芭蕾舞软开如何学习

芭蕾舞软开如何学习（共8篇）

1.芭蕾舞软开如何学习 篇一

1.增强音乐节奏感

舞蹈课程是按照不同程度及年龄分班，其舞步组配以该课程的音乐编制动作，故节奏简单及明确，易于掌握，可提高音乐节奏感。

不同的舞蹈动作可编出不同组合，为使学员可真正了解及掌握动作，不时会调配动作，以砌出不同的组合，让学员可动动脑筋，提高身体协调能力。

2.帮助骨骼成长

正确学习方法，多注重身体的平衡点及动作的伸展，若能正确地运用肌肉及关节，有助骨骼成长，从而改学习与人沟通芭蕾舞多有PartnerDance，学员多有机会尝试合作，编排及舞出组合，增加沟通能力，加强学习气份，可使性格开朗。

3.提高创作感力

学校将提供舞蹈表演及于课堂上抽取时间让学员随着音乐创作，有机会运用所学所见编舞，提高创作能力。

4.训练耐性，意志及自信

芭蕾舞的学习结果不如绘画及唱歌般快捷，要跳得好，不是一朝一夕的事，学员需要一段时间揣摩动作技巧及感受音乐动作的关系，从而表达动作及带出自己所思所想，可训练耐性和意志.由于确定自己表达方针，习惯与人沟通，更可提高自信心。

5.舞蹈表现及欣赏

学校定期举办舞蹈表演及舞蹈欣赏，增强学员勇气及自信，亦可客观地学习欣赏事物，扩阔思维。

6.兴趣多元化

现今芭蕾舞揉合古典芭蕾舞，现代舞及土风舞，这不但提高学习舞蹈的知识及兴趣，亦可扩阔其思维领域。

2.形体芭蕾学习感想 篇二

形体芭蕾学习感想

通过将近一个学年形体课的学习,我对形体课有了进一步的认识.形体课要练的不仅仅是形体美,最重要的是形态美.人的形体美是通过规范的训练而形成的.身体训练既可矫形又可塑形,在日常生活中自然而然地形成优美姿势和体态,使人体动作和造型更加优美.通过形体训练,可以发展身体的柔韧性、协调性和灵巧性,培养女性正确的体态、健美的形体,注重姿态美的意识和习惯.形体美,首先应归为一类典雅艺术,它是美的凝练和精华.追求形体美,即追求一种艺术的境界.老师细致地每一动作的指点,化到细处,都是对我们气质的培养和熏陶.通过学习擦地等动作我有了以下几点深刻的认识： 一是增加了对形体艺术地感性认识.二是强身健体,愉悦身心.我找到芭蕾舞的乐趣所在,在培养爱好的同时,轻轻松松的锻炼身体,此乃一大乐趣.三是提高审美品位.在接受形体教育前,观赏并学习芭蕾舞、民族舞等舞蹈而且通过亲身体验,我明白了一举手、一投足的讲究,提高了观赏舞蹈的乐趣.四是培养起终身锻炼的信心与习惯.我认为,老师更大的魅力莫过于激发起学生对该门课程更大的兴趣.我深知这种优雅体态、舞蹈韵味、艺术品味的形成不是一朝一夕的,所以,我应该在平时的生活中不断的练习和运用.作为一名新时代女大学生,艺术感觉是一种重要的内力,它在于内而不溢于外,在乎神而重于形.讲起“终身锻炼”,若说坚持长跑我只可能出于言而止于行,但若说长期坚持形体训练,我却有十足的把握和信心来实践.这种理念,便是形体课老师予以我的言传身教.33号文思妍

3.芭蕾舞鉴赏 篇三

科 目舞蹈赏析

教 师叶静

姓 名王曼玉

学 号12010300

3院 系文学与新闻传媒学院

2013年12月18日

舞者Angle

第一次接触芭蕾是从柴可夫斯基的《四小天鹅》开始，欢快的乐曲，加上小巧可人的舞者演绎出了四个小天鹅嬉戏玩耍的情景。但这个舞蹈虽然美，但并没有让我倾心。真正让我爱上它是看了芭蕾舞剧《茶花女》的视屏后，女主人公玛格丽特临死时与男主人公阿尔芒之间的各种不舍与痛苦都被舞者们演绎得淋淋精致。其中男舞者托起女舞者在空中飞舞旋转的场景让我记忆犹新，难以忘怀，此时的玛格丽特被阿尔芒托起，在空中一跃，犹如来到凡间的天使，芭蕾舞演员的气质正与玛格丽特的相符，单纯善良，纯洁如天使。看芭蕾舞剧和看小说给人两种完全不同的感受。看小说时，关于主人公心理的描写需要我们自己想象，而看芭蕾舞剧，它把主人公内心的矛盾明明白白的呈现在你面前。所以如果你喜欢《茶花女》这部小说，我建议看完小说后再看芭蕾版《茶花女》会给你不一样的体验。

说道舞蹈，我本是最推崇我们中国的古典舞，因为它很好的体现了我们中国女孩所独有的东方典雅气质。就如《诗经》中所说一样：“巧笑倩兮，美目盼兮”，中国古典舞给我的感觉就是这样，而且我一直都认为跳古典舞的女孩儿是舞者中最有气质的。可当我看到芭蕾舞后，我发现这不是中国古典舞所独有的，芭蕾舞者也有她们所独有的气质。如果说中国古典舞舞者是贪恋凡尘而来到人间的仙子，那么西方芭蕾舞者就是为了消除人间忧愁而降临的天使。每当看完一场芭蕾舞秀时给人的感觉犹如雨过天晴的天空，波澜不惊的湖面。每一场芭蕾舞剧都是一次心灵的洗涤，总能让人忘却一时的忧愁，徜徉在芭

