摄影部的自荐信

摄影部的自荐信（共11篇）

1.摄影部的自荐信 篇一

尊敬的店长：

您好!

昨天在xiexiebang上看到你们影楼的招聘广告。我觉得自己十分适合这份工作的，所以写了这封自荐书，希望你们影楼可以考虑一下我。

我学历不高，是一名中专毕业的学生，在外面工作已经有一年多的时间了。接触摄影是因为我的一个朋友，他也是一位摄影师。主要是负责婚礼跟拍的。我觉得这个职业挺好的，可以用我们的相机，我们所拍出来的照片记录新郎新娘最幸福最甜蜜的笑容。于是，我用了我自己一年以来工作所存下的钱去买了单反，开始了我自己的摄影之路。读过很多关于摄影方面的书籍，也跟过网上认识的朋友外出拍人像，帮过朋友拍婚礼等等。但是我知道自己距离一名职业的婚纱摄影师还有很长的路要走。所以，我希望贵影楼可以收我为学徒，到贵影楼学习。我一定会用心去学的，希望你们可以给一次机会我。

最后，谢谢王小姐看完了我的这封自荐书。在这封自荐书的后面，附带了我这一年多所拍下的一些个人比较好的摄影作品。希望王小姐可以给点意见。期待您的来电。

此致

敬礼!

求职人：

2.摄影部的自荐信 篇二

专题摄影是对新闻事件的深度报道。将“专题”这样一个词,同摄影结合在一起,把被摄对象作为一个整体、一个过程加以反映,就不仅仅是某一事件或人物活动单一的纪实,而是较全面地报道新闻事件,或者着眼于提出问题、分析问题、解决问题。专题摄影往往是围绕一个主题,选用多幅照片来较全面地反映事物的发展和运动,揭示其社会意义的。由于一个专题摄影是由几张照片组成的,这些照片的组合一般都具有以下特点:组成专题摄影的多幅照片之间必须有一定的结构方式和内在联系;专题摄影中的几幅照片并不是一般地描绘事件的过程,而是要共同阐明主题,每一幅照片在表现主题思想上可能是不完整的,但绝对不是可有可无的;每组照片中,应该有一幅能充分体现主题思想的“点题”照片;文章和文字说明力求简洁,其格调应与专题摄影报道的主题思想及表现方式相适应。

美国《生活》杂志对该社摄影记者提出的8点要求,被公认为拍摄专题摄影的基本原则。第一,全景或者对主题带有介绍性的照片:通常是广角或者是从高角度观察的全景镜头。第二,中景:对一群人或者一些活动的描写。第三,近景:把镜头集中到专题中的某一个元素,如人物的手或者建筑物的细节。第四,肖像:或者是人物表情丰富处于情感高潮的面部特写,或者是人物处于他的生活环境中的照片。第五,关系照片:表现人物之间交流的照片,反映他们之间的关系。第六,典型的瞬间:对于这个专题有概括意义的照片,包含许多专题的关键要素,通常也被称作决定性瞬间。第七,过程照片:包括开始、经过、结束,前后的比较。过程照片使专题有一种发展运作的感觉。第八,结束性的照片或者可以称作结尾,将故事引向结束。

专题摄影主题的确定。专题摄影的多幅照片具有多角度展示不同人的心态、神态、姿态,使之典型化,进一步开掘事件主题深度的优势。因此,专题摄影大多是对改革开放大潮中的新事物、新经验、新问题、新生活、新成就的深刻报道。拍摄主题直接决定摄影作品的新闻价值和社会影响力。主题选择得好,新闻摄影作品体现的信息容量才越大,新闻价值才越高。摄影主题反映的可以是时代的变迁和缩影,也可以是生活的一个瞬间。具体到某一事件,应是最具有象征性的,把典型性的瞬间凸显出来,通过画面形象表达记者的认知和情感。选择好一个主题后,要以百姓为主角,用平民化的视角反映基层百姓生活的酸甜苦辣;要根据所了解到的现场实际情况,预先构思好拍摄思路,有步骤地进行操作,全方位展现主题思想,展现主角人物的喜怒哀乐,细致刻画人物的精神面貌,深入地反映出事件的发展进程和结果。这样拍出的作品,视觉冲击力才够强,才富有新意,才能获得观者的共鸣,引发深层次的思考。

专题摄影可分为两种类型,第一种专题类型的摄影报道是依靠照片所提供的形象来叙述事件、刻画人物。它不借助文章的串联,只用简洁的文字交代一下照片所不能表达的背景,就把主题思想阐述得清清楚楚。这种类型的专题摄影能充分发挥摄影的造型特点,富有强烈的艺术感染力,是我们常说的那种让“照片说话”的专题摄影。它既能很快抓住读者的心,又能给读者留下回味的余地,给人以启发和联想。第二种专题类型的摄影报道是图文并茂,这种类型的专题摄影往往需要通过文章来交代背景和一些情节,以及必要的新闻要素。如果离开了文章,就无法阐明整个主题。这类专题摄影报道要求记者不但要拍好照片,还要写好文章,文图并茂才能加强图片的感染力。

专题摄影的表现方法涉及主题的确定、题材的处理、对内容表述的形式,以及突出特点、抓细节等,要尽可能寻找更新的题材和更好的表现手法。要将图文有机地结合在一起,力争做到瞬间、角度多样化,内容丰富,信息量大,以多样的摄影风格给读者带来更新鲜的视觉感。

专题摄影的取材。任何关注现实,反映社会热点、变化的内容都可以用专题形式表现。要求摄影者从大处着眼,小处入手,对拍摄对象有深入的研究和了解,做好充分而详实的案头工作,随着拍摄进程,列出一个拍摄提纲。要达到专题摄影的深度,摄影者要有独立思考能力,不被拍摄对象牵着鼻子走,要独立、冷静、平衡地去拍摄。专题摄影题材是十分广泛的。例如,日新月异的社会发展;改革开放过程中涌现出来的先进人物;一些体现新观念、新思想、新风采的现实生活,以及为广大群众所关注的、有传播价值的突发性事件,都可以成为专题摄影的题材。突发性事件是现实生活中矛盾冲突激化时的表现,专题摄影报道能真实而全面地再现事件发生、发展的现场,以及事态的变化。比如2016年南方特大洪水的一组组展现正在发生的具有献身精神的英雄画卷,围绕军民团结一心抗洪抢险这一主题,活生生的场面使人有身临其境之感,起到了鼓舞人、教育人的宣传作用。

专题摄影要突出特点。在专题摄影报道中抓特点、表现特点,是重要的表现方法。所谓特点,是指最有代表意义的部分。专题摄影抓特点,包括抓时代特点,表现时代精神;抓人物特点,刻画人物个性;抓事件特点,体现社会意义。这些特点是通过照片形象来表现的,因此在取材上,不但要求能反映事物的本质,而且要富于形象特色。

抓取情节、细节是专题摄影中不可缺少的表现方法。情节是阐述主题思想的过程,是人物活动的连续线,能加强所报道的事件或人物的感情色彩。没有情节的专题摄影是没有生气的,不会激发人的情感。实践证明,采用专题摄影报道不仅能使报纸的报道形式更加活泼多样,也增强了新闻摄影的报道深度。

摘要：专题摄影报道是现阶段逐渐开始引起受众注意的一种报道形式,这种报道形式不同程度地满足了人们在短时间内了解更多信息的要求。

关键词：专题摄影,新闻图片,摄影记者

参考文献

[1]骆飞.论专题摄影的突破与创新[J].军事记者,2004(11):34-35.

