中国工艺美术发展历史

中国工艺美术发展历史（8篇）

1.中国工艺美术发展历史 篇一

中国高等美术教育与美术创作之间发展策略论文

当代高等美术教育的中心任务不再是简单地传授美术知识和专业技巧，更重要的是通过美术教育培养学生的综合能力。作为美术教育的最高机构，怎样使学生能动自主学习掌握知识和技能，如何提高学生美的感知力、表现力、创造力、鉴赏力，以及如何通过美术教育培养和发展学生的非智力因素，拓展扩散性思维，是美术学科教学的关键之所在，也是美术学科教育学研究的重要任务。①学生创作出独具个性的作品，也是检验高等美术院校人才培养方案的可行性，以及教学模式、课程设置合理性的重要考量。中国高等美术教育从发起、发展，到当代的逐步完善，已形成了较为完备的教育体系与合理的课程结构，为培养美术人才提供了必要条件，这也是其他任何美术教育机构无法代替的。

一、国家艺术教育政策对美术创作的促进

20世纪初，蔡元培便提出并制定了一系列美育方面的文化政策。新中国建立之后，国家先后颁布了一系列教育法规和文件，特别是1993年颁布了《中国教育改革和发展纲要》，通过了《中华人民共和国高等教育法》。进入21世纪，《学校艺术教育工作规程》、《基础教育课程改革纲要(试行)》()等重要文件先后颁布;20国家教育部针对艺术教育又颁发了《全国学校艺术教育发展规划(―年)》。为了更好、更快地推进高等美术院校改革的步伐，2010年教育部出台了关于修订2010版《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案(试行)》，分别对课程纲要、课程设置以及学时学分做出了具体的指导意见。这一系列文件与法规的颁布，表明国家对美术教育的作用和地位的重视，达到了一个前所未有的高度，而社会科技进步与经济发展也为艺术的繁荣创造了必要的条件。国家不断地加快高等教育的改革和发展步伐，不断地完善相关的文化政策，以制度化来保障高等美术院校改革的有序进展;在资金上加大对高等美术教育的投入力度，确保高校的各项工作落到实处。有了制度、资金的保障，师资队伍、学科建设、教学体系才会有新发展，进而保证了美术学生的培养质量，创作出更多更优秀的作品。这在全国美展等全国性的大展中也得到了印证，近几届全国美展中，学生作品的入展率逐渐增高，说明通晓一定的学理和掌握合理的学习方法，可以较快地产生效果，艺术可教可学、有规律可循，在高等美术教育的业绩中得到了很好的证明。同时在教学相长中，促进了教师的科研学术水平，提高了教师的创作能力，这在全国性的展览、研讨活动中已充分体现。

二、高校美术创作群体的话语权

高校美术教育对于美术学生的创造力培养来说，是至关重要的阶段。学生踏入大学校门起，从基础文化知识学习开始，到专业理论知识、专业实践技能，到社会实践，再到艺术创作，其作品的产出有一个循序渐进的链条，通过大学四年系统的学习，合理的学习模式，知识的整合转化，对思维活跃的美术学生来说，奠定了作品产出的基本条件。较高的综合文化素养、扎实的专业基础、富于创新的思维，对于艺术的不断创作是至关重要的。在教育和启发高等美术院校学生进行专业创作具体实施过程中，会出现一些问题，正像拿来主义，借鉴西方较早的教学理念。阿恩海姆在《关于艺术教育的思考》中提出了关于视觉思维能力的深奥看法，有助于我们理解视觉艺术的观察和创作是促进智力发展的基本要素。②西方高等美术教育同样在教学实践中发现了问题。20世纪的西方美术教育在取得丰硕成果的同时，也出现了两种教育观念的矛盾，即是强调自我表现，还是注重美术教育内容。在主张自我表现一方，也许能够充分表现自我的独特个性，但可能会失去学习能够启发他们艺术探求的知识、技巧的机会。与之相反，如果一味地强调教授专业要素及其原理，教授美术史和美术技能技巧，会使学生失去美术教育提高自己想象力的机会。这与哈佛大学加德纳教授研究中美美术教育所得出的结论是一致的，发展到今天的高等美术教育，需要我们去分析思考，在启发自我创造力和教授具体技巧、理论之间，找到一个相对合适的区域，让两者能够相互兼顾。

经过完整学院教育的美术专业学生不断成长，与高校美术教师一起成为我国美术创作的主力军。就全国美展来说，全国美展是我国美术界规格最高、规模最大、最具权威的国家级大型综合展，笔者在对历届全国美展参展者身份的统计分析中，发现高校美术创作所占比例最大，而且获奖人数最多。第八届全国美展，西安美术学院入选72件作品;③第九届全国美展，广州美术学院有68件作品入选，25件作品获奖，3件作品金奖。④山东工艺美术学院在第十届全国美术作品展览中，共获得2项银奖、8项铜奖、5项优秀奖和入选作品56件的佳绩。艺术设计入选作品占全国艺术设计作品展览入选作品的10.27%，获奖率占艺术设计作品展获奖总数的12%，各画种入选作品占山东省总画种入选作品的31.62%，占全省获奖总数的35.56%。本届全国美展山东工艺美术学院共有10件学生作品入选，获得5项铜奖。学生作品入选比例和获奖情况在国内名列前茅。⑤在十一届全国美展18个金奖中，各大艺术院校的师生获得14项，占到78%的比重，在主流的国家展览中，高校的创作队伍起到了引领作用，是时代主流艺术的风向标，这与高等美术院校在教育和文化领域所处的前沿位置是分不开的。

高校美术创作群体不仅在获奖数量上比重大，而且在创作内容上也最为丰富。例如，十一届美展获奖作品当中，不仅在题材、内容和表达方式上呈现出前所未有的丰富性，同时也呈现了艺术家们的社会责任感和人文关怀精神。这种社会责任感和人文关怀精神正是我们高等院校人才培养主要目标的一部分。中国美术家协会主席刘大为认为，作为国家级展览作品要求符合主旋律，参展艺术家如何平衡主旋律和个人风格之间的关系，是很多艺术界人士非常敏感和关注的问题。刘大伟表示：全国美展是国家级展览，代表了国家文化艺术的一个国家语言，我们在创作上总体要求突出主旋律，但同时还提倡多种风格的艺术追求。十一届参展作品跟前几届有很大不同，主要是题材更加丰富多彩，运用多种新型材料，画面非常有可视性。

大概90%以上美术方面艺术家都是出自高校，因此高等美术院校的美术教育对中国美术的发展至关重要。中国高等美术教育的学术思想的确立、磨合、延展和辐射，决定着中国美术的形态和格局。⑥中央美术学院教授吴长江对第十一届全国美展点评认为，此届增加扩大了设计这一块，从一个层面显现了中国当代美术的发展，就是设计越来越融入生活中的各个方面。文化部、中国文联、中国美协三家共同主办本届全国美展，是前十届所没有的，可见国家对美展的重视。此外，全国美展为全国美术家提供了展示的重要平台，得到了全国美术家和全国人民的认可。⑦无论是题材、内容、风格的多样化，还是各种新材料的广泛运用，以及设计比重的增加、设计在生活各个方面的渗透，既是十一届全国美展的主要特点，也是作为向社会输出高端艺术人才的高等艺术院校的办学目标重点和教学特色，可以说，全国美展从一个侧面很大程度上反映了我国近年来高等美术教育的成果。作为五年一次的全国性美展，既是当代中国美术创作成果的检阅，也是对不同阶段中国美术史的总结。通过展览、学术研讨，一大批美术家脱颖而出，推动了中国美术事业的繁荣和发展。

艺术家的作品对学习美术的学生来说是最好的学习范本，直接或间接地影响着下一代或几代人的创作取向。比如20在中国美术馆举办的《杨之光从艺六十周年作品展》期间，艺术家何家英接受媒体采访时，重点提出杨之光的展览。杨之光从艺六十载正好与新中国同步，特别是对中国画人物上的创新，中西结合创作出从艺术到人格，以及对社会的责任心，对他年少时学画影响非常大，我们从他身上能体会出一个艺术家对待生活、对待艺术的一种真挚的态度。创作之外，杨之光对美术教育非常投入，80多岁还在从事美术教育工作，对新中国的高等美术教育做出了巨大的贡献。今天一批优秀的高校美术教师，他们的创作风格、个人品格影响着更多的后继美术创作者，共同推动着中国美术不断地向前发展。综上所述，高校的`师生们组成的美术创作群体，不仅是推动我国美术发展的主力军，也是掌握时代话语权的主流美术群体。

三、美术创作学术水平的提升

美术创作水准的高度不仅与创作者的美术技巧掌握娴熟度有关，更重要的是作品表面之下的艺术创新及作品内涵，其所包括的思想理念、文化内涵、艺术格调与哲学意义等，是创作者长期积累的文化素养的体现，也是作品学术水平的衡量尺度。美术学科虽然有利于发展学生的创造性思维能力，但在教学过程中如果处理不当，不仅不能开发学生的创造力，反而会扼杀这种能力。我国传统的美术教育模式就存在这一弊病，教学中注重程式与经验，重技巧与技法训练，学生学习美术时被套上了许多规矩，创造力受到了抑制。加德纳通过对中美艺术教育的对比考察后认为，“美国艺术教育的长处是给儿童足够的时间来探索，让他们发展创造能力，风险是也许以后对基本技能的发展有影响;中国教育的长处是在保证孩子都能达到一种基本技能，这也有一种危险，达到一定水平以后，他们就没有能力和愿望来做创新的事情了。”⑧在比较了中美美术教育之偏差之后，如何去融合两者的优点，在平衡中找到切实可行的教育方式，使美术教育能发挥其更大的潜力，促进学生的成长，同时在教育过程中革新教育手段和模式，以及学生因受教育形式的改变，作为教师和学生的教与学质量都会得到提升。因此，也为创造出的精神产品增加了附加值。

正如上面加德纳研究中认识到的问题一样，在我国各种美展中同样会反映出一些问题，这些问题也正是高等美术教育所面临和思考的问题。在第八届全国美展评委访谈中，针对本次美展未评出金奖，中国连环画研究会会长姜维朴认为，反映我们这个伟大时代的力作很缺乏，特别是反映主旋律、反映生活、贴近生活的作品不多，有些作品在艺术的形式、技巧上下功夫比较多，但思想和内涵不足。⑨高等美术院校课程改革，随着时代的需求不断进行调整，基础文化课程――专业基础理论知识――专业技能训练――考察实践――专业艺术创作这一完整的教学体系，文化素质与专业素质并举的培养方针是高等美术院校课程改革的成果。但经过十多年的美术高校扩招，生源素质下降，学生数量膨胀，师资队伍建设滞后，导致了输出的美术人才总体水平滑坡。美展中缺少精品力作，作品空洞、流于表面、思想内涵不足，正是这些年高等美术院校大量扩招的负面影响，问题的出现应引起所有从事美术教育工作者、创作者以及政策制定者深思。美术评论家王春立认为，中国当代美术缺少精品力作与时下艺术家讲求个性而忽视社会责任的担当有关，他说：“艺术风格只有建立在端正高洁的个人修养之上，才能有表现时代气势与创作力的不朽作品。”在当今经济信息快速发展的时代，加强自身的修养，贴近现实生活，挖掘作品深层次的思想内涵是所有从事艺术创作者需要思考的问题，对于肩负时代使命的高等学府，对受教育者的教育重任也正在于此。教书不仅仅是停留在传授知识和技巧，更重要的是育人，“境由心生”“画如其人”都是艺术创作与个人素质修养紧密相连的写照。

在中国美术教育发展过程中，美术教育的“西化”使中国画家们的写实造型能力有了很大进步，但在传统文化艺术的涵养上却有所缺失。中国艺术创作中的“中国味”不够浓，过分强调素描造型而忽视传统创作方法的训练是主要原因所在。这验证了美术教育对艺术创作的引领作用。近年来，在艺术学院中学国画的学生比例骤降，国画系成为“冷门”，部分艺术学院甚至取消了国画系。另一方面，传统国画在大展中争夺眼球的竞争力相对弱于油画、雕塑、装置艺术等。纵然入选参展了，也难成为视觉中心。表面上是传统中国画技艺的退化，实际上是传统艺术文化内涵的缺失。例如，现早已位居西方艺术之林的赵无极、朱德群等中国艺术家，他们何以在西方艺术国度里站得住脚，并不是他们的表现技巧有多高超，而是用西方艺术材料表现中国的艺术精髓，越是民族的就越是世界的，他们找到了中西结合的切合点。欣赏他们的油画风景，透过斑斓的色彩，体悟到的却是对祖国的深深眷恋和浓浓的中国传统绘画意境。虽然人跨出国门很多年，作品还是走不出溶入血脉的中国文化根基，这是因为他们自幼生长在这块土地上，民族艺术文化的烙印无法割舍。也正是中国深邃文化内涵的独树一帜，他们的艺术创作得到了西方艺术界的认可。

结语

无论是固守现实主义主流，还是担当新潮美术的弄潮儿，高等美术院校都有其丰厚的土壤和发展空间。在中国美术现实主义主流的发展历程中，从官方主流展览――全国美展、美术研讨会等大型活动来看，高等美术院校的艺术家们一直担当主角，不仅是创作作品的参展，更重要的学术前沿研讨和美术理论研究的重任几乎都落在了高校艺术家的肩上。高等美术院校站在中国时代艺术创作前沿的地位是毋庸置疑的。

(注：本文为江苏省20博士后资助项目《江苏高等美术教师教育研究》成果之一，项目编号：1101104C)

注释：

①常锐伦.美术学科教育学[M].北京：首都师范大学出版社，：7.

