舞台美术设计创作

舞台美术设计创作（精选8篇）

1.舞台美术设计创作 篇一

黑河学院美术系绘画、艺术设计专业

毕业创作（设计）指导工作实施方案

依据黑河学院《毕业论文（设计）教学大纲》和《黑河学院毕业论文（设计）管理细则》，结合美术系人才培养方案，为提高美术专业学生的实践能力和专业设计能力，为学生毕业后能尽快与社会接轨，满足社会需求，结合美术的专业特色，现制定美术系2008届毕业创作(设计)指导工作实施方案。

一、指导思想

美术系本科生毕业创作(设计)的基本教学目的是培养学生综合运用所学的基本理论、基础知识、基本技能分析和解决实际问题的能力，培养学生正确的设计思想和科学的思维方式，培养学生掌握艺术研究的基本方法，具备从事艺术设计和美术创作的基本能力和创新能力。在毕业创作(设计)工作中，要认真贯彻理论与实践相结合，教学与科研、生产相结合，教育与国民经济建设和社会发展相结合的原则，加强理论、知识和技能综合运用能力的训练和提高，加强学生创新意识、创新能力和创业精神的培养。

二、工作目标

美术系毕业创作（设计）的内容必须符合专业培养目标的要求，体现本专业基本训练的内容，学生通过完成毕业创作（设计）工作，进一步了解和熟悉艺术创作的基本方法，端正学习态度，树立正确的科学研究观念，充分体现专业特点及多样化，尽可能反映现代艺术设计、绘画和美术教育的发展水平，对所学专业有整体的认识和提高，1

使学生受到较为全面的综合训练。设计制作出高质量高水平的毕业作品，以达到对所学知识综合运用的能力。

三、组织与管理

（一）成立美术系毕业设计领导小组，由系主任任组长，由分管教学工作的副主任任副组长，成员由教研室主任组成，实行分级管理、层层负责的方法。

（二）成立毕业设计指导组。具体任务：制定美术系毕业设计指导工作计划；审定不同研究方向毕业设计内容、形式，落实指导任务及指导教师；下达毕业设计任务要求；检查毕业设计指导情况；组织毕业设计成绩评定；审定毕业设计成绩；推荐优秀毕业设计作品；设计整理应届毕业生作品集。

（三）毕业设计工作完成以后，由美术系组织讲师以上指导教师对毕业设计评定成绩进行抽查，抽查比例应达到毕业生人数的10%。

四、美术系毕业创作（设计）要求

美术系毕业创作（设计）包括毕业创作（设计）作品和毕业创作（设计）报告两部分内容

（一）毕业设计作品：

1、毕业创作（设计）作品内容美术学专业分为油画、国画创作、平面与广告传媒、纤维、环境艺术、动画、装饰艺术设计；绘画专业分为油画、国画创作；艺术设计专业按照方向不同分为平面与广告传媒、纤维、环境艺术、动画、装饰艺术设计。分别由有关指导教师提出作品内容、形式、数量及要求，经教研室批准，由学生选定。学生

可自愿报名选题，但要由教研室调整、平衡最后确定。学生也可自行确定设计内容，但需经教研室批准，并指定指导教师。

2、提倡不同专业互相结合，既体现专业特点又扩大专业面，开阔学生眼界，实现学科之间的相互渗透。使作品有力度有新意，使学生在毕业设计期间增强综合能力的培养和锻炼。

3、贯彻因材施教的原则，对学有余力的优秀学生，在选题和内容上提出较高要求，以充分发挥其才能。

(二)毕业创作（设计）报告

美术系绘画专业毕业创作报告要求，绘画专业的毕业创作报告要根据创作过程、内容做3000字的创作报告，包括资料收集，草图设计完善过程，作品的表现形式、创作意图、完成效果等内容。

美术系艺术设计专业毕业设计报告要求，艺术设计专业的毕业设计报告以与所选专业有关的设计内容为主，要求根据作品内容做2000字设计报告，包括作品的设计意图、资料收集、预期效果、设计过程、完成效果等内容。

（三）毕业作品展览及毕业创作（设计）作品集

美术系学生毕业创作（设计）是衡量其四年学习情况的重要形式，反映了学生学习和教学的最高水平，因此要根据学生的毕业创作（设计）作品组织举办美术系毕业创作（设计）展览。并在展览结束将学生毕业作品整理成美术系毕业作品集。

五、指导教师

（一）由获得中级及以上专业技术职称的教师担任指导教师。每位指导教师提出与专业相关的毕业设计内容，根据学生选择设计题目情况分成不同班级，由相关教师进行辅导，教师指导学生人数根据学生选择情况而定。

（二）指导教师应制订指导计划，在设计内容、设计思路，材料运用等有关方面帮助学生做好准备工作。审查学生拟定的毕业设计方案及进程安排，定期检查学生的毕业设计进度和质量；与学生保持密切联系，了解进度，及时指导学生解决设计上的难点和实践中的技术性问题。

（三）学生毕业作品完成后，指导教师应认真评阅学生的课题内容，公正地评定学生毕业创作（设计）的过程和成绩，同时配合系里组织好学生毕业作品展览工作。

六、毕业设计成绩评定

学生毕业设计成绩由接受指导态度，毕业设计作品展览效果、毕业创作（设计）报告三部分组成，其中接受指导态度占30分，作品效果占50分，创作（设计）报告占20分。接受指导态度和设计说明成绩由指导教师评定，毕业设计作品展览效果成绩由系毕业设计领导小组组织相应的指导教师共同评定。

七、学生任务

（一）我系本科学生必须参加毕业创作（设计）的教学实践，根据所学专业选择毕业设计内容选择指导教师，学生在教师指导下也可根据自己的实际情况，自己拟定毕业创作（设计）内容，但应征得指导教师的正式认定。

（二）按进度计划开展毕业设计，收集整理相关研究资料，选择毕业创作（设计）的形式材料，开展毕业创作（设计）活动。

（三）学生在进行毕业创作（设计）的实际工作中，必须努力学习，刻苦钻研，勇于创新，勤于实践，虚心接受指导教师的指导；遵守制度，保证出勤，因事因病离岗必须事先向指导教师请假；独立完成规定的毕业设计任务，毕业设计应符合有关规范要求。

八、时间安排：

四年制本科第七学期、公布设计方向、指导教师，学生选题，并由系毕业设计小组向学生下达任务书。

四年制本科第八学期为设计的进行和完成阶段，学期末上缴毕业设计作品及设计说明。由系统一组织对毕业创作（设计）的成绩评定。

黑河学院美术系

2012年3月22日

2.舞台美术设计创作 篇二

一、联想创作课

联想创作课是借助图像或实物，引发学生联想，并经过添加、改编创造出一种类似而不相同的形象和情节。让儿童进行一个主题多种联想的绘画训练，是拓宽儿童发散性思维，丰富绘画语言，壮大创作胆识的好方法。听障儿童听力受损，由于补偿作用，其视觉观察及模仿力很强，对周围事物有强烈的好奇心、探究感，教师要尽可能采用多种方式，引导他们根据自身的特点，用绘画来表达内心深处的思想感情，信笔画来，自由联想。

课堂实例：画“公鸡”。教师先帮助学生分析公鸡的形象和性格特征——大公鸡头戴红帽子，尾巴的羽毛弯弯长长的，脚杆结实有力，啼叫时总是仰着脖子，一副高傲的样子。接着教师再围绕公鸡的主要特征发问：公鸡的尾巴像什么?启发学生的思维发散，展开关于公鸡尾巴相似形象的联想——公鸡的尾巴像彩条，公鸡的尾巴像扇子等。学生们的兴趣越来越浓，联想不断涌现，这时要留有一部分联想空间让学生们自己画出不同尾巴的公鸡，看谁画得多。在好胜心的鼓励下，公鸡的尾巴形形色色，变化多样。这种启发式的教学，对学生的绘画思维和表现形式上的发展有不可低估的作用。

图像的联想创作课——要求学生借助范图，进行联想创造。例如汽车的临摹图，提出两种作业要求：第一种临摹加添创作课。让学生先临摹，再根据自己的联想加添出汽车上的装饰、乘客及汽车周围的公路、行人和环境;第二种临摹联想创作课。让学生先临摹，再根据自己的联想创造一种或几种新型的汽车图形。

实物的联想创作课——这种课要求学生面对写生对象进行联想创作。例如校园写生联想创作课：第一种先如实写生校园建筑，再通过联想添画上蓝天、白云、小鸟，教室前盛开的鲜花，操场上竖立着五星红旗和师生们的各种课间活动等。第二种要求学生面对校园，通过联想，画一座新的校园或理想的校园、未来的校园。总之，可以通过联想把校园画得更美好。

联想创作课的设计，目的是增加临摹课与写生课的趣味性和创作因素，既训练了学生的临摹与写生能力，又训练了学生的形象思维和创作能力。

二、发散思维创作课

发散思维创作课是以某种图形或实物为发散点，从而扩散出与图形或实物有关的近似而不相同的很多种新形象。由视觉而引起的形象回忆和创造，是美术活动中的高级心理反映。听障学生由于失听，外界的信息和感受主要靠双眼去观察、去领会。因此，帮助学生完善视觉印象，发展上述的心理能力，特校教师要善于挖掘学生的绘画天赋，从小培养其独创性和正确的艺术创作行为。儿童多次参与或印象深刻的活动都是创作的好素材。如：可爱的动物园，生活中的新奇事儿等，教师通过命题的叙述，引导学生进行创作。

