高速发达的人们生活状况。弗洛伊德把人的心理结构划分为意识、前意识和潜意识三个层面。“意识”是人类状态的最高形式，是人的心理因素世界中的“首脑”它是现实生活材料在脑中形成的印象以及对现实生活作出的判断及评价，形成自己对这个世界的认识与理解。而文学创作的一个最表层的来源就是现实生活，离开现实生活，作家就不可能写出作品，因为无从下笔。我想，这也正是为什么弗洛伊德精神分析同样可以用来分析文学作品的原因。恋母情结是弗洛伊德的一个观点。我个人觉得这个观点非常有趣。弗洛伊德认为，每一个儿童都有爱母恨父或爱父恨母的感情，这在作家艺术家的童年表现得更加明确。后来，弗洛伊德还把这种俄狄浦斯情结动力说加以扩展，用于很多艺术家身上，认定他们的创作动机都是出于俄狄浦斯情结，也就是恋母情结。们可以利用这个理论对张爱玲的《心经》进行分析。短篇小说《心经》，讲的是一个女孩恋父的故事。我们可以研究张爱玲的个人家庭背景，在她四岁的时候，她的母亲离家出走了。而张爱玲对于母亲的离开不是想念，而是怨恨。因为她觉得母亲其实是在抛弃她了。所以她更是看重珍惜和剩下的唯一的亲人--父亲之间的感情。在和父亲一起生活的日子里，父亲成为她的所有爱的寄托，成为她生命的一大支柱。而当张爱玲的父母离婚之后，她对父亲的依赖更是加重了。父亲对张爱玲也是极好的，会给她念诗，然后教她读书。还给她幼稚的作文眉批、总批，而且还把她幼稚的作文装订成册。结合弗洛伊德的俄狄浦斯情结理论和张爱玲的家庭背景，我们可以得出影响张爱玲创作的一个重要因素便是她的恋父情结。因此利用这些理论来分析作品，我们会发现这些作品并不是凭空而来，而是作品对现实生活的升华，通过作品来反映自己内心的真实情感。

10.现代西方哲学经典书目 篇十

一、商务印书馆的《西方哲学史》（罗素）、《西方哲学史》（梯利）、《实用主义》（詹姆斯）、《权力意志》（尼采）、《存在主义》（考夫曼）、《逻辑哲学论》（维特根斯坦）、《数理哲学导论》（罗素）、《作为表现和意志的世界》（叔本华）、《哲学作为严密的科学》（胡塞尔）、《历史与阶级意识》（卢卡奇）、《当代哲学主流》（斯太格缪勒）、《现象学运动》（施皮格柏格）、《尼采》（海德格尔）等几十种。

二、北京三联书店的《存在与时间》（海德格尔）、《存在与虚无》（萨特）、《哲学研究》（维特根斯坦）、《经验与判断》（胡塞尔）、《胡塞尔思想的发展》《德布尔》、《论道德谱系》和《悲剧的诞生》（尼采）、《词语》（萨特）等几十种。

三、上海三联书店的《海德格尔选集》、《胡塞尔选集》、《拉康选集》、《舍勒选集》、《词与物》（福柯）等几十种。

四、上海译文出版社的“20世纪西方哲学经典译丛”，如《逻辑研究》（胡塞尔）、《欧洲科学危机与超验现象学》（胡塞尔）、《结构人类学》（列维—斯特劳斯）、《真理与方法》（伽达默尔）、《论文字学》（德里达）等几十种。

11.西方现代艺术美术教学设计 篇十一

关键词：艺术素材 西方文学 教学

艺术素材的借鉴与应用是指在西方文学的课堂教学过程中，以图像或影像的形式配合介绍与课程内容密切相关的西方著名绘画、雕塑和建筑作品，以达到直观感性、准确充分地把握西方文学形象与内涵的效果。这一教学方式有很多优点。首先，是利于知识的记忆。研究表明，人们单纯从听觉获得的知识能够记忆15%，单纯从视觉获得的知识能够记忆25%，视听结合能够记忆所学内容的65%。[1]其次，同时更为重要的是，增强西方文学教学的形象性和生动性。由于成长环境和文化背景的不同，中文系的学生在学习这门课程时，理解西方文学形象及其内涵所需的想象力受到极大制约，而提供形象生动的西方艺术素材作为想象力腾飞的材料应该是一种最有效的方式。此外，西方各类艺术杰作的课堂参与，还有利于学生产生对西方文化和文学的深厚兴趣，达到课堂之外的更为主动和深入的学习效果。

教学对象的特点也决定了这一方式的合理性和有效性。西方文学很鲜明的一个特点就是它与艺术的不解之缘，文学和艺术彼此互相汲取灵感和素材，如19世纪法国作家福楼拜的长篇小说《圣安东的诱惑》，其创作灵感就是来源于同名的绘画作品，雨果的长篇小说《巴黎圣母院》则把巴黎圣母院这个哥特式大教堂作为描写对象和故事的发生地；甚至有些作家本人也兼具艺术家的身份，有些艺术家也从事文学的创作，前者如对雕像、音乐、歌剧颇有研究和造诣的歌德，后者如米开朗琪罗和瓦格纳等等。

本文主要以西方文学教学中的难点讲解，个别思潮流派介绍，以及具体作品的分析三个方面为例，探讨这一教学方式的具体运用。

一

希腊和希伯来文化是西方文化的根本起源，对它们的理解和把握是整个西方文学史学习的关键。然而，这两种文化跟中国文化相比，呈现出非常迥异的独特面貌，因而其精神内涵难以为中国文化语境中的中国学生准确充分地把握。借助有关的艺术作品可以帮助学生比较自如地进入到两希文化各自的独特世界中。

希腊神话是希腊文化的生动体现，是西方文学的开篇内容，同时也是非常精彩的一个章节，但是以往在课堂中仅靠语言去讲述希腊神话是较苍白的，难以取得理想的效果。西方的艺术家们以希腊神话为素材创作了大量优秀的雕塑和绘画作品，因此教师可根据讲授内容的需要配以精美的艺术作品，这样希腊神话就会以美轮美奂的面目给学生留下深刻的印象。

希腊艺术的主要成就是雕刻，而雕刻所表现的内容多为奥林匹斯山上的众神和英雄传说中的英雄形象，古希腊人为后人留下的这些雕像应是最原始最契合神的原始形象和特征的，从中还可以体察到古希腊人对神的观念和态度。希腊神话中的神与人是同形同性的，这个特点反映出古希腊人是按照人的形象来创造神的，神也和人一样有七情六欲，有虚荣心、嫉妒心等种种缺陷。

雅典娜是古希腊人最敬爱的女神，在他们心目中具有至高无上的地位。所以，在古希腊诸神的雕像中，关于雅典娜的作品最多，包括浮雕、青铜立像和大理石雕塑等多种材料和样式。她不仅具有智慧、勇敢、贞洁的美德，还是主宰纺织和手工艺的勤劳女神，因此这些雕像塑造的她的外在形象多是端庄健美的，形象富有女性的温柔并且充满生命力，更多的是人性化的特征。

还有，爱与美神阿弗洛狄特的雕像也有很多，有圆雕立像也有浮雕。较为著名的如《克尼多斯的维纳斯》，这尊圆雕裸体雕像再现了女神入浴的瞬间，她那多情温柔的性格，健康而优美的体态，正是希腊雕刻家普拉克西特列斯依照希腊美人、他自己钟爱的情人的形象雕刻而成的。在这尊雕像中，人性美与人体美得到了完美和谐的统一，蕴含着不可征服的魅力。除了主神之外，其他次要小神也有优秀生动的雕像作品，如希腊巴特农神庙的雕像残片《命运三女神》中的三位女神，她们的任务是纺织人间的命运之线，同时按顺序剪断生命之线。人们从这组雕像残片中看到的不是神，而是人间姐妹之间亲密动人之情，并且从她们的坐躺姿态中隐现出个人的个性气质。还有《小爱神》雕像等都极具人情味和人性美。