②鲁道夫・阿恩海.对美术教学的意见[M].郭小平、翟灿、熊蕾，译.长沙：湖南美术出版社，1993：390.

③第八届全国美展西安美术学院入选作品[J].西北美术，1994(Z1).

④第九届全国美展广州美术学院入选作品总目录[J].美术学报，2000(1).

⑤山东工艺美术学院入选第十届全国美展获奖作者颁奖典礼隆重举行[J].设计艺术，(4).

⑥罗世平.今日中国美术(第一辑)[M].北京：国际文化出版公司，：63.

⑦赵晓林.十一届全国美展：彰显时代精神[N].济南日报，2010―1―12.

⑧蒋良.美术的教学选择[M].长沙：湖南美术出版社，：35.

⑨陈虔.第八届全国美展评委访谈[J].美术，1995(2).

2.中国工艺美术发展历史 篇二

关键词：工艺美术,当代发展,正则绣,南通蓝印花布

1 传统工艺美术的现代境遇

随着经济的发展和科学技术的进步, 我国已经进入了信息化的时代, 无论是在工业生产中还是在人们日常生活中, 网络技术已经普遍存在并被广泛的应用。在这种社会现状中, 传统的工艺美术逐渐的被人们所淡忘, 在人们的意识中也忽视了对传统工艺美术的热爱。所以在现代社会发展中, 传统的工艺美术面临着艰难的境地。

促使传统工艺美术在现代社会出现困境的原因主要可以分为以下几种:首先, 是由于传统工艺品的生产方式决定的, 在生产效率上难以适应快节奏的市场发展, 和现代的经济水平差距太大, 而形成了一定规模的机械式加工, 又失去了工艺性, 缺少工艺美术的精湛和细腻, 无法得到消费者的认同。其次, 和传统工艺美术形成的背景有关, 由于其生成的历史背景是在封建社会, 具有浓郁的阶级色彩, 和现代年轻人的消费观和价值观有很大的不同, 那种古典的韵味和内涵是现代人无法体会到的, 审美情趣和现代人发生了冲突, 导致其在现代社会中无法立足。再次, 由于在以前的一段时间之内, 传统的工艺美术比较青睐于国际市场, 也将主要精力投入其中, 直接导致了国际市场一旦出现萎缩, 立刻就会使企业发生倒闭的现象。以上的种种原因都是传统工艺美术在现代社会中困境的因素。

2 传承性-工艺美术的自然属性和文化属性

我国的工艺美术在历史传承的过程中, 经历了不同的时代变迁, 在不同的历史文化背景下一代代的传承至今, 肯定有其自身的魅力所在。从古至今, 有很多的工艺制作技术被一代代传承下来, 已经具备了其自身的特性, 形成了独特的文化艺术。在民间的艺术作品中, 很多有代表性的艺术品被广泛的流传, 并且被人们所接受和喜爱。

这些工艺美术之所以能够被一代代的传承下来, 以为其制作的过程融合了创造者的真情实感。在传统的工艺品生产过程中, 都是以家庭手工作坊的形式出现的, 对于每一件艺术品都是经过创造者亲手完成的, 每一道工序都经过了创造者的细心琢磨。在制作的过程中, 将制作者的感情融入到作品中, 通过艺术品的展现, 可以让消费者感受到人情味, 感受艺术品所带来的情感上的交流和共鸣。它代表的不仅仅是一件艺术品, 更多的是展现的一种情怀, 一种文化素养。而现代的流水化作业生产的产品, 全是由机械化的机器生产的, 丝毫感受不到人情味, 没有情感的传递。在现代都是生活的人们, 由于长时间的生活在封闭的空间, 所以特别向往那种自然的淳朴的生活环境, 但是在现实中还很难去实现, 而传统的工艺品所散发出来的是那种来自自然的淳朴和归真, 可以让人们感受到自然的魅力, 还可以感受到一种情怀的传递, 这正是现代人所缺乏的, 所以使传统的工艺美术得以传承至今, 可以发扬光大。

3 工艺美术在当代发展的可能性

工艺美术在长期的传承过程中, 已经逐渐的成为了一种正统文化, 在人们的生活中发挥了不可估量的作用, 由于传统工艺的存在, 才会使人们的生活更具有意义, 它是我们文化生活的基础。在传统工艺发展的过程中, 人们已经意识到了, 要想传统工艺在现代有更好的发展前景, 就必须与现代人的喜好和生活结合起来, 满足现代人的需求。实际上, 在现代社会发展的过程中, 传统工艺在人们的生活中也逐渐得到了复苏。一些传统的手工艺品被人们所喜爱并受到追捧, 因为其具有朴素的古典美, 具有纯真的自然的人文情怀, 可以传递创造者的情感, 具有亲切感。这些都是现代工业生产所不具备的, 现代工业生产过于理性, 感受不到人情味, 而生活在喧嚣的都市中的人们已经厌烦了这种冷漠的生活方式, 通过传统的工艺品可以唤起人们心灵的纯真, 真实的感受到自然的淳朴, 所以传统的工艺美术在现代社会中拥有广泛的发展前景。

下面就以“正则绣”和南通蓝印花布为例, 对工艺美术在当代发展的可能性略作阐释。

“正则绣”首创于上世纪20年代初, 著名的美术教育家吕凤子先生在他创办的江苏丹阳私立正则女校内发起, 和他的学生杨守玉, 吸收西洋画的色彩原理, 突破了“密集其针、排比其线”的传统针法, 以长短不一的线条、灵活多变的乱针绣法, 以色线层层相叠, 使传统刺绣一改而为“富有立体感, 丰富色彩”的绣品, 并定名为“正则绣”。一件作品的完成, 少则数月, 多则一年, 穿针引线数十万次, 因其不可复制性, 每幅作品都具有惟一性, 具有较高的艺术价值。“正则绣”作为一种高档礼品, 被推荐为国家有关部门及省、市政府的指定礼品, 且常年接受大型企业和事业单位的订件, 在文化传承和产业发展两个方面均取得了良好的成绩。

蓝印花布是中国传统的工艺印染品, 宋代已有成熟的技术, 明清时代普及于我国南方地区。南通为中国蓝印花布的主要产地, 其制作技艺从明代开始, 延续、传承至今。目前, 南通现代蓝印花布在传统工艺的基础上, 不断适应时代需求, 由原来的单面印花发展成双面印花, 由单色发展成复色, 由小布发展成印制宽幅布。并走出了单一的土布时代, 面料、花型众多, 由生活实用型转为实用装饰型, 全以手工制作, 结实耐用、图案吉祥, 形成了蓝印花布服饰、门帘、壁挂、台布、太阳伞、包类、玩具、布匹、扇子、杯垫等系列制品, 具有浓郁的地域文化特色, 日益受到人们的青睐并渗透到现代都市人的生活。自1997年建成以来, 在保护、抢救、挖掘、继承、开发、创新蓝印花布传统艺术上作出了突出贡献。他研制开发的数百种蓝印花布制品畅销国内外, 为蓝印花布的传承提供了强大的经济支撑。他“以商养文、以文促商”的经营理念, 有效地激活了蓝印花布的复兴。

以上两个个案给我们这样的启示:

1) 传统工艺美术在当代的发展应采取传承与适度开发相结合的策略。即在保留传统工艺美术审美特征的基础上, 根据现代人生活方式的需求, 进行产品的延伸性开发, 为普通民众喜爱, 走进普通人的生活。

2) 现代市场营销理论中有“市场细分”的原则, 工艺美术在当代的发展也可参照这一原则, 即高端产品与普适性产品共同发展, 针对不同的目标群体进行研究、开发和营销, 以获取最大市场份额。

3) 现代社会, 人们对工业产品的千篇一律、单调乏味产生反感甚至抗拒, 追求个性化, 追求返璞归真, 喜爱竹、木、藤、棕、草、石料等天然原料制作的产品, 服饰上偏爱纯棉制品, 尤其珍爱旧时典雅温润的手工制品, 一些纯手工制品受到人们的追捧, 并日益形成消费的新潮流, 为传统工艺美术的复兴和发展提供了广阔的市场空间。

3.中国工艺美术发展历史 篇三

关键词：美术教育；历史发展；价值；变迁

在学界关于美术教育的历史发展和价值取向问题的研究，已经取得了丰富的成果和经验。但从美术教育价值取向上，国内的研究目前仍处于对美术教育价值取向的解释、辩证和划分阶段。如何将美术教育的历史性发展与不同阶段的价值取向相互关联起来进行研究，将有助于把握美术教育的发展进程和脉搏，从而不将美术教育的价值取向当成是孤立的问题对待。正是基于此种现实需要与研究现状，本文拟以“概述美术教育的历史发展和价值变迁”为题，进行比照分析，希望以此来促进当代美术教育价值取向的确立，促进美术教育事业的进一步发展与繁荣。

1 美术教育的历史源起与发展

1.1 美术教育的形成

随着人类审美意识的萌发和深刻，人们用美术手段装饰生产工具和生活用品。随之而来的是，人们需要将自己的经验横向传播，纵向传承，口传、身受等方式催生了美术教育。由拜师学艺的形式开始，逐渐发展成为有计划、有目的、有标准、有组织、有场所、有评价的形式化美术教育。这些方式现代仍然存在。中国美术教育按历史断代划分，有古代美术教育、近代美术教育和现代美术教育几个阶段。众所周知，事物的产生和发展都是具有一定的合理性和基础要素支持的，尽管这些要素需要我们一层层的追溯到很遥远的时代，甚至要透析其中的文化原因，但是我们依然能够在这些历史发展的轨迹中找到我们需要的资源和佐证，正如我们所要论述的美术教育历史与发展，从存在中找到我们需要论证的具体内容并在其传承中找到逻辑即可。美术教育的历史起源显然出现在人类社会发展到一定阶段所产生的社会活动，这种社会活动依存于人类自身的进步，究其关键要素就在于教育在人类社会发展中体现出了具体的价值。我们经常会讨论美术教育的价值问题，关于其取向如何，如何通过教育来达到发展的目的，这同样反过来支持了美术教育的历史起源问题。所以，研究美术教育的变迁问题关键在于研究其历史的起源和其在历史发展过程中所体现出的价值。

美术教育从具体层面上讲同其他各类教育方式是一致的，本质上都是一种思想和意识上的培养，比如说游戏有游戏的发展方式，巫术也存在巫术的产生基础，美术教育的关键在于其思想来源和意识上对人类产生的贡献。