例如：画“青蛙的一家”。先要介绍青蛙的成长过程、生活习性、形体特征等。学生都熟悉青蛙，纷纷学着它的样子跳了起来。出现这种呼应，说明学生对这一主题很感兴趣。教师继续拟人化地讲述主题内容：饿了一天的青蛙妈妈，带着她的宝宝坐在一张很大的荷叶上等待，这时青蛙爸爸捉了许多虫子回来了，青蛙一家乐坏了。学生们听到这儿，脸上都露出了笑容，画面历历在目。绘画时轻松愉快，感情亲切，画出的青蛙带有自己的情绪和性格。他们把青蛙的老大、老二、老三画得各具生理特征。以往在学生画中的“乐”常以唱歌、跳舞的形式出现，但在这堂自己作主的一课中，学生们的想象显得无拘无束甚至滑稽可爱。有个学生画了两只莲蓬喷着水儿，说是青蛙开心地洗澡了，一面画画，一面“咯咯”地笑。学生把自己洗淋浴时的欢快心情移植到青蛙身上，对这种既出人意料，又合乎情理的想象，教师应给予热忱的鼓励和赞扬，让这种有生命力的思维活动永远活跃在他们心中和笔下。

图形发散思维创作课——以某种图形为发散点，引发学生的联想并描绘出与这种图形有关的近似而不相同的很多新形象。例如：教师在黑板上画一个圆圈，或贴上一张圆形纸片，然后启发学生：生活中有哪些物象是圆形，画在作业纸上。比一比，看谁画的圆形物体多。这种课称为圆形的发散思维创作课。

实物的发散思维创作课——以某种实物为发散点，引发学生的联想并创作出与实物近似而不相同的很多新形象。例如：教师以手套为发散点，引发学生通过手套的联想并创作出与手套形象近似而不相同的仙人掌、茶壶、果树、侧面人像、小兔、手枪、五指山等很多种新形象。这种课称为手套的发散思维创作课。

发散思维创作课的价值在于，它要求学生从不同的视点观察同一个固定区域，用同一种想象思维发散出很多种不同的新形象，从而活跃学生的思维，丰富学生的想象，开拓学生的形象思维，激发学生的创作兴趣。

三、记忆创作课

对于无数喜爱绘画活动的听障学生来说，记忆创作画以其独特的直观性与可读性使听障学生易于接受与掌握, 并且能够更好地激发他们的创作欲望和对美的追求，培养他们用纯朴自然的真情去大胆表现、大胆创造美的能力。刚开始学习写生画的低龄学生，不知如何把空中的立体形象反映到平面的纸上，常常因找不到线条而束手无策，但如果让他们画一幅难度虽大但十分熟悉、印象深刻的人物记忆画，反而显得得心应手。记忆画能使学生从对象的整体入手，然后丰富对象的细节。让学生练习画记忆画，不仅可以增强他们的形象记忆能力，而且还可以通过自己独立地安排画面、设色等步骤，为今后的创作画打下基础。

例如：“穿时装的妈妈”记忆画。学生们把形象的整体和细节都能画得细致入微、协调完整。从妈妈的形象到服饰、发型、气质、神态都画得淋漓尽致、细致生动、富有情趣。

记忆创作课是让学生把看到过的物象或经历过的事情，凭借记忆默画出来。具体课型包括：

实物记忆创作课——要求学生在写生之前先用一定的时间观察、默记实物的形象特征，然后抛开实物进行默写。进行这种课型的教学应根据学生的实际水平，选择图像和实物要难易适度，默记的时间和次数适当。

情节记忆创作课——要求学生先观察默记生活中的人物动态、情节变化、场面道具及印象最深的情节，然后凭借记忆创作成一幅画。如：一场电影、一个文艺节目、一种游戏、一个生活片断等，然后凭借记忆进行创作。

参与创作课——要求学生亲自参与某种活动，活动结束后再用绘画的形式表现这种活动。例如：亲自参加了一种游戏，或一种文体活动，或某种劳动，然后凭借自己的亲身体会进行绘画创作。

回忆创作课——就是把时隔较长看到过的(或经历过的)形象或情节，凭借回忆创作成一幅画。例如：让学生回忆再现某座建筑，或某种活动情节，或动物园中某种动物的形象。

记忆创作课有利于促使学生留心观察生活，记忆形象，逐渐养成观察的良好习惯，提高观察能力、形象记忆能力和创作能力。

四、想象创作课

想象创作课是通过形象的或抽象的、实在的或虚渺的等多种表象，启发学生的创造性想象，从而创作出一种新的形象和情节。儿童绘画不应该要求其“形准”，而应该把教学重点放在儿童情趣的抒发表现上，力求使他们能画出自己的世界、自己的想象及自己的色彩。听障学生的想象没有世俗观念，想象时感情十分真挚。特别是低年级学生，想象的火种是很容易被点燃的，鼓励学生只有想得妙，才能画得美，充分认识绘画创作原本就没有一个统一的答案，趣味性、想象力是促使学生不断进行绘画创作的添加剂。

例如：“长颈鹿和小猴的想象画”。教师叙述：长颈鹿和小猴在野外游玩，突然，乌云密布，下起雨来，聪明的小猴想了一个什么办法使长颈鹿没淋着雨呢?请同学们将自己的想象画出来。二十分钟后，学生拿着他们刚刚创作的画兴致勃勃地抢着告诉我：

小猴看见下雨了，马上爬到一棵树上喊着：“长颈鹿，快到树下来避雨吧!”长颈鹿听话地躲到了树下。

下雨了，小猴赶快拿来了一把大雨伞给长颈鹿，可长颈鹿的颈伸得太高了，于是，小猴把伞柄接了一段棍子，然后绑在长颈鹿的角上。

两只小猴拿了一块塑料布给长颈鹿遮雨，在塑料布中剪了个洞，让长颈鹿的头伸在外面，还可以冒雨吃树叶呢!

……

面对天真可爱，灵气十足的学生，面对一幅幅充满爱心和智慧的想象画，作为教师还能指责他们什么呢?难道不应该去赞扬他们的聪明创造和想象力吗?

古今中外许多有成就的绘画大师都是以非凡的想象力著称的。想象创作课的设计，目的在于启发学生异想天开、标新立异、独辟蹊径的新思路，培养学生创造力、想象力。想象画是“异想天开”的学生发挥才能的最好园地，他们能从中获得灵性和智慧，深化知识，训练胆量。

3.舞台美术设计创作 篇三

[关键词]灯光设计；戏曲创作；舞台表演

舞台灯光设计工作的主要工作内容，就是通过其自身对灯具运用与搭配的了解，以舞台中剧情发展的实际情况为主要依据，利用灯光颜色以及强度的变化来营造舞台氛围，达到预期的舞台表演效果。如果舞台剧中的灯光运用得当，不但能进一步增强其戏曲的现场效果，还能将舞台中的表演推向另一个艺术高度。

一、舞台灯光设计对戏曲创作的重要性

在舞台剧的表演中，舞台灯光是一种舞台艺术的表现途径，其灯光设计需要贯穿于整部舞台表演作品中。因此在进行舞台灯光设计时，设计师需要详细了解舞台中各项设备的具体情况，并依照本次灯光设计中的实际情况，来选择相应的灯光工作人员。此外，灯光的设计者必须对戏曲中的相关内容进行透彻的了解，比如戏曲的基本形式、剧情的中心思想、演员在某一阶段表演中对灯光的具体要求等。同时，作为舞台剧的灯光设计者，在进行灯光设计时必须与导演进行沟通。导演与灯光设计者都是其戏曲中的灵魂所在，但相比灯光设计师，导演需要考虑更多方面的相关事宜，并且承担整部戏剧艺术质量的监督工作。所以，在戏剧灯光设计中，设计师与导演产生了相左的艺术观点时，应当尽量以大局为重，听从导演安排。但在大部分情况下，导演都不会过分插手舞台中的灯光设计工作，这时，就需要设计师展现其自身艺术素养，为戏曲做出出色的舞台灯光设计，进一步提升戏曲的整体性与艺术效果。

二、舞台灯光的颜色设计在戏曲舞台中的重要性

戏剧舞台中的光色设计，能够起到渲染剧情中思想感情以及艺术氛围的作用。设计师对颜色的选择会对整部戏曲中的舞台氛围以及情调产生决定性的影响。此外，在舞台中观众看到演员身上的服装颜色，还有一些舞台中的布景或者道具，都会在舞台灯光下产生变化。在这种情况下，如果戏剧中舞台灯光的颜色选择得当，会使其戏曲演员显得更加光彩照人。如果舞台灯光设计者没有足够高的工作水平，那么很有可能会使其戏曲中舞台的颜色变得异常奇怪，给整体戏曲表演带来一定程度的负面影响。此外，在戏曲表演中使用的舞台灯光设计，还会经常通过光色的明暗度对比或冷暖色的使用来表达任务情绪或者思想，进而与观众产生共鸣，达到其预期的舞台表演效果。