蕾的世界里，天使般纯净的世界。所以，如果心情浮躁不安是看一场芭蕾舞剧会让你顿时感觉豁然开朗。

芭蕾舞是欧洲的古典舞，对于我这个拥有复古情节的女孩来说爱上它是必然的事。它起源于于意大利，但却兴盛于法国。现在我们所说的“芭蕾”一词就是从法语“ballet”音译而来的，而法语“ballet”一词则源于古拉丁语“ballo”，代表跳舞，或当中表演舞蹈。现在我们看到芭蕾总是给人一种高雅的感觉，然而在过去它不过是一种群众自娱或广场表演的舞蹈，就好像是西方的“秧歌”。它作为一门综合性的舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛行的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷。这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演。表演者一般是国王和贵族，这也许就是为什么芭蕾总给人一种高雅贵族的原因。在这个时期女角也由男子扮演，表演场地在皇宫大厅中央，观众围绕在大厅观看，演员戴着皮质面具标志不同角色，所以也称其为假面芭蕾。1661年，法国国王路易十四下令在芭蕾举办了世界第一所皇家舞蹈学校，至此芭蕾才上升为一门舞蹈艺术。与此同时还确立了芭蕾的五个基本脚位和七个手位，使芭蕾有了一套完整的动作体系。这五个基本脚位一直沿用至今。

对于芭蕾舞的动作以前只是肤浅的认为踮起脚尖来跳舞就行了，其实不然它是有很多的讲究。一个完整的芭蕾舞动作体系包括手位与脚位。先说脚位的五个基本：第一位，两脚紧靠在一条直线上，脚尖向外180度；第二位，两脚跟相距一足的长度，脚步向外扭开，两足

在一条直线上；第三位，两脚跟前后重叠放置，足尖向外张开；第四位，两脚前后保持一定距离，两足趾踵相对称两条直线，腿向外转；第五位，两脚前后重叠，两足趾踵互触，腿向外转。十七世纪产生的芭蕾舞动作体系中，只有五个基本脚位是保留下来了的，而至于七个手位到现在分化为两种不同的派别，位数也由原来的七位变为三位和四位。所分化成的两个派别分别为瓦卡诺娃派即俄国派和却革派即意大利派。瓦卡诺娃派的手位为三位：第一位，双手在正面的腹前自然成圆；第二位，双手在旁侧申，在视线范围内，手心向内；第三位，双手上举在头上方的视线内。却革底派为四位：第一位，双手垂下自然成圆，手指轻触在大腿旁；第二位，双手在旁侧申；第三位，一手在身体前手心向内，另一手在旁侧；第四位，一手在身体前与横膈膜保持相同的高度，然后同时上举在头的上方。通过手位我们就可以很轻松的分别出它们所属的派别，两个派别的主要区别就在于却革底派比瓦卡诺娃派要求更细。在跳芭蕾是最忌讳的就是臀部的扭动，因为这会让动作看起来不优雅。

虽然芭蕾分了这两个不同的派别，但我见到的最多的还是瓦克诺娃派即俄国派的芭蕾，也许是因为俄国出了插科夫斯基这个伟大的作曲家的原因吧。如果芭蕾舞者是芭蕾舞表演的主体，那么音乐就是他们的灵魂，任何舞蹈离开了他的灵魂都都不足以成为一门艺术。柴可夫斯基是十九世纪伟大的俄罗斯作曲家，教育家，更是俄罗斯芭蕾舞音乐之父。他开创了芭蕾舞之在俄罗斯的鼎盛时期。他的三大代表作《天鹅湖》、《睡美人》、《胡桃夹子》，每一步都堪称经典，尤其是芭

蕾舞剧《天鹅湖》可谓人尽皆知。这样一个芭蕾音乐伟人开创了芭蕾在俄罗斯的鼎盛时期，也为俄国派芭蕾走向世界奠定了基础。

芭蕾舞给人优雅的感觉，可是这优雅的背后却有无限的辛酸，跳舞最讲究的就是柔韧性，而芭蕾对柔韧的要求求更高。为了在舞台上展现出最完美最优雅的自己，每个芭蕾舞者不知付出了多少的辛酸。每当看到踮起脚尖在舞台上舞动的舞者仿佛一个个就是涅槃成功的凤凰，为了解救人间痛苦而受尽折磨的天使。

4.芭蕾舞作文 篇四

芭蕾以优美的旋律和轻盈柔美的动作，在舞蹈界占有重要的地位。每一位芭蕾舞者都向往能站到林肯中心，可这不是谁都能上的，要靠自己的舞蹈实力和本事。我爱好跳舞，看一场芭蕾是我久已的向往。

去年暑假，我去福州姑妈家玩，适逢一场大型的《天鹅湖》芭蕾舞会，机不可适，姑妈带我去看这场舞会，让我享受一场大型高雅的芭蕾盛宴。哇，舞厅辉煌，观者好潮，都被舞蹈演员精美的舞姿、轻快的步伐，优美的旋律、和立定的旋转所迷醉。《天鹅湖》讲述的是一个王子与他心上人如童话般的爱情故事。故事感人，舞蹈优美。就在女主角“天鹅少女”要完成最后一个立定姿势时，突然，白天鹅摔倒，观者们都在替她担心，我也忍不住看下去。本来是一场精美的芭蕾舞怎么会被这女主角一摔而失色呢？就在我疑虑重重时，白天鹅豁然就站起来，就那么一瞬间，她从容地摆一个优美的动作，完成她最后一个立定的旋律……这时，我听见掌声如潮。

白天鹅那从容与自信深深地印在我心里，那天，我不光看一场芭蕾盛舞，而且我也明白一个道理：在人生的旅途中，有时会摔倒，会遭遇意想不到的挫折，摔倒和挫折并不可怕，只要你能及时自己爬起来，再从容地向前走去，那就是一个灿烂的人生。

5.芭蕾舞重心教学 篇五

正确把握重心使身体变“轻盈”