1.2 中国美术教育的发展与演化

中国古代美术教育大致可分为两种：以博雅为目的，和以实用为目的美术教育。以博雅为目标的古代美术教育又可分为宫廷画（或院体）与文人画之分。以实用为目标的美术教育，传授方式多采用师徒或家族传承；注重技艺的训练与精湛。中国近代美术教育存在两种教育观念：一是以图画教育为特征，我国学校美术教育的地位由此确定；二是以美育观念为特征，近代教育学家蔡元培曾经提出了“以美育代宗教”的著名观点，主张美术教育要摒弃纯粹的实利主义。以实用为目标的美术教育渐变为兼及审美需求与体验的教育。中国现代美术教育以1949年建国为分水岭，美育被国家定为学校教育的主要内容，经历了模仿、提高、深入、完善等过程，美术教育改革也加深了广度、力度和深度，美术教育工作者的研究视野不断扩大。

2 当下我国美术教育的现状

2.1 传统的延续

现实背景下，我国美术教育一个重点就是要大力建设发展和弘扬社会主义先进文化，这承续了美术教育“教化和共性”的特征。同时，随着我国教育改革的深入，学习者个性得到重视和尊重，有关鼓励个性发展的美术教育价值取向也被认同与接受。这种价值取向积极鼓励学生标新立异，大胆实践，鼓励学生发挥个性追求。至于有关谋生与追求利益的美术教育价值取向，可以透过美术专业报考与招生火爆现象，以及全国各大高等院校纷纷开设美术专业等现象了解。

2.2 存在的问题与矛盾

随着国家经济的日趋繁荣，人们对审美的需求呈现多层次、多角度的增长，一种有关谋生与利益实现的美术教育价值取向在当下我国美术教育领域内流行。这种美术教育价值取向的出现，平衡了为了表现而表现，为了个性而个性的极端美术教育价值取向，极大地丰富了美术教育活动的物质空间与生存基础。然而，这种价值取向也容易走向另一种偏激功利主义，从而给当下我国的美术教育事业带来负面影响与损失。最明显的一个例子，便是中考、高考前的各种美术考前强化班。家长和学生追求的不是审美熏陶与个性表现，而是前途命运。综上所述，当前我国美术教育领域内，在美术教育价值取向上，我们所面临或者说需要好好考虑把握的一个主要矛盾与问题，便是如何平衡各种有关美术教育价值取向之间的关系问题。

2.3 对美术教育价值取向的建构与思考

当前，因受时代与社会发展的多元和开放的文化背景，我国美术教育领域反对将美术学科教育课程再禁锢于单一化、风格化、样式化的藩篱，从尊重人性鼓励个性的层面，提出和实践一种有关表现与个性发扬的美术教育。我们暂且放弃遵从那种价值取向之争，结合世界和中国美术教育的发展历史和演进，便不难理解和明白，那种非此即彼的价值取向之争以及无原则的折中思想，对美术教育的发展产生了极其不良的影响。遵从中国传统文化的中庸之道，应该是一种明智的选择，这种中庸之道符合孔子的思想，但绝不是简单的二元之间的简单平衡和折衷。

如前所述，中庸之道认为任何事物的内部都会产生相辅相成、互相依存的辩证统一关系。孔子强调“过犹不及”，思辨事物的发展历程，我们会发现，事物的发展是一种循环往复、螺旋上升式的发展。因此，美术教育也应符合这种规律。只是我们要把握好尺度，采取积极主动调整的态度，当美术教育价值取向的发展越过了中心线后，不能让其自由发展而走向另一个极端，而是要及时对美术教育价值取向发展的方向做出调整和改变。

在美术教育价值取向建构过程中，美术教育研究者和教育工作者应主动承担起指导和推动美术教育价值取向的建构任務。常锐伦说过，中小学美术教育从事的是人生的美术教育，区别于专业学校的职业美术教育。美术学科的“双基”目标的提出便是中庸之道的最好例证。知识基础：是以与目标密切相关和必备的，且对其后学习美术有普遍意义的知识为基础。造型基础：是以对美术和学习美术有普遍意义，在任何空间皆可以和容易运用，长久时间不过时，诸多职业可以其作为表达手段的内容为基础。这是我们当前美术教育价值取向建构中所需要的积极思想和实践，能为我们提供实实在在的参考。

如果说对我国新时期的美术教育价值取向的发展趋势做出预见性的思考，坚持运用“`实践是检验真理的唯一标准”的历史唯物主义思想，来建构一个相对平衡、稳定，并能满足新时期我国美术教育事业发展需要的美术教育价值取向，应该是我们所追求的。

参考文献：

[1] 俞剑华.中国古代画论类编[M].北京：人民美术出版社，1998.

[2] 李福顺.中国美术史[M].沈阳：辽宁美术出版社，2000.

[3] 徐建融，钱初熹，胡知凡.美术教育展望[M].上海：华东师范大学出版社，2002.

4.中国工艺美术2 篇四

马家窑型：受庙底沟影响而发展起来的区域文化类型，主要分布在甘肃及青海的东北部。该类型彩陶的器表打磨光滑。多以色浓如漆的黑彩绘画，盆、钵、碗的内壁常有精美图案。一些瓶、壶还在外壁通体装饰。花纹主要以弧线构成，并常常间以圆点，流畅而有节奏。许多作品以平行直线、弧线、和波状线相间，图案富有曲直的对比。另有少量动物纹样、鸟类纹样、人形纹样如人面鱼身纹、团鱼纹、双足蛙、无头鸟、舞蹈人纹等等。

2、汉代工艺美术的装饰风格？

一、汉代求仙厚葬之风流行，反映在工艺美术的装饰题材上，羽化成仙，祥瑞迷信等一类内容占有极大比重。其中尤其以画像石为显著。

二、工艺美术的设计取得了实用与美观的统一，例如，铜器多安置把手，以得提取。铜灯既便于使用，又可作为装饰品。

三、汉代的装饰风格，可以用质、动、紧、味四字来概括。质，是指它具有古拙（zhuo）、朴质的特点。动，是指它运用流动的云气纹，使装饰面产生多样的变化。生动的飞禽走兽，富有劲健的生命力。紧，汉代的装饰是满而不乱，多而不散。它是密中求疏，疏中有密。紧凑而不是繁缛，填充而不是堆砌。味，这里指的是装饰味，汉代的纹样具有它独特的风格，即样式化的装饰美，富有韵味。

3、商周青铜器装饰的不同艺术特点？

商代青铜器中酒器很多，这是商代朝野酷嗜饮酒的体现。大型器物数量颇多，多作为礼器使用。造型或方或圆，往往由突起的扉棱和圆雕性的装饰构成复杂的三维空间变化，威严之中透漏着神奇，要符合宗教的需要，其宗教意义大于审美意义，审美需求必须服从宗教意义的需求。商晚期青铜器的装饰通常追求满密，强调立体效果，常常形成以兽面纹为中心的所谓三层花纹。商代的造型多用安定而又庄重的直线，装饰也是采用对称而又规整的格式，这是服从祭祀的要求也是适应奴隶主阶级统治人们精神的需要。周代的青铜器在造型上摆脱了商代的神秘感，注重现实。造型上不再追求复杂的空间变化，而趋向规矩整齐，器壁趋于轻薄，装饰上简素平朴，兽面纹慢慢简化，窃曲纹和多种几何化纹样成为该时代的典型。与题材的变化相适应，二方连续则是有代表性的构图方式。西周中晚期不论造型、装饰，都充满理性，表现出验证单纯的追求。出现了铭文，用于歌颂周王的美德或是记录事件，反应了社会的状况和礼治。

4、明式家具的风格特点？

（发展到明代到达顶峰）特点：材料上采用上好的檀香、紫檀，简洁，充分考虑到人体工程学的需要。装饰简洁。种类有椅、床、画案等。

艺术特色：简、厚、精、准

艺术成就体现在：意匠美：“巧而得体，精而含宜”；材料美：充分运用木材本色和纹理；结构美：不用钉、不用胶，而主要是运用结构；工艺美：面的处理，有适当的比例和尺度。线的运用简洁利落。

5、宋代的丝绸图案

宋代多数丝绸的色彩追求是淡雅和谐，这在素纱、素罗上体现得尤其明显。两宋罗、纱、绫的装饰题材已经成为了花卉纹样的一统天下，花卉主要以牡丹与荷花居多，其次还有芙蓉、月季、菊花、兰花、卷草等等，品类极其繁多。它们形象写实、花头多取侧面，清新柔婉。构图常用缠枝和折枝，即令是折枝，也往往不直伸一杈，而要尽量翻转盘绕，曲折其势，以展现花卉的娇柔美妙。北宋构图满密，偶见人物纹，也有少量的禽兽纹，几何纹样还占有一定比例。南宋时，构图较疏朗，人物纹不见，禽兽纹几何纹减少，花卉纹样的主导地位更加突出，图案形象更加优美。较为重要两种丝绸图案的是天下乐和一年景。

6、明代漆器工艺的种类和特点

青花：是在白色瓷器上绘有青色花纹的一种瓷器，青花的原料是一种钴盐类的一种金属元素，呈色性很强，鲜明而稳定。青花虽只是一种色彩，但是由于调料的浓淡，用色的层次，而能呈现出极其丰富多彩的艺术效果。釉里红：是瓷器釉下彩装饰手法之一，创烧于元代的景德镇。是将含有金属铜元素为呈色剂的彩料按所需图案纹样绘在瓷器胎坯的表面，再罩以一层无色透明釉，然后入窑在1350℃以上的高温还原焰气氛中一次烧成。主要使用釉里红装饰手法的瓷器品种，即釉里红瓷，也常简称为釉里红。

剔彩：雕漆的一种，即在胎骨上分层髹涂不同颜色的漆至一定厚度，根据图案色彩设计，剔除上部漆层，露出所需要的色漆，并在其上剔刻花纹。

失蜡法：用蜡制成器形和装饰，内外用你填充加固后，待干，倒入铜溶液，腊液流出，有蜡处几位铸造物。

夹缬（XIE）：盛唐时极为流行，它是用两块雕镂相同的图案花纹，将布帛夹在中间，然后入染。夹缬的图案特点是花纹对称，具有均衡的美。

金银错：在铜器上用金银丝或金银片镶嵌成各种图案花纹，用厝石再磨厝平滑。厝石就是细沙石。

鎏金：金属工艺装饰技法之一。是把金和水银合成的金汞剂，涂在铜器表层，加热使水银蒸发，使金牢固地附在铜器表面不脱落的技术。

顾绣：“顾绣”又称“露香园顾绣”。它起源于明代（公元1368～1644年）松江（今中国东部上海市）地区的顾氏家族。明代嘉靖年间（公元1521～1567年）松江府的进士顾名世，晚年在上海建筑了一座林园居住，取名“露香园”。顾氏后裔精于刺绣，绣品精美典雅，技法独到，常用于家中陈设和馈赠亲友，因此称之为“顾绣”。“顾绣”素来享有“画绣”的美誉，是中国织绣工艺中的奇葩。据传顾氏的绣法出自皇宫大内，绣品使用的丝线比头发还细，针刺纤细如毫毛，配色精妙。绣制时不但要求形似，而且重视表现原作的神韵，且做工精细、技法多变。仅针法就有施、搂、抢、摘、铺、齐以及套针等数十种，一幅绣品往往要耗时数月才能完成。所绣的山水、人物、花鸟均精细无比、栩栩如生，受到官府和民间的广泛推崇。斗彩：斗彩又称逗彩，其法是在胎上先用苏泥勃青青花釉料画出部分花纹，又在釉上与之相适应的加以彩绘，使青花与彩绘形成变化统一的装饰效果，上下斗合，构成合体，故名斗彩.填彩：是青花加彩的一种，填彩的方法是现在胎上用苏泥勃青画出花纹轮廓，然后再花纹轮廓内再填以彩色釉料。

规矩镜：方圆。汉镜上的规矩纹可以单独组成图案，更多的还是与四神、五灵、神人等配合。汉人认为，规矩纹组成的是一个象征天地的图案，代表了天地的框架。

唐代陶瓷工艺的发展

唐代陶瓷：青瓷、白瓷、花瓷、唐三彩

一、青瓷 1越窑：是我国青瓷主要产地，特点：胎骨较薄，施釉均匀，釉色青翠莹润。青瓷追求的最高境界是“类玉”“类冰”。唐代由于铜料缺乏以及流行饮茶的社会风尚，因而间接促进了瓷业的发展，但越窑青瓷除了做茶具外也做酒器和乐器。