举例说明，某单位在舞台上表演《医圣传奇》这部戏剧，其中剧情大体内容就是主人公张仲景辞掉朝廷官职返回故乡，当他到达故乡时，发现其故乡正被严重的瘟疫所笼罩 ，百姓苦不堪言。在这一段剧情中，舞台灯光颜色就使用了较为忧郁的蓝色调，其灯光颜色能够进一步表现当地灾情的严重程度，以及当时环境中百姓与张仲景的心态，与当时的剧情环境极为同步。

此外，舞台灯光在很多影视作品中也会经常使用。比如斩获三项影帝殊荣的电影作品《阳光灿烂的日子》，主要讲述的是70年代一个在北京部队大院中成长的少年的故事。在这部作品中金黄色的灯光几乎贯穿了整部电影。其作品中主人公浑身的汗水在黝黑的皮肤上闪烁着金色的光芒，让每个观看过这一作品的人都会想起自己在少年时代每一个黄昏中度过的美好时光。

舞台中设计灯光效果的最终目的，都是为了提升整台演出的情感渲染深度。灯光设计师，凭借自身对灯光设备使用的熟悉程度，利用其灯光设备自身的具体特点，将灯具设置在舞台中的各个位置，通过灯光角度、明暗度以及颜色的变化，衬托出戏曲中所要呈现的舞台氛围，以此将戏曲中的艺术效果塑造得更加完美。

三、戏曲舞台中的灯光设计工作对其剧情发展的帮助

在戏曲表演过程中，舞台灯光需要根据剧情中所要表达的情绪变化而进行调整。随着舞台剧情的不断发展，剧情中还会出现关于剧目中的时代背景，这时灯光设计者就需要根据其实际要求灵活运用灯光，以此衬托其剧目中演员的服装效果，使戏曲中的服装服饰与其舞台整体氛围相融合。在这种情况下，舞台灯光效果能够进一步激发设计者的设计灵感，使剧情发展更加自然，便于将观众带入剧情氛围之中。比如，某个演出单位在剧场中表演的《婚姻大事》这一作品，这部作品是一部描写现代河南农村中群众生活状态的现代戏。其剧情安排中有这样的内容：剧中村里的木工，来到山西的一户家庭中制作家具，在这个家庭中，守寡多年的凤春被这位木工的憨厚与坦诚所打动，心中又升起了对美好生活的向往。在这一幕的剧情中，舞台上需要一系列的木工道具，比如长条木凳、锯子、锉刀等工具。而且这些工作需要在演出时为剧情服务，不能造假。然后凤春非常含蓄地表达内心的爱慕之意，此时木工的内心十分感动，但却显得不知所措，无法用语言表达心中的情感，只能拿起锉刀不停地干活。虽然此时的剧场上只有刺耳的锉刀声，但这也无疑是此时木工能够想到唯一的一种打破沉默的方法。在此时，一束强光打在木工身上，为剧情的后续发展带来了无穷的想象空间，全场观众都响起了热烈的掌声，其中最后的那一束灯光，无疑是整场戏剧中的点睛之笔。

从上述内容中可以看出，在戏曲创作中，舞台中的灯光设计是舞台表演的灵魂所在。完美的戏剧必须在完美的灯光衬托下完成，脱离舞台灯光设计的剧目，它的内容也会十分空洞，失去其自身原有艺术价值。由此可见，舞台灯光设计工作与戏曲创作有着不可分割的互生关系。同时，作为一名灯光设计工作者，在设计灯光的过程中，更需要从剧情发展入手，为剧目设计更具针对性的灯光。

四、结语

戏曲艺术需要舞台灯光的衬托才能够使其艺术的形式感更加完美，舞台艺术是一种强调视觉体验的艺术形式，而灯光是最能够对观众视觉造成冲击的方法。因此，灯光设计在舞台设计中就显得格外重要。在此，希望本文能够为相关表演艺术工作者提供一个具有参考价值的文献资料，进而推动我国舞台戏剧表演艺术进一步发展。

参考文献：

4.如何引导儿童美术创作 篇四

在我们生活的现实世界中，常会见到这样的一些场景：一些刚学会拿笔的孩子嘴里不停的嘟哝着，手则伸在触手可及的四周的地上、墙上、纸上乱涂乱画„„这些，在大人眼中只是些堆积在一起的乱七八糟的线条，算不上什么了不起的作品，更谈不上是杰作了；但在孩子的眼中可能就会是他正想象着的一架飞机或一辆汽车，它们正在云端飞翔，或在原野上奔驰„„­

二十世纪最伟大、最富有创造性的艺术家毕加索曾经说过这样的一句话：“学会像一个六岁的孩子一样作画，用了我一生的时间。”难以让我们相信：孩子的信手涂鸦却是大师的向往。然而这种令大师羡慕不已的艺术热情和本能几乎在每个儿童身上都有丰富的蕴藏，而作为我们幼教工作者，这时可千万不能忽视或小看了这稚气十足的“涂鸦”，许许多多的智慧火花就是在这时爆发的。­

通过近四年的实践，我深切的感受到在绘画教学中，与其说让我教孩子们画画，不如说我是大海里的一个导航灯塔，指引着孩子们在艺术的海洋里自由、快乐的畅游。以下就是我在实践中的一些体会。­

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一观察了解孩子的兴趣，投其所好。­

首先，兴趣是最好的老师，是创造的源泉。幼儿从“涂鸦”阶段过渡到“绘画”阶段，这中间“兴趣”是一条至关重要的纽带。幼儿的兴趣不是天生的，关键是教师在活动中的培养。在美术活动中，我主要通过音乐活动、语言活动、游戏等各种活动，通过幼儿的亲身实践调动幼儿的学习兴趣，激发幼儿的内在学习动机，让幼儿愉快地接受教育，成为学习的主人。­

陶行之曾指出“儿童是新时代的创造者”，呼吁要“解放儿童的创造力”，他认为“小孩子多少都有其创造的能力”。因此，作为教师，我们就应努力去观察、发现幼儿的兴趣，“在情感方面和小孩站在一条战线上”，要“客观的根据他们的欲望而启发他们的活动”。创造本身是一个思维过程，有准备期、酝酿期和验证期。幼儿由于受思维发展水平的制约，以具体形象思维为主。因此，他们美术在创造过程中往往和用各种材料表现美术形象的过程相依相伴的，不追求结果，创造过程中的积极性、创造精神、创造能力的发挥是评价幼儿作品的主要依据。­

由于了解了他们的兴趣，就可以根据他们在此中所获得的内心的喜悦和满足，同时根据其年龄特点（如，对一项单一的活动兴趣不能持久、小肌肉还发育不完善等）。在学期中我开展了多种形式的绘画活动，让幼儿对绘画活动始终保持着浓厚的兴趣，比如：“手掌印画”、“手指点画”、“纸团压印”，以及“涂色”等活动。我把这些称之为玩色活动。孩子们在玩的过程中运用多种感官去接受色彩的刺激，对色彩产生一种情绪表达的需要和欲望。­

其次，投其所好，形象选材。对于中班的孩子，选材犹为重要，在玩色的基础上我选择了一些具体形象性较强的内容，以圆形为基础形状展开绘画活动，从与玩色结合的“我吹的泡泡”到“苹果、橘子”，从“我的小鸡”到“毛毛虫”，孩子们在圆的基础上层层展开练习，其中的泡泡、苹果、小鸡、毛毛虫、气球、小花„„都是孩子们喜欢的形象，加上形象的儿歌和语言，孩子喜欢画、乐于画、也有东西可画。­ ­

二、在启发引导式教学中训练幼儿创造性思维，培养创造性人格。­

在经历了“涂鸦”阶段之后我们应当有意识的加以引导，往深层次发展开展一些做做玩玩、涂涂画画的美工活动，这样，既符合幼儿爱玩的个性，又能训练幼儿的观察能力，丰富幼儿的想象能力，培养幼儿的创新意识和创造能力。这是最有效的途径。­

陶行之就曾提出要通过“六大解放”来解放儿童的创造力：解放儿童的头脑，让他们接受新知识、新观念；解放儿童的双手，给孩子动手的机会；解放儿童的嘴，让他们从问题的解答中增进知识，发展思维和理解能力；解放儿童的眼睛，引导他们用自己的眼睛去看世界；解放儿童的空间，让他们去接触自然社会中的万事万物；解放儿童的时间，为他们提供自由发挥的时间。­

同时，新《纲要》中说“用自己喜欢的方式进行艺术表现”“鼓励幼儿用不同艺术形式大胆表达自己的情感、理解和想象”。因此，作为教师在活动中应处于主导地位，充分发挥主导作用。启发引导式教学活动要求教师尽量不做技法示范，应大量运用观察、记忆、体验、联想、欣赏等方法。让幼儿看、摸、闻、尝、听，在头脑中储存大量的表象，慢慢地依赖实物变成依靠头脑中的表象来思考，然后再教幼儿将实物进行类比，同中求异，异中求同。教师的责任是不断地开拓幼儿的思路，使他们的思维越来越活跃。启发引导式教学让幼儿打破时空限制，进行分解组合、再造想象、创造想象、甚至幻想。­

这时我们首先需要做的有：­

1、收集材料变废为宝。带领幼儿收集一些废旧材料：如小盒子、小塑料瓶、瓜子壳等，先让幼儿观察，想象它像什么，到想象它是什么和进一步联想他们在干什么。这样的思维进展，对培养他们创造性思维能力是有积极意义的。­