3.摄影与摄影无关的年代 篇三

与此同时，一个问题像闪电一样频频划过夜空。近十年来，几乎每年专业媒体都会做这样一个调查：你认为摄影记者还会存在吗？

令人悲催。读图时代，为何职业摄影者的身份反而变得岌岌可危？

不能简单说，仅仅是因为大众掌握了手机和微博。因为工具和平台同样对职业摄影者开放。那么，或许透过对一个职业性摄影赛事的解读，能找到指向答案的某些线索。

今年世界新闻摄影比赛（荷赛）的结果一公布，国中便有人雀跃欢呼：由年度图片看，荷赛终于摆脱了战争灾难、暴力美学，实乃一大进步！此观点引发不少共鸣，由此十分顺理成章地展开了一系列对荷赛的无情批判，并得出一个深刻的结论：在转型这档子事儿上，当代艺术比新闻摄影灵敏多了。

果真如此吗？

表面看荷赛的年度图片，几乎永远都是战争灾难、妇女儿童，50余年，确实有点“嗜血基因”、“审美疲劳”的嫌疑。但这里面有个常识：战争灾难，是拍摄题材；妇女儿童，乃拍摄对象，他们都不是一张照片的终极目的，也不是一张照片最根本的评价依据。照片的终极目的，是它所要传达的观点与意义，或者说是一种价值观；正是在这个层面上，视觉形式有了精心锤炼的必要；对照片的评价，也才与摄影的本质具备了紧密的关系。荷赛对战争灾难的持续关注，与其说是对题材的偏好，不如说是它内在的价值观驱使它保持着这一姿态：永远对那些正在发生的现实问题保持直接、逼近、尖锐的反映和揭示；永远对那些备受煎熬的命运保持真实的痛感——新闻摄影，永远要对人类自身的困境发出声音。这就是荷赛作为一项国际性新闻摄影比赛的核心价值，也是它举办57届以来，虽有诸多质疑但依然是这个行业标杆的根本原因。

因此我们知道，这一届年度图片，虽然画面是高举手机的海边剪影，但落脚点却是颠沛流离的非洲移民，它不表明什么进步，也和转型毫不搭界，它只是再一次证明：荷赛的价值观从来没有改变过。无论它如何调整评选设置，无论其视觉呈现如何变化，它始终以恪守它的准则为基线。除了年度照片，本届荷赛其它所有类别的获奖作品，基本上不是天灾就是人祸——这就是荷赛。

因此，所谓“荷赛进步了”的欢呼，不过是一次一厢情愿、自以为是的误读。

这种误读，以及对这种误读的集体认同，暴露了一个隐蔽而严肃的问题：如果我们本能地只根据拍摄题材和拍摄对象来下结论，实际也在说明，我们的目光所及只停留于照片表面，而无法深入。我们只能在照片的外围指手划脚，而无法在它的核心指点江山——我们没有意识到，这个行业实际上是依靠一种价值观来支撑；如果非要说到与新闻摄影相关的新闻专业主义，那么它是指独立、客观、服从于公共性，而不是“仰拍、广角、精致”这样的技术性描绘——还是与新闻专业主义相违的技术性描绘。

恰恰因为我们无法在核心价值观上讨论新闻摄影，因此我们只能在技术层面解读另一个场域中的新闻摄影；只能在题材、对象的范畴推演这个摄影的态势；在形式上遍地开花地模仿着，却总有为何“学不像”的困惑——所有的一切都不涉及本质问题。

我们围绕着摄影高谈阔论，所有的话题热闹好听，甚至义正辞严，所得到的结果只有一个：让摄影，变得与摄影无关。

到这里，大致可以回答前面的问题：读图时代，为何职业摄影者的身份反而变得岌岌可危？因为我们失落了一个宝贵的东西。不是发行量，也不是广告额——虽然表面看如此，而是我们的影响力——信息、真相、观点和信任源头的地位——一种媒体应该具有的价值观的体现。或者说，在一个信息爆炸的时代，一张照片得以传播的根本理由。我们非但没有意识到这一点，同时自身也在加剧这种失落。

所谓读图时代，并非指这个时代充塞着无穷多的图片（每年全世界产生的图片数以百亿计），即并非以图片呈现的数量、频率和规模来定义，而是以话语更集中在图片上来定义的。也就是说：当人们不再以文本为中心来诠释自身和身外，而是将它们（尤其是本身非视觉性的事物）予以视觉化，并使之成为一种对世界的“正解”时，“读图时代”才真正来临了。在这个过程中，图片的意义更多的不是指其物质化的存在，而是指其代表的以图的方式呈现的理解。

在这个背景下，我们不禁要追问：职业摄影者提供了多少称职的“正解”？

短短数年，国内最大的新闻图片网站OF？与摄影师签约分成的比例就由5：5变为7：3。销售渠道变得如此强势，而产品如此低廉，你能说仅仅是因为互联网时代渠道成为关键因素？

当下传统媒体纷纷转型，最红的当属“全媒体”之路：指媒体单位通过业务融合的方式，整合出版、网站、微博、微信、移动应用等全部的传播产品，实现终端渠道上的高覆盖率。这个看似新颖的概念，源自美国道琼斯的“波纹理论”：即将独家新闻垄断，转变为多级内容倾销，同一条新闻可以在其旗下的各种媒体上卖上七次，从而最大限度地降低边际生产成本，最大化地产出综合收益——读者再怎么跳，也跳不出其媒体矩阵的包围。但是，这样的“全媒体”真的能够运作起来，必须要强势的媒体地位、人力品质和内容资源进行强强叠加，形成足够重量的一块石头，击起的波纹才能足够深远。否则也是徒劳无功。《纽约时报》曾砸了4.1亿美元收购about.com，却无法与自身匹配，最后只能将其降价1个亿转手。

在“全媒体”好看的面子概念之下，摄影记者正在转型为视频记者，更多的情况是，一个记者同时写文字、拍照片和录制视频并担任主持人。显然，这只是一堆并未经过深加工的新闻素材，一个消息，一个场景，一段事件，而非真正的“新闻”。

一个路人拿着手机都能拍一张现场照片，新闻的五个W，他大约能解决四个：时间（when）、地点（where）、人物（who）和简单的事件描述（what）。但他没法解决最后那一个W和那一个H：即“为什么”（why）和“如何形成”（how）？这些，只能由专业的新闻记者来完成。信息的采集、发布已经不是新闻记者的优势和特权，分析、判断才是他们的强项。而照片不仅仅是现场，而是观点。因此，美国芝加哥太阳报解散了摄影部之后，又再次重组；而法国解放报干脆在一期报纸上将所有图片的位置都变成空白，以此来提醒人们，摄影，在我们这个时代，究竟意味着什么？那些仿若走失的图片，和我们随处可见，避之不及的影像，又有着何种区别？endprint

如果我们简单地将摄影区分为置于艺术、大众和媒体中的三种形态，它们的共同之处就是：都是以视觉表现的方式关心人类的生存质量和生活质量——这是当代艺术的核心，也是每一个活生生的生命的核心，当然更是新闻摄影的核心。而不同之处在于：新闻摄影采集真实、明确的信息并予以专业水准的视觉化，使人们在获得必要信息的同时获得一种对信息的理解与判断。当代艺术中的摄影却不追求语义的明确与真实，同时它将理解与判断的权力交给观看者。而大众摄影，或者说全民摄影，更像是一种对于生活半径以内事物的随机性与个人化纪录。当代艺术家，有时会将新闻摄影作品或是大众摄影作品作为其创作的素材，以达到一种解构现实的效果。

这三种形态的摄影都要进入传播渠道，当代艺术希望传播成为一种互动，是N向的碰撞和发散。新闻摄影也有互动，但是在传者与受众之间进行，目的是为了进一步地将事实确定，观点明晰。至于大众摄影的传播，在人际传播之外，必须借助公共性平台。而到达公共性平台之后，并不可能处于完全平等地位。你的影响力取决于粉丝数，某种意义上说，依然是那些掌握了话语权的人，掌握着大众的声音。

因此，将当代艺术与新闻摄影比较，以当代艺术的语义开放作为标准，而得出新闻摄影转型落后是一个令人哭笑不得的结果。这是另一种让摄影与摄影无关的做法——在一种混乱中，将摄影本身变为一个单一标准的衡量物。

阿诺德·汤因比在《历史研究》一书中说：我们时代的一个特点，是由于现代技术惊人的进步，导致“距离消除”，现在历史被如此迅速地创造出来，以致它常常令我们惊诧不已。

去年新浪微博刚刚获得阿里巴巴5.86亿注资，中国互联网信息中心的报告便称“微博用户一年减少近5000万”，微博俨然已成落伍的传统媒体。与此同时，来自日本的苍井空、波多野结衣老师们却通过微博，在一个流行盗版的国家赚到了比拍片更为丰厚的利润回报。这些此起彼伏的媒体波动，暗示着媒体的变化实际上是与社会人群的需求和体验息息相关的。

新闻摄影，可以十分敏锐地反映这种需求和体验。但是，这个行业面向新媒体的焦虑，将它的迷茫一览无余。它成为一面镜子，映照出整个摄影的样子。

4.摄影部的自荐信 篇四

所谓的灭点就是现实空间中那些相互平行的两条或多条直线, 在经过相机拍摄后, 在图像平面上汇聚成的一点。设有四点, 它们在一条线上, 简称为共线四点, 它们相互组成的线段用比值的方式表示出来, 这样的关系就是交比。如图1所示, abcd四条直线汇聚于一点, 再在连接四条线的直线, 四条直线在作的这条直线上的交点为ABCD四点, 其中把AB称为基点, 把CD称为分点, [A, B]表示A, B两点之间的距离。然后就可以用以下公式将交比表示出来:

实际操作中交比关系会有一些变化, 但经过总结, 以下几个基本性质是不变的。

(1) 交换基点和分点, 交比值不会改变:Cross (CD, AB) =Cross (AB, CD) ;

(3) 同时交换基点和分点的位置, 交比值不改变, 即:Cross (BA, DC) =cr;

(4) 若交换交比中间两个点的位置或两端两点的位置, 得到新交比的值等于1减去原来交比的值, 即:Cross (AC, BD) =Cross (DB, CA) =1-cr。

交比是仿射变换不变量, 在同一条直线上可以多次嵌套应用交比, 从而计算出该直线上任意两点的距离。在本文中, 平面距离量测都是基于交比理论, 因此下面介绍基于交比的平面距离量测的方法和理论。

二、实验

使用数码相机 (Canon EOS 700D) 拍摄照片, 图像像素设为4752 3168。分别在焦距为18mm、24mm、35mm、50mm、85mm、135mm时, 在不同拍摄角度, 即15°、30°、45°、60°、75°, 拍摄长宽相同的地砖。图2为焦距18mm, 拍摄角度为15°时拍摄的图像, 图中V点是灭点。本次实验验证了前面原理提出的基于交比对单幅图像进行测量的理论, 同时将测量值与真实值之差的绘制成表格, 用表格和图表的形式表现量测值与真实值之差的分布规律。

求得的d1、d2、d3、d4分别为X1X3、X1X4、X1X5、X1X6量测的值, 单位为cm。然后分别求得X2X3=11.624、X3X3=11.292、X4X5=10.736、X5X6=11.219。所得数值与地板砖边长及缝隙长度的和11.6数值相减, 取绝对值, 得到测量的误差值。然后与实际每个地板砖边长及缝隙长度的和11.6cm相除得到误差百分比, 然后将所得的误差与实际边长的比值所得的百分比以表格的形式列出 (表中空白部分因角度和焦距原因无法得到测量数据) 。

将上表数据以图表形式表示出来, 以下是当焦距一定时, 不同角度拍摄的误差数据的折线图:

可以看出, 当拍摄焦距为18mm时, 角度为30°和60°的误差相对于角度为15°和75°小。当拍摄焦距为24mm、30mm、50mm和85mm也是服从相应的规律。于是从整体看数据以及画出的折线图可以得出这样结论, 即当拍摄焦距一定时, 拍摄角度在中间时比角度太大或太小量测的数值的误差小。因此, 基于实验可以得出具体的误差值以及相应的误差分布规律, 即当拍摄焦距一定时, 拍摄角度不宜过大或过小。

以下是当角度一定时, 不同焦距拍摄的误差数据的折线图:

可以看出, 当拍摄角度为15°时, 焦距为18mm、24mm和135mm的误差相对于焦距为35mm、50mm及85mm大。当拍摄角度为30°、45°、60°也是服从相应的规律。于是从整体看数据以及画出的折线图可以得出这样结论, 即当拍摄角度一定时, 拍摄焦距在的数值在中间时比焦距太大或太小量测数值的误差小。因此, 基于实验可以得出具体的误差值以及相应的误差分布规律, 即当拍摄角度一定时, 拍摄焦距不宜过大或过小。

三、结论

基于实验中对摄影测量值与真实值之间的量测的误差数据分析, 可以得出具体的误差值以及相应的误差百分比, 即当拍摄角度在15°至75°, 镜头焦距在18mm至135mm时, 摄影测量的误差百分比为0-7.97%之间。但是拍摄角度对摄影测量误差有很大的影响, 当拍摄角度为60°时, 摄影测量的误差百分比最小;而镜头焦距对摄影测量误差的影响不大, 其摄影测量的误差百分比变化不大。

摘要：本文根据摄影透视原理, 在未标定的单幅图像中进行摄影测量, 通过拍摄不同角度和不同焦距的照片, 得出了相应的摄影测量值与真实值之间的量测的误差数据。通过大量的模拟实验来研究测量中误差的分布规律, 为交通事故现场摄影测量误差范围分析提供依据。

关键词：摄影透视,摄影测量,误差分析

参考文献

[1]张祖勋, 张剑清.数字摄影测量学[M].武汉:武汉测绘科技大学出版社, 1996.

[2]代雪晶, 宋瑞波, 单大国.利用摄影镜头透视关系实现现场摄影测量的研究[J].刑事技术, 2010, 03:26-28.

[3]陈建平, 景天然.道路交通事故现场图快速测绘技术[J].重庆交通学院学报, 1996, 15 (1) .

[4]李孟山, 李少元, 李继平.一种快速处理交通事故的方法[J].铁路航测, 1997, 3.

[5]张彦辉, 王界茂等.道路交通事故现场快速测绘系统[J].解放军测绘学院学报, 1999, 16 (1) .

[6]霍胜民, 张京明, 张亮.道路交通事故现场图绘制软件的开发[J].交通与计算机, 2000, 18 (6) .

5.摄影语言在摄影创作中的运用 篇五

摄影艺术是光与影的艺术，光是摄影的命脉和灵魂，无光便无影。完成摄影的过程需要光，塑造艺术形象也依靠光。光线在摄影中不仅用来照明被摄体，它还担负着传达被摄体的某些信息，如被摄体的形状、色彩、质感、空间、体积等，都必须通过光线的巧妙运用才能表现出来。刘半农先生曾说：“景物虽好，而不能采取适当的用光，画面仍是死的”。光线的合理运用不仅反映出摄影创作者的个人品位，从某种程度上也影响着作品的成败。创作时，我们不能单从表像观察光、而要在实际的构思中去灵活运用光。掌握光的效应，摸透光的变化规律，充分了解光的变化对艺术形象的塑造带来的视觉效果。以自然光为例，由于色温的不同，早晨和傍晚拍出的画面就呈现出两种截然不同的调子，烘托出不同的画面氛围。如本人在拍摄哈尼梯田时，在同一地点，依据光质、光效、光色的不同，拍出的作品视觉效果各异。因此，在实际拍摄时，我们要留意光源的变化、了解光线的特点、巧妙地驾驭光线，使熟悉的、平常的被摄形象向陌生的、神秘的形象转化。

影调和色调的处理是创造摄影艺术形象的又一手段。我个人并不赞成影调和色调对艺术形象的塑造谁优谁劣，只要处理得当，学会判断，做到预先视觉化，都会起到意想不到的效果。黑白摄影中，我们可以利用光线自由地处理画面中的线条和结构，排除色彩的干扰，把被摄对象通过黑白灰的关系表现出来。黑白摄影虽然没有艳丽的色彩，但其具有高度的抽象性和概括力，能赋于艺术形象一种“似与不似”之间的神秘感，让人充满想象。美国摄影大师韦斯顿的作品《青椒30》、《贝壳》等系列，都是通过黑白灰的影调关系塑造艺术形象，其作品内涵已经超出了被摄体本身所固有的含义，作品让人过目不忘。我拍摄了不少黑白作品，总结其经验：我个人认为最关键的是必须理解黑白胶片的感色性及被摄场景所产生的明暗反差，拍摄时能够做到排除色彩的干扰，把五彩缤纷的世界用黑白灰的关系表现出来，使画面上的艺术形象产生强烈的视觉表现力。彩色摄影主要运用摄影中三原色三补色的原理，在画面组织上借助各种对比关系（冷暖、虚实、动静、新旧等）塑造艺术形象以取得强烈的视觉效果。面对被摄体，应综合分析比较，黑白和彩色哪种对艺术形象的塑造更富表现力。我看了很多战争中对伤员的拍摄通常用彩色来表现，我想是因为事件的冷酷无情使主题得到了强化。荷赛中一位摄影师在拍摄盲人这一主题时，在形式上就是运用了强烈的色彩来表现，赋予作品很深的内涵，因此作品脱颖而出，获得国际大奖。彩色摄影对艺术形象的塑造，我认为最重要的是要处理好画面中的各种对比关系，力求画面视觉均衡统一，避免画面过“花”过“乱”。所以在实际创作中对摄影语言的运用我并不选择放弃色调或偏好影调，只要对艺术形象的塑造达到预期效果，两种表现手段兼可用之。