白瓷1邢窑：与类玉，类冰不同，追求“类银类霜”。特点：釉白而微显淡黄或淡青，玉 在中国文人心中是君子的象征，因此，类玉的青瓷就受到文人推崇。

二、花瓷：是唐人创造的，它们在深色釉上带有浅色斑块，有些斑块的分布略有次序，更多的并无规矩，是陶工以色料信手点染的。在深色的釉地上显现出或大或小形状各异的浅色彩斑，很有天然意趣。（隋后期曾短暂繁荣，经过唐早期的低靡，唐中期生产极盛，进去晚唐开始衰弱）

三、唐三彩：低温铅釉的彩釉陶器，三彩为黄、绿、褐，也有涂蓝釉的，出土数量甚少，亦较珍贵。过程：经过精炼的白粘土制胎，两次烧成。它首先用千度左右高温烧成陶胎，挂釉

后再经900度左右焙烧。因其用料精细，制作规整，所以不变形、不裂缝、不脱釉。分类：器皿：壶、杯、盘、盒、炉、奁、柜、枕等几乎包括了生活实用各方面。

人物：妇女、文官、武士、牵马俑、胡勇、天王等。根据人物社会等级，刻划出其不同的性格和特征。

动物：鸟、狮、骆驼、马等。

两宋陶瓷特点：不以装饰为重而以釉色作为主要的装饰手法。

定窑（白瓷)特点：器口镶边，叫“涩口”。瓷色无变化，花纹上创新，松中期覆烧，因此有涩口，是为镶边。宋定窑以生产乳白釉著称，也兼烧黑釉、绿釉等，其降色釉数量虽少但久负盛名。定窑白瓷胎质细腻，釉色润泽，造型规整，常带有装饰。

汝窑（青瓷）：在北宋中后期烧制，宋后期由于靖康之变宫廷器物被金人掠走，所以时间段。多采用玛瑙釉。由于铁的还原成青葱色，早期素瓷无纹晚期主以印花、刻花、，吸取越窑釉色和定窑装饰的技法，汝窑曾长期被认为是官窑。

主要色彩特征：青既有蓝色之冷，又有绿色之暖，色调寒暖适中，十分和谐，此色调反映了当时社会文化追求。

官窑（青瓷窑）：釉色以粉青为代表，特点：紫口铁足，南宋比北宋薄，都有蟹爪纹等开片。北宋官窑厚重，南宋轻薄，器形以洗、碗为多。很少纹饰，只在腹部、颈部有弦纹。

哥窑：特征釉面有裂纹，即开片，釉色粉青和米色两种。典型特点：金丝铁线，指大小开片。钧窑：其烧在北宋初，鼎盛于北宋晚期。釉色厚重，采用乳浊釉。特点：唯一产生“窑变”的窑器，“入窑一色，出窑万色”。打破一色釉的单调，形成了对比眼妍丽的艺术风格是钧瓷工人的一大贡献。

磁州窑：特点：运用黑白对比装饰手法，以画花和雕釉两种最为流行，有的还书写文字。烧制磁枕。

耀州窑：呈橄榄绿，曾作为宫廷御用瓷，有“刻花、剔花、印花、镂空”种类的装饰手法。龙泉窑：釉色青翠，北宋多粉青，宋呈翠绿色，没有开片。在器皿的转折处露出胎的色泽，称为“出筋”，装饰上流行用堆贴和浮雕等方法，由于瓷釉厚润，因此多不用刻花和划画。特色在于其纯粹雅正的青瓷釉色釉质，其釉色和质地之美大道自原始青瓷以来两千年青瓷发展的顶峰，越窑所追求的冰清玉洁的品质到龙泉窑才尽善尽美的完成。

景德镇窑：青白瓷，瓷窑罩在刻花和印花器皿上，纹样的凹下出积釉厚而较轻青，又因胎薄的关系，其纹饰若隐若现，固有影青、映青、阴青、罩青之称。其釉色类玉，宋应星称其“青肌玉骨”。出土有大量粉盆，纹饰精美。

建窑：釉中含铁成分因烧制火候不同而在黑色中形成各种美丽的斑纹。

吉州窑：纹饰精巧，形成北有磁州南有吉州两大民窑体系。玳瑁斑：引黄黑两色交融在一起，形成滋润自然的色调，器面装饰纹样有凤、鹊、蝶、鹿、梅、竹等，以梅花最多。剪纸纹和木叶纹：用木叶和剪纸粘贴然后施釉，经烧制形成花纹，这是一种独创。

宋瓷小结：宋官窑强调精神至上，重青瓷，含蓄内敛，以颜色作为表现形式。民窑则重纹饰，比较艳俗，对文字装饰较有兴趣，强调世俗的感受。这两种审美构成了宋代陶瓷审美的丰富多彩。

两宋陶瓷艺术的突出特点：造型单纯古雅，装饰平和简素。

清代工艺美术的种类

一．染织品种：缎、绒、刻丝、刺绣

二．陶瓷：景德镇窑、青花、五彩、珐琅彩、粉彩、颜色釉是

三．漆器 四，家具，五，珐琅器 六，玉石器 七，玻璃器八，竹刻九，牙角雕刻 十，十一，葫芦器

特点：繁缛、精巧绘画式的装饰占主导地位。

小结

1.清代工艺美术，在艺术上，缺乏较高的美术境界，把艺术和技术等同起来，虽然做到了技术精绝，使人赞赏，但不能使人得到美的陶冶，在科学上，其制作水平远超过前代，是技术得到飞跃的发展，人们创造的各个技能，使一切材料能较充分的发挥其性能，使一切技术尽可能为我所用，从而使人在工艺美术的创作制造中，逐步由被动转为主动。

5.中国工艺美术史 篇五

中国工艺美术史

院 系 类 别

专 业 班 级

学 生 姓 名

学 生 学 号

计算机与信息工程 09电信（2）班尹楠楠09700230

中国工艺美术的发展

内容提要：本文展述了中国传统工艺美术的审美特征，什么是中国工艺美术，中国工艺美术之一的金属工艺在中国工艺美术中的地位，发展和金属工艺在当代有哪些需求的市场，青铜器的艺术成就，玉器在中国古代文化中的发展，中国古代玉器的发展大致可分为三个历史阶段，玉成为中国古代文化的重要标志之一。

关键词：中国工艺美术，和谐性，象征性，灵动性，天趣性，工巧性，金属工艺，金属工艺的当今市场，青铜器，玉器的造型、纹饰，玉器的理性化、规范化、大众化、世俗化。

中华民族在其发展的漫长岁月中，以勤劳和智慧为人类工艺文化历史创造了境界独到、风范高雅、魅力永恒的工艺造物样式。中国工艺美术浸透着中华民族的文化精神和审美意识,富有鲜明的美学个性，主要体现出：

1、和谐性。中国传统艺术思想重视人与物、用与美、文与质、形与神、心与手、材与艺等因素相互间的关系，主张“和”与“宜”。对“和”、“宜”之理想境界的追求，使中国工艺美术呈现出高度的和谐性；外观的物质形态与内涵的精神意蕴和谐统一，实用性与审美性的和谐统一，感性的关系与理性的规范的和谐统一，材质工技与意匠营构的和谐统一。

2、象征性。中国工艺思想历来重视造物在伦理道德上的感化作用。它强调物用的感官愉快与审美的情感满足的联系，而且同时要求这种联系符合伦理道德规范。受制于强烈的伦理意识，中国传统工艺造物通常含有特定的寓意，往往借助造型、体量、尺度、色彩或纹饰象征性地喻示伦理道德观念。这种象征性的追求常常使宫廷或文人工艺美术沦为纯粹的伦理道德观念的展示，造成矫饰之态或物用功效的损害。相比之下，更多以生产者自身的功利意愿为象征内涵的民间工艺美术则显得刚健朴质，充满活力。

3、灵动性。中国工艺思想主张心物的统一，要求“得心应手”，“质则人身，文象阴阳”，使主体人的生命性灵在造物上获得充分的体现。中国传统工艺造物一直在造型和装饰上保持着S形的结构范式。这种结构范式富有生命的韵律和循环不息的运动感，使中国工艺造物在规范严整中又显变化活跃、疏朗空灵。

4、天趣性。中国工艺思想重视工艺材料的自然品质，主张“理材”、“因材施艺”，要求“相物而赋形，范质而施采”。中国传统工艺美术在造型或装饰上总是尊重材料的规定性，充分利用或显露材料的天生丽质。这种卓越的意匠使中国工艺造物具有自然天真，恬淡优雅的趣味和情致。

5、工巧性。对工艺加工技术的讲求和重视是中国工艺美术的一贯传统。丰富的造物实践使工匠注意到工巧所产生的审美效应，并有意识地在两种不同的趣味指向上追求工巧的审美理想境界：去刻意雕琢之迹的浑然天成之工巧性，和尽情微穷奇绝之雕镂画缋的工巧性。

中国古代工艺美术是中国人民为满足自己的物质需要和精神需要，在不同的历史条件下，采用各种物质材料和工艺技术所创造的人工造物的总称。它是中华民族造型艺术的重要组成部分，既体现了工艺美术的一般本质特征，在内涵和形式上保持着实用性与审美性的统一，又显示了中华民族文化自身所具有的鲜明个性。中国工艺美术以其悠久的历史、别具一格的风范、高超精湛的技艺和丰富多样的形态，为整个人类的文化创造史谱写了充满智慧和灵性之光的一章。工艺美术有物质文明和精神文明的又重属性，尽管它不是纯艺术，创作不以震撼人心或道德说教等为宗旨，但它对人的影响又绝不小于纯艺术。因为，人可以不去欣赏纯艺术，却不必去专门欣赏它，而它却永远在源源不断地提供着形式语言，潜移默化地培育起人的基本审美意识，如影随形般左右了人的终极审美判断。中国古代工艺美术夙享盛誉，长期是中华文明传播的承载体，域外人士在使用中国工艺美术的同时，也潜移默化地认知了中华文明。

工艺美术这个词，就具有悠久技艺传统的，富有地方和民族特色，反映中国古典文化精神的传统工艺美术，其主要门类有烧造、煅冶、染织、编扎、雕刻、木工、髹饰工艺等等。而金属工艺就是其中一项中国优秀的传统民族技艺。金属工艺是中国工艺艺术的一个特殊门类，主要包括景泰蓝（景泰蓝是用细扁铜丝掐成图案的，焊在铜胎上，再填点上彩色釉料，经烧制而成）、烧瓷（又名“铜胎画珐琅”，与景泰蓝的区别在于不用掐丝，而是在以铜制胎之后，在胎体上敷上一层白釉，烧结后用釉色进行彩绘，经二、三次填彩、修正后再烧结、镀金、磨光而成。）、花丝镶嵌（又叫“细金工艺”。它是用金、银等材料，镶嵌各种宝

石、珍珠，或用编织技艺制造而成。）、斑铜工艺（斑铜工艺品是云南独有的民间传统工艺品, 它采用高品位的铜基合金原料，经过铸造成型，精工打磨，以及复杂的后工艺处理制作而成，它“妙在有斑，贵在浑厚”，褐红色的表面呈现出离奇闪烁、瑰丽斑驳、变化微妙的斑花而独树一帜，堪称金属工艺之冠。）、锡制工艺、铁画（也称铁花，是以低炭钢为原料，将铁片和铁线锻打焊接成的各种装饰画。）、金银饰品等等

金属工艺在当今，也占有非常大的需求量。这不会象我们在现在的生活中，去更多的去用塑料代替漆器，用玻璃代替了陶瓷，用工业印染的面料代替了传统织物等等。我们现在有许多酒吧、别墅、环境雕塑、绿化景观围栏等等，这些都需要去用到许多传统金属工艺的沿袭手段的，并且将金属工艺加以发扬光大，再设计再创造，使其与传统形式又有所区别，使得金属工艺更花样百出，更为当今的产业，人文，大众审美，或艺术家的创造所提供材料与技术的服务。但是，当今的金属工艺纯手工的几乎灭亡，这些内容也只是通过工业手段完成，利用机器，科技。我们能看见的传统的，废功费时的纯手工制作的金属工艺制品或许只有在一些艺术院校，或金属手工工作室内产出。