2、适合的美术工具，是创造想象的阶梯。美术工具的选择同样十分重要。幼儿在涂涂画画中，会用到许许多多的工具，如果不系统地进行安排，往往会对幼儿的发展产生不利，降低对活动的兴趣。美术工具的选择要适合幼儿，从干性工具（蜡笔）——半干性工具（水彩笔、钩线笔）——湿性工具（水粉笔）；从单一工具——两种工具交替使用——两种以上工具合理安排。结合幼儿对造型、色彩、构图的认识，围绕工具的出现，有目的的向幼儿逐步介绍，并鼓励幼儿按自己的意愿选择和主动尝试自己想出的方法。­

3、组织形式多样化。给幼儿创设宽松的活动环境，使他们愉快自如地投入活动，在精神上得到满足，动方式灵活多变、富有情趣。在内容和形式上把激发幼儿情感放在首位，尊重每个幼儿的点滴创造，鼓励别出心裁的想象和独特的表现方式，引导幼儿乐意发现生活中不一般的情景。­

其次，下笔有神――幼儿大胆涂鸦、教师形象引导。­

刚刚开始的绘画创设有利于创造性思维发展的自由、宽松、充满创造气氛的环境。从某种意义上说，个体创造性潜能的发挥往往取决于他所处的环境，一个民主的能够欣赏创新观点的社会环境必将激发幼儿的创造潜能。那么对待幼儿的“乱涂乱画”，我们切不可用“像不像”“对不对”等成人固定的思维模式去限制他们，或盲目否定，而应敏感地捕捉幼儿创造思维的“闪光点”，加以科学的引导。我们应为幼儿创设一种宽松、自由、民主的气氛，让他们能够自由思索、大胆想象、主动选择并作出决定。做法有：­ ­

（一）为幼儿创设“美术活动区”。分区活动是幼儿喜爱的一种活动形式，能充分调动幼儿的积极性，并参与到活动中去。在美工区，我们为幼儿提供各种材料，如各种纸、笔、油画棒、剪刀、绳子、颜料、纸板等，让幼儿接触美术活动所需要的各种材料，在玩玩、吹吹、涂涂、画画中激发幼儿对美术活动的兴趣，促进创造力的萌芽和发展。­

（二）开展“小小画展”，用幼儿作品布置教室。幼儿对自己的东西特别爱惜，不管自己的作品质量如何，他都希望得到老师和小朋友的关注。我经常用幼儿的作品布置教室，贴在墙上，挂在窗上，摆在玩具柜上。不管画得好否，剪得光滑与粗糙，哪怕是做得歪歪斜斜，只要自己的作品展出了，幼儿都非常高兴。­

（三）画龙点睛－－教师孩子一起说­

1、在美术活动的准备和开始阶段，教师要善于从儿童的角度去捕捉和表达周围世界充满情趣的“点”，用富于童趣的语言易让孩子产生轻松、愉悦的游戏心理，与孩子产生共鸣，传递惊喜与激情，进而自然地激发幼儿活动的欲望。­

2、自信心是一切成功的开始，用欣赏鼓励的语言增强幼儿对美术活动的自信心，也是美术活动的重要目标之一，而教师欣赏、鼓励的语言则是实现这一目标的主要手段。因此，教师要做到：一是要细心发现每一位孩子的点滴进步，关心孩子绘画的细节，表扬要切到实处，说到点上，如“这个眼睛画得很可爱！”、“你涂颜色真仔细！”让孩子知道自己好在哪里！应该怎么画才算好！­

教师在运用欣赏鼓励的指导语时，要注意选择恰当的方式、方法和时机，把握分寸与“火候”，而不是无原则地滥用表扬语，否则只能滋长孩子或骄傲、自满，或漠然、无所谓的心理。­

3、指导性语言的运用也很重要，适时、精练、恰当的指导语在用画过程中能起到很好的点拨和提高作用，但若把握不好则将会适得其反。教师应在一开始的活动中准确预见大多数幼儿可能出现的问题，在幼儿开始活动前以简明扼要的语言提醒幼儿；幼儿操作过程中，教师切忌在一旁指指点点，貌似指导，实是干扰，应该为孩子创造更多的属于自己的时间和空间，掌握“动口”的最佳时机；当发现幼儿已无法继续作画，表现出迷茫、或开始“画蛇添足”时，则是教师做个别指导的恰当时机。­ ­

三?经常适时地提供幼儿自主创作、自主表达的机会。­

“尊重每个孩子的想法和创造”就是给幼儿自己选择表达内容的方式和自由。教师要经常适时地提供给幼儿自主创作、自主表达的机会。如意愿画，幼儿在意愿画中可以大胆想象，大胆创作，可以无拘无束地表达童心、童趣。如同一主题“小蝌蚪去春游”，幼儿可以自由选择不同的材料和不同的表达方式。有的用彩笔画了一个美丽的池塘，一群小蝌蚪游来游去；有的采用手指画，用颜料点出一只只活灵活现的小蝌蚪；有的用黑色蜡光纸撕成一只只可爱的小蝌蚪，然后组成一幅漂亮的小蝌蚪春游图——幼儿创作形式多样，作品内容丰富，充分发挥了幼儿想象力。­

最后，尊重幼儿作品，“肯定和接纳他们独特的审美感受和表现方式，分享他们创造的快乐”是培养幼儿创造性人格的重要手段之一。每次作品完成之后，我都把全班幼儿的作品一张一张贴出来，让幼儿互相审视、交流。有时还让幼儿给大家介绍自己是怎样想的和怎样画的，孩子们兴致勃勃地讲述自己的构思。不管孩子的想法是否异想天开，只要是健康的，我都会给予肯定，并和全班幼儿一起分享他们创造的快乐。幼儿经过交流、审视、相互观摩，他们心里明白，谁的作品最新颖，谁的作品颜色最漂亮，自己的作品有什么不足——通过作品评价过程，幼儿能大胆发表自己独特的想法和观点，认真听取别人的意见，并不断提高他们的自尊心、自信心，以及参加创作活动的主动性和独创性。­

幼儿正处于创造和发展的时期，他们需要教育者为他们打开创造的大门。美术活动是艺术领域的重要部分，幼儿创造力的培养是美术活动的重要目标。因此，作为幼儿教师，应认真贯彻《纲要》精神，在教育活动中培养和发展幼儿创造力。­

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5.舞台美术设计创作 篇五

【摘要】笔者认为兴趣和信心是靠每获得一点点成功慢慢累积的。在儿童美术教学中也是如此，写生训练能培养学生的观察能力、感知能力、对生活状态的敏锐体验能力，它是学生获得点滴成功的基石；美术创作更多的是一种自我的表达和一种情感的宣泄，它是学生建起高楼大厦的砖瓦。写生训练与美术创作统一的教学无疑会带来儿童美术教学上质的飞跃。通过这样一段时间的美术学习和创造过程，使儿童的审美感受，情感经验，自由精神，创造才能，伦理能力等在内的人格得到全面发展。

【关键词】写生训练美术创作统一

一、研究的背景和意义

在现阶段儿童美术教学中，强调记忆、创造和想象。但是，我们首先已面临着一大挑战：儿童的生活环境，社区家庭文化逐渐把孩子培育成“温室里的花朵”以及商业经济社会的飞速发展为我们提供的一切便利产品让孩子无法看到对象本来的样子和本质的东西。长此以往，孩子对大自然的印象也越来越模糊。若单从言语和知识方面去传达，并未让孩子亲身感知，试问他们能拿什么来记忆和想象？他们能创造什么？他们拿什么去热爱、去流露和发泄自身的情感以至成为一个完善的人？然而，美术活动的意义之一，在于极大地发展了儿童的感知觉、观察力、记忆力和用自己的语言来表达心理活动的一种能力（绘画技能和想像创意）。经过一段时间的实践和研究，写生训练与美术创作的统一可作为我们儿童美术教学过程中的一次尝试。

众所周知，儿童对美术的热情与渴望是与生俱来的。他们往往用画笔不厌其烦地阐释他们眼中的世界。然而，几年儿童美术教学以后，我们发现：他们中的多数人普遍对绘画的热情退却了，甚至连拿起画笔的信心也丧失了。作为小学美术教学工作者，我们有责任去探讨现阶段儿童美术教学中存在的问题：

1、儿童自身美术水平的发展带给美术教学的问题

根据我国美术教育家王大根对儿童美术发展的划分来看，小学阶段的儿童正处于符号期向写实期的过渡时期，他们随着年龄的增大，接触美术作品和阅历的增加，有了空间深度的感觉，逐渐摆脱了儿童画的天真、大胆、稚拙的作画特点，他们本能地认为绘画应讲究逼真、具体、实感，即“象”。所以在表现对象时，绘 1

画风格不自觉地倾向拘谨、工细。这一阶段，教师本应以学生为中心，供给学生一些必须掌握的绘画基础知识和基本技法，帮助儿童顺利地从符号期过渡到写实期。但是现阶段的美术教学，往往没有把握这一重要时机，疏于技法的传授。在他们进入高年级以后，留下了一时难以弥补的缺陷。儿童由于缺少了向高一级绘画攀登的阶梯，只能长期处于“眼高手低”水平，这将直接导致儿童对美术失去信心和兴趣。