除了光线、影调与色调外，线条对艺术形象的塑造同样具有表现力。英国美学家克莱夫·贝尔曾说：“艺术是有意味的形式”。19世纪抽象主义画家康定斯基、蒙德里安在绘画创作中，把所有的物体概括成许多的直线和垂线，使作品具有很强的形式感。自然界中的任何物体都有其特定的形状，而这些形状的物体都存在着边缘界限，将这些边缘界限抽象化，就会产生各种各样的线条。例如哈尼梯田就是由许多的曲線组成。这些形象化的线条对摄影构图很有帮助，它们不仅美化了画面，而且还成为画面的视觉中心。梯田的这些曲线表现出强烈的动感，能使人产生一定的联想。因此，在实际创作中要特别讲究线条的设计和运用。要学会通过细致而敏锐的观察去发现和提炼线条。善于利用角度，光线，镜头等手段，把艺术形象的外沿轮廓加以突出和强调，使艺术形象更鲜明、更生动。强调一点的是，有些唯美主义摄影者运用线条一味追求画面美感，有时过分强调画面“对称”和“均衡”，却使画面显得过于呆板。我个人认为：艺术摄影创作中，线条对画面的表现应遵循“统一中应有变化”的原则。

艺术摄影中，镜头感的合理运用也可以强化艺术形象的表现。战地摄影家罗伯特.卡帕曾做过这样经典的论述：“照片拍的不够好，那是因为你离的不够近”。这里的“近”除了我们要长期深入生活，用心交流和体验外，也深刻的表明镜头感对艺术形象的表现力。我们应依据被摄对象自身特点灵活选用鱼眼、广角、标准或摄远。摄影家曼瑞曾说：“与其拍摄一个物体，不如拍摄一个意念，与其拍摄一个意念，不如拍摄一个幻梦。追踪、虚焦对艺术形象的塑造也能获得一种特殊情调。在有些作品中，利用夸张、变形等摄影语言甚至可以使艺术形象变成超现实的。

经典的摄影作品，是摄影家艺术劳动成果的结晶，是其艺术修养的浓缩。塑造经典的摄影艺术形象，除了好的选题外，在摄影语言的运用上应细细推敲考究。只有好的主题和经典摄影语言的高度结合，才能创造出典型的艺术形象。这就需要我们平时多努力培养和锻炼自己的审美能力、对摄影语言的把握能力、对典型瞬间的感知能力，力求在光、影、色最佳组合的瞬间，创作出想象大胆、构思奇特、意境深远的摄影佳作。

（作者单位：红河学院美术学院）

6.摄影部的自荐信 篇六

顽固的相机使用者虽然坚称他们的照片质量还是要胜过手机照片，但这些人中“偷偷”用手机拍照，从中享受便利与快捷的人也日益增多。总之，用照相机拍照在长期内都还将存在，但绝不会增多了，因为它与手机拍摄的“效果距离”越来越接近。既然效果差不多，既省事又省钱，何乐而不为？谁晓得，苹果或索尼这些公司的高层策划者们，是否在背后正揶揄尼康或佳能这样的大傻冒，他们的下一个目标很可能就是要将所有的相机送进古董店。别提什么档次和质量，除了照相机的那个讨人喜欢且深入人心的外壳，其他都不是问题。在人的天性面前，一切都不堪一击，时光倒流40年，有谁能想到制作精良的德国金属相机如今已是象征意义大于实用价值的摆设。摄影的照相机时代正在逝去，谁也挽留不住。

摄影的娱乐性高于职业门槛，而作画的职业门槛高于娱乐性，所以能拍上几张照片的人明显要多于能画上几笔的人。当摄影比画画儿贵的时候，这个问题并不突出，现在摄影比画画儿便宜多了（指手机拍摄），情况就发生了逆转。而在摄影的娱乐性方面，照相机功不可没，很早以前，许多人是冲着照相机学摄影的。照相机，特别是制作精湛的小型照相机，应该数得上是人类进入到现代文明阶段以来最好玩的掌上玩具。

100多年来，照相机的成像原理并没有发生本质变化，在外观上却不断有出色表现。有统计显示，超过67%的相机购买者是在看了相机的外形和品牌之后确定购买意向的，另有10%的人考虑到价格因素，只有20%多的购买者将照相机的功能作为第一参考条件。

至少比较喜欢照相机的英国女王应该划在67%的相机购买者之列。根据“非正式发表”的照片，英国女王使用过的三种款式相机都是外形不凡的德国货。一款是著名的徕卡M3白机身带棕色皮套，另一款是禄莱双反，还有一款是禄莱135镀金小型机。以上都是胶片相机，好像神通广大的狗仔队也没拍到女王使用数码相机的场景。徕卡M3型相机是135旁轴相机的顶峰之作，诞生于上个世纪50年代，最近在香港的一次拍卖会上，且不说相机本身，光英国女王用的那个M3棕色牛皮套就标价近1万港币。

除去大画幅座机和后来的单反，135便携式相机的上百个品牌在外观上不是追随徕卡就是企图在徕卡的基础上有所突破，但铁杆相机迷还是最认徕卡，这也是现在世界上只有徕卡相机仍抱残守缺，不计成本地生产老面孔相机的原由。德国首创，其他国家跟风，小日本来点儿新花样，相机制造几十年就这么下来了。相机的主流颜色一直以来都是非白即黑，别的颜色也不是没有，但产量都不大。手动胶片相机的白壳时代持续了大约40年，也就是1940到1980年代；后来渐渐被黑壳相机所取代，现在白壳配白镜头的照相机基本已绝迹。1950到1960年代，是白壳手动胶片相机的黄金时代，确曾迷倒万千摄影爱好者。早期金属相机的白色非原始色，乃铜或合金镀上白色镀层而已。但就这一条，世上就没有一个国家能与日耳曼民族一争高下。德国相机的白色镀层晶莹细腻，其他国家任凭使出吃奶的劲儿也赶不上，尤其是前苏联相机，且不论性能如何，单凭那外壳和皮套的工艺，差的就不是一星半点儿。

1945年德日法西斯战败后，卧地喘息了大约五六年，到了1950年代中后期，德国和日本相机工业的尾巴又开始翘了起来。主要是这两个国家工业底子好，再加上战胜国限制战败国的条约一大堆，这也不让干，那也不让造，鼓捣个相机总还可以。日本战前的相机工业几乎是空白，有条件摄影的干脆都买欧美货。而德国就不一样了，战前相机工业的底子厚，像禄莱、徕卡、康泰克斯、蔡司这些品牌已经有了，并且都已在世界上打开了销路。虽然相机及光学制造的中心德累斯顿（Dresden）让盟军给炸了个稀巴烂，但精通相机制造的技师和熟练工人都是长腿的，很快跑到西德去了。这些人既不像导弹专家那样吃香，也不似死硬纳粹分子那样恶贯满盈，总之技不压身，到哪儿都有用武之地。所以德国特别是西德的相机工业恢复得很快，法兰克福一带又成了新的相机制造业中心，只10年光景，就已全面超过二战前的水平。德国人的民族性做事认真死板，一丝不苟，不凑合，连煮个鸡蛋都有定时器。早了皮不好剥，晚了蛋黄又老了，正负时间差掌握在2秒钟左右，以这种作派来制造相机，结果可想而知。日本相机工业则是在抄袭德国产品的基础上发展起来的，后来虽也有些创新，并在性能方面似乎还略胜一筹，但在价格上却总是比德国相机便宜不少。所以说世界名牌的名声一旦确立，就够后代人吃几辈子的。

在1960年代以前，全世界不下20个国家都在制造相机，捷克、意大利等国都在其中。但绝大多数国家的相机都属区域性销售，跨国销售、主打国际市场的主要是德日两国的产品。所谓的国际市场，其实就是美国，当时美元值钱，美国人的收入也高，买得起好相机。其他国家除了上流社会，只能消费本国或二流国家的简易相机。别看当时中国不富裕，国家级的摄影单位和省市大报的专职记者一律使用德国相机，徕卡、禄莱是主流机型，什么英国相机、美国相机都不在考虑范围之内，苏联和东欧国家制造的相机更是上不了台面。大约到了1970年代以后，日本相机开始露脸了，中国的摄影单位也渐渐接受了日本相机。价格并非主要因素，关键还是日本相机确实好用，也较皮实。单镜头反光相机在对焦取景方面确有优势。著名的徕卡相机在推出最经典的M3后，又相继推出M4、M5、M4P、M6，此外还有M2等，价格是哪个都不便宜，但都是新瓶装旧酒，没有实质性的改观。后来不得以，徕卡也出单反了，但市场反应并不好。直到现在，业内最认的还是M3。在今年5月香港相机拍卖会上亮相的一款1954年制造的A品相M3估价120万到180万港币；一个徕卡镀黑机身的M3卖的还贵，可见徕卡这个品牌了得。徕卡相机是好，但一贵了就让使用者放不开，处处小心翼翼，像个娇宝贝。现在有钱人多了，买个莱卡也许算不了什么。我记得很清楚，25年前，M6加两个镜头就已超过两万奔三万去了。当时北京城中心宣武门教堂边的商品房一平方米售价是3000元，现在是7万，如果这么比，徕卡是便宜还是贵了，自己算算吧。