商周号称“青铜时代，夏朝的青铜器目前发现较少，且较零碎。商代是青铜器的繁盛时代，青铜器多见于礼器或兵器。最大的是司母戊鼎（迄今为止），最精致的的四羊方尊（当时）。同时期的还有四川的三星堆青铜器。西周时青铜器平民化、日用化夏。春秋时，青铜器有了金银错技术和雕铸技术，青铜器极品是莲鹤方壶（出土一对，一个上交国家，一个现存河南博物院，是镇馆之宝），代表了中国青铜器的最高工艺水平，还有后来湖北出土的曾侯乙青铜编钟，是青铜工艺和音乐技术的完美结合，历经千年依然能演奏。春秋时已出现铁器，开始取代青铜器，并使其逐渐退出历史舞台。

中国是世界上用玉最早、经验最丰富的国家，从迄今为止的考古成果来看，大约有一万多年的历史。从审美的角度看，大量学者认为中国古代玉器的发展大致可分为三个历史阶段。

从旧石器时代中晚期到商代晚期为第一阶段。这一时期受认知世界方式的影响，玉器作品凝结着自然崇拜、图腾崇拜、祖先崇拜和鬼神崇拜等巫术文化因素，主要成为人们沟通天地、敬神祈福的法器，在玉器的造型、纹饰以及用玉的观念上都呈现出神秘朴拙的审美特色。

由周至汉，是中国古代玉器发展的第二阶段。此时期是中国封建社会的形成和发展期，儒家思想在百家争鸣中占据了主导地位。君子“比德于玉”，玉器除了继续承载着祭祀天地、敬神祈福的功能外，又蕴含了丰富的儒家文化思想内容，成为一种具有社会道德含义的特殊物品，成为一种表达伦理教化观念和明辨人伦规范的重要物质载体。同时，对世界的认识把握也逐渐成熟化、系统化，这一时期的玉器制作越来越理性化、规范化。由于凝结着深厚、浓重的理性内容，玉器在审美倾向上体现出神圣、工整的审美特色。

从魏晋时代至清末是中国古代玉器发展的第三时期。魏晋时代，玉器业进入低谷，但依然有其重要意义。魏晋时代是中国文化思想史上的一个大转变的时期，它在观念上和实践上打破了具有悠久历史的礼仪用玉传统，而儒道佛并重的隋唐时代则开启并确立了玉器的生活化方向。随着生产力的不断提高，宋元明清时代的商品经济、城市经济不断发展，市民阶级也不断扩大，其审美趣味日渐成为主流，这一时期的玉器呈现出大众化、世俗化的审美倾向，具有感性、世俗、自然的美学特点。

总之，悠久的历史、深远的内涵以及对社会各方面的影响，最终奠定了玉在中华民族心目中的崇高地位，赢得了世代的珍视和爱重，成为中国古代文化的重要标志之一，闪射出永恒的灿烂光芒。

参考文献：

（1）人民美术出版社出版 《中国工艺美术简史》 1983;

（2）上海知识出版社 田自秉先生撰著 《中国工艺美术史》 1985;

（3）陕西人民美术出版社 龙宗鑫先生撰著 《中国工艺美术简史》 1985;

6.《中国工艺美术史》教案 篇六

古代中国的设计艺术

（一）商--手工业从农业中分离出来，私有制形成，原始社会逐渐向奴隶社会过渡。石器时代以后，经历了金石并用期，人类历史进入青铜时代。在社会发展史上，是奴隶社会时期。

夏代是我国历史上的第一个朝代。在河南郑州一带发现的“二里头”文化遗址与夏代同期。二里头文化已经进入青铜时代。

商代分为早期和殷商（晚期）两个阶段。以晚期最为辉煌，河南安阳小屯为其王都。

周--周人是我国西部的一个古老的部落，活动在陕西、甘肃一带。周武王灭商成立周朝。定都西安西南的镐京。周代实行分封制、世袭制和等级制。礼治是其根本。周代的等级制充分反映在工艺美术方面。

这一时期，出现了我国最早的关于工艺的专门著作《考工记》，它总结了各种工艺制作的科学经验，提出了“天有时，地有气，材有美，工有巧，合此四者，然后可以为良”的论点，至今仍为工艺制作的基本法则。

依据《考工记》所著，那时的工艺制作的分工已经较为趋向专业化状态。春秋战国---这是一个大**、大转变的时期，所谓“礼崩乐坏”的时期。各诸侯国的兼并和分裂，也造成了地方特点的成熟和文化的交融。封建制度逐渐形成。战国时期，冶铁工业的出现，促进了手工业的发展。学术领域的百家争鸣，带动了中国社会思潮的繁荣和文化艺术的巨大发展。青铜是红铜加锡、铅的合金。

青铜较之红铜，有熔点低和硬度大等优点。

大约在公元前2000年左右，我国进入青铜时代。

1、青铜器的型制：

武器和工具：戈、矛、斤、刀、钺、镞、铲、凿等 乐器：钲、铙、钟、鼓

生活用品：（包括炊煮器、食器、酒器、水器）鼎、鬲、豆、爵、角、觚、尊、壶等。

2、青铜器的制造工艺：

陶范、分范、铸造、镶嵌、鎏金、失蜡等。商代青铜器

是青铜艺术由成熟到鼎盛的时期，流行饕餮纹、云雷纹、夔纹、龙纹、虎纹、象纹、鹿纹、牛头纹、凤纹、蝉纹、人面纹等纹饰，郑州杜岭出土的饕餮乳丁纹方鼎、安阳殷墟出土的司母戊方鼎、安徽阜南出土的龙虎纹尊、湖南宁乡出土的四羊方尊及人面纹方鼎等为代表。

西周前期继承商代风格，在后期逐渐形成自己的特色。总体风格质朴、简约，强调韵律感和节奏性，体现有条不紊的秩序和规律。

酒器稍减，食器增多，铭文加长。流行顾首的夔纹、分尾的鸟纹、窃曲纹、重环纹、波带纹及瓦纹，长篇铭文习见。

陕西扶风出土的毛公鼎（铭文长达497字）、大克鼎等，皆属西周时期的典型器。春秋战国时期的青铜工艺，在应用角度是一种钟鸣鼎食的组合。它已失去祭祀和礼器的特性，向生活日用器物发展，增加了许多以实用为主的用品。

装饰题材，逐步摆脱宗教神秘气氛，使传统的动物纹进一步抽象化，变为几何纹，并出现了反映社会现实生活的题材，如宴乐、射猎、战争等；装饰手法采用模印、刻划和镶嵌；制作工艺的分铸、焊接、镶嵌（金银错）、腊模（失腊法）、鎏金等新技术，使青铜工艺达到前所未有的精美。

春秋时期的“莲鹤方壶”、战国时期的“宴乐水陆攻战铜壶”为其代表。

古代中国的设计艺术

（二）陶瓷工艺

商代的陶瓷工艺分灰陶、白陶、釉陶和原始瓷器等多种。

灰陶占全部陶器出土的90％以上，轮制和模制较多，以适应大量生产的需要。白陶为商代陶器工艺珍品，高岭土制成，商代以后，不再出现这种产品。釉陶和原始瓷器为瓷器的萌芽，数量较少，品质也有缺陷。这一时期的陶瓷工艺，在装饰手法上为青铜工艺所主导 周代原始瓷器的出土已经很广泛，有的造型颇具情趣。陶器以红色粗泥陶为主。

春秋战国的陶瓷工艺，比西周时期更为发展。浙江绍兴地区发现了许多战国时期的窑址。

这一时期的典型品种有暗纹陶、彩绘陶、几何印纹陶和原始瓷器。另外，春秋战国时期的彩塑和瓦当也卓有特色。

雕刻工艺

《诗经》有“如切如磋，如琢如磨”，具体反映了雕刻工艺的制作过程。商代的雕刻工艺有石雕、玉雕和牙骨雕等。

周代的玉器，因为与伦理道德有着直接的关系，得到社会的特别重视。礼仪大典，祭祀朝聘，以玉为必需；自天子至士庶，以佩玉为尚，并延源几千年。玉器之大小和规格，均有严格规定和不同用途。春秋战国时期的其他工艺还有玉器、木雕和琉璃等。

琉璃即原始玻璃。我国的玻璃为铅钡玻璃，西方为钠钙玻璃。战国时期琉璃的产地为长沙地区。

染织工艺

西周时期的养蚕、缫丝、织帛、种麻、采葛、织绸、染丝等工艺，已有专业分工。当时临淄的罗、纨、绮、缟、陈留的彩锦，都是名品。染色工艺也有一定的成就。

春秋战国时期，纺纱织造较为普遍，染织刺绣工艺也得到发展，在今天的山西、河北、山东、江苏、湖南一带，尤以齐鲁地区最为著名“齐纨鲁缟”全国知名。而以湖南长沙和湖北江陵地区的出土最为丰富。

漆器的色彩也要符合礼制的规定。“天子丹，诸侯黝垩，大夫”－－《春秋》 用蚌泡作为镶嵌，是周代漆器工艺的一种流行装饰手法。为镙钿装饰的前身。

1、商代是典型的奴隶制社会。宗教由多神教转为一神教。宗教色彩浓郁。

2、崇尚武力。造型多为方正庄重的直线，装饰采用对称规整的格式。神秘、庄重而威严。

3、其青铜器的组合为酒器的组合。造型来自实用要求。型制多样而丰富。

4、商代工艺装饰的社会意义，其宗教意义大于审美意义。

周代尚德，强调礼治，礼的特点是等级和秩序，在工艺美术中反映明确。春秋战国

一、具有时代的共同性和地区的特殊性。齐国的刺绣、楚国的漆器、吴越的刀剑等。

二、思想学术领域的“诸子蓬起，百家争鸣”带动了工艺美术领域的巧思、清新和活泼的特色。

三、重叠缠绕、上下穿插，四面延展的四方连续装饰，来自于创新，也来自于制作技术的发展，同时与当时的文学格式“回荡法”有“异曲同工”的呼应。

四、诸子百家关于用与美、文与质的论述，如孔子“文质兼备”“质胜文则野，文胜质则史”，以及墨子“先质而后文”，韩非子的“以文害用”，孟子的“与民同乐”，荀子的“万物之美可以养乐”等，均对工艺美术的发展影响很大，及至今日。

古代中国的设计艺术

（三）秦汉时期的工艺美术

公元前221年，秦统一了中国，至汉代呈现出 大一统的强大国势，也是中国工艺美术艺术得到全面发展的盛世。

美术和工艺美术都以丰富多彩的面貌，奠定了中华民族风格的基点。秦代的工艺美术品种主要有：青铜器、漆器和陶器。

秦代的青铜器部分为秦并六国，陆续从别的国家运来的具有其他国家特色的器皿，还有部分为秦自己地方特色的器皿。蒜头瓶和鍪是其特色品种。湖北云梦睡虎地秦墓出土的大量漆器，是秦代漆器工艺的代表。

而秦代最有特色的是陶塑作品。举世闻名的始皇陵兵马俑，一、二、三号俑坑出土了武士俑7000多件，战车百余辆，战马百余匹。另有著名的“秦砖汉瓦”。秦代风格淳朴，崇尚务实精神，语意平直，不重文采。

汉代的铜器已向生活日用器皿方向发展。以素器最为流行。其中，灯、炉、奁、壶、洗、镜等的产量最大，也最具特色。另外，西南少数民族地区则流行铜鼓。

汉代还出现了优秀的铜雕工艺品“马踏飞燕”、“铜屋”等。汉代的金银器，主要是制作各种装饰用品。

最为著名的是河北定县汉墓出土的金银错狩猎纹铜车饰。汉代的陶瓷，有了进一步的发展。

陶瓷品种有灰陶、釉陶、彩绘陶、原始瓷器、以及砖瓦、陶塑等。装饰手法丰富多彩，有印纹、划纹、堆贴、彩绘、雕镂等多种。这时期的釉陶、彩绘陶、砖瓦、陶塑等均有出色的成就。