甚至一些具有情节性的神话故事在立体雕像中也有所表现，如特洛伊的祭司拉奥孔的故事，他在特洛伊战争中警告同胞千万不要中希腊人设下的木马计，因此得罪了希腊保护神雅典娜。雅典娜为了惩罚拉奥孔，立即派两条巨蟒首先咬死了他的两个儿子，然后又缠绕着拉奥孔。希腊群雕《拉奥孔》表现的就是这个可怕的瞬间，雕像不仅形象再现了拉奥孔和他两个儿子的悲剧状态，还体现了希腊艺术对庄严肃穆的美的追求。

但是大多数的经典神话故事因人物形象众多，情节曲折，往往很难用雕像进行充分地表现，因此教师也可借鉴后期艺术家们的绘画作品进行展现，如宙斯与人间美女的爱情故事，就有达芬奇的《勒达与天鹅》，提香的《欧罗巴》、《达娜厄》等油画作品；还有特洛伊的故事，如17世纪古典主义画家克劳德·洛兰和巴罗克主义画家鲁本斯分别画了《帕里斯的评判》，对其中不和的金苹果的故事作了形象的描绘。

在西方众多的艺术素材中，不同的文学类型应根据其内容和风格采用不同的艺术形式。如希腊神话可用希腊雕塑进行展现，而《圣经》就不太适宜用雕塑了。《圣经》是西方文学的另一个起点，被称为西方文化传统的母体，对西方文学具有深远而重要的影响，因此让学生去理解和把握这一著作是非常必要的，对这样一部玄学的宗教经典，空洞枯燥的说教要力求避免，应采用形象化的介绍和讲授方式。西方的艺术家们经常从《圣经》中选取素材，创作了大量优秀的绘画作品，其中当属黑白色调的版画更能突出《圣经》崇高庄严的风格。

法国19世纪最著名的版画家古斯塔夫·多雷曾为《圣经》绘制了230幅原版插图，其插图内容主要包括上帝造光、创造夏娃、逐出乐园、兄弟献祭、该隐杀弟、天降洪水、洪水滔天、挪亚方舟等。由于多雷善于表现人类的崇高精神和描绘史诗般的故事，这使得他为《圣经》故事所作的版画插图达到了无法超越的境界，被公认为“左图右史”的绝配之作。因此《圣经》故事配以多雷形象化的经典插图进行讲授能取得良好的教学效果。用这种方式让学生去理解《圣经》，更能使他们感受到《圣经》独特的精神境界和充满象征寓意的文学风格。

二

在西方文学的历史长河中，思潮流派众多，层出不穷，且独领风骚，它们就像珠子一样串起了西方文学史，掌握了各个思潮流派的特征也就把握住了西方文学的发展脉络。但是有一点需要注意的是，在西方文艺的历史上，仅发生在文学领域内的思潮流派是很有限的，如自然主义，象征主义；更多的思潮流派涉及到美术、音乐、雕塑、建筑等各个领域，如人文主义、古典主义、巴罗克主义、启蒙主义、浪漫主义、现实主义等。因此，这类相关的艺术素材就构成了形色兼备、生动立体的文化背景，它们所具有的人文艺术气息比单纯的社会时代背景的介绍要更为形象而深刻。

以文艺复兴为例，这是西方文学史上的一大高峰，当然也是课堂教学的重点。文艺复兴是一场复杂的运动，其表现形式多种多样，但其主要特点是想要全面复活古代的意旨，挣脱宗教的束缚，恢复人性和理性。而艺术处于这一“复兴”的核心。

文艺复兴是从学术文化方面以人文主义为旗帜，也是这一时期文学的中心思想。人文主义提出人是宇宙的中心，即“宇宙的精华，万物的灵长”，竭力歌颂人的价值、尊严和力量。这种“以人为本”的思想虽然贯穿在这一时期的一系列文学作品之中，如《十日谈》、《巨人传》和莎士比亚的戏剧作品，但是却比较抽象而复杂，其实它更为直接而感性地出现在大量的艺术作品之中，而这个大写的“人”是从哪里发现的呢？它就是从古希腊罗马的文学和艺术作品中得来的，如众多艺术大师以希腊神话为题材的绘画和雕塑，重现了希腊人对人体美的追求和对人的力量的欣赏。如波提切利的《春》汇集了希腊神话中的春神、爱神、风神、花神和三美神，女神们优雅轻盈的体态和春意盎然的背景，寄托了画家对人体美和自然美的欣赏，还有他创作的第一幅真正的女裸体画《维纳斯的诞生》；提香的《欧罗巴》、《达那厄》；达芬奇的《勒达与天鹅》，米开朗琪罗的雕塑等，这些作品所体现的对人性与爱情，力与美的追求，正是希腊古典文化以人为本的思想。这与彼特拉克在《歌集》，但丁在《新生》，薄伽丘在《十日谈》中对爱情的肯定和讴歌，对人的赞美和崇拜都是一致的。

文艺复兴时期欧洲各国还涌现了许多“巨人”的代表，这个称呼是来自于拉伯雷的《巨人传》，该怎样去理解“巨人”的形象呢？《巨人传》中的高康大和庞大固埃都是充满神话色彩的人物形象，这使得学生难免会从理想化的角度去理解“巨人”形象，认为他们缺乏现实的根基。其实这一形象可结合文艺复兴的巨人代表达芬奇进行讲解，达芬奇的作品因艺术和科学的结合而代表着这一时代，他在绘画中运用解剖学、空间透视法和明暗法的科学原理，代表了艺术越来越知识化的发展倾向和对知识理性的推崇，因为他们都是“在思维能力、热情和性格方面，在多才多艺和学识渊博方面的巨人”，因此讲文艺复兴而不提达芬奇在某种程度上就是对文艺复兴最高成就的一种忽视和否认。

文艺复兴这棵大树不仅汲取了古希腊文化的营养，也吸收了希伯来文化的乳汁。作为转折时期的文艺复兴，也必然会打上基督教文化的烙印，但是这个特点在文学作品中表现得并不十分明显，以至于学生误认为人文主义是彻底反基督教的，其实并不然。人文主义虽然是反教会的，但它并不是对基督教一概否决，相反，它保留并改造了其中对人文主义有益的成分，这也是为什么众多的艺术作品都会以《圣经》为创作素材的原因，如拉斐尔一系列的圣母子画像，《草地上的圣母》、《花园中的圣母》、《椅中圣母》等，虽然画的是圣母和圣子，其实表现的都是普通女性的美和她们身上伟大的母性。还有米开朗琪罗为西斯廷教堂所作的拱顶壁画，借《创世纪》中的人物形象表现了人本身所具有的伟大力量。《西斯廷圣母》中圣母为了人类牺牲了自己的儿子，《哀悼基督》中基督为了拯救人类被钉上十字架，基督教所宣扬的这种仁慈和博爱的精神正是后来人文主义发展为人道主义的重要因素。

因此，文艺复兴正是在这样肥沃的土壤里收获了丰硕的果实。认识到这一点，学生就更能形象地把握人文主义的精神实质和它后来的发展趋向，而不至于仅从书面上得到片面的理解。

还有一个典型的例子就是巴罗克主义。巴罗克主义是欧洲16世纪末的文化现象，涉及到文学和造型艺术的各个领域。但是教材中对巴罗克文学的介绍内容是较少的，代表性的文学作品是卡尔德隆的《人生如梦》和贡戈拉诗歌流派。其实，巴罗克的风格更多体现在鲁本斯的绘画和贝尼尼的雕塑作品中。