芭蕾舞是比其它舞蹈种类更力求摆脱地心引力的一门艺术。在十九世纪初，世界上就已经出现了脚尖舞蹈，演员们以更小的支撑点来承担自己身体的重量。那时的意大利女演员玛丽.•塔里奥妮，正是以脚尖上的舞蹈来表现自己身体的轻巧和敏捷，而成为著名的舞蹈家。这是芭蕾舞史上摆脱地心引力行动的重大飞跃。同时，对演员的重心感觉的掌握提出了更高的要求。在古典芭蕾舞剧《吉赛尔》二幕中，已成为鬼魂的吉赛尔，有一段悲哀的adagio，这是由一系列极难控制的动作组成。不但要求演员掌握极其缓慢的平衡来伸展舞姿，还必须在缓慢的舞姿平衡中间，做一个急促的entrechat quatre，以表现鬼魂身躯的轻虚和飘浮不定。这正是检验演员重心和平衡能力的高尺度。所有跳好这段舞的演员都具有良好的把握身体重心平衡的能力，使昆观众真真实实地享受《吉赛尔》舞剧中，鬼魂们“轻盈”优美的芭蕾舞段。完美的平衡不是轻而易举地实现的。不仅仅是要通过长期的训练，而且如果没有正确的重心概念，演员就不可能在脚尖或半脚尖上保持足够长时间的舞姿，以便给观众记忆里留下印象；同时她（他）也不可能保证完全与音乐合拍，因为演员重心失去平衡，舞姿就会先于音乐落下来。这样也就不可能完美地去表现芭蕾舞艺术。掌握正确的重心，才能使身体平衡，才能使力量均匀地分布于支撑脚，才能排除不必要的身体紧张，减少身体承重部位的压迫和损伤。“脚承受的重量越轻，那么脚在芭蕾舞这种高度专业性的运用中就越不容易受到压迫和损伤。”、“身体的平衡能力越好，重量也就越容易准确地落在两脚最有力的部位。”（《舞蹈解剖学》[美国]拉乌尔.格拉伯特着，朱立人译，第68页）不正确的重心，导致不合理的支撑点，也容易形成歪腰、伸脖子等毛病，出现不规范舞姿。身体的重量压迫了人体力量的最弱部位，使得这个部位不堪重负，日久天长便成了终生的职业病。这样的结果能让从事多年艰苦训练的芭蕾舞演员，在她（他）风华正茂时，含泪对芭蕾舞说一声“拜拜”啦！一个芭蕾舞者如果懂得正确运用身体的重心，他便可以更多地摆脱重力之苦，使得训练中的动作紧张和疲劳降到最低限度，从而使自己的训练更加有效，技术能力提高更快。而在舞台上呈现于观众的形象，便是“看她（他）的身体多轻盈！”

把握正确重心的三要素

（一）“外开”与重心

“外开”不仅仅是芭蕾舞的特殊的审美要求，它还为重心提供了一个更为有利的支撑面。“一个人站在一条腿上时，只要把脚转开一点，就会有一个三个点与地面接触的面积。如果脚站正步，脚趾向前，与地面接触的面积就会小。”（《芭蕾排练室内幕》安.乌廉斯着，黄伯虹译，第19页）一个确立自己要以芭蕾为专业的孩子，进入课堂的第一个动作，就是把身体放在转开的脚位上，并开始以各种方式来进行“外开”训练，以塑造一个非常人所有的、符合芭蕾舞要求的体态和非常人所有的重心组合方式。这是芭蕾舞者整个技术发展的基础。通过对外开的训练，我们获得有利的支撑面积，获得髋臼关节更为自由的活动范围；从而使重心更加稳固，也使调节重心的各环节更为自由。“当用脚尖做动作时，如果大腿学会了在髋臼关节中转开，大腿就有控制能力，帮助掌握平衡，并使旋转动作增加稳定性。”（《芭蕾排练室内幕》安.乌廉斯着，•黄伯虹译，第19页）外开的方式，“发生于髋关节及其周围的韧带和肌腱。外开的幅度取决于舞蹈演员个人的骨盆结构。外开的能力还取决于参加腿部向外旋转的有关肌肉的状况。外开始自髋关节，通过大腿的骨与肌肉向下传递到脚上。”（《舞蹈解剖学》[美国]拉乌尔.•格拉伯特着，朱立人译，第21页）通过这样一种方式，我们才能够掌握一个正确的“外开”，同时也获得了一个不同于平常人的重心概念。因此，我们可以认为，“外开”对重心的作用是非常大的。

（二）“肌肉力”与重心

“为了获得人体总重心的加速度运动，必须有外力施加于人体。但是外力的引起、扩大和减小，又取决于内力（肌肉），所以肌肉力是一切动力中的主导力，即肌肉力是人体运动的动力来源。”（《运动生物力学》人民体育出版社第127页）肌肉力量在很多运动项目中，是取得优异成绩的基础，它是人体一切活动的内动力；适宜的肌肉力可以更好地控制重心，以抵抗地心引力和更快地操纵身体。肌肉活动的基本能力还表现在其它方面，如肌肉收缩力量的大小、完成单个动作频率的快慢、体位移动一定距离的速度、保持肌肉快速工作能力的长短，以及长时间持续工作的能力等。在芭蕾舞中，腿部肌肉帮助我们双腿在髋臼关节处向外“转开”，并伸直膝盖、绷直脚背；背部肌肉使arabesque 舞姿挺拔、修长；跳跃中由于肌肉力牵动，使腿推地，从而把身体推向空中并形成各种舞姿；在双人舞中肌肉力与外力的共同配合，使托举动作变得“轻而易举”......对重心而言，肌肉力的作用是在动作过程中，调节身体各个不同部分的环节重力，维持身体重心、固定舞姿的平衡；在位移动作中，牵引动作腿推地，使重心受力向远处或高处运动；在旋转中，肌肉力使肢体迅速收拢，集中重心，并排除旋转惯性所产生的离心力，控制着旋转的质量；在跳跃中决定身体重心在空中停留的时间和位置，等等。肌肉力的训练是一个长期和遁序渐近的过程。从最初的正确姿式和battement tendu 练习开始，要进行一系列动作的扶把、离把练习，来使肌肉把握重心的力量逐渐加强。只有通过若干年的训练，当两条腿的力量和脊柱肌肉（背肌）的力量已经变为能够适应于承受动力腿往前和往后所给予的重量时，才有可能达到完美的重心平衡。通过对身体各部位肌肉的训练，使得肌肉力在各种剧烈、缓慢、跳跃、旋转等运动中，实现调节身体各部位重力的功能，达到控制重心的目的。