汉代的丝织主要产于齐、蜀。品种有锦、绫、绮、罗、纱、绢、缣、缟、纨及织成等。

汉代的锦为“经锦”，经丝彩色显花，同一图案，同一色彩，形成直行排列。汉代丝织的装饰划纹有云气纹、动物纹、花卉纹和几何纹，以及文字装饰。汉代的印染工艺有涂染、浸染、套染、媒染等。

汉代的刺绣主要为辫绣，著名的有信期绣、长寿绣、乘云绣。汉代的漆器工艺是鼎盛时期。以四川为主要产地。

汉代的漆器有木胎、竹胎、夹纻等，主要为木胎，旋制、剜制和卷制。造型多种多样，有取代铜器之势。

装饰花纹主要有云气纹、动物纹、人物纹、植物纹、几何纹等。装饰手法以彩绘为主，另有针刻、铜扣和贴金。汉代的石雕非常发达。分圆雕和平雕两大类。圆雕以陕西霍去病墓为代表。

平雕以著名的汉画像石为代表。以山东的孝堂山、武氏祠、沂南、江苏徐州、河南南阳等地为代表。

平面阴刻和阳刻的手法，展现当时的社会生活、神话传说等题材。玉器亦有较大发展。汉代的其他工艺还有琉璃、木器、编织等，也各有特色。因多见于文献资料，遗存尚少。

1、是工艺美术的空前繁荣期，成就较高。

2、厚葬风盛行，羽化升仙、祥瑞迷信等为题材。

3、在工艺美术工艺美术上，取得实用与美的统一，并向一物多用化发展。

4、其装饰风格：质、动、紧、味。

5、其图案装饰方法：

变形的处理－－剪影法 构图的处理－－分割法 装饰的处理－－填充法 材料的处理－－减地法

六朝时期的工艺美术

汉代后的三国两晋南北朝时期，是我国历史上一个长期混战的时代，社会经济、文化遭受到严重的摧残和破坏。我们把这一时期简称为“六朝”

战乱同时也促进了各民族、各地人民的交流，使得不少手工业者能够较自由地进行生产和技术改造。

在各工艺美术品种中，具有突出成就的是瓷器，雕刻、金工、漆器也有一定的发展。

佛教的勃兴使这一时期的工艺美术工艺美术带有浓厚的宗教色彩，成为独特的时代特色。

六朝时期，我国工艺美术工艺美术已进入瓷器时代。

自六朝以后，陶瓷制品成为人们生活器皿中一个主要的品种。

陶和瓷的主要区别，一是原料不同，陶器用陶土，瓷器用瓷土。二是烧窑火候温度不同，陶器较低，约800°c左右，瓷器较高，约1200 °c左右。三是物理特性不同，陶器质地松脆，有微孔，瓷器质地致密、坚实、不漏水，敲击有金属声。最早的瓷器为青瓷。以浙江地区为中心。越窑最具代表性。鸡头壶、莲花尊、魂瓶等为代表器型。莲花纹和忍冬纹为代表装饰纹样。另外，河南邓县的画像砖也享有盛名。

三国两晋时期，四川生产的蜀锦最著名。至南朝时，江南地区的染织工艺已经普遍发展起来。

六朝时期的丝织纹样，改变了汉代云气纹高低起伏的不规则变化的格式，构成了有规则的波状骨架，而更加样式化，形成几何分割线。铜器中日用器皿的生产开始衰落，而用于佛教铸造铜像。六朝时期的金银器出土较多，工艺水平也有所提高。

六朝时期的漆器工艺，较为突出的有夹纻造像、斑漆和绿沉漆几种。这一时期，石雕工艺成为宗教美术的重要组成部分，具有突出的成就。佛教，在公元前6至前5世纪，产生于印度。它的创始人是乔达摩•悉达多。释加牟尼是佛教徒对他的尊称。参悟“苦、集（因）、灭、道”四圣谛而成佛。在公元1世纪中叶，贵霸文化自身所形成的融汇古印度、伊朗、希腊文化的多文化特点，使佛教艺术在这个阶段呈现出以希腊神像为范本的过渡阶段特征，称之为“犍陀罗”艺术，并主要体现在雕塑方面。后来，佛教艺术东渐，在中国的早期佛教艺术中仍可见到“犍陀罗”艺术的影响。佛教艺术的壁画、雕塑和建筑是三位一体的综合系统。

早期的壁画石窟寺以天山以南的克孜尔千佛洞、库木土拉千佛洞等为代表。而最具代表性是敦煌莫高窟。

克孜尔石窟 今新疆库车一带古称龟兹，克孜尔石窟现有洞窟２３６个，是新疆最大的一处石窟。窟型大致有三种，一种是在正壁塑造像（均已无存），或称为大像窟；一种是有一宽敞的主室，正壁两侧开两条向后的甬道通向后室或后甬道，以便僧徒环绕礼佛。主室正壁开龛或不开龛，塑有一尊主要佛像，满窟绘壁画，此种形式称龟兹型窟。

莫高窟地处沙漠深处，现存从南北朝到元代的492个洞窟。保存着历代塑像2400余身，壁画约四万五平方米，成为我国最重要的一处石窟寺。莫高窟洞窟壁画、雕塑主要是北朝、唐、隋、宋、西夏、元的作品。

莫高窟壁画可以分为：佛像画（佛说法图）、民族传统神话题材、装饰图案和故事画。早期的故事画以佛传故事、因缘故事、和本生故事为主。

其中，275窟（十六国）是现存最早的洞窟之一。其《尸毗王本生图》最具特色。257窟（北魏）《鹿王本生图》、254窟（北魏）《舍身饲虎图》、428窟（北周）《须达那太子本生图》都是这一时期的代表。北朝壁画常以红、白、蓝、绿等浓烈的原色为基调，给人以庄重深沉的感受。今知我国最早的佛像是在四川乐山发现的东汉崖墓上的石刻浮雕佛像。中国石窟造像之风，兴盛于魏晋南北朝，隋唐与日俱增，一直到十三世纪。仍是中国石窟的黄金时代。

最有名的石窟是山西大同云岗石窟、河南洛阳龙门石窟、界于河北、河南间的响堂山、江苏栖霞山、河南巩县石窟寺、甘肃敦煌莫高窟、天水麦积山、永靖炳灵寺、以及四川大足的宝顶山和北山石窟。

早期佛教雕刻可分为三个阶段：

一、以北魏时代的云岗石窟造像为代表。西部昙曜五窟造像最为典型。

二、洛阳龙门石窟的宾阳洞造像为代表。

三、北齐石刻造像为代表。

由沙门统昙主持在京城（平城，今山西省大同）以西武州山开窟造像，即今日的云冈石窟。云冈16－20窟，通称昙曜五窟。主像形体塑造充塞窟内空间异常高大，强调给礼拜者以无比威严的压抑的气氛，是君权、神权高度统一的象征。继昙曜五窟之后至迁都洛阳（494年）以前，皇室勋贵在云冈开凿了一批重要洞窟，即1、2、3、4、5、6、7－13窟，这些洞窟均以双窟形式出现。这时期许多作品技巧高超、塑造了面貌清癯、眉目开朗、神采飘逸的形象。

龙门石窟位于河南省洛阳市南13公里处伊水河畔。开凿在东西二山上，又称伊阙西窟，是北魏迁都洛阳后再次开凿的一处石窟。北魏时的代表洞窟有宾阳洞、古阳洞、莲花洞、石窟寺洞等。龙门的北魏造像已达到北朝雕刻的颠峰，呈现着浓郁的中国作风和气派。

麦积山石窟 位于甘肃省天水市附近，其艺术风格有异于云冈、龙门石窟，雄伟、庞大的石刻造像，呈现出秀丽、典雅的风格。

东晋至南北朝时期出现的少数知名雕塑家，戴逵（约326－约396年），东晋著名画家也是最有影响的雕塑家、哲学家。尤以擅长佛教雕塑著称，他努力探索和完善铸造、雕刻的技法表现，改善国外传入的佛像式样而创造出为当时民众易于接受的佛刻形象。在为灵宝寺造丈六无量寿佛和菩萨木像时，又以十年精力制作五躯佛像，此像与顾恺之画维摩像、狮子国（今斯里兰卡）进献的玉佛像并称瓦官寺三绝。

南朝陵莫雕刻与陶俑 在今南京郊区和句容、丹阳县境内，分布着30余座宋、齐、梁、陈四个朝代的帝王、贵族陵墓，墓前依一定制度树有神道石柱、石碑、石兽等。陵墓前石兽一般通称辟邪，形如狮子而有翼，双角者称为辟邪，独角者称为天禄。这些石兽形体硕大，气度恢宏，形象虽源于狮子，但形体极尽夸张。佛教建筑主要有塔、寺庙、石窟三大类。

塔，也称“浮图”、“浮屠”，是寺中的主要建筑，是为藏置佛的舍利和遗物而建造的。由台基、覆钵、宝匣和相轮四部分所构成的实心建筑物。河北登封嵩山南麓嵩岳寺塔，为国内现存最早的砖塔，建于北魏（公元520年）。

石窟，原为依山开凿的佛寺。基本形制有：中心柱窟、覆斗顶方窟、穹隆顶椭圆窟、崖阁、涅磐窟以及大型佛龛、摩崖等。

寺庙，传入我国后，与我国木构建筑相融合，扩为宫殿式庙宇，包括宽阔的天井、楼阁、画廊、花园等。南方多修佛寺，北方以石窟寺为主。

哲学思想领域中崇尚玄学的清淡、放任无羁和超然物外。具有玄虚、恬静、超脱的特色，出现了反映宇宙观的新的题材。工艺美术风格清秀、空疏。

与佛教有关的题材和形式开始流行。夹纻造像、莲花、忍冬纹样的流行，以及受到外来文化的影响，都成为这一时期典型的时代特色。

隋唐时期的工艺美术

隋代（公元581年－618年）短暂的过渡统一，便迎来了如日中天的唐朝。唐代是一个文学艺术成就非常高的时代。诗、书、画、歌舞，以及具有鲜明时代特色的各门类艺术，都得到了长足发展。唐代的工艺美术也非常发达，织锦、印染、陶瓷、金银器、漆器、木工等，都远远超过了前代。唐代的装饰艺术，达到了高度成熟的黄金时代，清新活泼，富丽丰满的艺术风格，流传至今。

一、隋代的陶瓷

白瓷烧制成功，是一项突出的成就。

二、唐代的陶瓷

1、青瓷：越窑“类玉、类冰”“巧剜明月，轻旋薄冰”、“秘色”

2、白瓷：邢窑“类银、类雪”，河北内邱。

3、彩瓷：彩釉瓷和釉下彩绘、及绞釉绞胎等多种瓷器。河南鲁山、湖南长沙等地。

4、唐三彩：三彩陶器烧胎后涂以黄绿、褐、蓝、白等釉烧制而成，由于掌握了大量金属釉的特点，两次烧成，使其成为绚丽夺目、鲜艳多彩的艺术品。长安、洛阳为主要产地，多为明器。

隋代的丝织生产，北方以河北定州为中心，南方则依然是著名的蜀锦。隋代的印染工艺中，出现了夹缬等新技术。

1、唐代的丝织：生产中心已经由北方向南方转移。唐锦的花纹主要有联珠纹、团窠纹、对称纹（窦师纶所创的“陵阳公样”）、散花、几何纹和晕涧。唐锦为纬锦，纬线提花，清新活泼，华美流畅。

2、唐代的印染工艺主要有夹缬、蜡缬、绞缬、碱印、拓印等。

3、唐代的刺绣工艺除辫绣外，还有平绣、打点绣、纭裥绣等手法。隋唐时期的金属工艺，以金银器和铜镜最为发达。

唐代的金银器以银熏炉和舞马衔杯银壶为代表。装饰精美，手法多样，金碧辉煌。唐镜因馈赠和献礼而发达，菱花型、葵花型，特色鲜明。唐代的漆器工艺也有所创新。

金银平脱：唐代首创。螺钿：雕漆：唐代首创，现为剔红。唐代经历着自古以来席地而坐到垂足而坐的过渡阶段。

家具由矮向高发展。品种有几、案、挟轼、箱、柜、胡床、屏风、棋局等。菩萨像在唐代彩塑中占有突出的地位，莫高窟彩塑突出的特点是善于利用泥塑与色彩、壁画相结合而达到统一的效果。最重要的石刻造像是奉先寺造像。著名的六骏石刻浮雕分别选取侍立、徐行、奔驰等动态风姿英武。特别值得重视的是这六件石刻作品纯熟地使用了“起位”这一典型浮雕创作技巧，因而使作品产生了强烈的体积感。