典型的作品如贝尼尼的《圣女德列萨的恍惚》，这件雕塑作品描写的是圣德列萨在幻觉中见到上帝的情景，表现了她对上帝之爱的渴望。她躺在浮云上，宽大的衣袖向下低垂，两眼轻合，嘴唇微张，脸色苍白，在昏迷中祈求着神的爱。在她面前，小爱神面带顽皮，将一支金箭射向她的胸膛。整个雕塑被放在祭坛上，祭坛上方安放了一些镀金的金属条，光线从祭坛顶上照下，被金属条反射，其金色的散光打在白色的大理石上，使人如同进入了一个梦幻的世界。这件雕塑作品不稳定的动感表现和丰富的色彩变化，都传达出了一种宗教狂热的情绪，这种特点反映到文学作品中就衍化为华丽的辞藻和极端讲究的文学形式。而巴罗克所充斥的天主教的狂热正好反映了17世纪天主教会反动势力的反扑给人们意识上所带来的混乱和精神上的消沉。以此为例，学生对巴罗克文学的充满幻想和狂热之风格的理解会更为直观和深刻，弥补了文学史教材中的一些不足，有助于教学情境的成功设置。

此外，还有17世纪的古典主义思潮，无论作家和艺术家都纷纷从古希腊罗马的历史和文学中选取题材进行表现，这成为古典主义文艺思潮的一个鲜明特征。如悲剧作家拉辛的《安德洛玛刻》、《费得尔》，画家普桑的《睡着的维纳斯》、《萨宾妇女被劫》、《海尔曼尼克之死》等，各种古典题材一经他用绘画表现出来，都会显示出严肃崇高的古典英雄主义精神，放射着理性美的光辉。18世纪法国的启蒙主义画家格勒兹则在画中表现思想意识主题，发挥启蒙主义思想家们主张文艺承担启迪民众、教化民众的功能，如狄德罗、伏尔泰等；他的画作大多具有严肃的主题和高尚的道德，时常达到催人泪下的程度，如《父亲的诅咒》等。还有19世纪初期的浪漫主义思潮，与乔治·桑、波德莱尔有着亲密友谊的浪漫主义画家德拉克洛瓦，在艺术创作中同文学创作一样都重视想象，反对单纯取法于古典范例。他的著名画作《自由领导人民》就是对浪漫主义作家维克多·雨果的名作《悲惨世界》的呼应。这些艺术作品都是对文学思潮的有益补充和拓展。

三

艺术素材不仅对于西方文学的宏观把握大有裨益，在微观层面上，对于作家作品的具体解读也功不可没，因为艺术在某种程度上也是对文学的另一种阐释和创造，它往往更能突出其典型的细节和情境，烘托其主题，彰显其独特的美学风格。

以但丁的《神曲》为例，作品中地狱、炼狱、天堂的描述对于大多数缺乏基督教文化背景的学生来讲，让他们去想象这三界的情景确实有些勉为其难，但是多雷的插图可弥补这一不足。他为《神曲》作的插图共有136幅，是其创作中规模最大也具有代表性的作品，也是版画史上的永垂不朽之作。地狱的恐怖、炼狱的宁静和天堂的明亮，多雷以他精确、细致的笔法处理得恰到好处。这些插图使《神曲》这一内容厚重的大部头著作取得了栩栩如生的效果，而且在课堂讲解时也不至于枯燥乏味。同类型的还有弥尔顿的《失乐园》、歌德的《浮士德》等名著，这类史诗型的巨作因其厚重的思想内容和冗长的篇幅往往使学生望而生畏，要引导他们对名著产生兴趣，就要从一个新的角度，用多样化的形式赋予作品以新意。

另外，还有一些具有喜剧性效果的名著，如《巨人传》、《堂吉诃德》，为了进一步加强其效果，展现其夸张荒诞的手法，相关的插图也是锦上添花。夸张滑稽的人物形象，鲜明的人物对比更能突出人物形象的性格特点。

在细节刻画方面，有一个典型的实例就是莎士比亚的《哈姆莱特》，在这部莎剧代表作中，有一幕极具诗意化的场景，即奥菲利娅落水的场景，因莎士比亚的文字及其优美并富于意境，许多艺术家都以此为素材创作了各具特色的绘画作品，有的表现的是奥菲利娅攀上树枝挂花环的举动，如19世纪早期罗伯特·威斯托的《奥菲利娅》；有的表现的是树枝折断，奥菲利娅落水的瞬间，如浪漫主义画家德拉克洛瓦的《奥菲利娅》；还有的表现的是奥菲利娅落入水中顺水漂流的场景，如19世纪中期约翰·艾瓦雷特·米莱的《奥菲利娅》。艺术家们充分地发挥各自的想象力，可谓是异彩纷呈。把这些绘画作品放在一起进行欣赏对比，学生不仅会把这幕场景铭记于心，而且会进一步激发他们去思考奥菲利娅这一人物形象的性格特点和悲剧命运。

相似的还有17世纪古典主义剧作家拉辛的《菲德尔》，这是一部戏剧化的悲剧作品，菲德尔因爱生恨的形象在西方的壁画和绘画作品中都有所表现。其中最具戏剧舞台效果的当属18世纪末19世纪初的法国画家彼埃尔·纳西斯·盖亨的版画《菲德尔和希波吕托斯》，在这幅画中，菲德尔和丈夫忒修斯并坐在画面右侧的一张椅子上。忒修斯坦然严厉地注视着面前的儿子，等待着他的辩解；菲德尔正向左侧过脸，面对观众，神情紧张，听身后的女仆献计；而女仆则形容丑陋委琐，站在阴影处，正是她怂恿菲德尔先下手为强，诬蔑了希波吕托斯；希波吕托斯一身猎人装扮站在他们的面前，画面的左侧，他手里拿着弓箭，脚边还站着一只猎犬，这表明了他把猎神阿尔忒弥斯作为自己的保护神的身份特征，他正伸出左臂做着拒绝的姿势，是否认菲德尔诬陷他的行为，还是拒绝为自己辩护呢？仿佛观看戏剧舞台演出一样，学生在这幅画前会有身临其境的感受，且能细细揣摩剧中每个角色的内心活动，戏剧冲突得到了最尖锐、最集中的表现。

除了史诗、戏剧之外，近代的小说作品也可借鉴和应用相关的艺术素材。如斯威夫特的《格列佛游记》，因其故事情节引人入胜，被改编成连环画，用连环画作插图，学生能轻松地理清故事脉络，感受其冒险传奇的风格，课堂也增添了趣味。还有狄更斯的作品《大卫·科波菲尔》，《匹克威克外传》等都有相关的艺术插图，它们更能凸显狄更斯塑造人物形象特有的漫画式手法。

“如果说形象思维是贯穿文学和其它艺术创作过程中的载体，想象力则是使这个载体插上翅膀，自由翱翔的主要动力”，因此艺术素材在想象力的发挥上为文学提供了最生动的补充和拓展空间，打开这一空间既能重新整合教学资源，适应多媒体教学手段的需要，又能全面提高学生的人文素养，适应新的人才发展目标和就业形势的需要；从实践角度来看，它还是取得良好教学效果并易于实施的有效途径之一。

注释：

[1]戚万学：《高等教育学》，济南：山东人民出版社，2004年版，第174页。

12.西方现代艺术美术教学设计 篇十二

对比法, 即依据一定的标准, 把彼此之间具有某种联系的教学内容放在一起, 加以对比分析, 以确定其异同关系, 认识其本质差异。对比教学法的运用, 能培养学生自主学习的能力;能培养学生举一反三、触类旁通的能力;能培养学生从事物表面现象找出本质差异的分析能力。经过实践, 笔者认为把传统绘画和现代绘画进行比较, 是帮助学生较好地理解现代绘画的有效教学方法。那么, 如何将两者进行比较呢?以《伏尔加河的纤夫》和《内战的预言》两幅美术作品为例说明。