2、儿童美术教学中缺乏写生训练

美术更多的是一种视觉艺术，它首先必须借助于观察。我们知道，写生是提高儿童观察能力的重要途径。但在具体的教学中，由于时间、场地等教学条件的限制等种种原因不能充分地开展写生教学，使儿童美术创作指导依然凭借已有的经验和模式进行，作品中所表现的人物、动物等形象往往只是重复自己的过去，呈概念化和程式化。所谓的想象和记忆也只不过是对画面情节的设计和内容的重组或被简化成了一种单调的拼图游戏。因此，对于儿童而言，美术也失去了它特有的创新、发展、审美等功能和意义。

3、对儿童美术创作认识的偏差

我们认为，儿童美术创作的完整内涵主要应包括美术技能技法和创作灵感两个方面，而且两者之间存在着天然的联系，单独地强调某一方面都会影响儿童美术创作的发展。所以，我们既要大力提倡培养学生的创造意识和创作灵感，又要加强儿童绘画技能技法的培养。这并不是要回到以往我国儿童美术教育片面强调技能技法的老路上去，而是让美术技能技法的训练与创作灵感的挖掘之间达到一种更和谐的状态。但在当今的美术教学中的部分美术教师片面认为儿童美术教学要重在发展学生的个性，如果讲究技能技法就会束缚儿童的手脚，因此，在儿童美术教学上形成了一种不良的态势：对那些“天真无邪”的作品，无论年龄大小，一律倍加赞赏，甚至到高年级仍疏于技能技法的指导。由于方法上缺少基本技能技法的指导，许多儿童就在自身的困惑和教学存在的问题的矛盾中丢失了原先那种对美术的热情。

二、如何进行写生训练与美术创作统一的教学

当儿童美术教学存在的这几点问题摆在我们面前时，我们的责任首先是培养学生科学的观察方法和观察能力，发现美，再是创造美。即我们如何对儿童美术进行写生训练和美术创作统一的教学？

1、让儿童明确写生训练和美术创作的理解。

写生是直接面对对象进行描绘的一种绘画方法，是训练人的观察能力、分析能力和造型能力的重要手段，还是美术与现实生活相联系的重要途径。其根据描绘对象不同分为“风景写生”、“静物写生”和“人像写生”等。写生训练也是初学者最重要的训练方法。

美术创作是对现实生活的主观反映。儿童美术创作是学生自由想象和创造的载体。美术创作的形式有： 意象画、联想画、抽象画、变形画、自由画、记忆画、想象画。

2、让儿童懂得写生训练与美术创作统一教学的合理性。

我们知道，儿童写生训练是低年级美术教育教学过程中的一个重要组成部分。它在一定程度上解决了美术创作的难点。（1）由于写生训练是培养科学观察方法的重要手段，能培养学生的观察能力、感知能力、对生活状态的敏锐体验能力，并引导全面、仔细而且深刻地观察以便在头脑中积累大量的真实事物形象。解决“画什么”的问题：就是要将头脑中的种种意象转化为画面，构思落实到构图当中的问题。那些形象便成为美术创作的素材和发挥一切想象力进行创作的根本。

（2）由于写生训练是掌握美术技法的重要途径之一。解决“怎么画”的问题：即如何造形、如何用色等，最终创作出“美”的作品来。

美术创作离不开写生训练，它的主要特征是情感表现，其情感的内容来源于他们对生活的体验与感受。我们通过写生训练使学生在艺术创作上达到一定水平后更好地流露自己的情感。经过多次的写生训练，将大大地改造了儿童的知觉，把知觉提高到一个更高的水平，儿童们逐步形成了自己的感知觉体系，再进行艺术创作，再进行写生，反复锻炼学生的耐心和毅力及踏实认真的品格，促进儿童智力的全面发展和对美术的可持续发展，是个人品质形成的重要途径之一。

3、让儿童懂得写生训练与美术创作统一教学的可行性。

王大根在《美术教学论》中提到，“如果课程采取让学生实际观察苹果、鸭梨，再自己动手作画的方式，感性的认识、初步的写生意识培养所形成的概括表现方法就能在实际活动的基础上主动形成，这会使儿童认知体系在现有水平上，经过教师的启发引导，形成独立的系统。”可见，两者统一教学是有利于儿童提高综合素质的。

在两者统一的教学过程中，师生应共同关注写生训练和艺术创作有机统一的每一“过程”——由简到繁、循序渐进。从写生到创作再到写生都有一个过程，每个过程都是实现了“质的飞跃”的重要因素。其中，需要教师的启发、引导或

讲解，向学生提供各种思路，指出画面中在构思、构图、造型、色彩等各方面要注意的问题，最终要让学生独立去想、去画、去创造或是学生小组合作一起完成。笔者通过亲身的体验和实践，深刻地感受到它所体现的优越性，并为解决现阶段儿童美术教学存在的问题提供了一条切实可行的途径。

三、儿童美术写生训练与美术创作统一教学的基本步骤：

首先，要为写生训练与艺术创作统一教学创设条件。硬件设施：有一个宽敞的美术室和比较齐全的美术器具及教材；师生共同拥有一个收集废旧生活用品的百宝箱或真实物品图片，如电筒、水壶、杯子、书包等，便于写生训练。软件方面：结合现阶段儿童美术教学存在的问题，具体拿一物体让儿童观察（如苹果）并动用各个感官功能尽可能掌握物体的特征，了解儿童观察能力和认知水平，要求他们在已有的认知水平上进行美术想象创作，以此制订适合儿童能力水平的写生训练和美术创作统一教学的一套计划。具体教学步骤如下：

1、学会观察。师生一同在校园“寻宝”，以自由宽松的氛围开展教学。对观察对象有所选择，一般以较为简单的形象开始入画。当找到一个“合适对象”，教师以速写形式进行示范指导（附1：范作《可口可乐瓶》），让儿童了解写生是怎样实施的，并在示范过程中用幽默且通俗的语言概括带过写生的概念、写生的好处等，进行“启发教育”。

教学体会：儿童对写生教学很有新鲜感。他们在此教学中比在其他学科领域中能更大程度地调整自身的行为。尤其是对美术失去兴趣的五、六年级儿童对美术也重新投以热情，教师在这个时候“趁热打铁”，使儿童目睹这一从选择对象到快速写生的过程，使学生发觉写生不难，而且发现生活中可入画的东西很多，逐渐使他们无形中加倍注意生活中的事物，进而培养自身的观察能力。另外，对于好动的一、二年级儿童，写生使他们变得安静些；对于其中粗心的，写生可以培养他们的细心；对于有坚持写生的习惯的儿童，可培养他们的毅力、恒心和好奇心。

2、树立信心，观察生活。对儿童进行写生训练时，必须注意儿童的身心特点，不能讲过多地道理，写生物也不能变动太大，被观察物体由简单到复杂的训练开始，如先通过观察写生我们身边的杯子、门窗、文具盒、桌子、椅子、书包、电话机、自行车等等（附2：

一、二年级儿童习作《妈妈的包》、《茶壶》、《电话机》、《自行车》等），让儿童能很好的把握，体验每一次成功的喜悦，然后再到路旁的电话亭，街道，房子，树木，山川，河流等。对能从不同的角度去画的学生大力

夸奖，鼓励他们自己说，说说发现了什么。这样一来，下次写生就会增加几张从不同角度画的作业。到小学中年级，我就明确提出从不同角度去观察分析和表现的要求。有了科学的观察方法后，儿童画起来一点也不吃力，比例、结构、轮廓都容易画准确并能深入刻画了。

教学体会：在儿童美术教学中，让儿童找到成功的感觉，其实就在于教师对儿童的了解情况。进行一段时间的教学后，儿童主动地从生活中去发现美，并独立地完成了写生作业。同时，他们也从中学会感受身边美好事物的来之不易，并懂得珍惜，进而培养高尚的人格品质。

3、想象和创造美。教师可以对话式的教学入手，旨在对儿童的人文素养进行全方位的培育，要求他们大胆进行儿童美术创作。创作的命题的基本要求能够适合学生的年龄、知识和兴趣，有一定的宽容度。技法要求贴近童真本性；突出主题的“儿童味”（即“童趣”）； 突出画面布局的整体性；突出表现手法的夸张性。

教学体会：由于儿童经过一段教学时日后，头脑有了丰富的创作素材积累。在只要教师稍做引导，他们便可在接下去的创作过程中顺利开展。这利于学生身心发展，发挥自己的个性，使创作作品更具“儿童味”。这也是我们儿童美术教学的真正意义。

4、在多元性评价中体现儿童美术作品的价值。让儿童在全班介绍自己作品的创作思路以及心得；教师作适当的引导和点评或进行同学间互评；布置一些小型的展览，供儿童参观互相欣赏、评价和交流；组织儿童参加一些赛事活动，进一步发挥儿童的命题创作潜力。

教学体会：作品的欣赏与评价既是一次写生创作过程的终结，又为下一次写生创作提供了丰富经验，提供了一种新的潜在的审美意识。我们在点评儿童的过程中，要注意尊重儿童的看法，绝不能以成人的眼光和标准去欣赏和评价作品，要站在孩子的立场，以发展的眼光来看待他们的作品。教师的态度和评价对孩子会有相当的影响。如果评价不好，可能会打击、挫伤儿童绘画创作的积极性。另外，教师在布置展览的时候，要注意作品选择的广泛性。因为，当一个学生的作品被展览，被同学认可，对他而言，这种精神的满足远比作品的本身有着更大的意义。（附3：儿童获奖作品《哥哥的生日》、《爱劳动》、《小雷锋》）