顺陵（武则天母亲的陵墓）石狮和独角兽高大独特，四足挺立。作缓步停留姿态的石狮，造型真实，单纯而有力，具有整体的完整性，充分表现出对纪念性石刻特点的掌握。

乾陵和顺陵的石刻所表现的雄伟气魄是服从政治的要求的，是重要的纪念性雕塑的杰出作品。

• 唐代的装饰风格具有近代装饰的特点，采用了大量的花草植物纹。• 人的意识的解放，带来了开放、自信的清新和活泼。• 装饰的生活情趣化，使人感到自由、舒展、活泼、亲切。

• 较大弧度的外向曲线、多彩运用以及秀美、富丽、丰满、工整的装饰手法，丰富而清秀。

• 艺术风格概括为：博大清新、华丽丰满。

宋代的工艺美术

五代是继辉煌的大唐帝国以后的又一个各国分裂的时期。北方由于战乱频繁，使经济文化中心转移到南方，尤其是南唐和西蜀，一度居于全国领先地位。北宋的统一，促进了经济文化发展。南宋虽然偏安，但城乡经济和对外贸易仍趋于上升趋势。宋代在哲学、史学、文学、艺术、医学和科学技术方面拥有突出的成就。

宋代的手工业，已经普遍发展成为商品生产。最具有突出成就的是陶瓷，因此，宋代也称为“瓷的时代” 一、五代的陶瓷：以越窑的“秘色瓷”（青瓷）为代表。专为贡奉使用。

二、宋瓷：南北方众多名窑，各展异彩。

北方地区：定窑－河北曲阳，官窑，白瓷、金银扣、印、刻、划花。汝窑：河南临汝。青瓷窑。多素器，葱绿色。

官窑：未现窑址。北方青瓷窑。粉青，紫口铁足，蟹爪纹开片。耀州窑：陕西同官，青瓷，刻、剔、印、镂空花。

钧窑：河南禹县，青瓷系统，色釉乳浊，窑变“夕阳紫翠忽成岚”。磁州窑：民间特色窑系。河北彭城一带。黑白花装饰。笔力豪放简练。南方地区：景德镇窑：江西景德镇，影青为其代表。

龙泉窑：浙江龙泉一带。粉青青瓷，釉色苍翠，堆贴、浮雕装饰。哥窑：釉面开片，鱼子纹、蟹爪纹、百圾碎、金丝铁线。建窑：福建建瓯一带。盏为特色，兔豪、油滴、天目釉。吉州窑：江西吉安。南方民间窑系。木叶、剪纸入釉，玳瑁斑。宋代的丝织品以罗为特色。而以缂丝最具成就。

缂丝，通经断纬，具“雕镂之像”，朱克柔、沈子蕃、吴煦为名家。另雕版印染和刺绣也具成就。

宋代缺乏铜原料，此时铜器锐少，仅用于铜镜。镜薄而花式较多。金银器也甚发达。

宋代漆器主要品种有：金漆、犀皮、螺钿和雕漆。金漆分为戗金和描金两种。戗金为宋所创。犀皮也为宋所创之新工艺。俗称虎皮漆。螺钿则多黑白对比，富丽典雅。

雕漆有各色剔法，剔犀、剔彩为著。嘉兴为著名产地。玉雕以“巧色”为最高成就。石雕以歙砚和端砚为全国第一。

典雅、平易的艺术风格。以朴质的造型取胜，有清淡之美。严谨含蓄，是为“理”

文学和绘画对工艺美术起到了非常大的影响。

元代的工艺美术

1271年，蒙古族统一了中国。统一伊始，经济和文化遭到很大破坏。这一时期的工艺美术发展很不平衡。有的畸形繁荣，有的凋零衰落，一部分奢侈享用的工艺品，制作堪称精美。

如：织金锦、棉、毛织品，以及青花、釉里红为代表的元瓷等。

元代的陶瓷工艺总的趋势较为衰落。而随着青花、釉里红的烧制成功，彩瓷大量流行。白瓷也成为瓷器中的主要品种。景德镇开始成为全国制瓷的中心。

元代陶瓷的主要成就是青花和釉里红的烧制。

青花，是在白色瓷器上绘有青色花纹的一种瓷器。青花的原料是一种钴盐类金属元素，呈色性很强，鲜明而稳定。元后期达到成熟。釉里红与钧窑紫红釉的烧制有关。元时较为灰暗。元代瓷器造型大而笨重。装饰多见松竹梅、和“琛宝”。在元代的建筑中，琉璃运用较多。山西为最。

元代丝织品中，纳石失金锦最为著名。工艺精美，手法繁多。捻金、片金、拍金、印金、描金、点金等。毛织品中毡、罽较为普遍，与其游牧生活有关。

棉织是元代发展的一种新兴染织工艺。元代著名的棉纺织工艺家黄道婆，习海南彝族人的棉纺技术，促进了我国棉纺工艺的发展。元代非常重视金银器，而铜器逊色。金银器出土较多。

元代漆器的著名品种有雕漆、戗金和螺钿等。

张成、杨茂是当时的雕漆剔红高手，有“堆朱杨张”之称。彭君宝为当时戗金高手。螺钿也很秀美。

元代强盛而统一。“尚武” 粗旷、豪放、刚劲的艺术风格。

喇嘛教、道教盛行一时，对工艺美术也有影响。

明清时期工艺美术

明代是中国历史上的又一个强盛时代。手工艺得到巨大发展，外贸经济也得到振兴。新理学的兴起，使经史派更加注重实用和科学技术的研究。

资本主义萌芽以及与之相适应的新的文化、科学的产生，使明代工艺美术跨入一个新阶段，得到前所未有的全面发展。

清代的工艺美术大体可以分为两个阶段，清代中期以前，继承明代的传统，不论在生产技术或艺术创造方面，都有所发展。

中期以后，艺术创作走向了繁琐堆饰，格调不高，但生产技术仍取得一定的成就。明代以后，我国的陶瓷主要以白瓷为主。景德镇已经成为全国陶瓷的中心。白瓷画花成为主要的装饰方法。

明代官窑器开始以年号作款，一直延续明清两代。

清代陶瓷工艺继承明代传统，在釉色、彩绘方面有了进一步的发展。自雍正以后走向繁琐堆饰的作风。

明代永乐年间的景德镇窑，压手杯是著名品种，脱胎器也是佳作。甜白釉和红釉最具特色。

宣德瓷器，以青花最有名，瓷胎为“麻仓”土，青花原料是南洋进口的“苏泥勃青”，色调深沉雅静。有“灯草口”的霁红釉也是此时精品。明成化时期，青花加彩（填彩和斗彩）取得了突出的成就。

上下斗合的“斗彩”，成化时期最为精美。小件酒杯，如鸡缸杯著名。弘治、正德时期总体趋向衰落，但“浇黄”或“娇黄”釉特色鲜明，正德的回回花和“正德式”也各具特色。

嘉靖、万历年间，民窑官窑产量巨大，分工很细。嘉靖的葫芦瓶、万历的蒜头瓶为当时佳器。五彩初露端倪。

明时福建德化窑的白瓷最为著名。法人称之为“中国白”。瓷塑像也很有名。何朝宗是当时的瓷塑高手。

宜兴窑和石湾窑为明时的精陶产地。石湾窑仿钧瓷，又称“泥钧” 宜兴紫砂壶以造型取胜，“供春壶”为代表。

珐华器与佛教有关。花纹轮廓用高起的凸线，再饰以蓝、紫、绿等釉彩。清康熙年间，以红釉为著，宝石红、郎窑红、豇豆红器口呈淡青色。古彩“硬彩”笔力健劲，单线平涂，色彩浓艳。青花则称“康青五色”渲染次数加多，更富层次感。

雍正时期陶瓷逸丽清秀，富装饰性。以粉彩（软彩）最具成就。乾隆时期陶瓷富丽繁密，细致精巧。珐琅彩、墨彩、模仿器最具特色。康熙刚健、雍正雅致、乾隆华缛。

康熙装饰多用人物，雍正流行花鸟，乾隆早期尚奇巧，晚期重模仿。康熙五彩、雍正粉彩、乾隆珐琅彩成就均高。

明代的染织工艺，在织造技术和染色方面，在花色品种方面，都比元代有很大的发展和提高。

丝织品以江浙、四川、山西和闽广为著。妆花、本色花和织金锦各具特色。江南成为棉织品的主要产地。并有“画绣”之“顾绣”为最。清代丝织种类更加齐全。苏州织造、南京云锦和缂丝为特色。苏绣、粤绣、蜀绣、湘绣、京绣各领**。

明代的金属工艺中，最具突出成就的是宣德炉和景泰蓝。

宣德炉是利用从南洋所得风磨铜铸造的一批小型铜器，为宫廷和寺庙作祭祀或熏衣之用。

景泰蓝的学名叫铜胎掐丝珐琅。艺术特点形、纹、色、光。

清代的景泰蓝继承明代。又出铜胎画珐琅，为景泰蓝的演进。另有铁画别有特色。明代果园厂雕漆、嘉兴姜千里的螺钿和扬州周翥的百宝嵌、苏州蒋回回的金漆最为著名。黄大成的《髹漆录》作为漆艺专著，享有盛名。

清代的漆器工艺以北京的果园厂雕漆、扬州的螺钿和福建的脱胎器最为著名。明式家具注意木材的质地，多采用硬制的树种，所以又统称硬木家具 充分体现木材的色泽和纹理，不加油漆 注意家具的造型，采用木构架结构

明代家具的艺术特色可概括成：简、厚、精、雅 简，造型洗练，落落大方 厚，形象浑厚，庄穆质朴 精，做工精巧，严谨准确

雅，风格典雅，具有很高的艺术格调。

明代玉雕、石、牙、角、竹、木、核、匏雕均很发达。其中玉雕和竹雕最著。

清代的玉器工艺在乾隆时期达到极盛。石雕出现端砚、歙砚、青田石雕、寿山石雕、菊花石雕等名品；彩塑以“泥人张和惠山泥人为代表。

吉祥图案是明清以来最为流行的一类图案。“图必有意，意必吉祥”

分类有：表现幸福者、美好者、喜庆者、丰足者、平安者、长寿者、多子者、学而优者、升官者、发财者。

表现手法：象征、寓意、谐音、比拟、表号、文字。

明代是中华民族风格发展的成熟时期。达到了精练的程度，具有端庄、敦厚的艺术风格。可以用“健”、“约”来形容。装饰性很强，样式化、程式化、图案化。绘画已经较普遍地用于装饰。明显形成了宫廷工艺和民间工艺两大体系。

7.中国与西方玻璃工艺的发展比较 篇七

考古发现真正可以确定日期的最早的玻璃器来自古埃及, 一般认为古埃及人在公元前3000年代末发明了玻璃, 并且在公园前1500年左右完全掌握了玻璃制作的技能.在古罗马帝国的影响下, 玻璃工艺由古埃及传往意大利半岛, 考古发现意大利坎帕尼亚地区庞贝、波佐利、库马、亚得里亚海北部的亚得里亚、库来亚都都出现了玻璃工场, 随后传入加里亚地区、伊比利亚半岛和莱茵区域, 并以亚历山大为中心向近东传播。

玻璃在中国古代的史料早就有明确而清晰地记载, 《尚书。禹贡》《山海经。中山经》等文献中称之为“璆琳”“流离”“琉琳”, 从汉代以后西方玻璃器皿传入, 故称传入的玻璃为“玻璃”, 自制的玻璃为“琉璃”, 宋代以后, 以低温彩釉陶制造的砖瓦, 亦称之为“琉璃”, 中国古代对于玻璃称谓的模糊界定影响到了对玻璃物品本质的认识。