在摄影的照相机时代，拥有一台照相机是玩摄影的第一条件，如果想临时用一下，除非特穷的地方，借用一下还是可能的，但进口相机很少外借。1970年代以前，中国有条件的人家买不起西德相机的也可以买东德的，都是德国，后者的价格却只是前者的一半，质量也是一半。当时有苏联相机的人家也不少，唯独日本相机，直到1980年代后才逐渐多了起来。1980年，北京市场开始出售日本产理光单反相机，最便宜的一种也要卖540元，这个价格一般人是买不起的。其实，文革还没结束的时候，北京市面上已能够买到全新的日产佳能相机，属于傻瓜相机一类的，标价850元。如果要买二手货，信托商店寄卖行里都有，毕竟是首都，出国的人，海外来客，各色人等都多，只是相机个个都不便宜。

当时，90%以上摄影者首选国产相机，价格是主要制约因素。国产相机当时产量都不高，主要供应大城市和省会，小地方并不能轻易买到。直到1980年代初还是这个样子。30多年前出的老摄影刊物里经常能看到摄影爱好者因买不到相机而发牢骚的小文章。江西乐安县的一位读者说他就想买一台海鸥203型相机，奋斗了几年都没如愿。为此，他自费到南昌寻觅无果，索性给上海照相机总厂写信求购，回信说让他到北京一机部（即“中华人民共和国第一机械工业部”——编者注）仪表局先申请相机购买指标。弄得这个叫李新治的人哭笑不得，自说，“一机部能直接给一个农民批相机指标吗？”类似这样的例子还有四川云阳县的严仲秋、广西浦北县的谢昌松，以及内蒙古、浙江普陀县、解放军驻青海格尔木的摄影发烧友或通讯员，他们都在为购买一台最普通的国产相机而发愁，有的自费上省城，有的干脆到北京或上海，但都是空手而归。敢说现在相机制造厂家的老板得知这些可歌可泣的买相机故事都得激动得泪流满面。如今，甭管哪国相机最愁的就是没买主，你买1万台他都敢答应。真是三十年河东，三十年河西。

现在如果有人向我展示数字照片（主要是新闻纪实照片），我紧接着的一句话就是你拿什么拍的？是手机还是相机？因为单从画面上看，像我这个外行人还真一时难以辨别。我坚信过不了多久，这个问题几乎就不用问了，基本上都是手机拍的了；用相机拍的照片，就像30多年前满街的中山装，再也难找了。

7.摄影部的自荐信 篇七

数码摄影是数码时代的产物, 犹如雨后春笋。在2000年前后, 市场上才刚刚出现数码相机, 然而在短短的几年时间之内, 数码照相机的质量有了质的飞跃, 从当初的几百万像素到现在的几千万像素;数码相机的占有率也占有了绝对的优势。柯达、乐凯等知名的胶片厂家也相继宣布破产或停产就是有力证明。

在此背景下, 有多的院校已经根据摄影发展的形势做出了相应的调整。也有的认为传统摄影在课时配置上可有可无, 也有的院校处于迷茫状态, 不知道传统摄影怎么配置。

尚处于起步阶段的我国摄影教育, 在教学实践中怎么把握传统摄影在现阶段地位和意义, 就很有讨论的必要。笔者认为传统摄影的比重可以相应减少, 但是绝不能删除或者可有可无。

首先, 传统摄影作为摄影历史发展初期的历史阶段, 和数码摄影有必然的联系, 也可以说是承前启后。暗房变成了“明室”, 暗房里的各种技巧也相应发展成了PS, 只不过PS的功能更加强大, 就像一个蜕变的蝴蝶。传统摄影拍摄前安装在镜头的各种滤镜也都被收编于PS软件的滤镜菜单之下。我们省去了买滤镜的费用, 也省去了拍摄前的操作。但是如果我们有传统摄影的基础, 在拍摄之前我们就能预想需要什么样的滤镜以及该滤镜的效果。所以传统摄影的学习实践对于数码摄影的掌握也有很大的帮助。我们在后期“明室”处理的时候就能知道此工具的历史源头。

其次, 艺术表现的手法不断多样化, 我们在数码时代不能局限于数码摄影的表现, 传统摄影的各类表现技法与不同的冲洗工艺依然可以为我所用。在美国当代著名的摄影艺术家中, 有不少艺术家都是在传统摄影中吸取了营养。例如亚当·弗斯 (Adam Fuss) “物影照片”;艾米特·戈温 (Emmet Gowin) 的作品……摄影出现之后, 绘画并没有消失, 只是促进了绘画转型、使其寻找属于自己的语言形式。同样道理, 数码摄影出现后, 传统摄影也不会消失, 它自然有它自己的独特表现形式, 它正等待后来者继续挖掘与利用。所以我们不能舍弃传统摄影的教学。

再次, 传统摄影实践是我们了解摄影历史发展的必要环节。我们不一定要走前人走过的每一步, 但是学习安装胶卷、如何测光、如何对焦以及在暗房配药、冲洗、显影、放大照片等这些必要的步骤, 体验传统摄影师拍摄的体验, 对于我们更好的理解摄影的本质以及传统摄影的审美都有很大的帮助。对于任何事物, 我们只有深刻全面了解了它的“过去”, 才能深刻理解和把握它的“现在”, 才能预测它的“未来”发展趋势。

理论代替不了实践, 只有实践了印象才会更深刻。传统摄影的实践并非仅通过几本摄影史类的书籍就能深刻理解摄影的过去。经过了传统摄影的实践, 才能有助于理解摄影史上的历史阶段, 例如银版摄影术、湿版、干版等工艺以及在此工艺下形成的摄影美学, 对于扩展我们的视野有很大帮助。作为摄影专业的学生, 拥有一双能从历史高度下审视摄影作品的眼光是十分必要的。对于培养自己的全面的专业知识结构以及适应激烈竞争的社会都是大有裨益的。

最后, 学习传统摄影对于理解摄影文化也是不可缺少的环节。摄影是技术, 但同时也是艺术, 是技术与艺术的结合。但是不同的技术会带有不同的摄影审美特征。达盖尔的银版摄影术有其独特的审美;135相机的出现使得相机的便携性大大提高, 对于拍摄场合的限制减少, 有利于抓拍, 对于“决定性瞬间”理论的形成有直接关系, 它在一定程度上又扩展了摄影自身的特征, 对其美学特征进一步完善。大画幅摄影的审美又别于小相机, 大画幅本身那种独特的毫发毕现视觉张力就是自身的优势, 让人过目不忘。数码摄影的出现, 直接导致了摄影真实性的讨论, 致使人们开始怀疑摄影的本质。虚拟性可以看作是数码摄影的一个特征。我们可以把天马行空想象用摄影去表现。从这点来看, 不管以何种方式拍摄的影像都是摄影, 都属于摄影的范畴、都属于摄影文化不同的表现形式。

从以上几点可以看出, 传统摄影对于摄影专业的学习是必不可少的, 它们是一个有机整体。

我们在数码时代的摄影教育中不能毫无节制的压缩传统摄影的内容, 在课时和内容上必须给予保证和重视。在课时的安排上, 笔者认为尽量能安排一个学期的课时, 一个学期大概20周左右。在这20周的时间里, 理论和实践上的课时比例一般是1:3, 当然并非一定按照这样的比例分配, 可能在暗房课时, 边实践边讲解也许效果会更好。学生遇到什么问题, 老师也可以马上解决, 学生之间也可以相互借鉴。