1.引导学生从作品表现形式上进行比较

引导学生首先从作品类别上进行区分, 这是非常重要的一个环节。《伏尔加河的纤夫》是一幅典型的传统绘画作品, 而《内战的预言》是幅现代绘画作品。《伏尔加河的纤夫》注重画面的真实性。人类把画从“不像”到“像”历经了几百年, 直到文艺复兴时期一大批艺术家的出现, 把解剖学、透视学、光学等知识带入绘画的时候, 才让我们在平面上看到了以假乱真的艺术作品。所以鉴赏传统绘画就是要从空间感、质感、体积感入手。而《内战的预言》构思、创意具有独特性。从19世纪末到今天, 把作品画得“像”已经不是什么难事了, 艺术家开始追求的是全新的艺术表现形式。如画面构思奇特———观者看到只有在噩梦当中才会出现的情境:画面是把人撕开再拼凑起来的一具支离破碎的人体, 狰狞恐怖的面孔支撑在一只手上, 身体七零八落。人物自己的手抓着自己的上半身, 脚踩着自己的五脏六腑, 自残的形象给观者强烈的视觉冲击。

2.引导学生对作品背景进行比较

《伏尔加河的纤夫》作者是画家列宾, 作品背景是19世纪60年代, 沙皇亚历山大二世宣布法令———废除农奴制。可是, 由于封建剥削势力的根深蒂固, 俄国农民并没有改善他们的悲惨境遇。作品刻画的是11位衣衫褴褛、骨瘦如柴的纤夫形象, 他们饱受压迫, 生活艰辛。[1]这幅作品激发了人们对19世纪俄国人民命运的思索。《内战的预言》作者是西班牙画家达利, 作品作于1936年西班牙内乱之前。画面中央是一个巨大而残缺的人体, 象征受难的群众。蔚蓝的天空, 布满了乌云, 大地上撒满了土豆, 象征着西班牙荒芜的土地, 所有这一切都是对战争的有力控诉。

3.引导学生从作品风格特点上进行比较

列宾是俄国19世纪后期最伟大的批判现实主义画家, 他以无比丰富的创作和卓越的表现技巧, 把俄国现实主义绘画艺术发展到高峰。画中刻画了11位饱经风霜的劳动者, 他们在炎热的河畔沙滩上艰难地拉着纤绳。纤夫们有着不同的经历和个性, 他们生活在社会的最底层, 但这是一支坚忍不拔、互相依存的队伍。这支队伍凄苦、惆怅、无助, 画笔直抵纤夫的心灵深处, 亦是画家心境的真实写照。达利是20世纪西方伟大的超现实主义大师, 也是最能表现20世纪西方社会的混乱与动荡的艺术家之一, 他善于把事物形象进行夸张、变形。在他的画中, 现代人的梦幻、苦难、心灵的骚乱、战争给心灵带来的巨大痛苦与扭曲, 都一眼可见。看他的画, 往往有一种非常压抑, 却又是痛快淋漓的感觉, 让人觉得那些连你自己都说不清道不明更不知如何表达的情绪, 他都替你表达出来了。

通过传统绘画与现代绘画相比较的教学方法, 可以帮助学生从多种角度鉴赏不同形式的艺术作品, 揭示不同风格作品的创作意图、深刻内涵或目的差异。

二、运用启发式教学, 引导学生感悟作品

启发式教学是素质教育中一种重要的、积极提倡的教学手段, 它要求在整个教学环节中教师起到积极的主导作用, 学生则能呈现其重要的主体地位。通过这种启发式教学, 不但能使学生掌握知识, 发展能力, 更重要的是让学生学会依靠自己解决问题, 教师不能包办替代。[2]所以, 教师必须运用各种手段启发引导学生, 调动学生的学习积极性、自觉性, 促使他们自主地掌握和运用知识。以美术作品《百老汇的爵士乐》为例说明。《百老汇的爵士乐》这幅作品在西方现代绘画史上是一部非常重要的艺术作品, 但是画面完全没有具体形象, 只有纵横线条的分割、排列, 色块的穿叉点缀, 让学生对这幅作品进行鉴赏有一定难度。笔者做了如下教学思路设计。

1.抓住文题, 启发感悟

鉴赏艺术作品, 最重要的是先“解题”。题目一般是艺术家传情达意的“窗户”, 作品通常所要表达的思想情感和艺术情境都要通过题目去传达。我们可以先不让学生看作品, 先让学生解题, 结合其他相关学科的知识, 说明什么是“百老汇”。高中学生应该已经从其他人文学科对这个概念有所了解, 所以这样切入会相对简单。教师可以根据学生的回答和教学所需加以归纳:“百老汇”是美国纽约非常著名的一条大街, 贯穿纽约南北市区, 在南北和东西街道的结点上, 夜总会、事务所、银行、戏院比比皆是, 夜晚降临, 贵族的先生、女士们就会来到这里休闲、娱乐。“爵士乐”是指在19世纪末20世纪初, 随着非洲黑人的大量涌入, 带来的当时最为流行的爵士音乐。

2.根据作品情境, 配以音乐辅助鉴赏

题目当中提到一种音乐形式“爵士乐”。那我们不妨在教学中穿插一段爵士音乐, 既可以让学生了解爵士乐的常用乐器和乐曲风格, 又可以请学生谈谈听后的感受。在这个教学环节当中, 很容易引导学生把握以下两个信息:“爵士乐”是用萨克斯、单簧管、小提琴、大提琴、架子鼓等乐器演奏, 它的曲风愉悦、轻松、明快, 振奋人心。

3.进一步引导学生把音乐感受和美术元素结合起来鉴赏艺术作品

其实音乐和美术虽然表现形式不同, 但对人们心灵感受体验结果是相同的, 都是在鉴赏音乐和美术作品之后, 对情感起到不同的震撼作用, 或平静、或愉悦、或兴奋、或悲伤。“爵士乐”的曲风给我们的审美体验是“愉悦、轻松、明快”, 那在美术语言当中, 什么颜色让我们感到“愉悦、轻松、明快”呢?通过这样的“异类同感”式教学, 学生一定会回答:“红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的颜色会让我们有和欣赏‘爵士乐’同样的心理感受。”从而帮助学生归纳总结出如下信息:画面应该有南北、东西交错的线条, 结点上有很多夜总会、事务所、银行、戏院, 呈现的是红色、黄色、蓝色、橙色、淡绿等明度较高的暖色氛围, 这和爵士乐的欢乐气氛相吻合;黄色的小色块就像节奏鲜明的打击乐, 大色块就像是钢琴或大提琴的浑厚音色, 大小色块就像声音扩散一样交织在一起形成美妙较有规律的爵士乐。[3]

4.通过画面, 进一步引发联想

教师还可以进一步根据作品启发学生产生联想:这些颜色不同、纯度不同、比例不同、冷暖不同的色块交织一起, 虽然没有具体的形象, 但是却留给我们更多的联想空间。如可以结合20世纪初的美国社会现状进行联想:把不同跳跃的色彩联想为百老汇夜晚霓虹灯;明快的色彩还能想到美国人节奏明快的生活方式;画面中小色块的分布感觉像美国发达的汽车工业———小汽车。

在教学当中, 教师如果能够采用这种层层启发的教学方法, 就会很容易使学生把握画家的创作过程和创作心理, 从而体验到抽象绘画实际也是现实生活的整合和表现, 只是在艺术形式上有别于画得具象的传统绘画表现形式, 这样, 学生再理解这类艺术作品就容易得多。“高中生已进入个体发展的青年期, 身心发展都达到成熟水平, 观察力、记忆力和想象力的发展都进入最佳时期。”[4]只有这样的教学方法, 才能使学生真正形成更加深刻的审美鉴赏能力。