根据《魏书》《西域传》《太平御览》《旧唐书》中的记载, 中国玻璃工艺由丝绸之路经西域传入中原汉地, 1990年浙江省杭州市半山镇石塘村战国墓出土一只高15.4厘米, 素面无任何纹饰的水晶杯。“以优质天然水晶制成的实用器皿, 在国内尚属罕见, 其工艺水平更是令人惊叹。”但是和瓷器在长达数千年的文明史中扮演的举足轻重的角色相比, 玻璃在中国千年的文明史中并未有任何重要的影响。

古代西方有着发达的玻璃工艺和层出不穷的玻璃艺术精品, “每一种作品都是玻璃师傅和他助手精心配合的产物, 它们不是什么个体的、独立的手工艺人自己观念的产物。”

目较为典型, 在实际教育教学过程中, 应该重视对教材内容和知识的挖掘, 促进民族传统音乐教育的顺利开展。比如, 在欣赏琵琶曲《十面埋伏》时, 首先应该对教材内容进行合理的分析和评价, 以了解教材内容的历史背景, 并加帮助学生去了解必须要的背景内容, 便于学生对音乐知识的了解和掌握, 拓展学生知识面, 促进学生的全面成长。

总结:

民族传统音乐, 是民族传统文化的重要表现形式, 也是民族传统文化的重要载体, 加强对民族传统音乐的教育和指导, 将能够帮助学生更好的理解传统文化的魅力和内涵, 帮助学生更好的了解传统文化中的精髓和积淀, 从而有效拓展学生的知识面, 提升学生民族自豪感, 促进学生的全面成长。在实际教学过程中, 应该适当采取相关教学手段, 以提升学生的学习积极性, 提升实际教学质量, 促进我国传统文化的传承和弘扬。

古罗马的玻璃工艺十分的发达, 吹制、吹模、筑模、切割、携刻、缠丝、镀金、包金等现代工艺已经趋于成熟, 公元前一世纪中叶时, 吹制玻璃已经取代了铸造方法生产生产的玻璃器皿, 古罗马时期不仅出现了有着奢华装饰的玻璃器皿而且以能制造数量、种类众多的日常玻璃器具。而同一时期的中国, 玻璃工艺的加工技术相较过去已有了一定的进步, 汉代玻璃出现了玻璃耳坠、玻璃带鈎等装饰类玻璃器具, 从西汉开始玻璃也开始被用于制作日用品, 出现了玻璃容器, 但是直到宋代, 玻璃仍然处在不可用于日常使用, 仅作为日常装饰摆设的地位, 且玻璃器形较为简单, 虽然主要用于装饰却未出现可以与古罗马时期奢华玻璃饰品相媲美的玻璃艺术品。

清朝前中期我国古代玻璃工艺发展终于迎来一个辉煌时期, 品种繁多、技艺高超、绚丽多彩, 堪称数千年中国玻璃工艺发展的最高峰。1696年清宫内廷设立琉璃厂, 内务府造办处把制作琉璃瓦的工场称之为“琉璃厂”把制作玻璃的工场称之为“玻璃厂”, 西方传教士的直接参与为清宫玻璃厂的玻璃制作提供了技术保障, 德国传教士纪里安中华 (Kilian Stumpf) 1710中博年至1720年间被授钦天监正博物职, 负责督造清宫玻璃器皿, 在制作玻璃时由于缺乏工匠, 他还曾主持法国玻璃工匠来华。但是清宫的玻璃工场只负责为皇家生产玻璃器, 玻璃器皿的生产工艺并未流入民间, 仍然被作为少数权归所独享的奢侈品, 因而清代玻璃工艺的繁盛并未从根本上推动和改变中国玻璃工艺的发展, 在清代晚期, 玻璃生产的规模一落千丈, 玻璃工艺在中国的最后发展机会也最终失去。

反观西方, 随着工业革命的深入发展, 玻璃工艺开始由手工业转入机械化、批量化生产, 1851年的伦敦博览会成为一个标志性的转折点, 博览会的主建筑“水晶宫”开风气之先, 使得玻璃开始成为重要的建筑材料, 玻璃的生产和使用开始进入一个全新的领域。

摘要：玻璃在人类历史的发展长河中起着重要的作用, 同时也具有十分重要的地位。西方历史上对于玻璃工艺的继承和发展极大地丰富了西方乃至世界工艺美术的历史, 反观东方的中国, 玻璃和瓷器同时出现在古老的华夏文明中, 但是瓷器的发展从始至终在中国历史上有着举足轻重的意义, 而玻璃工艺的发展则亦步亦趋, 以至于在数千年的文明史中显得无足轻重, 未能得到其本应拥有的光环。

关键词：玻璃工艺,中西方比较

参考文献

[1]《中国工艺美术史》华梅.天津人民出版社, 2005年4月第1版.

[2]《全彩西方工艺美术史》张夫也.宁夏人民出版社.2003年3月第1版.

[3]《世界工艺史》爱德华.露西.史密斯, 中国美术学院出版社, 2006年6月第2版.

[4]《玻璃器:璆琳琅玕》王敏, 上海科技教育出版社, 2006年1月第1版.

8.中国工艺美术发展历史 篇八

【关键词】中国民族工艺；经济市场；发展前景

1.中国民族工艺品

民族工艺品，是以美术技巧制成的各种与实用相结合并有欣赏价值的物品。中国民族工艺品类繁多，分为十几大类，数百小类，品种数以万计，花色不胜枚举。可分为陶瓷、雕塑、玉器、织锦，刺绣、印染啊、花边、编结、编织、地毯、漆器、金属工艺、工艺画、首饰、人造花等。近年来，流行时尚界劲刮民族风，走在前端的服饰、继而鞋子、包都演绎着各自的民族化魅力。在工艺品行业，也不例外。 其中漆画，新疆地毯、玉石、花帽、乐器等都是中华民族几千年历史沉淀的一种传统手工艺制作的精品，随着中国经济的迅速崛起以及对外交流的进一步深入，中国的工艺品市场正经历着前所未有的巨大机遇，民族工艺美术产业已经成为我国经和社会发展的新的增长点。

2008年北京奥运会、2010年上海世博会都给我国的民族工艺品行业发展带来了巨大的机遇。国内外迅速涌现出了一大批高水准的收藏家，他们为中高端民族工艺品市场注入活力。作为目前最大的工艺品进出口国家，国内各地工艺品企业数目众多，竞争激烈，其中深圳有工艺品美术企业1800余家，年总产值210亿，其中出口额达15.3亿美元，产值及出口均位居各省市同行前列。而全国的贸易总额远不止预计的3200亿美元。作为与文化、旅游、家居装饰产业紧密相连的民族工艺美术产业，必将迎来难得的发展机遇。

优势是资源种类丰富，文化底蕴深厚。民族工艺品是传统的文化，是各民族丰富多彩的生产、生活方式、民俗、民风及优美的自然风光，形成了各个民族独具特色的手工艺品，它们满足了人们的物质需要，也带给人们美的享受，是民族璀璨文化的典型代表。工艺美术人才云集，人力资源方面的优势为民族工艺品的发展提供了技术保证，是中国民族工艺品开拓国际市场的重要前提。美誉度高，中国民族工艺品在荷兰乃至世界享有盛名，这对建立强势品牌具有巨大的推动作用。劣势是传统民族工艺品企业竞争力不强，缺乏营销观念。传统民族工艺品企业创新意识不强，融资困难。市场信息不完全，企业宣传不到位。销售渠道不完善，传统手工艺的传承令人堪忧。机遇是全球经济一体化加强，促进各国之间经济交往，为我国民族工艺品进入国际市场开辟道路；随着中国国际地位的提高，有好关系进一步加强，有利于政治经济文化等各方面的交流；2008年北京奥运会、2010年上海世博会都给我国的民族工艺品行业发展带来了巨大的机遇。国家鼓励传统工业出口的政策为民族工艺品在国际市场的发展提供了更多的机遇。

挑战是外国市场本土文化的抵触情绪导致产品滞销；贸易壁垒阻碍产品进入市场；同类产品竞争激烈。

2.市场定位及目标市场分析

任何一个民族工艺品企业的资源都是有限的，要想提供市场上所以消费者需要的一切产品，满足全部消费者的全部需求，这是不可能实现的。因此，为了能在激烈的市场竞争中求得生存和发展，只能进行市场细分，以保证其在特定的细分市场内取得市场竞争优势。按消费者对民族工艺品的具体需求，将国际市场进行细分并确定目标市场。

低端市场：这类消费者会购买一些极具地域文化特征的工艺品，对其磁疗、工艺要求不是很高，要求其价位要低。中端市场：他们要求工艺品不仅仅用来来观赏装饰，同时还要求其具有其他功能。他们愿意接受较高价位的工艺品，但他们对工艺品的材料、工艺、质量以及艺术性的要求比较高，要求其能集实用性及欣赏性于一体。这类目标市场的人数越来越多，一次在设计工艺品时要结合现代人的审美心理，运用一些现代科技来使民族工艺品更加适应消费者的需求。高端市场：该目标市场主要是由一些工艺品收藏爱好者们组成的，他们对工艺品的文化含量、艺术性、用料、工艺等方面要求都欧式极高的。因此，针对该类消费者的投资、收藏需求，工艺精品要尽可能的体现中国浓厚的历史底蕴和艺术价值，制作要细中求细，用料要精细考究，使其具备投资和收藏的价值。

3.国际市场营销策略

中国民族工艺品国际市场营销策略包括产品策略、价格策略和促销策略。

产品策略，市场营销中最基本的要素是产品。产品不仅包括实体的物质属性，还包括产品的包装、品牌、式样、售后服务等无形的特性。产品策略是市场营销中一个最基本的策略。中国民族工艺品国际市场营销的产品策略应具体包括以下几个方面，多层次、全方面地开发新产品。要充分根据消费者的需求，多层次全方面地研发新产品。凸现文化优势，提升产品竞争力。要充分利用民族工艺美术资源，渗入挖掘其无形的精神内涵，充分凸现中国民族地方特色和文化内涵，提高民族工艺品的文化附加值。这样才能使中国民族工艺品在国际市场上更具有吸引力、生命力和竞争力。运用创新科技，提高生产效率。引入先进的生产技术和生产方式，对提高民族工艺品的质量和生产效率都有十分重要的意义。强化宣传力度，形成品牌效应。品牌策略是产品策略的一个重要组成部分。通过强势品牌的塑造，扩大中国民族工艺品的影响力，从而带动整体工艺品品牌的塑造。

价格策略，价格是营销组合中唯一能创造收入的因素，也是市场营销组合中最灵活的因素之一，能适应市场需求的变化进行迅速的改变。影响价格的因素市场需求和生产成本。内部因素，民族工艺品本身特色在于多种多样，新颖奇特，能够满足高文化素质一类人的心理以及审美要求。民族工艺品生命周期长，反而时间越久越会提高产品的艺术以及文化价值。民族工艺品的价格敏感度低。外部因素，目前市场上专注于民族工艺品的公司较多，但是尚没有一个大型的市场领导者的存在。所以民族工艺品的定价方面采取声望心理定价方法。主要以满足消费者的心理需要为主。销售前期，公司主要在于在欧洲市场提高公司的知名度宣传公司形象。进入市场的中后期在于获取产品利润。

价格的制定和调整策略，价格制定策略。要确定以消费者需求为主导的定价策略思想，即在制定工艺品价格的过策划你高中都要以消费者的需求为中心。在制定价格前，首先要估算其成本，将最终的成本方案限定在没目标成本的范围以内；在定价时应选择以需求为中心的定价策略，将价格依据消费者对产品价值的认知和对产品的需求来确定价格。

价格调整策略，为了更好的适应市场环境和消费者需求的变化，我们需要在不改变基本价格的基础上对原价格进行适当的调整。价格调整策略有：地理定价策略、价格折扣策略、组合产品价格策略等。

促销策略，促销的目的就是通过与市场进行信息沟通，来赢得消费者的注意、了解和购买兴趣，树立工艺品企业及其产品的良好形象，从而促进销售。重视广告宣传，充分利用会展宣传，确保宣传到位。