除课时得到保证外, 摄影教师的专业素质也应该得到重视和提高。不仅要用专业素质比较好的优秀毕业生任教, 更应该不拘一格降人才, 不一定非要高学历, 可以考虑聘任暗房功底好的、有一定社会知名度的名家名师作兼职教授。有了优秀的教师, 教师还应该术业有专攻, 如果你擅长暗房, 就专门教授暗房技术, 如果你擅长拍摄, 就专门教授拍摄。在长时间的实践和教学中, 能不断积累知识经验。

硬件方面, 根据各个院校的实际情况, 相机肯定要保证每人一台, 暗房里的放大机最少两人一台。可以一人去拍片, 另外一个人去冲洗, 分开进行。条件允许了, 一人一台更好。

但是, 即使大家意识到传统摄影的重要性, 我们在实践中也会遇到各种各样的问题。

首先是市场的问题。随着传统摄影器材市场的萎缩, 购买器材和耗材没有以前那么方便:传统相机停产了, 实体店里的胶卷不是撤了就是过期了;放大机坏了, 买不到配件等等问题。

其次是学校机制不好协调的问题。可能有些单位好解决, 但是对于某些教学单位可能就不容易解决。像我所在的单位比较庞大, 有财务处、实验室与设备管理处等, 固定资产购买需要招标, 对于公司来说没有利润, 就没有公司竞标, 自然会流标。

其实上述两个问题, 只要认真解决也不是什么难题。对于第一个问题, 传统摄影市场是萎缩了, 但是毕竟有市场, 只要有市场就会有人去做这一块。只要我们认真筛选商家就能找到质量可靠的产品, 或通过二手市场等渠道获得。对于传统相机, 院校可以一次性多购买些机器, 以提供学生免费使用或者象征性租用给学生 (并非为盈利, 只是为了学生能爱惜照相机) 。同时也应该有专人负责摄影器材保管的摄影实验室管理员, 负责摄影器材的维护和使用。第二个问题就不是我们能解决的了, 只能靠教育体制的改革和机制的完善。但是我们应该最大限度的向所在院系提出建设性建议, 只要院系大力支持摄影专业的发展, 相信硬件资金问题也不是什么难事, 因为所需资金并不算多。关键是我们办事的态度的认真程度。

参考文献

[1].宿志刚.《中国高校摄影教育概览》, 中国文联出版公司, 2009.09

[2].汤立.《数码摄影与传统摄影的比较分析》辽宁科技学院学报2010.02

8.摄影部的自荐信 篇八

关键词：摄影传统工艺,摄影教学,数字技术,重要性

经历了半个多世纪的发展, 中国摄影高等教育已经有了相当的规模, 从1953年复旦大学的新闻摄影课, 到1983年中国摄影家协会与中国人民大学合办的摄影专科培训, 再到1985年中国第一个图片专业摄影系在鲁迅美术学院成立, 至今全国已有近两百多所院校开设了摄影专业课程或摄影系。中国的高等摄影教育也在办学过程中不断的探索与前进, 经历了从无到有, 从星星之火到燎原的现象。

恰逢中国高等摄影教育迅速发展的三十年间, 摄影技术也发生了革命性的改变。众所周知, 在新世纪到来之前, 摄影专业课程设置一直都以照相机原理, 黑白胶片的拍摄冲洗, 彩色胶片的拍摄, 以及黑白暗房制作等等作为学习摄影艺术的基础课。而随着数码相机的不断普及和发展, 数字技术改变了摄影记录影像的传统方式, 一些高校摄影课程的结构也随之进行了一定的调整, 其中重要的一项就是尽可能的压缩传统胶片摄影课程的学时, 以数码类的课程取而代之, 当然, 这是一个与时俱进的教学改革, 但这种步伐在一定程度上对学生学习摄影的过程造成了一定的影响, 产生了拔苗助长的功效。

一、何为传统摄影工艺

我们所指的传统摄影工艺, 是相对于如今数字技术而言的。 摄影是科技与艺术的综合体, 依托于技术的不断革新, 我们记录影像的方式方法也在不断的更新和改变。数字技术的出现是摄影史上的一次重要革命, 它改变了摄影记录影像的原理方式。在它出现之前, 影像的记录是一个化学过程, 通过卤化银感光后, 显影, 定影, 从而获得影像。在这个过程中, 个人的操作技巧、经验、以及严谨程度对影像的质量有着一定的影响, 同时也包含着一定的手工性, 更加增加了摄影的魅力。与数字成像技术相比, 传统摄影工艺更强调摄影者的技术熟练技巧以及对于影像的摄前驾驭意识。

回顾不到200年的摄影史, 摄影术由繁至简, 经历了众多的拍摄工艺, 如银板摄影法、卡罗式摄影法、火棉胶湿版摄影术、 蛋白印相工艺、干板法、蓝晒法、铁盐工艺、铂/钯转印工艺等等, 这些所有的技术技法构成了摄影术的历史, 同时也影响着摄影艺术的发展。受制于时代、材料和各自工艺的特点, 有些在摄影史的发展中一晃而过, 有些则影响了一个时代。而离我们最近的、使用最为广泛的传统摄影工艺, 是今天还在使用的各种画幅的黑白彩色胶片, 相纸。

二、传统摄影工艺课程的学习对于摄影专业学生的重要性

在技术不断更新的今天, 每一次新的工艺的出现, 都对摄影艺术的发展产生了重要的影响, 传统摄影技术在如今的摄影教学中是留是去, 是面临的重要问题。作为一个摄影专业的学生, 学习摄影, 如果仅仅满足于取景和按快门, 不深入的了解和掌握摄影史上经典的传统摄影工艺, 那就不能涉及摄影技艺最本质的东西, 甚至可以说无法领悟摄影的真谛, 因此, 认真了解或学习这些技术对摄影学习有着极其重要的作用。

1.通过一系列的传统摄影工艺学习, 可以让学生梳理摄影技术史的发展主线

摄影是一门具有专业性、艺术性、实践性很强的学科, 其发展历史至今不足二百年。今天, 我们来翻看世界摄影史, 不难发现其中有着重要的两条线索, 一条是关于影像技术的发展, 它涵盖了科学家与艺术家不断努力完善摄影术的过程, 以及照相机、感光材料的发展历史;另一条则是关于摄影艺术风格流派的发展, 它记录了各个时期摄影家的代表作品、创作特点、表现手法, 时代背景等等, 这两条线索是相辅相成的。

所有的高校摄影专业都设有摄影史这门课程, 同时也是摄影专业学生的必修课程, 而教学效果往往则是摄影众多课程中效果最差的。从部分高校的教学现状来看, 摄影史的教学往往遵循于讲述摄影纪事年表, 风格流派的形成、特点, 以及摄影名家的代表作观看, 使学生被动了解这一百多年都发生了什么, 这一系列的教学活动都是围绕在一个讲与听的过程。在教学中, 历史的学习往往是比较枯燥和抽象的, 尤其是艺术类的, 学生往往在学习完摄影史之后, 只是被动了记住了什么时间出现了什么技法, 通过二手的图片粗略的了解了各个时期代表性的摄影作品, 而不能够了解其中的原由, 这些都是因为缺少一定的实践, 缺少对历史的感知, 其教学效果不是特别理想。

比如, 在摄影史课程的讲述中, 有一节是介绍阿彻所发明的火棉胶湿版摄影术, 这是一个在摄影普及和流行过程中起着里程碑作用的摄影技法, 我们今天能看到19世纪中后期众多的历史影像, 都归功于此法的出现。 湿版摄影术使用了玻璃作为影像承载的中间材质, 受其材料的局限性, 在操作上有些复杂, 但比达盖尔的银板法要简约很多, 而呈现出的影像质量同样细腻而又层次丰富, 同时配合蛋白相纸, 可以重复的印制照片。对于此时期的摄影发展, 学生仅仅通过投影的示例图片是难以看到其真实的影像效果, 更不能深刻了解当时使用这种方法拍摄的代表摄影家的作品, 认知其作品的伟大之处, 其主要原因就来自于学生不了解湿版工艺在拍摄时的方式方法, 以及它的优点和缺点, 这在某种程度上削弱了其对这一时期摄影艺术史的认知程度。

因此, 如果学生系统的学习、了解并实践摄影传统工艺, 通过实践作为切入点, 加强对于“摄影技术史”的认知, 从而更能了解”摄影艺术史“的发展, 理清整个摄影史的发展脉络, 同时吸收前人的成果、经验、手法、理念, 不仅在艺术理论上有所提高, 更能对摄影创作指明方向。