三、联系生活实际, 引导学生搜寻艺术之魂

西方现代绘画作品随着时代的变革越来越成为鉴赏的主流。由于这种绘画形式大多没有具体形象, 意蕴相对含混, 它也能最大程度与实际生活相联系, 所以我们要尽量引导学生从生活经验出发, 选择一些与学生已有的生活经验、学习经验相关联的西方现代绘画进行鉴赏, 激发学生的学习兴趣, 调动学生的鉴赏热情。[5]

法国著名雕塑家罗丹说:“生活中不是缺少美, 而是缺少发现美的眼睛。”如果我们稍做留意的话, 就会发现在现实生活当中, 西方现代绘画的佳作不时映入视线, “作品与服饰”、“作品与居室”、“作品与环境”都有着千丝万缕的联系。我们以蒙德里安的作品《红、黄、蓝的构成》为例。画面结构非常简洁, 几个大小不同的矩形被黑色的、粗重的线条控制, 主导颜色是右上方鲜亮的红色, 不仅纯度极其饱和而且面积巨大, 画面四块灰白色有效配合了画的右下方的一点点黄色和画的左下方的一小块蓝色, 红色正方形在画面上牢牢控制住平衡。在作品中, 三原色坦然纸上, 再无其他颜色。水平线和垂直线是画面当中仅有的线条;方块和直角是唯一的形状。分割与组合的巧妙, 节奏、动感的画面, 非常具有美感。学生取得了鉴赏蒙德里安《百老汇的爵士乐》作品的审美经验后, 会很欣然接受这种艺术形式。那我们不妨在教学中再进一步创设这样的教学情景:

1.结合作品的构成形式, 自己创作一幅以红、黄、蓝三原色为基调的作品

学生的操作热情很高, 在绘制的过程当中不断地互相讨论并时有争论。每位学生都在精心策划着不同色块的大小、比例、构图, 分割线条的粗细等。有几位学生的作品还不时受到其他同学的称赞。最后, 教师应提供给学生一个展示作品的机会, 可以把作品贴在教室黑板上, 也可以贴在墙上, 近距离地观察各自的作品, 再和原作进行比较, 学生很快就会发现作品的优缺点, 然后进一步修改作品。

2.引导学生把自己的作品创意应用到实际生活当中

创意的构思、设计、制作, 是引导学生捕捉发现美的过程。可以把作品应用到“作品与服饰”、“作品与居室”、“作品与环境”等各个领域, 待学生完成作品之后, 教师可以把自己搜集的案例向学生展示, 以有趣的实物为例说明这种艺术自身的美感, 在实际生活中应用是非常广泛的。如生活用品玻璃杯 (蒙德里安的抽象形式装饰) 、鞋 (直线、三原色, 方块图案的布料) 以及家居、建筑设计等。事实上, 在我们的日常生活中抽象艺术无处不在, 它给我们带来的抽象感就在我们身边。[3]

这种鉴赏与动手操作相结合的教学方法, 分为两个教学阶段。前阶段的教学环节使学生从功能和审美的角度鉴赏西方现代绘画不同文化背景下的艺术作品, 打开了学生们的艺术视野;而后阶段的教学环节, 主要是让学生自己动手, 有创意地完成一件设计作品, 并在设计当中特别强调“有创意”, 这就要看学生能否运用以往所学的美术设计知识发挥自己的形象思维能力, 体现创新意识, 体会将现代的抽象作品与我们的实际生活联系起来的种种乐趣。

四、运用批评的观点, 引导学生对作品进行评价

《普通高中美术课程标准》中指出:“‘美术鉴赏’是在义务教育阶段美术课程中‘欣赏、评述’学习领域的基础上更高层次地拓展与延伸。”对于高中生来说, 通过学习, 他们不仅能欣赏一些“西方现代绘画”, 同时对美术作品还要有能力进行批评。它是判断教学是否有效的检验依据, 在整个教学过程当中必不可少。因为美术学科具有其他学科不一样的特点, 它具有开放性的评价体系。我们鉴赏美术作品的同时, 要引导学生大胆对艺术作品进行评价, 发表自己的看法和观点, 使学生能在不同审美趣味和审美观念中碰撞出既开放又具有个性的审美态度和审美观念, 这才是审美的最高境界。

美国艺术批评家沃尔夫·吉伊根所著的《艺术批评与艺术教育》一书中总结了几点指导学生进行艺术批评时所遵循的原则, 在我们的教学当中, 相当具有借鉴意义。

1.以学生自身感受为主体, 对一件或一类作品进行批评

传统的教学只是让我们教会学生理解艺术作品, 而现在的教学更加侧重于让学生自己获得对作品的理解。这种理解并不是教师能教会的, 它需要在理解作品的基础上通过自己的努力获得。

2.尊重学生的反应

教师应该避免针对艺术作品反应而强行设置某种程度;相反, 他们应该相信学生最初 做出的反应。[6]学生在面对作品时, 会有瞬时的心理反应, 即使面对同一幅作品在不同时期也会有不同的心理体验。教师应鼓励学生摆脱对教师的依赖感, 解放焦虑和僵化的思想, 充分尊重学生的所见所闻、所思所想, 避免引导学生接受早已预定好的对作品理解的课堂讨论。

3.为学生提供面对有争论作品的机会

西方现代绘画作品对学生原有的认知和价值观提出了挑战, 这就给我们提供了争论作品的机会。面对机会, 可以让学生交流一下各自的学习心得, 让学生从不同的角度感悟作品。

4.为学生创设安全、自由的批评环境

高中学生处于生理和心理逐步成熟时期, 各个知识领域的认知也相对客观。对西方现代绘画作品无论从作品美术语言的角度还是从历史研究的角度、文化的角度都会有能力进行客观的作品评价。但教师如果不能为学生提供安全的、开放的、言论自由的评价环境, 学生就不能坦率地表达自己的看法。只有让学生敢于表达, 才算是批评与思考的有效运行。如果学生处在出现错误处境或尴尬的环境中, 那么批评和思考就无从谈起。我们在批评的教学环节中所应遵循的基本准则是合作, 而不是竞争。

在教学当中, 教师能够根据以上几点进行艺术批评, 那么在我们的课堂上就会产生可喜的教学效果。如果再面对西方现代绘画作品, 学生就会大胆地表达出各自不同的心声。一种声音可能会说:“我喜欢‘西方现代绘画’。我在学习当中认识到西方现代绘画或色彩鲜艳, 或恐怖怪异, 或夸张表现, 比传统美术更有艺术的感染力。另外, 现代艺术绘画还能带给我们无限想象的空间, 有时作品就像是表达我的心声一样, 我非常喜欢西方现代艺术。以后我会抱积极的态度, 理解它、欣赏它。”还有一种声音可能会说:“我不喜欢西方现代绘画。因为现代艺术太过于抽象, 理解起来也过于复杂, 它不像传统作品那样直观。”不同的声音还有:“对西方现代艺术, 我保持中立的态度。因为我们今天鉴赏的这些作品无疑是优秀的, 但我们也应该看到并不是每幅绘画作品都有好的创意和绘画风格。我们也不能完全认为都是好的。”不同的声音还有“对于艺术作品, 不会像我们做数学题一样, 有且只有一个固定答案, 艺术是和我们每个人生长的环境、个人的喜好、审美的经验等诸多因素结合在一起的, 所以鉴赏西方现代艺术, 我们要有一个包容的空间‘仁者见仁, 智者见智’, 允许每位同学心中都有一个自己的蒙德里安。”[7]

总之, 在美术鉴赏模块的教学中, 可利用的方法很多很多, 教师一定要善于动脑, 勤于总结, 一定会创造出更多的符合高中学生年龄特点的鉴赏方法。

摘要：为探讨高中美术鉴赏模块“西方现代绘画”教学的有效性, 以多年的高中教学实践为依托, 总结出四种教学方法:运用对比法, 引导学生体会作品;运用启发式教学, 引导学生感悟作品;联系生活实际, 引导学生搜寻艺术之魂魄;运用批评的观点, 引导学生对作品进行评价。通过这样的教学, 教师会给学生创造一个融洽的、宽松的课堂环境, 培养高中学生的美术素养。

关键词：鉴赏,高中,美术,西方现代绘画,教学方法

参考文献

[1]伏尔加河上的纤夫_百度百科[EB/OL].[2014-08-09].http://baike.baidu.com/view/121438.htm.