（三）“协调”与重心

动作的协调性存在于人的大脑皮质。“以急行跳高为例......进行这一复杂的运动动作时，运动员要借视觉来分析横杆的距离和高度；借前庭感觉来分析身体在空间的位置及其变化；借本体感觉来分析肌肉和关节活动状况；借皮肤感觉来分析地面的硬度等等。”（《运动生物力学》人民体育出版社第115页）以上的引言中，运动员完成动作的这一系列“借......”，都是大脑在动作间的一瞬反应。在舞蹈动作中也是有这样瞬间的大脑分析活动。比如，在旋转昆中，演员要借助多大的推地力、手和脚应遁怎样的路线、视线应朝着哪一方，才能集力于重心而达到旋转起来的目的？在女演员用脚尖做pique arabesque时，要以多大的迈步距离、怎样的抬腿速度、多大的后背力量，才能集力于重心点达到最合适的平衡昆角度？在大的跳跃中，以多大的幅度做 chasse、多大的腿部力量推地、并以怎样的手和后背的配合，才能把重心漂亮地抛向空中，然后还要稳健地落在舞姿上？以及双人舞托举动作中，女伴与男伴合力的大小、时间的合理配合等等，都需要大脑进行一系昆列的分析和判断才能完成。也就是说，动作的力量和时间都协调一致时，才能使重心准确到位，使动作轻松流畅。动作“起法儿”是否协调，也是重心是否顺利到位的关键。“没有预备性动作就不能有下一个功能性动作，而功能性动作的效果往往又取决于预备性动作的完成情况。”（《运动生物力学》人民体育出版社第127页）不协调的“起法儿”，会给旋转造成阻力；会使舞姿失去平衡；会让重心受力不均而无法腾空；会使双人舞动作的力量和重心不能合二为一......。任何动作都有它特定的节奏，掌握好动作的特定节奏，是动作协条至关重要的一部分。尤其是芭蕾舞艺术，从一开始的训练中，就配合着音乐伴奏。在课堂里，让学生在准确的音乐节奏里完成动作，是最基础的协调训练。此外，我认为，音乐感的培养是协调训练的一种极好方式。让学生欣赏音乐、学习乐理、弹钢琴，都是对大脑协调素质的训练。“运动员所以有高度协调性，是由于经过训练，本体感觉皮质部位的兴奋与抑制过程在一定空间、一定时间内能严格有节奏转换的结果。”（《运动生理学》体育系通用教材，第37页）一些难度较大的技术性动作，有必要进行一些专门性的训练，使动作的协调性成为一种条件反射，才能使技术性动作完成得更加成功和完美。尤其是在小的pirouette和grand pirouette中，必须依靠协调来集中重心，才能够达到旋转起来的目的。因此，在动作训练中，建立起成套的条件反射，是动作协调的基础；动作的协调也是对重心把握的重要因素。

重心三要素的综合运用

6.关于芭蕾舞作文 篇六

这周五，我们的“魔鬼训练”开始了。因为参加电视台录制的人数变了，录制的要求跟比赛也不同，所以老师要重新编排部分舞蹈动作和队形。我被调到了一个全新的位置，这就意味着我要在一节课的时间里记住新位置的所有动作和走位，还要跟大家配合默契。只要有一个人拖后腿，就要全部重新来一遍。大家都全神贯注，认真听着老师的每一个讲解，并且一遍又一遍的反复演练。两个小时的时间，我们练了十几遍，大家都筋疲力尽。因为要节省时间，中途不能上厕所，即使十分口渴也不敢多喝水;即使很累了，大家的每一个动作都力求到位，脚尖、手形、体态、笑容等细节都要关注到，这是电视台的要求，所以老师对我们也格外严格。第一次“魔鬼训练”在大家紧张的训练中结束了。

第二周周五，又是“魔鬼训练”的日子。今天，电视台的编导姐姐要来审查节目，我们打起十二分精神，展示出自己最好的一面。但是第一遍审查没有通过，编导姐姐说我们的笑容还不够，脚尖要再绷一些，走位衔接要更流畅一些。我们按照这些要求又练了好几遍，编导姐姐终于笑着点点头，满意的走了。我们顺利通过了审查，大家都松了一口气。

7.儿童芭蕾舞教育 篇七

儿童教育需要遵循一定的规则。

我们面对的教育对象是儿童,儿童的一个特征是多样性和差异性。

因此,对不同儿童的教育要采用不同的方式,因而教育有法,没有定法,需要因人而异,随机应变。

教育更像艺术,艺术也有法则,但不拘泥于法则,更多的是要去创造……儿童芭蕾舞教育是一门艺术,有着无尽的创造力在吸引着教员。

我们每一个人只要走进艺术的殿堂,总会被一件件艺术品所吸引,被他们的艺术创造所震撼。

学校就是艺术殿堂,儿童就是一件件艺术品,他们吸引着我们去创造。

既然儿童芭蕾舞是一门艺术,它就需要我们去共同研究与探讨。

在教学的过程中,教员需要站在孩子们的立场上去做孩子们想做的事,要与她们共同编织一个美好的梦。

30多年的舞蹈教学实践,让我深切地感受到了中国儿童芭蕾舞教育事业发展的重要性。

儿童芭蕾舞教育是舞蹈艺术的摇篮,对于芭蕾舞艺术的教育来说,这也将是一个良好的开端!没有幼稚的蹒跚,就没有成熟的飞跃。

因此,探讨儿童芭蕾舞教学是我们发展艺术的基础和前提。

一、儿童芭蕾舞教育的现状

现在,在全国各地广泛使用的儿童芭蕾舞教材是北京舞蹈学院的芭蕾舞院外分级考试教程,这套分级考试教程共分八级,每一级都是根据学生的年龄和训练时间的增长而编写的,对于教材的规范化和系统性方面都有明确的要求。

在20世纪80年代初开始,我国儿童芭蕾舞的业余普及教育随着整个社会对美育教育的重视而得到了很大的发展,并且取得了良好的效果。

为了进一步提高芭蕾舞业余教育的质量,使之走向规范化,我们希望通过考级活动,能对孩子们的学习进行一次考核,激发广大青少年对芭蕾舞的兴趣,吸引更多的孩子来学习芭蕾舞。

对于我们来说,儿童芭蕾舞的启蒙教育年龄一般都在5至8岁之间,大多数学生都是初学者,没有任何舞蹈基础。

针对这些学生基础不整齐的情况,作为教员应该特别注意因材施教,使每一个学生在训练中都能有所收获,有所进步。

通过芭蕾舞的学习,培养儿童对舞蹈的兴趣和爱好,初步了解进行舞蹈表演所必备的软度、开度,以及训练的方法;训练各动作的基本协调能力,使她们摆脱自然状态,逐步培养出舒展的舞姿和良好的艺术气质。