2.培养学生摄前思考的意识、养成认真、严谨的拍摄态度

在传统的胶片时代, 摄影专业的学生通过了解并掌握相机的使用方法、胶片的拍摄、冲洗、放大, 从而获得一张影像, 这期间花费了一定的时间和经济成本。在此过程中, 学生必须在每个环节中都要按照严谨的程序来操作。在拍摄前期, 要选取适合自己拍摄主题的相机 (这里主要是指不同的相机画幅) , 因为不同相机所带来的视觉效果以及镜头语言是有所区别的, 例如:135画幅的相机是一种快餐式的拍摄, 比较适合抓拍;120画幅的相机底片较大, 在便捷的同时也能强调画面的质量;而大画幅相机则属于技术性相机, 不仅凸显了影像的品质, 更能培养严谨、冷静的拍摄习惯。在拍摄过程中, 由于胶片只有一次性机会, 这就要求学生要在拍摄中通过认真构图、布光、以及测光, 从而才能保证影像的质量。而拍摄完的冲洗也要按照严谨的方式, 例如要选取适合的药水、温度等等, 所有每个环节, 都影响着最终的影像品质, 马虎不得。

然而, 随着数字化的不断普及, 如今, 一些摄影基础课程, 例如摄影曝光、用光、构图等这些课程, 都逐渐采用数码相机来完成学习或教学。由于数码相机的自身特性和原理, 其拍摄几乎没有成本, 而且可以即拍即看, 即看即删, 这在一定程度上为学生学习带来了便捷和高效, 节省了一定的时间和经济成本。但同时也凸显了一大弊端, 也就是学生在拍摄学习过程中, 逐渐对即拍即看这一效果产生了依赖性, 而忽略了拍摄前期的严谨态度, 加之照相机的智能化不断提高, 图像后期调整软件的不断强大, 有时候学生在拍摄过程中完全是一种试试看, 没有目的, 碰运气的胡乱拍摄。例如, 在练习摄影曝光的课程中, 学生不再去仔细对分区曝光法进行实践、学习, 而是完全依赖lcd显示屏所看到的效果, 才能判断是否曝光准确, 久而久之, 成为了机器的俘虏。

在摄影的基础训练课程中, 黑白摄影一直是必要的一个环节, 它帮助学生去认知照片的影调、层次、质量。对于制作一张优良的黑白照片, 需要在前期拍摄和后期制作中的每个环节都要认真仔细。而对于黑白摄影, 如果单纯的使用数码相机拍摄, 再通过软件处理成黑白照片, 是很难让学生从真正意义上去了解黑白影像的影调与层次, 以及黑白摄影的真谛。只有真正的通过大量的黑白胶片拍摄、冲洗, 以及暗房放大图片的技术训练, 才能培养学生良好的视觉经验和对影像的把控和处理能力。

数字技术在带来无限便利的同时也给教学带来了一系列的副作用, 这在一定程度上削弱了培养学生摄前意识的能力, 因此, 要通过胶片摄影严谨的制作过程, 培养学生对待影像的严谨态度, 以及拍摄前期的思考过程, 从而才能在摄影的学习过程中打下坚实的基础。

3.通过摄影传统工艺的实践, 培养摄影学习的兴趣, 拓展思维

如今, 在开办摄影专业或摄影系的高校中, 绝大多数的招生都是以美术类考试, 即素描色彩的全国统考来进行的, 不论是专业的美术院校还是综合类院校。由于中国青少年摄影教育的缺失, 几乎大部分的学生在进入摄影专业的学习前, 对摄影根本没有什么基础知识的积累以及兴趣, 因此, 如何引导学生快速进入学习状态, 拓展思维, 也是高校摄影教育的重点。

摄影专业学生进入大学后, 在大一和大二期间, 主要是学习摄影技术方面的课程, 通过学习照相机原理, 摄影曝光、摄影用光、摄影构图、黑白摄影、彩色摄影等等这些最基础的课程, 从而为今后的创作打下坚实的基础。而这期间, 也是重点培养学生对于摄影的兴趣和拓展摄影思维训练的重要阶段。面对今天数字技术的高速发展, 我们获得影像的工具也更加多样化, 比如手机, 它使得我们可以很轻松的获得图片, 而且是纯粹机械的复制量产, 这在一定程度上也让我们对摄影逐渐产生了疲劳感, 同时也丧失了对于摄影艺术的真正认知。很多学生在学习摄影之前都狭隘的认为依靠摄影设备的先进程度可以把控摄影作品的质量, 照片则是存在电脑硬盘里的一个个数字文件。而通过摄影传统工艺的了解和学习, 可以使学生拓宽视野, 了解形成影像的众多媒介, 以及摄影语言。同时传统的摄影工艺与数字技术相比带有很强的手工性和个性, 当学生通过某种工艺获得影像后, 其自身的成就感远远要比用数码相机拍摄的图片高很多, 这在一定程度上更加增加了其学习的兴趣。

近几年, 一些院校在胶片拍摄的基础上, 逐渐也开设了火棉胶湿版摄影术、蓝晒法、蛋白工艺等一系列的课程, 这在一定程度上让学生尝试并了解了从最初的摄影技法到现在发达的影像技术的发展过程, 作为高等教育的摄影专业学生, 一方面拓展了其对摄影新的思维方式, 另一方面也研究了媒介材料对于摄影的重要性, 探索了摄影语言的问题。

三、结语

9.摄影部的自荐信 篇九

当诺基亚808手机到手时，刚开始由于不熟悉，操作也没有原来手机拍摄那样顺畅，屏幕也不出彩，所以也没当回事，外拍时顺手拍了几张，当在电脑屏幕上看到808的影像，自己不敢相信手机能拍摄出如此细腻层次的影像，我意识到，手机进入主流影像创作的时代真的到来了。从此，808手机成了我摄影创作的主要工具，我不可能随身携带单反相机与一堆的长短镜头，但808手机却是随时随地带在身上。

从此后我开始认真地研究808的各项功能，并逐一地去实践它，透晰它，这才发现它不仅仅是个拥有超高像素照相功能的手机，对于影像创作而言，相机的各种配备也很强大，尤其是微距拍摄功能让我惊讶，许多单反相机微距镜头才能拍摄的场景808却如此轻易地就能做到，而且操作的难度不大。曝光上下四挡的曝光补偿，让我在自动曝光的精准性很容易校正，　在极大光比反差下也能针对重要区域曝光；由于我个人偏爱黑白影像创作，尤其是黑白纪实，对于扫街，手机的轻便、不引注意，又能有高像质的影像文件，是我对808最为满意的所在。

手机拍摄，快门迟缓还有待改进，长焦与逆光是个致命伤，诺基亚808也存在同样的问题，不过，每种新时代的产物，总不可能等到所有问题都解决才推出市场，只要有其优点，我是能接受的，广角端的解析力与视觉感受我个人很满意，由于我向来独好广视角的纪实影像，尤其是扫街与纪实人文题材，不像单反会对被摄者产生压迫感，　我几乎每天早晨带诺基亚808出门扫街，还可以运动。

10.摄影部的自荐信 篇十

解读摄影信息直方图的理论很复杂, 但是用概括性的口语表述是很容易理解的。本期摄影课堂用非学术性语言简明介绍一下摄影信息直方图的意义作用和观察方法, 以便掌握和运用。

一、摄影信息直方图的意义和作用

摄影信息直方图是用柱状图表示摄影图像的亮度。横轴显示亮度等级, 纵轴表示每个亮度等级下的像素数量, 横轴从左到右表示亮度从暗到亮, 左侧的像素数量越多, 说明图像越暗;右侧的像素数量越多说明图像越亮。如果某一侧的像素严重偏多, 则可以进行曝光补偿调节, 以获得准确的曝光。通过观察直方图可以了解整体曝光倾向、色彩分布、影调层次、明暗反差等。对验证和调整曝光量是否符合摄影者的要求, 是否与创作意图相符合有着重要的指导意义, 对于专业摄影家来说它是最常用的衡量图像品质的标尺。另外, 有的数码相机荧光屏因某种原因图像显示色彩和明暗层次不够准确, 如LED荧光屏设定过亮或过暗, 都会影响观察被摄图像的影调层次, 只有观察直方图才是真实准确的。

二、摄影信息直方图的观察方法

图例一 直方图横轴上的波峰基本在中心位置, 波峰形状也很规则, 表示曝光正常。图一直方图接近图例一, 一个主波峰外有三个细波峰说明图一中有部分高光存在, 从波形看数值状态良好, 易于进行后期图像修整, 但并不是说在所有条件下波形都会均匀分布, 这里只是举出一个接近理想状态的亮度分布例子。