[2]浅谈启发式教学_中国论文下载中心_教育理论论文[EB/OL].[2014-08-09].http://www.studa.net/education/111110/11594235.html.

[3]百老汇的爵士乐[EB/OL].[2014-08-09].http://www.diyifanwen.com/jiaoan/gaozhongmeishujiaoan/154327076315432741654318.htm.

[4]王大根.高中美术新课程理念与实施[M].海口:海南出版社, 2004:5.

[5]吴乐天.高中美术课程标准教师读本[M].武汉:华中师范大学出版社, 2003 (10) :86.

[6]教育部基础教育司, 教育部师范教育司.美术课程标准研修[M].北京:高等教育出版社, 2004:56.

13.西方艺术品基金情况介绍 篇十三

艺术品投资基金知识系列

纵观世界艺术品投资基金的发展历史,西方真正意义上的第一支艺术品基金当属英国铁路养老基金会,于1974年诞生在英国。当时的英国经济不太景气,通货膨胀较为严重,英国著名的铁路养老基金(BritishRailPensionFund)的股东们便想要投资以求分散风险和保值增值。于是,他们接受了该基金创始人统计学专家列文的建议,从每年可支配的总流动资金中,拨出5%(约1亿美元)以投资组合的方式进行艺术品投资。曾经参与苏富比年鉴编辑工作的艾德尔斯坦负责打理和保管英国铁路养老基金的艺术品,另一位统计学专家斯通弗罗斯特则负责督导英国铁路养老基金的整个艺术品投资计划,开始尝试投资艺术品。他们每次都只买每场拍卖会最贵、最好的一件拍品。最后,基金共陆续购入了2500幅画作。直到25年后,也就是1999年,才全部售出,总计获利数亿美元,平均年收益率超过了20%。这个案例披露时,恰逢艺术品市场又一轮新的上涨热潮,立刻引起市场关注,并且带动了大批基金转型专攻艺术品投资,一些银行家、投资家纷纷与重要的拍卖机构的资深专家合作,不断地推出新的艺术基金。在英国,还有一家著名的基金叫英国美术基金(FineArtFund),就是雇用了多位艺术经纪人在全球购买潜力艺术品,并引入专业的投资手法,进行组合投资。比如按照3∶3∶2∶2的比例购买印象派作品、古典大师级作品、现代艺术品以及当代艺术作品。规避风险的同时,又确保不错过各个领域的热点。在如此灵活的操作下,这家在2004年才开始运作的艺术基金,到了2006年底已经获利超过59%,被公认为目前全球最活跃最优秀的艺术基金。2009年6月26日,该基金负责人、佳士得拍卖公司的原首席执行官菲利蒲·霍夫曼(PhilipHoffman)曾来到中国,并在上海举办了一场关于艺术品投资的演讲。霍夫曼以伦敦艺术品市场为主要操作对象,投资资本累积达到3.5亿美元,获利则达到了1亿美元。

艺术品投资基金通常是由一些艺术品或金融专家发起,募集拥有一定资产或打算投入一定资金在艺术品上的富翁加入,通过多种艺术品的投资组合,获得最佳收益。除了投资获利外,他们通常还提供艺术品投资、保管、运输等方面的咨询服务及代理买卖。

如原佳士得拍卖公司执行官菲利蒲·霍夫曼主导的美术基金提供了一项投资合伙人计划,即客户可以和该基金合买某件艺术作品,合伙人可以将该作品收藏在他们的家中,并享有美术基金所提供的即时的艺术咨询服务。

艺术品投资基金还可以提供艺术品咨询服务。最初提供此类服务的大多是银行,银行为了对其有艺术收藏的重要客户提供理财规划,特别是如何避开高昂的财富税和遗产税。随着艺术品的市场化,银行相应地提供了更精致的服务,派出艺术专家陪着收藏客户参观画廊、艺术博览会和拍卖会,提供买卖的咨询,其服务对象是对艺术充满热忱的收藏家,而不是用涨幅百分比去号召追求最大利润的投资人。这些服务包括藏品信息研究、价值评估、保管及运输建议、艺术品保险、艺术品修复、代买代卖、收藏策略、遗产规划等。

瑞银(UBS)的艺术投资服务有相当的历史,服务项目也最完整。瑞银自身也从事收藏、交易、买进卖出,并以此影响艺术品的价值和客户的买卖行为。瑞银的ArtBanking是一个成立30余年的收藏和顾客服务机构,其收藏系列包括钱币、古董、传统绘画乃至当代艺术,不仅时常举办收藏作品展览,目前还利用网络策划各种网上艺术展览。在美国的银行中,JP摩根(JPMorganChase)和花旗银行(Citibank)也有艺术投资的顾问服务。JP摩根的创始人约翰(JohnPierpontMorgan1837-1913年)本身就是收藏家。JP摩根是最早从事当代艺术收藏的美国银行,1959年至今这方面的收藏达到了3万件。JP摩根还赞助纽约当代美术馆(MoMA)在曼哈顿的扩建等等。JP摩根自身所拥有的巨大艺术资产以及对当代艺术市场的影响力,进一步确立了其在艺术投资咨询服务上的优势和品质。而花旗银行通常以策展的方式在世界各地向有投资潜力与愿望的客户介绍那些成功的艺术家及其作品,从而有效地引导客户的购买趋向,同时又凭借其在鉴定估价和增长预测诸方面的专长凝聚艺术品的高端买家。花旗银行艺术顾问的另外一个服务领域则专注于收藏家的遗产处理。花旗银行的艺术投资顾问通常不建议客户为了纯粹的投资目的购买艺术品,因为对于艺术品的认识和交易获利,必须立足于许多基础性的研究工作,立足于彼此间的情感互动与诚实信任,因此这必须是原本即对艺术充满热忱的人群才适合的投资形式。

艺术品投资基金的投资方式一般有两种,一种是组合投资,另外一种是单项投资。现在最热门、投资回报率最高的是发现和投资近现代画家的作品,虽然这类艺术品的买入风险相对较小,但是仍然需要非常专业的水平和眼光。艺术品基金一般采用中、长期投资方式,时间较短的为3-5年,较长的为5-10年,一般从第2年便开始获利,其收费方式通常是每年收取2%的费用,如果获利超过6%,则基金会从超过的利润中多收取20%的分红。

作为特例的是美国的菲门乌德艺术投资基金(FernwoodArtInvest-ments),其创

办人为布鲁斯·托博(BruceTaub),他不仅是一位收藏家,更在美林(MerrillLynch)有20年工作经验。他在2005年推出了两个艺术基金,资本金各以1亿美元为限,不限定投资金额的下限,让更多的投资者可以加入。其中一个基金将以每两年为一个周期,接受投资者委托来买卖艺术品,获取利润;另一个基金则以50%的资本购买艺术品,而将其余的50%资本用以提升这些作品的美誉度。基金投资艺术品不像私人投资一样会受到个人喜好的影响,基金主要考虑的是藏品的再出售价值。

14.西方现代艺术美术教学设计 篇十四

中世纪孕育了现代西方文明.必须转换视角,才能真正揭示出中世纪对现代西方文明生成的文化价值.从文化哲学的视角来看,基督教在中世纪的统治是有其合理性的,正是在中世纪这一历史时期基督教的`统治,奠定了现代西方文明的基础.