二、儿童芭蕾舞教育中教员应该关注的几个方面

作为一名芭蕾舞教员,我想考级并不是我们的最终目的,我们的目的是开发儿童的天性,培养儿童的美感以及一种对艺术的审美情趣。

在此,我谈谈自己从事儿童芭蕾舞教育的感想。

首先,对于芭蕾舞训练的单一性和重复性是众所周知的,但是芭蕾舞艺术本身却充满了童话般丰富的想象力和人物塑造的个性化。

因此,在儿童芭蕾舞教育中,有一个非常重要的任务就是培养孩子们丰富的想象力和个性的培养。

因为这种能力是教不会的,而是要靠教员引导儿童们去“发现”或用她们认为最合适的办法“成为”自我。

在以多元化为前提的儿童芭蕾舞艺术教育中,我们最终的目的不是培养职业的芭蕾舞蹈家,而是教育培养出具有多种兴趣的,完全实现自我的人。

通过芭蕾舞学会认识自我,实现自我。

教育孩子们具有自己真正的情感,自己的思想,真实地展现自我,而不是充当别人的影子,人体动作的复印机。

艺术对人的感召是一个充满活力,持续不断的过程,当学生们意识到为什么能从芭蕾舞艺术中受到启迪和激励,感受到某种力量,他们就会不由自主地以某种新的方法创造和理解其他新的事物。

我们的目的就是使中国的孩子们在芭蕾舞这种身心合一的文化中,从身体韵律到心灵修养,从直观感觉到精神感悟,从情感体验到思想升华都逐渐真实和强大起来。

我们面对的是天真烂漫的儿童,在整个教学过程当中,我们一定要让他们体验到快乐!因为,在过去的儿童芭蕾舞培训中,儿童在受到正规训练的同时,感到缺憾的是,一个半小时的课时量,很容易使儿童不耐烦,或者出现精力不集中。

她们常常抱怨训练太过规范、太过严肃、太过死板,孩子们的快乐在哪儿呢……这样就使很多家长和儿童对于芭蕾舞严格和苛刻的学习望而却步。

其实不然,作为教员,我们首先一定要让孩子们体验到学习芭蕾舞的快乐,从走进教室那一刻,一直到出教室那一刻都是快乐的,这样才能增强他们的学习欲望,直至更好地完成考级的教程。

因此,在这个过程中,我们要学会抓住儿童的心理特征,把握儿童的心理特征是搞好儿童芭蕾舞教学的前提。

心理学家分析儿童的心理得出这样一个结论,他们喜欢色彩斑斓的实物移动、飞舞。

可见,“有趣性”“叙事性”“奇思异想”是儿童心理的主要关注对象。

如今的儿童想象力都非常丰富,但逻辑思维能力比较弱;她们特别喜欢模仿,但又没有创新的能力――这是儿童心理的另一特征。

所以,作为教员一定要给儿童一个美的形象。

我们的仪态、风度、容貌、服饰、言谈举止都会对孩子们产生影响。

所以,我们的着装要干净、简洁,适合芭蕾舞教学运动的需要,服装的色彩应以暖色调为主;不要佩带过多的饰品,不要佩戴夸张的耳环;脸部化妆要素淡;讲话语速为中速,语言要准确,音量要适中;举手投足切忌慌乱,时刻给孩子镇定自若的状态;我们的形象和状态影响着孩子对我们的尊重和喜爱程度,直接作用于我们的课堂指挥效能,直接影响课堂秩序和教学质量。

获得孩子的喜爱,能使我们的教学工作充满快感。

美国芭蕾舞蹈家史帝文森先生曾说过:教课内容必须符合学生的年龄特征,不能把大人表演的舞蹈组合硬塞给孩子们。

对此,我就特别有感触,目前的儿童芭蕾舞的确存在着成人化的问题,我在教学过程中很注意所教授的内容不能超过孩子们的理解能力。

因此,儿童芭蕾舞教学必须从儿童的心理特征出发,因年龄而异,科学施教,选择适合儿童吸收的方式方法是加快舞蹈教学行之有效的手段。

其次,在教学的过程当中,我们还要倾注更多的关爱,让爱交融。

在这一个半小时的课时里,作为教员,我们拥有这间舞蹈教室所有孩子们充满崇拜的爱。

因此,我们需要付出全部的爱,让爱交融,她们在这一刻就是你的孩子。

我们不可以训斥孩子们,辱骂孩子们,威胁孩子们,或用一些用动作去恐吓孩子们和不恰当地接触孩子们的身体;我们不可以因为她们忘记动作而感到不满;我们也不用花时间去考虑是否能把她们培养成芭蕾舞演员或芭蕾舞明星。

我们需要做的是看着她们那一双双童真的眼睛,领着她们与你一起舞蹈,一起享受舞蹈带给我们的快乐。

我们只要准确地判断她们是快乐的,她们就会像优秀的士兵一样听从你的指挥,并追随着你,你所有的教学计划和目标都会圆满的完成。

再次,我们一定要多鼓励儿童。

激励孩子们是相当重要的,因为,每个孩子都是一个独立的个体,她们彼此之间将会互相为榜样。

孩子应该多从教员口里获得赏识和赞扬,只有这样,我们指导性的批评才不至于引起孩子的逆反心理。

在学习的过程中,孩子们的每一个进步都需要得到我们的肯定,不要吝啬我们的鼓励,我们的赏识会演变成孩子学习热情的巨大推动力。

很多时候,我们一句无心的表扬可能会改变孩子的一生,甚至是改变她们以后面对人生的态度。

我们要赞美她漂亮的动作;赞美她良好的记忆力;赞美她花一般动人的表情;还要赞美她们准确的节奏感。

总之,我们赞美她们什么,她们就会表现得超乎你的想象,因为,我们的赞美就是最好的要求。

让孩子们带着一种成就感离开课堂,并准备在下一次课堂上再次得到满足。

三、结语

在世界上所有的芭蕾舞表演艺术家中,没有一个是仅靠自发的环境影响成才的。

舞蹈学生与环境的关系,必须以教员为中介,他们每发展一个阶段都是其与教员相联系的结果。

从舞蹈教学的角度来看,生物遗传、环境和教育三个因素中,教育是最重要的。

在第一、第二因素初步具备的情况下,他的成功必须在教员有目的、有组织、有计划的引导下才能实现。

教员是教学活动的主体,完善的知识结构和良好的艺术修养在整个教学过程中是最重要的,也是必须具备的首要条件。

因此,要在儿童芭蕾舞教学中贯彻和运用适当的训练方法,这对我们教员本身也提出了相应的要求。

儿童芭蕾舞的完美,精心施教是关键,这对于教员而言,责无旁贷!