四、写生训练与艺术创作统一教学打破了哪些格局。

总的来说，两者的统一打破了以教师为主的传统灌输式教育模式，代之以启

发式教学，调动儿童个人的发现能力和创造力。主要表现在：

1、打破儿童美术作品成人化趋向的格局：儿童美术与儿童智力成长是同步发展的。保持儿童画的个性特色，在创作理论和实践上取得突破。儿童是独立的个体，也有自己特定年龄所表现出的思想，指导儿童画创作应该是以学生为中心，作品终究是要由儿童自己来画。我们成人不能一味地想成全自身的视觉感受而抹杀了儿童美术的童真本性。两者的统一给了学生更多的空间和表现自身的机会。

2、打破儿童美术作品空洞性的格局：在的教学实践中，我总结出每一件优秀的儿童美术作品必须有可看的东西在里面，它可能包含了一个故事或一个情节，表达的是小作者的一份心思和情绪。另外，写生素材的积累能在学生在美术创作中发挥实效。两者的统一，更大程度上地使学生的身心得到全面发展。

3、打破儿童美术作品、“千篇一律”、“万变不离其中”的格局：那种跟着老师看一点画一点的传统教学方法或者“手把手教”的方法已不适合这个时代了，我们的儿童美术作品决不能没了创新和想象。最佳的方法就是让学生在教师的指引下走进生活，观察体验生活中的人和事。写生训练与美术创作的有机统一适合于各个年龄段，只是各个年龄段它们所表现出来的东西不一样。

我们的教学目标不是要每个孩子都能成为画家，但是要使每个孩子都能成为一个爱观察、爱生活的人，一个有感情的人。我认为一个爱观察、爱生活的人，一定是一个综合素质发展较全面的人。三十年代初，著名的美术教育理论家丰子恺就艺术教育做过这样的表述“我教艺术科主张不求直接效果，而注重间接效果，不求学生能直接有用之画，但求涵养其爱美之心，能用作画一般的心来处理生活，对付人生，则生活美化，人世和平，此为艺术的最大效果。”

[参考文献]：

1、李力加著：《萌动与发展——儿童美术教育学研究》

2、王大根著：《美术教学论》

6.中师美术创作与校园文化论文 篇六

一、校园文化设计的原则

1.地域性与国际化相统一的原则。

校园文化作为一种文化形态具有双重性：一是作为亚文化，会受到地域文化的重大影响。因此表现有民族性;二是作为现代文明的产物，必须会受到国际上，特别是教育先进国家校园文化的影响，因此会有国际性。作为地域性的校园文化方面，校园文化的设计必须充分考虑到与民族传统文化的关系。只有如此，才能设计出为广大全体师生员工接受又通行于现代教育的校园文化。

2.精神与物质相一致。

校园文化的构成可分为物质性要素和精神性要素两类。前者由教学仪器设备，校风校貌、教学质量、实训、奖助学金等因素组成，后者体现为校园群体的礼仪习俗、理想价值观、思维方式、品质作风、教职人员文化层次等方面。必须同时注重两个方面要素的建设和发展。物质性要素和精神性要素是构成的校园文化的基本因素。

3.个性与共性相统一的原则。

校园文化的个性表现为区别于其他学校的作风、习俗、奋斗目标、以及仪器设备状况、校容校貌、人员受教育程度等等。校园文化的共性是指所有的院校共有的校园文化特性，表现为共通的物质方面的特性，比如完善的现代化教学环境，即先进又完善的试验实训基地等。全国的大多数院校都处于校园文化的建设进程中，在基础的优势上，都在挖掘和塑造自己院校的个性，重在要尽全力使自己学校的.校园文化区别于其他的校园文化，这是体现一个院校特设办学价值的重要条件之一。设计者和全体员工的共同努力。校园文化的共性与个性不是彼此对立、相互分离的，而是一个统一体。个性中隐含着共性，共性富于个性之中。我们在进行校园文化的设计时，务必记住这一点。

4.整体艺术与局部美学相统一的原则

校园文化是一个文化艺术系统的工程，是由许多局部分子组成的整体。为了校园文化建设成为一个美学系统有效地发挥作用，就必须同时建设校园文化的局部主要是指院校的礼仪美学、价值取向、人文社科、教工德育心里美学教育工作等，构成校园文化的基本要素。校园文化的整体即由各种要素之间相互联系形成的艺术整体，它体现为院校的办学理念、内含和外部形象等。校园文化的整体呈现也就是每一所院校表现出丰富的特色办学及良好的外部形象展示。

二、校园文化设计的特点

1.教育民族化。

校园文化是地域文化艺术的具体体现由地域精英人才工共同创造的。好的校园文化最大程度上是在转变的人的观念和创建民主的和谐环境之中构建的高度重视创造型人格的培养，把员工看成是地方经济建设起引领作用的主体，充分重视他们的才能和需要，物质利益即身心健康的需要，文化生活美德的需要，这是校园文化的中心内容之一。从这点上说，校园文化实际上是民族精神的化身。

2.作用系统化。

作为教学基地和文化美学相结合的产物，校园文化也是受行政管理的精神文明建设而造就成的一种既定的文化环境，校园里的每一个教员在育人中形成的社会需要的价值观念、规范的美学思想和道德准则。

3.循环整体化。

校园文化是学校在教育教学过程中精神、思想成果的沉淀，是以整个学院的建设和发展为出发点和立足点的。学院的根本任务是教书是育人，校园文化的整体活动都要围绕教书育人这一核心而展开，都要参与实现整个学院文化建设工作的大循环。学院机构设置的各个系部、各个教辅系统，都是从维持学校正常教学运转、保证学院终始目标而考虑的。它的运转无一不统一在学校总体的大目标之下而和谐地共振，就好比太阳系的九大行星虽然各自有着各自自传的规律，但始终不脱离公转的运行轨道一样。

4.目标集体化。

校园文化要体现以人为本的思想，调动教工的主动性、积极性，目标要具体化目标要具体实在，它包含学院在一定时间或阶段内要达到的标准、数量的指标和最佳的可见效益，其中体现着丰富的精神道德成果，并采取切实有效的具体的措施把它变成全体教职员工共同遵循的指导思想、启迪他们在为完善学院特设校园文建设目标过程中实现自身的价值。

三、校园文化设计的重点

1.培养校园道德。

校园道德是校园形象的内在要素，是实现教书育人目的的关键所在。校园里有良好的道德声誉，如教学质量高、教师之间互敬互爱、互相帮助，教师对教育事业认真负责、无私奉献等等，都是学校发展壮大和兴旺发达的力量源泉。因此，要充分重视校园道德文化的建设，分别制定不同层次，不同标准的道德规范，在实践教学中全力培养并使之成为全体教职员工广大师生的自觉行为。

2.培养校园精神。

校园精神是校园文化的核心。校园精神是指经过长期培育、倡导而形成的具有校园独特个性和激励作用并为广大职工共同接受的群体意识、生活信条和行为准则。如“无私奉献、争创一流”等等。没有优良的校园精神，就没有良好的校园素质和校园形象，建设校园文化，要十分重视校园精神素养的加强，以团结创新、律己务实、勇于实践、奉献守法为内容，规范学校每一名师生员工的行为，形成共同的价值取向和信念基础，激励学院教职员工为提高职业教育中的特色办学而努力工作。

3.创立校园哲学。

7.舞台美术设计创作 篇七

“悬搁”(Epoche)是一种哲学方法,它在哲学史中早已存在,最早可以追溯到怀疑论者皮浪那里,意指“悬搁一切判断”,以此表达对未经严格的理论探究而相信事实存在的常识和日常经验的不信任;作为一种系统的哲学方法,在哲学、美学、艺术等领域产生了持久而广泛的影响,特别是对于胡塞尔的现象学产生了重要的影响。现象学要悬搁什么?“现象学悬搁首先意味着由自然态度向现象学态度的转变;其次,悬搁意味着中止判断、中立化,即对象实际存在与否存而不论;再次,悬搁之目的不是否认世界的存在而是改变我们对世界的认识,因此是一种价值转换。它对美学和艺术研究的意义在于,排除观念论与实在论的影响,为我们重新认识和理解美学和艺术现象提供了新的思路和方法。”“悬搁”的基本精神在于,它为我们提供了一种对待事物的全新的态度和方式,为我们打开了新的天地和领域,从这个角度讲,它是一种解放和拓展;对生活世界中的素朴的自然态度的悬搁能够揭示出进行构造及其构造成就的主体性,胡塞尔称之为“超越论的主体性”。具体到美学和艺术领域,现象学悬搁要求人们抛弃主客绝对分离的思维方式,放弃单纯从客观或主观或者将两者简单相加的理论努力,放弃要么再现要么表现的简单化理论概括等,转而面向艺术作品本身,面向审美对象本身。艺术家对待世界的态度与现象学家对待世界的态度是相似的,不同的地方只是在于:前者的目的不是为了论证和在概念中把握这个世界现象的意义,而是在于直觉地占有这个现象,以便从中为美学的创造性刻画收集丰富的形象和材料。