作 者：郭艳君  作者单位：黑龙江大学,黑龙江,哈尔滨,150080 刊 名：江西行政学院学报 英文刊名：JOURNAL OF JIANGXI ADMINISTRATION INSTITUTE 年，卷(期)：2003 5(2) 分类号：B503 关键词：文化哲学的视角   中世纪   文化整合   社会整合  

★ 传统民本思想及其现代价值

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15.西方现代艺术美术教学设计 篇十五

1. 法国钢琴学派

首先, 法国钢琴学派十分注重表现音乐的内涵。在演奏一首作品之前, 演奏者一定要对作品有一种掘地三尺的挖掘, 同时在这个学习过程中, 逐渐形成自己的理解和感受。比如对于德彪西作品的演绎, 对于这种印象感觉的追求, 每个人都会有不同的理解, 法国钢琴学派就要求首先要鲜明的表现出这种印象性的特征, 然后在此基础上, 在形成自己的独特的演奏风格。很多在法国留学的中国钢琴家, 他们的演奏中就鲜明的体现出了这种特点, 例如许忠先生的演奏, 他好像将每一个音符都进行了精雕细琢, 里面浸润着他对于作品的理解和感悟, 让人感受到是在用心演奏钢琴。

其次, 法国钢琴学派这种对音乐平衡感觉追求。该学派的演奏家在进行演奏时, 基本上保持了从中强到中弱的力度范围, 在他们看来, 作曲家们标出的各种力度符号, 只是他们个人情感表达的需要, 而作为演奏者来说, 要有自己的理解和感受, 任何过弱或过强, 都是一种不优雅的表现, 更多强调的是整个演奏的整体平衡, 而不是某一个点力度的激发和宣泄, 在听惯了大开大合的演奏之后, 法国人对于平衡感的追求, 反正能够给人以一种耳目一新的感觉。

最后, 法国钢琴乐派努力传播本民族的钢琴作品。这一点在法国钢琴乐派的领军人物玛格丽特·朗身上体现的尤为明显, 他以身作则, 拿出了大量的时间和精力, 演奏的法国人自己的钢琴作品, 而且还经常看到他和他的弟子们, 撰写的演奏法国人钢琴作品的感悟和心得, 这种强烈的民族责任感, 是十分值得为我们所学习和借鉴的。

2. 德奥学派

德国和奥地利两个国家, 涌现出了数量最多、成就最大的钢琴音乐家, 从巴赫到贝多芬, 丛舒曼、舒伯特到李斯特, 都是在音乐史上永垂史册的伟大音乐家。该学派在演奏上的特点也是十分鲜明的。

首先是忠实于作品本身, 演奏严谨细致。德国人和奥地利人的严谨在世界上都享有盛誉, 甚至有些刻板的味道。他们认为忠实于作品本身, 是对作品的最大尊重, 像施纳贝尔、布索尼等人, 他们都强调要在这种忠实的态度下, 尽可能还原作品中的每一个音符, 将作品严谨、客观、实在的表达出来。

其次, 德奥学派在音乐内容上又有着丰富的创造力。他们忠实于作品, 并不代表者自己就是作品的搬运工, 而是注重分析作品的内涵, 精确的把握住各个音乐要素之间联系和差别, 将这种严谨的态度和深刻情感体验有机的结合起来, 用一种理智、冷静、沉稳的方式, 表达着作品本身的喜怒哀乐。

最后, 德奥学派致力于自由的人道主义理想, 他们克服了传统方式音乐训练所留下的影响, 演奏作品稳健清晰, 很有动感, 分句和速度自然合理。他们善于组织低音声部线条, 使其进行为音乐织体增添特殊色彩甚至构成复调, 擅长于突出暗伏的内声部, 表达了鲜明的感情趣味。他们善于研究手指运动时的肌肉状态, 首推出弹琴和肌肉运动法则, 提倡肩、臂、肘各部分的互相带动。

3. 俄罗斯钢琴学派

首先, 俄罗斯钢琴乐派具有刚强的音乐气息, 揭示了俄罗斯人们丰富的内心世界, 表现了人们高尚的道德情操。俄罗斯钢琴学派的艺术大师们非常重视本民族音乐作品的旋律特点, 在继承发展古典音乐传统的思想基础上, 努力寻求钢琴的演奏旋律与熟练的表演技巧的合理结合。

其次, 俄罗斯钢琴学派至始至终都将歌唱性作为其艺术的核心特征。因此, 俄罗斯的钢琴艺术家们努力追求的目标就是把如歌的旋律与炫丽的钢琴技巧有机的结合起来, 坚持钢琴的音色应该去更多、更形象的去接近亲切的人声特点, 并且还要使其具备人们发声时的那种丰富的情感。此外, 他们还讲究流动开阔的音乐线条和旋律的发展强度。要求钢琴艺术的音乐表现力既要具有豪迈、奔放的浪漫主义激情, 又要具有明朗细腻的抒情特点。

最后, 在俄罗斯钢琴学派的演奏传统中, 精湛性的技艺是其另一个基本特点。在他们的演奏过程中十分强调手指力度的变化要坚强有力、变化鲜明, 演奏的节奏要做到稳健, 十分讲究每一个音的素质, 并且还要有自己独特的音乐感觉。在触键感觉的控制上, 他们对键盘的控制非常精细。他们反对不讲究胡乱敲打式的触键方式, 赞成“深触键”的方式, 也就是通常所说的“重量弹法”。

二、西方钢琴学派的钢琴教学共性分析

1. 重视对学生扎实基本功方面的强化与训练

在西方钢琴学派看来, 只有学生打好了比较坚实的学习基础, 才能进一步的提升学生的技能技巧、音乐素养。钢琴基本功的训练虽然是一种长期的、枯燥无味的练习, 但却是最直接、最见效果的技术训练方式, 并且它还可以有针对性的、直接的对各种演奏技能进行训练, 因此, 掌握钢琴演奏技巧的基础就是做好钢琴基础练习, 通过大量的音阶、琶音、五指练习、分解和弦、练习曲、乐曲等练习, 达到手指、手臂以及大脑的相互配合的目的。此外, 在初学钢琴阶段, 西方钢琴学派还强调在注意基本弹奏方法的同时, 还要对音乐有一定的初步了解, 为后来深入的了解作品打下坚实的基础。

2. 注重培养学生独立思考的能力

西方钢琴学派认为在钢琴教学过程中, 教师应该成为学生解决学习任务的协作者, 而不是让学生按照教师的意志来学习钢琴, 应该注重培养学生独立思考问题的基本能力。学生在学习钢琴遇到困惑时, 老师就和学生一起解决困惑, 这种与学生一起交流和探讨的教学方法尤其值得我们学习。我国重视言传身教的教学方法, 往往会影响学生独立思考的能力、学习创新的能力、解决困难的能力。钢琴教学不是简单的让学生学会弹奏一些钢琴作品就可以了, 而是应该培养学生独立思考问题的能力, 这样学生在钢琴学习过程中遇到困惑时就会自己思考并解决问题, 而不是一味的依赖老师。因此, 钢琴教学过程中就应该注重挖掘学生的潜在能力, 培养学生独立思考和解决问题的能力。

三、善于运用多种教学手段

由于人与人之间存在着个体差异, 因此每个学生的个人条件和个性特点均不同, 所以, 教师在钢琴教学过程中应该针对不同的学生采用不同的教学手段, 只有这样才能做到因材施教, 进而达到钢琴教学的目标。西方钢琴学派就认识到这一点, 因此强调在教学过程中应该采用不同的教学手段和教学方法, 而不能简单的口传心授, 这一点值得我们学习借鉴。例如:1.启发法, 采用这种教学方法可以让学生主动学习, 积极思考, 找到学习规律,