参考文献:

[1][前苏联]瓦冈诺娃著.古典舞蹈基础[M].杨修兰等译.北京:北京舞蹈学院资料室出版,1961.

[2][英]琼•劳逊著.古典芭蕾舞蹈教学[M].尧登富译.北京:北京舞蹈学院资料室.

[3][英]理查德•格莱斯顿著.芭蕾初阶[M].鲜继平译.北京:北京舞蹈学院资料室,1981.

[4][美]瓦尔特•索雷尔著.西方舞蹈文化史[M].欧建平译.北京:中国人民大学出版社,.

8.芭蕾舞欣赏讲座 篇八

故事发生在莱茵河畔的小村庄，村姑吉赛尔和伯爵阿尔布雷希特。

《坟场大双人舞》

到了“芭蕾之冠”的美誉。这部舞剧第一次使芭蕾的女主角同时面临表演技能和舞蹈技巧两个方面的严峻挑战。舞剧是既富传奇性，又具世俗性的爱情悲剧，从中可以看到浪漫主义的两个侧面：光明与黑暗、生存与死亡。在第一幕中充满田园风光，第二幕又以超自然的想像展开各种舞蹈，特别是众幽灵的女子群舞更成为典范之作。一个半世纪以来，著名的芭蕾女演员都以演出《吉赛尔》做为最高的艺术追求。

一、什么是芭蕾

芭蕾这种欧洲古典学院派的剧场舞蹈体系，起源于15世纪文艺复兴时期的意大利，成型并兴盛于16-19世纪上半叶国力强盛的法兰西，鼎盛于19世纪下半叶文化昌明的俄罗斯和丹麦，并于20世纪初从俄罗斯走向世界各地，陆续形成了意大利、法兰西、俄罗斯、丹麦、美国、英国共六大流派。500年的芭蕾史可分为早期芭蕾、浪漫芭蕾、古典芭蕾、现代芭蕾(又分早、中、晚三个阶段)和当代芭蕾(又分前、后两个阶段)共五大时期。并素有“西方文明的结晶”和“贵族艺术”的称谓，亦有“严肃艺术”和“高雅艺术”等雅号，也有“脚尖舞”的别称，是迄今为止最具国际性的舞蹈品种之一。

二、贵族艺术

芭蕾诞生于意大利和法国宫廷的古典学院派剧场舞蹈体系。

芭蕾起源于意大利在意大利兴盛之后，1533年佛罗伦萨的公主卡特琳 梅迪奇从意大利嫁到了法国，后来她的丈夫登基使她成了法王亨利二世的王后。几年以后，王后就从意大利邀请一些芭蕾编导家来法兰西的宫廷教授芭蕾舞。

1581年在巴黎宫廷创作并首演了那部被誉为“世上芭蕾第一部”的《皇后喜剧芭蕾》，并且在法国演了800多场。

1661年法国国王路易十四载巴黎创建了皇家舞蹈学院，大名鼎鼎的芭蕾歌剧院则是以此为基础发展起来的。值的注意的是，其最初的宗旨并非是要发展后世这种作为表演艺术的芭蕾，而是要提升皇亲国戚们自娱自乐的交谊舞水准，以便使其贵族的身份得到完美无缺的彰显。

同时路易十四非常喜欢芭蕾舞并且时常在舞台上演出，直到1672年，路易十四因人到中年，无法胜任难度加大的动作技术，无奈的退出了舞台，芭蕾舞大师们则乘势将所有业余的贵族舞者统统地赶下了舞台，进而确保了芭蕾表演艺术此后可以放开手脚，向着高精尖的专业水平阔步挺进。

同一时间，中国的皇室在灭明朝，后来慢慢稳定建立清朝之后，著名的清宫宫斗开始了。

现在比较有名的芭蕾舞团有美国芭舞剧院、纽约市芭蕾舞团、亚特兰大芭蕾舞团、旧金山芭蕾舞团、乔弗雷芭蕾舞团、休斯顿芭蕾舞团、太平洋西北芭蕾舞团。

二、芭蕾欣赏

1、着装

如果要去欣赏古典芭蕾，观众最好西装革履，并且提前半小时入场，以便能感受到其中的贵族气质，并将日常生活中的种种琐事和烦恼留在剧场门外，从容不迫的远离尘世的审美场，然后可以熟悉一下节目单上提供的剧情介绍、明星阵容、编导生平、作曲背景、舞美创意、舞团历程等资料，最后想象一下即将面对的舞台奇观，或者是干脆闭目养神，让自己疲惫的身心真正得到放松和休整。

如果要去欣赏现代芭蕾，观众着装虽然可以自由一些，但是依然不能违反剧场起码的要求，尤其在夏天，不能穿着裤衩背心和拖鞋入场，自时间上只要提前入座，别影响其他观众即可，千万别因为迟到而被拒之门外。

2、思考

观舞过程中的一切反映和思考，则全凭其先天的机敏、后天的教育、经验的积累、知识的储备去临场体验了，因为现代芭蕾演出的节目单上，通常不会借助于太多的文字，去叙述编导家的观念和思想，而主要是通过舞蹈本身的动作及时、空、力的调度，去比较概括地传情达意，这一方面是因为编导家身为“非文字语言”的专家，不喜欢用“文字语言”去絮絮叨叨，更不愿让同行耻笑自己的自信不足;同时也是他们不愿让有限的“文字语言”，窒息了观众对巴黎舞这种“非文字语言”艺术的无限遐想。