图例二 直方图横轴上的波峰向左方大幅倾斜表示暗部分布较多, 如果直方图横轴右侧缺少柱状图影纹甚至短缺, 则表示曝光不足。出现这种图形时应该进行增加曝光的补偿。图例二直方图表示缺少高光, 但是图二是夜景照片, 这样的直方图正是我们追求的, 不必要增加曝光补偿。

图例三 直方图横轴上的波峰向右方大幅偏移表示图像亮部分布较多, 如果直方图横轴左侧缺少柱状影纹甚至短缺, 则表示曝光过度, 出现这种图形时, 应进行减少曝光的补偿。图例三直方图暗部缺少影纹, 在此种情况下可以考虑进行减少曝光补偿, 这样图三的色彩会更加饱和。

图例四 直方图横轴上的波峰在正中, 左右两端都缺少影纹, 说明拍摄对象反差较低, 但是这种照片在后期制作时通过调整色阶完全可以达到理想的反差。

图例五 直方图横轴上出现两个最高波峰, 分别贴到了左右两端, 这表示暗部缺失, 阴影部分丧失了浓淡层次并且高光溢出, 图五直方图与图例五接近表明了图五暗部缺失影调层次, 亮部尚存在着部分影调层次。图五拍摄目的就是追求黑白分明的剪影效果, 因此也不必进行增加曝光补偿, 这样的情况只能保一头的影纹, 暗部有层次高光必溢出, 高光有层次暗部必缺失。

三、影响直方图柱状影纹的形态的三个因素。

1. 被摄景物亮度的强弱;

2. 感光度ISO值设定的高低;

3. 曝光时间长短。

如果摄影实践中出现曝光不准确 (过曝或欠曝) , 只要调整其中任何一项便可解决问题, 究竟调整哪一项为佳, 要依摄影现场条件和拍摄意图而定。

图六A直方图横轴柱状图波峰偏左, 右边短缺影纹, 说明图六A曝光量不足, 应增加曝光补偿。图六B直方图横轴柱状图波峰偏右, 左边短缺影纹, 说明图六B曝光过度, 应减少曝光补偿。图六直方图横轴上的柱状图从左到右都有影纹, 并出现多个波峰, 说明该图曝光基本正确, 充分记录了被摄体的明暗层次。

四、总结概述

11.摄影部的自荐信 篇十一

一、存储格式：从RAW开始

拥有单反相机的朋友都知道，在相机的设置中有存储格式的选择，其中会包含RAW和JPG或者RAW+jpg等格式，很多朋友在用RAW格式存储时发现，保留的文件比较大，这是因为：RAW格式原意就是“未经加工”的意思，RAW图像就是CMOS或者CCD图像感应器将捕捉到的光源信号转化为数字信号的原始数据，是未经过处理的信息，RAW文件并没有白平衡设置，但是真实的数据也没有被改变，就是说我们可以任意的调整色温和白平衡，并且是不会有图像质量损失的，通过后期处理，摄影师们能够最大限度地发挥自己的创造力。而JPG文件则是经过压缩的文件，后期处理时无法准确地调整白平衡、色温等参数，它的好处是占用空间小，存储时间短。

记住：为后期处理作准备，让我们从选择RAW格式开始。

二、软件选择：强大的“光影”和“可牛”

后期处理软件根据使用者的熟悉程度，有很多选择。个人推荐以下两款常用软件：

轻松级的后期处理之王——光影魔术手

光影魔术手简称“光影”，是一款非常不错的图像处理软件，友好的界面，拥有众多一键式的处理手段，几乎可以处理绝大多数的照片后期效果，包括：反转片模拟效果、负片效果（HDR）、黑白、素描等效果，还可以对照片进行数码减光、数码增光、白平衡错误矫正等处理手段，这款软件的简易上手的特点成为许多摄影爱好者做后期处理的首选。

下面让我从个人的实战经验与大家分享几个小技巧：

【曝光】

很多朋友不太清楚或很少使用“光影”菜单栏中的“曝光”功能。其实这个功能对于各种曝光不准确的照片有非常重要的强化修正作用。

我们在拍摄照片的时候经常会遇到一些薄雾等能见度较差的天气导致照片有雾蒙蒙的感觉，完全没法表现出风光景物的层次和色彩还原。这个时候，“曝光”将大显身手。

【旋转】

我们在拍摄照片的时候，不可能随时带着三脚架，对于照片的平衡问题，我们一般会采取目测的手段，但在拍摄出照片后往往我们会发现一些细微的角度不平的现象。

图1：图中的照片因为采用的是A档光圈优先模式，长焦拍摄的，因为光圈偏大（错误操作），加之数码相机的平均测光算法，导致画面处于一层雾中。现在让我们让我们用神奇的“曝光”来见证奇迹的时刻。

图2：加一层曝光

是不是感觉建筑已经要从薄雾中出来了？这是加一次“曝光”效果。很多朋友可能用过这种功能，到此为止了，且慢！继续对图片加“曝光”操作至6次，为什么是6次其实我也不清楚，但超过6次基本就不会有变化了，这应该是“曝光”操作的极限。

图3：6次曝光之后的变化

这时建筑物几乎完美的出现在我们眼前了，但好像还少点什么？对了，色彩！让我们完成最后一步，选择“光影”中“反转片效果”中的第四个“艳丽色彩”，然后再看图4，是不是又完美了一层？

图5：照片的整个画面感觉非常不舒服，要解决这种问题，首先在相机的设置中建议大家在取景器画面中使用九宫格，可以在预览画面的时候，基本解决这类问题。但出现这种问题后，我们也可以通过“光影”中的旋转来解决它。

首先在“光影”的快捷菜单中选择“旋转”，点击右侧的小三角，选择“自由旋转”。

图6：在旋转角度上选择1.00，用预览查看效果，看效果的时候需要用鼠标拉出的纵横线，对照着照片中横向、纵向参照物进行比较，因为这个角度可以精确到小数点后2位，所以基本可以调整到非常精确的角度。

图7中是采用旋转角度2.00得到的图片，照片的主体画面调整到了准确的角度，但画面整体已经严重扭曲了，这时候，我们要采用“光影”中的“裁剪”功能的“自由裁剪”，对画面进行重新裁剪。最后得到图8。

【小清新】

许多年轻的朋友都很喜欢日系的摄影风格，特别是以小仓优司为代表的“小清新”风格照片，那么现在让我们通过光影魔手术来模拟这种“小清新”的后期调整风格吧。

首先让我们选择一张画面比较空旷的自然光线条件下的照片，曝光过度一些也没所谓。

图9：图中的背景有些过曝，但整体画面比较干净，特别是飞驰而过的白鸽，给画面带来了意外的效果。

下面我们来进行后期调整：

1.对画面进行适当裁剪（个人经验认为该画面最好为宽幅，可以营造出大海的辽阔和前景中人物寂寥的反差）。

2.使用“曝光”一次，增强前景人物的锐度。

3.然后点击“光影”——调整——调整RGB色调，在通道中设置：红色4、绿色20、蓝色18。

然后让我们来看看效果，图10：整个画面的色调已经被调整为“小清新“的基本特征：青绿色调，整体画面感觉给人清新、素雅。色调通道的调整中要根据照片原片的特点，在调整RGB时反复测试，会有不同凡响的意外收获。

可牛影像，看我七十二变

可牛影像是一款强大的免费照片处理管理软件。可牛影像内嵌上千张日历、宝宝照、大头贴、婚纱照、非主流场景，无须任何PS技巧识即可轻松制作支持多图场景，制作效果很酷。

可牛影像与光影魔术手有许多共同的功能，但“术业有专攻”，个人认为“可牛”对抠图、一键式特效等应用方面会有更丰富的资源和方式。

图12：原图

第一步：选用智能抠图，按住鼠标左键用“选中笔”在要抠图的画面上划线。得图13。

第二步：保存抠图。得图14。

第三步：回到图片编辑页面。

然后，在右侧的导航栏中选择：PS特效任意尝试各种特效风格后我们会得到如下奇妙的照片。如图15、16。没有办不到，只有想不到的。以后不管是宝宝还是老婆大人的照片，都可做成各式各样的特效。

可牛软件还有一个比较丰富的高清场景资料库，可以让我们任意地编辑我们的照片，得到那些只有在杂志中才能出现的特效场面。（如图17、18）