二、“悬搁”之于教育现象学

最早把现象学理论引入教育领域的是德国海德堡大学校长克里克(E1 Krieck),但教育现象学的早期发展却是在荷兰,以兰格维尔德(Martinus Jan Langeveld)为首的乌德勒支(Utrecht)学院的成员们创立并发展了教育现象学。20世纪70年代,北美开始在教育学领域形成现象学传统,教育现象学在加拿大得到很大发展。1984年,加拿大教育家马克斯·范梅南教授首创了《现象学+教育学》杂志,引来许多世界知名的教育专家在其上发表论文探讨教育学和现象学的相关学术问题,并逐渐在世界教育界树立了这门独特的人文视角的教育学。范梅南新颖的人文科学教育学视角在中国的教育界产生了极大反响,并向读者打开了一幅全新的教育研究方法的图景。北京大学朱光明“透视教育现象学———论教育现象学研究中的三个基本问题”、北京师范大学霍金宁“教育现象学:蕴含、价值与限度”等文献表明教育现象学对于中国教育的影响。如何运用这一追溯人的最原初体验的方法,如何将我们已经拥有的成见、概念、理论、看法等悬置起来,而先去获取未经反思的生活体验,然后再来反思,这一点非常重要。将现象学方法用于研究和思考教育的问题,就是一种独特的生活取向,一种生活实践的取向。现象学教育学关注的是学生和教师的种种生活体验,并从中获取有益的反思,从而形成一种特有的教育机智和对具体教育情境的敏感性。必须指出的是现象学的教育学恰恰反对将教育的活动理论化、抽象化。范梅南教授认为现象学教育学有四个特点:(1)关注普通日常生活经验,而不是形而上学的问题;(2)具有规范性倾向,而不是坚持价值中立;(3)着重具体经验的反思而不是理论的抽象;(4)现象学要求兼具写作深刻文本的高超才能和反思性的学识。由此可以看出,教育现象学悬置了所有的教育原理、方法、规则等,重视从学生出发,从教育现象出发,尊重学生作为人的存在及其发展成长的可能性,从而实现教育的价值。

三、“悬搁”之于美术与设计教学中创造意识和创作能力培养

美术与设计从根本上讲是一个创造性的活动,然而在美术与设计专业教学中,如何培养创新意识和创作能力,需要通过必要的方法和手段来展开,我们试图通过哲学意义上“悬搁”方法,对美术与设计教学中的“常规性”加以搁置,采用一些非常规的教学方式,来使学生获得新的体验,从而使学生突破已有的思维习惯和心理惯性,使学生形成创造意识和具备创作的能力,下面通过一些课堂教学的实际案例来加以论述。

1.搁置写生写实的理性绘塑,采用即看即画的直觉表述———减少思考的画画。写生和临摹教学是在美术与设计教学中运用最多、最为常见的教学方式,特别是长期性的写生和临摹训练侧重于理性的观察、表现,极易被客观对象的形、色、体积、空间、结构等所影响,出现被动抄袭和简单描摹的状态,而对于绘画本体的直观感受和画面关系建构被忽视。因而在美术与设计专业教学中直觉思维训练是极其重要的。直觉是人类意识的本能反应,是意识的源反应,直觉具有直接性、快速性、跳跃性、个体性、坚信感、或然性、本能意识等特征。感觉通过绘画得以表达,越是感性的画面,其感觉的成分越重,在没有思考的状态中,人更多的是靠感觉来做事和控制自己,“通过四肢和身体的动作来直接表述意念。”(迪尔·塞勒美)比如绘画的大势草图,这是基于感觉的训练,并通过训练得以强化感觉。具体操作的方法:眼睛盯着物体观察并移动,手重复眼睛的线路,迅速地在画面中定义物体的一般特性———位置、比例、形状以及各部位之间的关系、块面和体积的清晰度以及它们在空间中的安排;基本要求:眼睛盯着对象看并不断移动,基本不离开对象;手与笔在画面中不断寻找看所产生的形、色、体等关系,由感觉来控制手和笔的走势,要强化大关系的观察与表现,取势是第一要素,大形、大体积、大位置、大比例、大颜色、大空间等;大势草图要注重从画纸的不同位置开始构建画面关系,并强化画面的虚实、强弱、视觉中心的形成,节奏韵律的控制;重视笔的轻重感觉在画面中的运动,已形成颜色的浓淡轻重虚实变化,体会画的感觉;大势草图的练习一般以短时性作业为主,带有一定的速写性,但又不同于速写的训练;大势草图练习的画面要稍大些为好,这样便于放开来画。

2.搁置“胸有成竹”的画面预设,采取依据现象的推导图式——列举可能性,获得新图式。“胸有成竹”源自于宋朝苏轼《文与可画筼筜谷偃竹记》:“故画竹,必先得成竹于胸中。”“胸有成竹”是作画者对自然竹子的深刻认识,作画时能够落墨不多,而雨态风姿,各得其妙。这是经验积累对于绘画创作的积极意义和价值,但对于创作意识的培养而言,过多的经验干扰会使人跳进一个固有的模式中,无法得到新的创作途径和方法,从而产生新的视觉图式。在美术与设计教学中,学生往往容易模仿,这种模仿如果源自于学生对自我的突破,在某种意义上也算是一种自我觉醒的创造意识。但模仿最终让学生变得没有新的可能性出现。因此,在教学中,我们不问结果,而从现象出发,依据所产生的现象,推演出众多的可能性画面图式,或者直接描述出自己的直观感受和视觉观察所得,然后结合已有的知识和经验,对画面的结果做出判断。这些现象包括学生自身的生活体验和感受客观的自然现象,或者通过某些方式而展现出来的现象,如对于学生的构图训练,我们让学生排除掉固有的三角形构图、梯形构图、圆形构图、S形构图、C形构图等形式,直接从一张白纸开始,在画面中安排一个点或者一根线或者一个面开始,通过位置、大小、长短、形状的变化列举出多种可能性,让学生来观察构图所要研究的问题和基本内容;也可以从限定学生控制画幅的边线开始,列举形态与画面边线的关系的多种可能性入手,以此衍生到安排一个物体和众多的物体,再衍生至环境的变化。

3.搁置固有的视觉经验,有意制造“黑白颠倒”———寻找视觉刺激的新鲜度。任何的视觉经验对于学生来讲具有重要的作用和价值,它可以使学生寻找到一种学习的方法和途径,然而对于学生而言,习惯性的视觉经验会对其学习产生不利的影响,大部分的表达和描绘只是视觉可及的东西,缺少对对象的认识和理解。由此我们可以抛弃直观的视觉经验,有意制造“黑白颠倒”非正常视觉效果的客观事实,让学生理清其合理的关系,比如强化学生对人物基本结构的理解,我们将石膏像颠倒过来画,或者平放着来画,这样的非正常视觉下让学生更多地关注视觉的即时感受和表达。再如,静物写真训练时,要求学生将静物拿到手上看,用放大镜看,拆解物象看,从不同角度看等多种方式,加强学生对静物的深刻理解和表达。

4.搁置物象的整体关系,实施物象的解构重组———探寻物象关系的新可能。美术与设计教学和创作一直重视整体关系的建立和控制,这是建立画面关系的基础,这个抽象的词语很多时候无法用确切的画面涵盖,因此,在美术与设计教学、艺术创作领域要借鉴哲学意义上的“解构”与“重组”理论和方法,实现新的创造可能性探究。哲学上的解构主义是哲学家德里达等对福柯、巴尔特的后结构主义的否定、消解,解构主义反对任何形式的中心,否认任何名目的优先地位,消解一切本质主义的思维方式,采取批判与否定的态度,对艺术创作的原则产生了重要影响。“解构主义是对现代主义正统原则和标准批判地加以继承,运用现代主义的语汇,却颠倒、重构各种既有语汇之间的关系,从逻辑上否定传统的基本设计原则(美学、力学、功能),由此产生新的意义。用分解的观念,强调打碎、叠加、重组,重视个体、部件本身,反对总体统一而创造出支离破碎和不确定感。”在美术与设计专业教学中,我们试图通过对物象以及画面进行解构和重组,以产生新的形态和画面效果,这样的方式避免了形态再造和画面效果的重复可能,从而培养学生的创造意识和创作能力。解构和重组是对物象的重新认识,是获得新形、创造全新的画面关系和效果的有效方法,也是我们观察与认识客观自然的结果;这是一种观念、一种思想、一种创造、一种思考,也是一种解决问题的途径与方式。解构物象与画面就像拆零件似的将整体拆散成各种不同的零部件。具体操作中它完全可以是随机的可能性结果,也可以依据一定的方法来实现,比如,拆散一棵西兰花,可以采用拆、切、揉、捏、挤、压、摔、打等多种方式,就切而言,是横切、竖切、斜切等,是切一刀、两刀还是无数刀,其可能性是无法全部列举清楚,但我们可以获得一种产生新形的思维方式和操作方法。拆解后的物象还取决于观察正、侧、平、俯、仰等角度的差异实现形态关系的变化,也包括人眼观察、放大镜观察、显微镜观察、相机拍摄、太空卫星观测等观察的方式的改变导致形态新的可能性产生。解剖物象可以看到物象表面以外许多更为有趣的图形,观察方式的改变使我们发现世界的奇妙。重组是对物象和解构得到的图形不再按照原来的结构或方式复原,而是组合一个与原物象完全不同的新的形象或图形,或者是根据自己的需要进行重新组合,组合时不必要借助太多的经验干预,而重视组合时的随机性的可能研究,在不出现还原原物象和新形雷同的情况下,其创造的可能性就是有价值的,从创造的层面来看,远离物象越远、创造的新形差距越大,其创造的意义和价值越大。重组的依据是一个人的审美观念、想象创造、观察思考的能力;重组的方法包含相离、相切(对接)、相交(卯榫、交叉、重复等),可以是单体重组,也可以是多体重组;重组仍然可以遵循对称、均衡、重复、渐变、放射、比例、密集、疏散、对立与统一、开合呼应等形式美原理,也可以是随机的无限可能性研究。重组新图形的多向性与不确定性是重组的意义和价值所在;审美主体的思想、观念、生活经验、学识修养、创造性、审美判断、价值取向、情感传达、技术水准等都蕴含其中。解构和重组是两种完全不同的方法,既可以单独使用,也可以联合使用,分别具有创造新形的可能性价值,旨在培养学生的直觉感受—抽象分析—概括组织—建构再造的能力,探寻形式—语言—个性表达—审美趣味。将客观物象进行切割后重新组合,或者将一张画或照片切割后重新组合,注意尽可能地表达自己的一些想法或趣味,寻找不同的画面形式,以体现自己的个性和审美,达到对既定模式、方式、方法的颠覆、否定、消解。