3、条件

三长：长胳膊、长腿儿、长脖子。一小：小脑袋。美观、平衡感

一个高：高脚背。俗称“脚弓”。在高位半脚尖和全脚尖的频繁起落中，只有高脚背的舞者，脚部才能通过脚尖鞋那块方寸之地的小平头，随时随地“扣”住地面，确保身体能够迅速地找到平衡。

什么样的脚趾最适合穿足尖鞋

最理想的，也是最稀有的脚趾条件，应该是大拇趾、二拇趾和中趾一样长，这能平均地分担整个身体的巨大重量，使得她在脚尖上跳舞的难忍之痛能够减低到最大限度。

最糟糕的脚趾条件是二拇趾“一枝独秀”，因为要单靠它孤军作战，是不可能支撑起整个身体的重量的。

最常见的脚趾条件是大脚趾和二脚趾一样长，这种女孩儿经过长期艰苦的训练，有可能进入自如的状态。

“20公分顶重要”，说的是芭蕾舞者的腿部要比躯干长出20公分。腿的长度是从脚后跟开始到臀线为止，躯干的长度是从尾椎骨开始量到胸椎的最上一节。要求腿部要比躯干长出20公分是因为芭蕾的中心移动全要靠腿部来完成，因此观众的视点自然会集中在腿部。

开崩直立爹妈给说的是芭蕾舞者必须先天具备的四项条件，大多是父母遗传给他们的。

开：指舞者的踝、膝、胸、肩，必须五位一体地向两侧打开，否则缺乏足够的贵族气质，运动起来也无法达到高度的灵活。开是其他三项条件的身体基础和气质前提。

崩：指舞者的每个脚部动作，无论大小，凡是该绷起脚背来时，都得把它绷起来，这时检验全体舞者从群舞到主演，脚下是否干净利索的试金石。

直：是指舞者的脚部在完成充分的伸展时，必须把膝盖骨绝对地收进整个腿部的线条中去，以确保整个腿部的线条具有一气呵成、畅若流水的美感。

立：时指舞者的身体无论坐，还是立，躯干都必须同地面呈垂直状态，类似于中国古人所崇尚的那种“坐如钟、站如松”的风度。

以上三句说的是先天的条件，最后一句说的是后天的能力。

这四个字的要领中，轻字当先，因为19世纪的芭蕾舞剧中，阴盛阳衰的大格局中，标题人物大多都是女性，而且她们大多都是仙女、精灵`孤魂、野鬼，这些都是来无影去无踪，没有重量的，飘逸成了她们共同的特点，因此，舞者的动作只能以“轻”为美，而不能只为了高，而牺牲的了，结果把落地无声变成了落地有坑，所有说芭蕾舞者，尤其是芭蕾女舞者，最忌讳最提心吊胆的就是体重的增加。没有轻就没有高，没有高就没有芭蕾舞者后芭蕾舞的超凡脱俗。快是指舞者的动作频率要快，速度越快，难度则越大，快速的动作注意包括旋转和腿部的击打。稳在这四个字中属于压轴的角色，无论前面跳的多高，落地多轻，转的多快，最后一瞬间美收住，把稳字丢了，一切都会前功尽弃，整个舞蹈的美毁于一旦。

三、古典芭蕾舞剧《天鹅湖》

在所有古典芭蕾舞剧，乃至爱各个时期的芭蕾舞剧中，知名度最高的莫过于《天鹅湖》了。

《天鹅湖》于1877年2月20日(格里高利历则是3月4日)在莫斯科大剧院首演。

剧本情节

在天鹅湖里，剧本可以说是举足轻重的，本来有两个差别很大的天鹅湖版本。但通常它们会被混合着上演。它们的不同在于对结局的处理。在第一个版本里，王子齐格弗里德(Зигфрид)被幻象所惑，结局是悲剧式的。但在著名的圣彼得堡版本里尽管结尾音乐是那么悲悲愁愁的，最后的结局却是大团圆。

剧本的原作者已不可考，其灵感可能来自一部1786年出版的童话集《德国民间童话》里面的一个叫《被施魔法的面纱》的故事，作者是卡尔·奥古斯都·姆赛斯。里面提到了离德国城市兹维考不远处有一个天鹅池塘，那有着一个关于天鹅少女的传说，当法师施法于天鹅的羽毛时，天鹅就会变成一位少女，而且这样的主题在许多其他童话里也出现过。特别是那位可怜的公主，只有一位王子的爱情才能救她，但是悲剧式的结局却是姆赛斯的首创，以前从没在别的童话中出现过。

角色

除了技术上的要求外，天鹅湖对演员的要求是非常高的。

特别是主角奥杰塔，除了舞蹈技术要高超外，还要一方面能柔情地演绎奥杰塔，另一方面要赋予罗特巴特邪恶妖艳的气息。

而扮演齐格弗里德的演员，应该能在发现骗局的刹那，那种从无忧无虑的恋人到愤怒激动的受害者的心理展现出来。

约翰·克兰科在讲述剧本的戏剧张力时说道：“王子是位受人喜爱的天之骄子。但他落入到了悲剧，他是人，不是起重机，但他要独力把女芭蕾演员托起。”

第二幕

可是算是全剧的微缩景观，《白天鹅双人舞》、《四小天鹅舞》、《四大天鹅舞》、《天鹅大群舞》这些美伦美幻的舞段标志着芭蕾艺术在19世纪末取得的最高成就，历来让全国观众陶醉其中，体现出芭蕾美学“抒情之上，技术其次”的诗意品味，故常在晚会上单独演出。