地方艺术对“盐城生态文化”建设的推进策略研究

蒋励 (盐城纺织职业技术学院艺术系江苏盐城224005)

摘要:社会的进步正伴随着人与自然之间愈演愈烈的矛盾。以可持续发展为目标的生态省建设与规划正成为我国实施可持续发展战略的一个新探索。在盐城市生态省规划与建设中, 我们将生态文化建设作为生态省建设的主要内容与任务, 探索了生态文化建设的内涵与途径。而这其中地方艺术的发展无疑对城市生态起了独特的推动作用。本文从推动地方艺术的策略进行探究, 意在使盐城新兴的生态文化及古老的地方艺术焕发出新的生机。

关键词:生态文化;盐城地方艺术;推进策略

随着社会经济和城市化进程的飞快发展, 自然环境与人类生存矛盾日益尖锐。人口快速增长, 能源的过度开发也带来一系列的生态问题。为了实现经济、社会和自然的可持续发展, 一种新型的城市发展模式——“生态城市”应运而生。

简言之, 生态城市是社会和谐、经济高效、生态良性循环的人类居住形式。生态城市的建设不仅仅要求“硬件”环境的生态化, 还必须有生态化的“软件”环境作支撑。其中硬件环境的建设包括优化生态环境和孵化生态产业两个方面, 而软件环境的建设就是指生态文化的建设。推进盐城生态文化的建设可从本地艺术的传承发展方面来进行策略研究。

随着时代、环境和社会经济结构的变化, 盐城已由传统的农业型沿海小城转变为人口众多、地域辽阔、开放性的工业现代化城市。由于各种外来文化和思想纷至沓来, 滋生传统地方艺术的环境发生了巨变, 在今天高科技、信息化飞速发展的时代环境下, 艺术创作上的多元化, 使得地方艺术在传统与现代之间发生了激烈的碰撞与交锋, 盐城的地方艺术在困惑中寻求出路。

一、地方艺术与城市生态文化建设之间的关系

地方艺术是建立在城市经济基础之上的上层文化建筑, 来源、提炼于现实生活环境, 同时又高于现实, 可推动城市生态文化的发展, 相当于一个桥梁和纽带, 把环境和文化紧密连接在一起。形成以盐城生态文化为基础的地方艺术价值观可促进社会精神文明建设, 促进解决观念、制度、文化以及环境、经济、行政领域内的种种与生态城市相背离的发展趋向, 从而在全社会塑造生态意识、生态思想, 真正构建文明、健康、和谐的生态文明市。

城市生态文化既有精神要素也有有物质要素, 具体分为物态文化、行为文化、体质文化、心智文化四个建设层次。心智文化指导着制度文化的建设, 制度文化又约制着行为文化, 行为文化作用于外界环境, 物化为城市的物态文化, 而人与自然和谐共处的物态文化又陶冶人的情操, 启迪着心智文化的建设, 各层次又在循环往复的作用中, 共同提升城市生态文化的建设水平。

二、结合盐城发展和生态文化建设现状进行分析

为适应时代发展的要求, 如何充分利用好地方艺术与环境之间相辅相成的关系, 努力培养和打造最适合地方艺术发展的土壤和环境, 对地方艺术施以最大程度的人文关怀与人文提升, 积极有效地赋予地方艺术以尽可能多的精神价值、道德品位、文化

以此类推, 进而达到举一反三的教学目的。2.讨论法, 采用这种方法可以充分激发学生的思维活动, 发展学生独立思考的能力, 增强学生的语言表达能力, 同时也有利于教师能够及时掌握学生的学习效果。

综上所述, 钢琴起源于西方, 几乎所有的著名的钢琴音乐家都是西方人, 从这方面来说, 西方的各个国家具有得天独厚的优势, 所以他们钢琴学派的建立时间较早, 发展也比较完善。对于这些钢琴学派艺术理念和特征的分析, 能够和中国当前钢琴事素养与思想蕴涵, 从而让地方艺术资源在不断地汲取、扬弃、兼容与升华中走向完美, 去推动盐城生态文化的建设, 实现城市经济腾飞与环境保护、自然生态与人类生态的高度统一与可持续发展呢?来浅析盐城发展和生态文化建设的现状。

1. 盐城所拥有的地方艺术文化资源:

(1) 海盐文化资源:海盐文化是海盐业和海盐产地历史文化长期渗透形成的, 盐城是在中国海盐史上影响最广的两淮 (专指淮河两岸沿海地带) 盐产区的中心, 海盐业贯穿盐城几千年历史, 使得海盐文化成为盐城地方历史文化的基本特色。 (2) 历史人文资源:从汉代的“建安七子”之一的陈琳, 以讨伐曹操的檄文闻名天下, 到南宋民族英雄陆秀夫, 到元末的施耐庵、张士诚, 到当代的胡乔木、曹文轩。纵观历史, 物华天宝, 人杰地灵的赞誉实不为过。 (3) 红色文化资源:盐城是我国重要的革命老区之一。1940年7月, 陈毅、粟裕根据党中央关于“巩固华北、发展华中”的战略决策, 率领新四军江南主力部队渡江北上, 成立了“新四军苏北指挥部”, 到1941年5月19日新四军部成立, 李少奇任书记, 盐城已成为华中敌后抗日民主根据地的政治、经济、军事和文化中心, 被誉为“苏北延安”。半个世纪的沧桑, 盐城始终不断地传承和弘扬历史, 新四军红色文化也构成盐城城市特色文化层面的核心内容。 (4) 湿地文化资源:盐城拥有世界级品质的湿地生态旅游资源。东部沿海45万公顷海涂湿地是太平洋西海岸亚洲大陆边缘面积最大、原始生态保持最完好的海岸型湿地, 湿地保护区内建有世界上第一个野生麋鹿保护区和国家级珍禽丹顶鹤自然保护区, 为联合国人与自然生物圈成员。 (5) 民间戏剧文化资源:盐城是淮剧的发源地, 素有“淮剧之乡”的美称, 多年来盐城推出许多艺术精品, 涌现出一批像《奇婚记》《鸡毛蒜皮》《太阳花》《来顺组长》《一江春水向东流》等优秀淮剧节目。建湖的“百戏”在唐代即享有盛誉, “庆丰十八团”是我国杂技三个半发源地之一。

2. 本地艺术的现有建设对盐城生态文化的影响:

(1) 2000年在迎宾公园内兴建了盐城历史文化名人长廊, 各县 (市、区) 修复了一批名人故居, 以供后人瞻仰、凭吊;2010年在城南新区建立了海盐博物馆;修建了“盐城水街”, 且在每年的“元宵节”举办花灯展。

(2) 现有作为全国重点文物保护单位的新四军重建军部旧址—泰山庙, 还有全国唯一的专业性新四军纪念馆——盐城新四军纪念馆和新四军重建军部纪念塔——大铜马。此外在建湖县庆丰镇北秦庄还有鲁迅艺术学院华中分院殉难烈士纪念碑和烈士馆陈列室。

(3) 拥有盐城珍禽丹顶鹤和大丰麇鹿两个国家级自然保护区, 这两个保护区均被列入国际重要湿地名录, 加入了世界人与生物圈保护区网络;且在城市交通要道注重以“丹顶鹤和麇鹿”的雕塑形象出现。

对地方艺术在继承和保护方面做得非常到位, 但彰显盐城特色和宣传方面就相对薄弱一些, 应借鉴好的措施和政策来加强对

业发展形成对比, 找出自己的不足, 获得启示和借鉴, 相信在所有钢琴人的共同推动下, 中国的钢琴事业一定能够获得更大的发展, 中国钢琴学派的建立也指日可待。

参考文献

[1].付占文.欧洲钢琴艺术史概论.北京:首都师范大学出版社, 1999.

[2].鲍蕙荞.倾听同行一中外钢琴家访谈录.北京:中国文联出版社, 2002.