5.搁置秩序,乱中寻找———破坏的积极作用,突破视觉经验的可能。“乱世出英雄”是在中国广为流传的老话,是五千年中国政治、历史、文化经达千秋岁月磨炼而成的规律。这话虽是形容英雄出世的背景,实则对于美术与设计以及教学而言,同样具有重要的参考价值。当美术和设计在形成了一定的程式或模式时,我们往往需要的是如何突破,如何实现新的创造可能,“破坏”或许是一种有效的方法。从造型或者画面来说,是对原来形态和画面的破坏与否定,从思维的层面来看,是逆向思维的结果。破坏掉原来的形态和画面关系,最好是做到“面目全非”,依据新的“面目”寻找秩序,探寻美术与设计的本质要素,摆脱原有形态和画面的约束,最后建立起与原形和原画完全不同的效果。

6.搁置合理的常规技术,从无用、失误中获得启示———有效与有意的使用。艺术的创新,既体现在绘画语言、形式的创新,又体现在技术的创新,甚至可以说,正是技术的进步和改变使艺术语言和形式的创新成为可能,因此要使自己的艺术作品有新意,技术的改造和创新是极为重要的环节。对于大学生而言,一方面要重视对传统艺术技术的解读、学习和掌握,并达到一定的水准;另一方面,必须结合自己的学习状况,有效突破既有技术的限制而获得新的技术可能,为自己新的艺术语言和形式表达寻找突破口。这里包含几个层面的含义,一是技术的突破,在使用原有工具材料的基础上获得使用方法的更新,产生新的效果。二是技术的使用程序不变,适度改变材料或者媒介,产生新的效果。三是完全使用新材料、媒介而使技术发生改变,得到新的效果。工具材料和媒介发生作用所产生的一切效果其本身无所谓好与坏的问题,这是一个必然或者偶然的结果,其关键在于艺术家是否能够控制或者有效利用,不可控制的许多效果可以增加画面的灵动性,可控制的效果可以使画面能够按照艺术家预期的结果发展至完善的程度。因此工具、材料、技术运用的关键在于有效利用和控制,同时达到技术为艺术表达服务的最终目的。历史上著名的“落墨为蝇”的故事正是将错就错的典范,当代中国画家田黎明正是通过自己作画时因笔上的水不小心滴到宣纸上而受到启发,“1989年,一滴偶然在宣纸上形成的水滴斑痕,让田黎明看到了阳光,长久以来贮藏在心底的体验和记忆,被点燃了,阳光的‘斑点’从此成为田黎明绘画语汇中最重要的形式符号,走进他的水墨世界;这些不断变化和活动的‘光斑’,为画家的创造提供了一个富有生命力的‘自然空间’,它使画面上的‘空气’和‘水’具有了可以触摸的质感,使画面拥有了丰富的色彩变幻和声音交响;‘光斑’和‘光影’的发现和运用,标志着田黎明绘画风格的成熟。”

7.搁置“绘”“画”,采用“书”“写”。美术与设计专业学生普遍地认为画好画是他们理所必然的事情,因此在学习中始终以动手画画为基本的出发点,手绘也是美术与设计专业学生必备的基本功,然而,长期以来的固有观念和认识,让学生形成了固有的模式,特别是画到一定阶段时,手头的表现被局限,甚至不论尽多大的努力就是没有进展。这时我们往往需要停下来做些梳理和分析工作,因此,要搁置“画”和“绘”,而转向“写”、“阅读”,“写”是将自己的想法和理解的东西进行梳理,从中寻找脉络和思路,探寻可能需要解决的问题途径与方法,写也可以将自己的疑惑和思考不清的问题加以罗列,以期在后面的学习中逐步探讨,明确自己学习要追随的方向和目标。“阅读”在这里包含两个方面的意思,一是要在有困惑的时间里多看理论书籍,获得理性上的认识,或许可以释疑;二是用专业化的眼界去看经典的、优秀的美术与设计作品,从中读出东西来,诸如造型、构图、色彩、色调、线条、明暗、空间、观念、作者的创作意图、形式美感等。对于美术与设计创作,书写创作文本也是一个重要的过程,一方面教会学生对自己创作主题内容去查阅所需要的文献资料和图片,并加以整理,以寻找自己的创作切入点;二是理清自己的创作思路、创作所要表达的思想观念、创作方法、进程安排、采风调查等一系列的问题,为动手画画和设计做好充分的准备。书写好自己的创作方案文本可以使后期的创作实践工作进展更为顺利有效;同时,也培养了自己的写作能力和语言表达能力。

综上所述,基于意识“悬搁”的美术与设计创造意识和创作能力的训练,主要是从学生的体验出发,加强学生的直观感受,尽可能从实际的现象出发,采取罗列可能、直观描述、打散重构、技术改造与实验、文案书写、文献阅读等多种形式对学生进行训练,以此作为契机使学生不断地突破自己固有的认知和视觉经验,获得新的认识和体验,达到提升自己创作能力的目的。“悬搁”之于美术与设计不仅仅是一种方法,更是一种观念,一种看待事物和客观世界的新视点,它为我们的美术与设计创作提供了新的思路和方法,并以此寻找到属于自己的艺术语言和艺术表达方式。“知识的积累是知(甚至只是一知半解)而非智,面对世界抛弃教义、知解而得到的是省悟,却是智慧;在学习的过程中能悬搁别人的判断和结论,用自己的眼睛去看,去探索,才更能接近世界的本质,更能滋养自己的智慧和能力,从而使自己更好地去创造。

参考文献

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[3]李树英.教育现象学:一门新型的教育学—访教育现象学国际大师马克斯·范梅南教授[J].开放教育研究,2005,(06):4-7.

8.即兴创作重回古典舞台 篇八

本次音乐节的一个精彩部分是弦乐四重奏的乐队成员，他们既可以演奏传统的室内乐作品，还可以即兴表演。这些即兴创作的乐段，决不让你觉得他们是在胡乱演奏，因为它们遵循着一套严密的现代音乐创作体系。每一次即兴的独奏听起来都是那么淳朴自然。有趣的是，看一眼乐谱，你会发现上面并没有什么音符，相反演奏者会得到很多文字上的暗示。音乐家们希望，这种带有强烈现场感即兴创作表演形式，能够挽救古典音乐观众不断减少的颓势。

荷兰作曲家雅各布·特·费德胡斯（Jacob ter Veldhuis）说：“上个世纪70年代，我就开始尝试在音乐创作中加入即兴创作，但是却屡遭挫折。那个时候，如果你让一个古典音乐家去搞即兴创作的话，人们会觉得很奇怪。令人欣慰的是，现在已经有越来越多的作曲演奏家在从事即兴演奏的演出”。1982年荣获查尔斯·艾夫斯作曲奖获得者、作曲家普雷斯顿·斯达利（Preston Stahly）把自己比作先锋流行作曲家：“我们是一帮玩着摇滚长大，却在大学里学习对位法和12音体系的作曲学生。流行音乐中的即兴表演部分，是最受观众喜爱的一种形式。因此，越来越多的作曲家希望在演奏乐器的同时，还能进行即兴创作”。

为了顺应这种形式，美国许多音乐学院也对课程设置进行了相应的调整。在曼哈顿音乐学院，即兴创作不仅是研究生课程的一部分，还成为所有古典音乐学生的选修课。早在20世纪90年代，美国国家音乐学校协会，已经将即兴创作列入学士学位的必修科目。曼哈顿音乐学院爵士乐研究会主席贾斯汀·奇奥齐奥说：“即兴创作要求你不仅是个演奏家，还是作曲家、编辑和改编者”。

其实，即兴作曲演奏并不是新生事物。早在巴赫、莫扎特和肖邦时代，作曲家就自己谱曲、演奏并即兴创作自己的音乐。19世纪，随着中产阶级的出现，演奏者作为一个独立的职业出现了。最终，演奏者停止谱写协奏曲的华彩段，更不用说即兴创作了。一些作曲家甚至开始给一些他们根本不了解的乐器谱曲。从那以后，即兴创作变成了一种可有可无的附加的段落。