四小天鹅舞

《四小天鹅舞》也是该舞剧中最受人们欢迎的舞曲之一，音乐轻松活泼，节奏干净利落，描绘出了小天鹅在湖畔嬉游的情景，质朴动人而又富于田园般的诗意。

第三幕

匈牙利的恰尔达什

《匈牙利舞》，即是匈牙利民间的《查尔达什舞》。音乐的前半段舒缓而伤感，如舞蹈前的准备, 音乐后半段节奏强烈, 显示出舞蹈者的粗犷，是一首狂热的舞曲。

西班牙的弗拉门戈

音乐富有浓厚的西班牙民族风味，西班牙响板的伴奏色彩明亮,更加重了音乐的民族特色。音乐前半部分热情奔放,气氛热烈，后半部分则充满了歌唱性和旋律性。

匈牙利的恰尔达什

《拿波里舞曲》是一首十分著名的意大利风格的舞曲，整个舞曲以小号为主奏，音乐活泼，前半段平稳，后半段则节奏越来越快，气氛越来越热烈，是一首塔兰泰拉风俗舞曲。

波兰的玛祖卡

黑天鹅

奥杰塔和奥吉莉亚通常是由同一位女芭蕾演员扮演的。这是古典芭蕾舞角色里面难度最高，而且强度最大的挑战之一。不但是因为两个角色截然相反，而且舞蹈动作要求也非常严格。

其中之一是第三幕里一场景里黑天鹅的32圈名为「挥鞭转」的轴转。这32圈挥鞭转要求连续完成，整个过程脚尖的移动范围不能超过一条皮带围成的圈才为优秀的表演，这十分考验女演员的腿部力量，区域越小就说明演员技术越高。这32圈挥鞭转是马林斯基剧院第一位首席女芭蕾舞演员莱尼亚尼的绝技。而这一高难度动作后来也作为天鹅湖里的一段重头戏。

四、天鹅之死

《天鹅之死》是一段女子独舞，属于俄国现代芭蕾的早期代表作，也是芭蕾史上最具生命力的经典之作，1907年首演于圣彼得堡音乐厅的慈善义演。它的创作灵感来自法国作曲家圣桑的名曲《天鹅》。

悠扬婉转的大提琴声，一泓碧蓝湖水中，牵出一只宛若受伤的天鹅，雪白的身躯缓缓点着碎步，轻盈飘渺，仿佛真的飘在似仙似幻般的水面上„„大提琴厚重而带有磁性的中音夹杂着娓娓而来的情思，如清风一缕，轻轻地拂过幽蓝的湖面，微微荡漾起阵阵涟漪„„玻璃似的湖面银光闪闪，洒落在娇嫩的翅膀上，微潮的水雾打湿了玉肩，一抹玉白徐徐降落，轻点涟漪„„

长长的脖子低垂到湖面，轻轻贴近似乎温暖的湖面，缓缓梳理着生平的美好的记忆„„仿佛间，睁开潮湿的双眼，微微环视自己依旧白皙的身躯，继而又慢慢抬起高傲的银额，抖动着双眼，仰望漆黑的星幕„„目光深深地朝远方遥望，看见了什么，是童年的晴空、温和的母亲，抑或是美丽的玩伴、快活的嬉戏，还是儿时的梦想与自由„„

徐徐抬起高傲的雪般的头，努力地拍打着涟漪，想要扑击长空，翱翔于万里白云之上，可„„翅膀早已被湖水打湿，停滞了下，臂膀仿佛再也无法伸展，曾经轻盈的身躯，如今„„只能在原地缓缓打转„„

昂起高傲的头，向着星空，徐徐抖动着双肩，诉说她生的欲望„„

清冷的月光下，渐渐平静的湖面，随即又漾开圈圈凄美的涟漪;大提琴饱满的中音荡出组组美妙的和弦，哀沉而低婉，美轮美奂，犹如哀乐„„凝望水中的倒影，美丽的身影依旧，羽翼依然洁白，年少的梦想，是否已经实现，还是就此陨落„„

银额呼呼而动，犹如凄怆的嘶鸣，高傲的头不曾低下，山无声，水无语„„

腾飞，展翅，绝美的身影，羽毛纷纷飘开，最终那如雪的羽衣静静地落回湖面，随即荡开，洁白的头缓缓垂下„„

凄缓的大提琴中音幽幽远去，湖面荡起阵阵波纹，淹没了那一弯如雪白衣„„

1、怎么鼓掌

出席芭蕾晚会的人，在各幕(场)结束和演出终了时鼓掌致意已成惯例;每个舞段之间如果没连续性的音乐连接，人们也会抱以掌声。

演出进行中，当演员动作停止或鞠躬的时候可以鼓掌，因为此时可以判断演员短时间内不会再进行高难度动作;甚至当演员表演一个高超的绝技，即使整段舞没完，也会激起人们喝彩的欲望——这时的掌声对演员来说无异于兴奋剂，会促使他们把下面动作完成的更好。但是，如果演员表演的是深沉抒情的优雅舞段乃至如此场景，把观众带进情绪陶然的静谧气氛，掌声的出现就不大相宜了。演出结束后，可以边鼓掌边喝彩;再次谢幕时，掌声可以持续得久一些，这是对演员表演的肯定和赞许。

2、分不清演员怎么办

很多舞剧的服装主角和配角没什么太大差别，再加上座位和舞台之间的距离就经常出现“主角出现了，主角消失了”的感觉，而这时大家就可以找找一些标志性的物品来区分各位演员，比如服装的不同、头发的颜色、饰品的区别、搭档的人选等。

3、幕是怎么回事

幕在最开始的规定就是幕布拉起幕布放下算一幕，但是现在也出现 直接道具缓慢移动而不放下幕布的情况。其实简单来说幕布就是区分主要情节发展的名词。

4、足尖鞋的寿命

足尖鞋的使用时间长短一般是由鞋骨的支撑度来决定。由于长时间使用足尖技巧，会使鞋骨渐渐失去弹性和支撑力，此时就应该换鞋以维护脚部的安全。另外，鞋盒也会随着使用时间增加，以及舞者脚上汗水带来的潮湿也会渐渐变软。通常足尖鞋的寿命视舞码的吃重度不等，刚学习足尖技巧的芭蕾学生，一双舞鞋约可穿数周甚至数月，然而高阶的学生或专业舞者，一双鞋子的寿命大约二十小时左右。在整场舞剧中担任主要角色的舞者，足尖鞋大概只能使用一场。足尖鞋是消耗品，但是价格不低，所以大多数专业芭蕾舞团都有提供舞者一笔舞鞋津贴以应付更换所需的成本。

5、芭蕾舞的动作语言

手按左胸——爱

双手在头顶交替绕圈——跳舞

一只手反向从脸颊划到下颚——美丽容颜

6、谢幕

摊开双手/单手——询问

双手握拳交叉于身体前方——死亡

单手上举食指中指并拢表示——宣誓